Para disfrutar plenamente de Luna Nueva es altamente recomendable ver Crepúsculo, ya que este film es claramente una continuación, y por lo tanto si no viste la primera te van a quedar varios cabos sueltos y no te va a parecer muy interesante, ya que te va a faltar la carga emotiva y la ansiedad por saber qué va a pasar en esta parte de la historia.
Este film tiende más al romanticismo que a la acción, ya que en Crepúsculo estaban más equilibrados, y tiene más protagonismo el personaje de Jacob (Taylor Lautner), que el de Edward (Robert Pattinson), pero esto no va en desmedro de la historia, sólo los que vayan a ver al actor y no les interese el argumento pueden molestarse que no esté tanto en pantalla.
La historia en este segundo episodio transcurre de forma más tranquila en sus primeros 90 minutos, para alcanzar un excelente clímax es sus últimos 30, y ni qué hablar de la escena final, donde todo los seguidores de esta saga ya deben querer reservar su entrada para el estreno de la tercera parte.
Luna Nueva es un puente perfecto entre Crepúsculo y Eclipse, la continuación de esta saga. Imperdible para todos los que se engancharon con la primera parte.
"Ezequiel Martínez Estrada" es una película documental sobre la vida y obra del escritor y ensayista argentino Ezequiel Martínez Estrada. Martínez Estrada fue un hombre dedicado a pensar la Argentina y a reflexionar sobre los distintos fenómenos de índole política, histórica y sociológica que aún hoy sacuden al país. La película se desarrolla sobre una base biográfica, en la que el espectador irá conociendo las distintas etapas de la vida del escritor, de la evolución histórica del país y paralelamente, irá conociendo las distintas etapas de su obra.
Entre las numerosas personalidades que fueron entrevistadas para este documental figuran Cristian Ferrer, Horacio González, Héctor Tizón, Flora Guzmán, Nidia Burgos y vecinos del pueblo de Goyena.
Tratamiento
La estructura del documental se basa en un recorrido bio-geográfico, transitando los distintos lugares donde Martinez Estrada vivió y trabajó a lo largo de su vida.
Para esto se realizaron grabaciones en los principales puntos donde el escritor vivió: San José de la Esquina, Buenos Aires, Bahía Blanca, Goyena y La Plata.
Los ejes temáticos son los siguientes:
Origen: su nacimiento en un pequeño pueblo de Santa Fe, Argentina, en 1895 y su infancia en Goyena, al suroeste de la provincia de Buenos Aires, enclavado en el medio de la Pampa.
En esta secuencia la película comenzará a desarrollar algunos de los ejes primarios de la obra del escritor: el hondo significado de la llanura, la soledad de la pampa, las relaciones que establece el hombre con su entorno en ese espacio tan particular, serán ejes vitales en su obra. Asimismo, las vivencias y percepciones que allí atravesará serán fundamentales para su análisis de las relaciones entre el interior del país y la capital, Buenos Aires.
Buenos Aires: En esta secuencia entramos en la siguiente etapa de la vida de Martínez Estrada: en su adolescencia se traslada a Buenos Aires, ciudad en la que vivirá los siguientes 30 años. Allí conoció a su esposa, la pintora italiana Agustina Morriconi y en esa ciudad combinó su pasión por la escritura con su trabajo como empleado del correo. Sus inicios literarios en la poesía, género con el que ganó algunos premios y su giro al género de ensayo, con la publicación de "Radiografía de la pampa". Allí comienza Martínez Estrada su agudo trabajo de pensar y analizar a su país, buscando responsabilidades en todos los ámbitos: pueblo y gobernantes, intelectuales y obreros.
Peronismo: Visceralmente antiperonista, los escritos de Martínez Estrada sobre el peronismo, son de una claridad manifiesta, un análisis agudo sobre las causas que lo generaron y los mecanismos que lo conforman. Su "¿Qué es esto?" es considerado uno de los más claros estudios de compresión del movimiento.
Cuba: Martínez Estrada inició lentamente un viraje de su pensamiento liberal a una filosofía de izquierdas que culminó con su radicación en Cuba en 1961, poniéndose al servicio de la revolución cubana. Allí fue director del Centro de Estudios Latinoamericanos de la Casa de las Américas y publicó numerosas obras sobre la realidad latinoamericana y fundamentalmente sobre la obra de Martí.
Esta secuencia indagará sobre las causas y consecuencias de este viraje, que nuevamente le aparta de sus camaradas hasta ese momento y crea nuevas relaciones e interacciones con intelectuales de toda Latinoamérica.
Vigencia: a su regreso de Cuba se instala definitivamente en Bahía Blanca, donde publica sus últimos escritos y recibe las visitas de colegas y estudiosos. Destacan las visitas que le realizaba René Favaloro, ex alumno suyo del Colegio Nacional de La Plata y figura destacada de la historia argentina, por su quehacer no sólo en el ámbito médico sino histórico y social.
Martínez Estrada sigue siendo reeditado y estudiado en la actualidad, pero permanece en una zona de semipenumbras. Vapuleado, rechazado, ignorado tanto por los pensadores de derecha e izquierdas, permaneció firme en su camino de pensar y analizar la naturaleza de la Argentina y su porvenir. Las repercusiones de su pensamiento se hacen sentir hoy en día y su obra conserva una vigencia asombrosa, examinando fenómenos, hechos y estructuras que siguen estables actualmente.
Ficha técnica del proyecto
Género: Documental
Duración: 80 minutos
Origen: Argentina
Idioma Original: Español
Formato: HDV NTSC
Equipo Técnico
Drección: Marcelo May Guión: Maite Laborde Producción: Maite Laborde Asistente de producción: Milagros Tamalet Fotografía y cámara: Marcelo May Música: Martin Azurmendi Animación: Adrián Cañellas Lectura de textos: Eduardo Leyrado Foto Fija: Federico Sykes Montaje: Marcelo May
EL DIRECTOR
Marcelo Daniel May (Director) Nace en San Martín, provincia de Buenos Aires, en 1979. Cursa los estudios de Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires. Se desempeña como editor y asistente de dirección en forma free lance en diversas productoras. Desde 2006 forma parte de Hammelin Diseño Audiovisual, desempeñándose como realizador y postproductor de diversos productos publicitarios. Durante 2007 y 2008 forma también parte del equipo de trabajo de Sake Argentina, en calidad de postproductor. Inicia su carrera en cine con el cortometraje "Atraco", como guionista y asistente de dirección. Luego realiza el cortometraje "Rueda Fortuna" (2005) como guionista y director., el cual es seleccionado para Telefé Cortos Panorama. Festival Buenos Aires Rojo Sangre y Al Extremo Cortos. En 2007 dirige "Slot Machine", cortometraje seleccionado para el Concurso de Cortometrajes del Centro Cultural Rojas, del mismo año. Dentro de sus trabajos como director se incluyen también los videoclips "Nada", de Mauro Lezcano y "Tan Lejos" de El Culto de Toth. Desde 2008 es director en la productora Cacique Argentina, donde ha dirigido piezas para empresas como Michelin, Johnson & Johnson, Burger King y Valdevez del Sur. Recientemente finalizó también la dirección y postproducción del documental "50%, la otra mitad de la arquitectura", estrenado en la XII Bienal de Arquitectura BA09, en el Centro Cultural Recoleta.
EL PRODUCTOR
Maite Laborde (Producción) Nace en Bahía Blanca, prov. de Buenos Aires, en 1978. Cursa en esta ciudad sus estudios primarios y secundarios. Entre 1996 y 2000 completa los estudios de licenciatura en Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, España. Entre 1998 y 1999 cursa como becaria Erasmus en la Facultad de Medios de la Bauhaus Universität de Weimar, Alemania. De regreso nuevamente en Argentina, en el 2003 conforma, junto con varios colegas, la productora Hammelin Diseño Audiovisual, donde coordina las tareas de producción. Dentro de Hammelin realiza diversas piezas audiovisuales para publicidad y marketing de empresas como Burger King, Fundación Julio Bocca, Toyota Argentina, entre otros. En forma paralela produce los siguientes cortometrajes: "Atraco" (2004) Premio Fejorel a Mejor Diseño de Sonido, "Rueda Fortuna" (2005) Selección Telefé Cortos Panorama y "Slot Machine" (2007) selección Concurso de Cortometrajes Centro Cultural Rojas. En 2007 co-dirige el largometraje independiente "El Arkhé".En forma paralela ocupó cargos docentes en la Universidad de Buenos Aires (FADU, Carrera de Diseño de Imagen y Sonido, Taller de Diseño Audiovisual II) y en la Universidad del Museo SocialArgentino (Licenciatura en Comunicación Audiovisual,Taller de ProducciónPeriodística)
ESTADO DEL PROYECTO
"Ezequiel Martínez Estrada profeta desdichado" comenzó a filmarse en noviembre de 2008, con grabaciones que se realizaron en Buenos Aires, en Bahía Blanca, en Goyena (provincia de Buenos Aires), en San José de la Esquina (provincia de Santa Fe) , en San Salvador de Jujuy y en la ciudad de La Plata. A lo largo de estos meses se realizaron entrevistas vecinos de Goyena y Bahía Blanca que conocieron personalmente a Martínez Estrada e investigadores relacionados con su obra.
Puede encontrarse más información visitando el blog de la película en
Siglos atrás, los Mayas nos dejaron su calendario con una clara fecha de terminación y todo lo que ésta implica. Desde entonces, los astrólogos han descubierto esto, los numerólogos han encontrado patrones que predicen esto, los geólogos dicen que la tierra está agotada para esto e incluso los científicos gubernamentales no pueden negar que un cataclismo de proporciones épicas espera a la Tierra en 2012. Una profecía que se inició con los Mayas ahora ha sido bien documentada, analizada, separada y examinada. Para 2012, sabremos que fuimos advertidos.
Raizo (Rain) es uno de los peores asesinos del mundo. Siendo niño, fue recogido de las calles por el Clan Ozunu, quienes lo transformaron en un asesino muy bien entrenado. El Clan es una sociedad secreta cuya existencia es considerada un mito. Mas ellos despiadadamente ejecutan a la amiga de Raizo, y ahora él, obsesionado con ello, decide escaparse… entonces desaparece. Raizo pacientemente prepara su venganza mientras espera el momento para llevarla a cabo.
Planet 51 no es una mala película, pero es una de tantas, con nada que la destaque, con una animación clásica, y una historia muy sencilla. Si bien se la vende con el lema de "los creadores de Shrek", está muy lejos de divertir de la misma forma que lo ha hecho esta saga.
Abundan las referencias a viejas películas (que los pequeños no van a captar por no haberlas visto) quizás para entretener al público adulto, ya que si bien el comienzo promete una buena película para todas las edades, a medida que va pasando el tiempo se convierte en un film para entretener especialmente al público menudo. Los adolescentes se van a empezar a aburrir en la mitad porque no van a ver nada nuevo que ya no hayan visto y los adultos van a sentir que la historia a medida que avanza se pone más tonta.
La animación es correcta, y los personajes simpáticos, la falla aquí está en cómo una buena idea (contar en forma inversa la historia clásica del extraterrestre que invade la tierra, ya que aquí es un humano visitando otro planeta) se desarrolló con poca gracia, y haciendo abuso de recursos ya vistos en el cine. De todas formas por ser un producto de España, donde no abundan las producciones de este tipo, técnicamente está bien hecha.
En resumen, es una buena película para chicos, que son los que la van a disfrutar a pleno. Los adultos y adolescentes seguidores de la animación, si bien no la van a pasar mal, no van a salir del todo satisfechos.
Una anciana italiana y la muchacha rumana que la cuida, recién llegada a Italia, conviven en la misma casa.
Aprenden a conocerse hasta que llega una noticia desde la Rumania, y la joven debe partir a buscar a su marido perdido.
Ambas, encuentran un motivo para emprender juntas un viaje y conocer el "otro lado" de Europa, cada una en busca de la propia verdad.
Ficha Artística
Gemma ….. Ilaria Occhini
Angela …… Dorotea Petre
Enrico ….. Corso Salani
Adrian ….. Vlad Ivanov
Madalina ….. Maia Morgenstern
Nicolae …… Theodor Danetti
Ficha Técnica
Director: Federico Bondi
Guionista: Federico Bondi y Cosimo Calamini
Productor: Francesco Pamphili
Fotografía: Gigi Martinucci
Editores: Ilaria Fraioli
Duración: 95 minutos
Color
Idioma: Italiano
País: Italia / Francia / Rumania
Año: 2008
Anexo de Producción Biografia del director: Federico Bondi
Nacido en Florencia en 1975, tomó un postgrado en la Literatura en la Universidad de Florencia. Desde 1996 ha trabajado como escritor y director de cortos, documentales, video clips y comerciales. Entre sus trabajos se encuentran: Ora d'aria, Il rumore dei cipressi, Fiesole, Guerre e assoldati, Green Hong Kong, L'uomo planetario, L'utopia di Ernesto Balducci and La moschea e la badia.
Mar negro es su primer film de ficción, fue hecho dentro de un proyecto desarrollado con el apoyo de Media Plus Program de USA 2007.
Nota del Director:
Mar Negro está conectado en forma directa con mi biografía: Gemma era mi abuela y Ángela la persona que la cuidaba.
Les debo el alma y los personajes de esta historia, completamente a ellas. Siempre que iba a visitarlas, solían contarme sus historias. Cada una de ella sobre su propia vida, o sobre el otro y viceversa.
Con el paso de los meses, el entendimiento mutuo entre ambas me llamó la atención, ya que a mi abuela, hosca en general, nunca la había visto tan feliz.
Mis visitas comenzaron a hacerse más frecuentes. Cuando volvía a casa, apuntaba notas, tratando de recordar sus relatos, de poner alguna orden a un material humano de una riqueza extraordinaria.
Un día llevé una cámara pero no la saqué, ellas no habrían entendido la necesidad y hubieran dejado de ser "ellas"; la espontaneidad hubiera sido rota en ese instante. Yo no podía arriesgarme a perderla, tampoco quise incomodarlas. ¿Y además, qué hubiera hecho con aquel material filmado? Lo que pasaba era tan imprevisible y excepcional: ellas me comunicaban sin ser conscientes de su punto de vista.
Actualmente, mi abuela ya no forma parte de este mundo y Angela está trabajando para otra anciana.
Mientras tanto, de la primera versión de la historia al último esbozo del guión, traté de hacer una separación sin la cual yo nunca habría sido capaz de emprender un viaje que requiere tanta orden y control. Creo que la intención fue acertada -también gracias a la ayuda de Ugo Chiti- sin embargo, permaneciendo firme y fiel a una necesidad esencialmente personal.
En esta película tratamos de no deformar o abrumar la dimensión privada y el tono "íntimo" de esta historia.
Traté de adoptar una forma esencial, y franca, carente de artificio o autosatisfacción estilística, completamente equilibrada en dirección de los actores y la esencia dramática de cada escena.
Con la fundamental participación del Director de Fotografía y operador de cámara, Luigi Martinucci, insistí que la lente mantenga una actitud tan respetuosa como posible en la ambigüedad del realismo, asumiendo antes que nada las perspectivas de Angela y Gemma: dos miradas de mundos diferentes, pero aún tan similares y aún tan cerca.
La mirada de nuestra sociedad que muchas veces margina a los sobrevivientes y a los ancianos o extranjeros, crea preguntas e insinúa dudas, poniéndonos en una posición incómoda. Espero que esta película ayude al público a cambiar su modo de ver la realidad que nos rodea.
Acerca del elenco: ILARIA OCCHINI: GEMMA
Hija del escritor Barna Occhini y sobrina del escritor Giovanni Papini, estudiante de la Academia Nacional de Artes Dramáticas de Roma, Ilaria Occhini se dedicó directamente desde temprana edad al teatro y a la TV, obteniendo resultados excelentes en ambos campos y revelándose como una de las actrices italianas jóvenes más interesantes de los 50´- 60´s.
En el curso de su carrera, consiguió la aclamación del público y la satisfacción personal gracias a asociaciones artísticas en el mundo teatral con directores como Luchino Visconti, Orazio Costa, Giuseppe Patroni Griffi y Luca Ronconi
Su debut cinematográfico -bajo el seudónimo de Isabella Redi- fue en el film "Junior High School", de Luciano Emmer en el año 1954.
En 1992 ganó el premio a la mejor actriz de reparto otorgado por el Sindicato italiano de periodistas cinematográficos por su participación en el film "Benvenuti in casa Gori", de Alessandro Benvenutti.
Por "Mar negro" ganó el Leopardo de oro a la mejor actriz en el Festival de Locarno. DOROTHEEA PETRE: ANGELA
Antes de "Mar Negro" actuó en "The Way I Spent the End of the World", de Catalin Mitulescu, presentado en Cannes 2006, en la sección "Una cierta mirada" por el cual ganó el premio a la mejor actriz".
Un año antes, en 2005, trabajó en el film "Ryna", de Ruxandra Zenide.
Anexo de críticas :
"La amistad entre una mujer italiana mayor y su "cuidadora" rumana proporciona el espacio justo para una discusión cultural, es lo que da lugar al sólido debut cinematográfico de Federico Bondi, "Mar Negro", co escrita por Ugo Chiti ("Gomorra").
La historia, inspirada por la propia abuela de Bondi y quien la cuidaba, cuenta con un dramatismo extra, el volcado entre 2006 y 2007 cuando Rumania se afilió oficialmente a la Unión Europea. Si bien en la historia estos elementos son tratados en forma indiferente, muestran el mundo paralelo de comunidades de la Europa del Este en Italia.
Pero en este film, el verdadero foco está en el crecimiento de los personajes: la incertidumbre inicial de Angela se convierte en confianza, mientras que la cólera de Gemma
contra el mundo se transforma en un redescubrimiento de la amistad".
Jay Weissberg - Variety
"Un film lleno de sabiduría y aire fresco de la Nueva Europa, con una fina interpretación que la harán ser querida en festivales y cines en donde se presente.
Bondi y su co-guionista, Corso Salani, en este drama también dejan espacio a escenas con divertidos malentendidos, mientras que el director de fotografía Gigi Martinucci, captura con gran oficio la interacción de las dos actrices, mostrando la radiante belleza de Occhini y la inteligencia y honestidad en cada gesto de Petre.
Claramente, el director se compromete desde su pensamiento con la grave situación que sufren los inmigrantes en los países nuevos de la Unión Europea. Sus escenas mostrando las celebraciones por la afiliación a la Unión Europea son brillantes y vivas, como dos estrellas consumadas".
Ray Bennett -Locarno International Film Festival
Premios y Festivales
Festival Internazional de Locarno 2008: Mejor actriz (Ilaria Occhini); premio Pardi di Domani (tercer premio)
Cinema Mediterranéen Montpellier 2008
Festival del Cinema Italiano di parigi 2008
Festival du film Italien de Villerupt 2008
The Times bfi London Film Festival 2008: cinema europa
Las manos al piano -retrato para Rodolfo- es un documental de Fernando Rubio sobre el músico argentino Fito Páez; producido por Rosstoc, la productora de Gastón Pauls y Alejandro Suaya.
Este documental, que comenzó a filmarse durante el año 2007, coincidiendo con la grabación del disco Rodolfo, de Páez, bucea con profundidad en la relación del músico y el piano, a través de la grabación del disco y de incontables momentos en la intimidad registrados a lo largo de un año. Primer film de la productora Rosstoc.
FICHA TÉCNICA
AUTOR Y DIRECTOR: FERNANDO RUBIO
PRODUCTORES: GASTÓN PAULS Y ALEJANDRO SUAYA
PRODUCTORES ASOCIADOS: FERNANDO RUBIO Y FITO PÁEZ
MONTAJE: MON ROSS
FOTOGRAFÍA Y CÁMARA: DIEGO POLERI
PRODUCCIÓN: MARINA PUEYRREDÓN
SONIDO DIRECTO: PABLO DEMARCO Y CARLOS OLMEDO
POST PRODUCCIÓN DE SONIDO: JÉSICA SUÁREZ
CÁMARAS ADICIONALES: JOSÉ MARÍA GÓMEZ, ALE ARIAS YJORGE TANCÚN
DISEÑO GRÁFICO: SANTIAGO PIANCA
ASISTENCIA PRODUCCIÓN Y CÁMARA: ALFONSO GUERRERO
LOGGER: MARÍA LOURDES PINGEON
INGENIERO DE SONIDO DISCO "Rodolfo": NORBERTO HEGOBURU
ASISTENCIA: SR. HEGOBURU Y ROLANDO OBREGÓN
EDITOR DE SONIDO: MARCELO GALLUZZO
ASISTENTE EN POST DE SONIDO: ENRIQUE MIGLIORELLI
INGENIERO MEZCLA 5.1: MARCELO GALLUZZO
ESTUDIO DE POST Y MEZCLA 5.1: ANDASONIDO
POST PRODUCCIÓN DE IMAGEN: LA HAYE DIGITAL SOLUTIONS
ASESORÍA LEGAL: ESTUDIO SUAYA, BILBAO, MEMELSDORFF y ASOC.
ADMINISTRACIÓN ROSSTOC: MARIANO AMALVY Y HERNÁN MOLINARI
Todos los temas utilizados en este documental pertenecen al disco "Rodolfo" de Fito Páez, mezclado en CIRCO BEAT y editado en 2007 por Sony BMG. Las versiones que se escuchan en la película pertenecen al proceso de grabación del disco.
1980 Buenos Aires: Una mujer abandona la capital porteña rumbo a España acompañada de sus dos hijos pequeños, Pablo (recién nacido) y Malena. Al llegar a Europa solo deja algo tras de sí… al padre de sus hijos, el Doctor De Luca. En 2000 reciben una llamada desde Buenos Aires informándoles que su padre está en coma desde hace varios meses sin posibilidad de recuperación por lo que el equipo médico ha decidido desconectarle de los aparatos que lo mantienen artificialmente con vida. Para ello necesitan la firma de us únicos familiares.
Pablo, que nunca conoció a su padre, se resiste a perder esa parte de su pasado, así que propone un pacto a su hermana: hacer un viaje a Tierra del Fuego a la casa donde nacieron. Tan solo con esa condición firmará el documento. El Viaje: Montados en un viejo Volkswagen de su padre, los hermanos recorren Argentina de norte a sur. Casualmente Pablo encuentra un diario escondido en el coche. En su interior se relata, en primera persona, el asesinato de una familia.
Sin decir nada a su hermana decide parar en el lugar de los hechos; un motel en la carretera de Buenos Aires a Ushuaia en donde les adjudican la habitación contigua a donde ocurrieron los crímenes. Esa noche, mientras duermen, algo despierta a Malena. En la oscuridad, escuchan como unos ruidos reproducen uno de los crímenes de la misma manera en que lo hacía el diario.
Aterrados salen corriendo hasta su coche huyendo de lo que creen haber oído.
Veinte años atrás un hombre fue asesinado en ese Motel, su cuerpo fue hallado en una fosa, su mujer y su hija desaparecieron. MientrasPablo y Malena discuten los hechos descritos en el diario, su coche sobrepasa a una mujer y una niña que corren por el arcén. A partir de ese instante el viaje de los hermanos se convierte en una pesadilla, sin saber si las personas que
tratan de salvar son reales o sólo el reflejo de algo que ocurrió hace veinte años. Al llegar a Tierra del Fuego Pablo desaparece… Desesperada Malena tiene que enfrentarse a la realidad y escarbar en los secretos del pasado si quiere reencontrarse con su hermano desaparecido.
Ficha Artística
Ruth Díaz (Malena)
Javier Pereira (Pablo)
Pablo Cedrón (Gabriel)
Leonora Balcarce (Amalia)
Luciano Cáceres (Manuel)
Isabella Ritto (niña)
Héctor Bidonde (Dr. Lehrmann)
Graciela Tenenbaum (Amanda).
Ficha Técnica
Director: Paco Cabezas
Guionista: Paco Cabezas
Coproducción Española-Argentina.
Morena Films/Jaleo Films/Oberon Cinematográfica y Pensa&Rocca Cine
Rodada íntegamente en Argentina, en Buenos Aires y Neuquén.
Director de Fotografía: Andreu Rebes
Arte: María Eugenia Sueiro
Sonido: Guido Beremblum
España
105 minutos
Año: 2007
Anexo de Producción
Entrevista:
Durante los últimos meses te venimos hablando a menudo de Aparecidos (antes Noctámbula), el thriller de terror que Paco Cabezas estrenará en el 2007, y que está protagonizado por Ruth Díaz y Javier Pereira. Hemos estado en el rodaje, hemos visto escenas, y nos gusta lo que hemos visto. ¿Quieres saber más sobre el rodaje? Nuestro colaborador Chumari le hizo esta entrevista al director mientras rodaba en Argentina.
Chumari: Paco, sabemos que estás rodando tu primer largometraje, Aparecidos. Pero queremos saber más. Para empezar, ¿de dónde sale la idea de este guion? ¿Por qué una pelicula de terror en Argentina?
Paco: Pues... ¿Por qué un freakie que trabaja un videoclub y se alimenta de "papas fritas" y pelis de terror escribiría un guión de terror? Es como preguntarle a Tracy Lords porque se metió en el porno a los 15 años... Porque me lo pide el cuerpo. También porque quería aportar algo nuevo al género. El terror es de los géneros mas trillados (quitando la comedia romántica) que siempre repiten la misma formula. La peli tiene escenas que nunca he visto en otras películas de terror, imágenes que he diseñado desde detrás del mostrador del videoclub y que espero que impacten. Ayer estuvimos rodando una escena con una niña y unos arneses... ¡sin ningún rollete sexual, pervertido! Bueno, ejem, y quedo mejor de lo que imaginaba. ¿Por qué Argentina? Aparecidos es una road movie de terror y aquí en Argentina gracias a Dios no existe esa cosa terrible llamada "ITV". Hay unos coches de los 70 increíblemente oxidados que los colocas frente a la cámara y te cuentan una película ellos solos.
Ch: ¿De qué equipo dispones? ¿Se rodará en digital? ¿En inglés?
P: ¡En Inglés no! por favor! Si hay algo que busco en esta peli es partir del realismo para quebrarlo y hacérselo pasar putas a Javi y a Ruth (Javier Pereira y Ruth Díaz) y eso no funciona en inglés. Aquí en Buenos Aires se ruedan muchas pelis que supuestamente ocurren en Nueva York o Europa y vienen aquí a rodar más barato, pero Aparecidos ocurre realmente en Argentina, por eso tengo a un equipo porteño que no me merezco... Federico Noejovich, localizador en Diarios de Motocicleta, Eugenia Sueiro, Directora Artística de la misma, Fede Berón, ayudante de dirección de El Aura, Guido Beremblum sonidista de Garage Olimpo... Gente increíblemente creativa -eso sí, adictos al mate- que están trabajando a fondo porque en Argentina nunca se ha rodado una película de terror, en serio. Bueno, si, hay cortos de terror trash como Evita contra los Zombies Mutantes, pero nosotros vamos en Super 35 con un panorámico que hará justicia a esas increíbles carreteras de la Patagonia...
Ch: ¿Quiénes son los "protas"? ¿Quién ha hecho el casting y en cuanto tiempo? ¿Estás satisfecho con la selección?
P: Javier Pereira y Ruth Díaz dan vida a los dos hermanos protagonistas y me estoy literalmente enamorando de los dos -estoy empezando a dudar de mi sexualidad-... son muy, muy buenos. A partir de ahí hemos buscado todo el casting argentino que como esperaba es la bomba, aquí tiras una piedra y le das en la cabeza a un Pacino o a una Meryl Streep en potencia. Los nombres que puedo adelantar son Pablo Cedron (El Aura), Leonora Balcarce (Martín Hache), Graciela Tenenbaum (El Mismo Amor, la Misma Lluvia) o Dario Levy (El Bonaerense)... Por otro lado hemos buscado a una niña, ¿qué es una película de terror sin una niña que acojone? Y ha sido duro pero hemos encontrado una "Dakota Fanning" con unos ojos y un talento... que pa qué.
Ch: La pregunta más importante: ¿veremos tetazas? ¿Lo de tener que aguantar duras sesiones de lencería es un farol?
P: No es ningún farol. Lo más duro de dirigir una peli es tener que ver actrices desnudas continuamente, es muy difícil mantener la concentración con tanto despelote a tu alrededor! Ejem, es broma. Yo soy mas de la teoría de que las tetazas distraen del argumento, unos pechos pequeños y firmes de vez en cuando alegran la vista, pero pechos grandes en pantalla son una competencia demasiado grande, intentar competir contra unas tetas increíbles es una batalla perdida. Ejemplo: ¿Alguien recuerda Lifeforce de Tobe Hopper? La prota salía en bolas toda le peli (¡Pechos míticos!) ¡Mal, Tobe! Nadie se fijó en los zombies ni en los aliens!... Por suerte Tobe Hopper hizo La Matanza de Texas y Poltergeist, Aparecidos va más en esta línea... ¡Que pedante ha quedado eso, Dios!
Ch: ¿Será la típica película española (o hispana) que enseña tetas y sangre, pero que lo unico que consigue al fin es llevarnos al baño? ¿Pasaremos miedo?
P: Sólo recuerdo cinco o seis pelis que me dieron miedo de verdad, El Resplandor, Tiburón, En la Boca del Miedo... y ninguna de ellas enseñaba más de lo necesario, ninguna iba a enseñar tripillas. La verdad es que como nunca he tenido ningún contacto para meter cabeza en esto del cine he tenido tiempo de sobra para darle vueltas a la cabeza de "Como haría mi peli de terror" y creo que lo que realmente acojona es mostrar la punta del iceberg e imaginar todo lo que implica eso... ¡Ejemplo! George C. Scott en una casa embrujada con fantasma de niño asesinado en Al Final de la Escalera, cada día cae una pelotita de colores por la escalera, botando lentamente... un día George se harta, la pilla, se va a 20 Km y la tira a un rio y al volver a la casa... Tac, tac, tac, la misma pelota baja botando la escalera, sólo que esta vez esta empapada de agua... Aparecidos juega al mismo juego, la putada es que no te puedo contar cómo porque te jodería los mejores momentos.
Ch: En el club de fans nos interesa la música. ¿Será de corte electrónico o simplemente una acumulación de gritos heavies?
P: En pocas palabras Réquiem por un Sueño + Memories of Murder y/o cuarteto de cuerda intenso y potente + percusión de tambores japos.
Ch: ¿Cuánto se tiene previsto que dure el rodaje?
P: Dos mesecillos, llevo una semana y siento como si un grupo de salesianos me hubiera dado una paliza con bates de béisbol, ¡así que no sé como puñetas voy a aguantar ocho más! Si no sobrevivo esta podría ser mi primera y mi última entrevista.
Ch: ¿Para cuando el estreno? ¿Va a estrenarse pronto?
P: Esto del estreno es un "quilombo". Si por mi fuera mañana mismo, pero hay que esperar a que Harry Potter 7 haga sitio y que a Lucas no le de el arrebato de reestrenar El Planeta de los Ewoks.
Ch: Hemos podido leer en algunos foros que te critican por Carne de Neón por parecerse a Guy Ritchie, pero el guión de Aparecidos puede dársele un estilo a David Lynch...¿hacia dónde vas a tirar? ¿Cuáles son tus influencias al encarar la pelicula?
P: El temita de las influencias tiene su gracia, a mi, como a todos, me puede influenciar cualquier cosa, desde Scorsese a un plato de ensaladilla, o la visita que hice hace dos semanas a una Morgue a hacer fotos de cadáveres para referencias de maquillaje... Todo puede inspirar o influenciar tu trabajo. Eso sí, si vas a copiar, copia de los mejores... La verdad es que me comparen con Fincher, Ritchie o Tarantino para mi es un piropo de los más increíbles que me han hecho en mi vida, en mi adolescencia siempre me comparaban con Don Pimpón o con Piraña de Verano Azul... Mi objetivo es hacer cine de género, ya sea thriller o terror, y contar algo interesante que te mantenga atrapado en la butaca.
Ch: La tradición de la serie B es tambien fundamental, ¿no? ¿Pero habrá monstruos y efectos especiales o vas a tirar más por la sutilidad?
P: Si quieres que te hable de "El monstruo" estás listo, para eso tendrás que apagar la grabadora. Sólo puedo decirte una cosa, a la gente que ha leído este guión le han pasado dos cosas. Una: no pueden dejar de leerlo hasta llegar al final; y dos: algunas personas, sobre todo chicas, no pudieron dormir bien... De verdad que no es por tirarme el pegote, ya me conoces y tengo la autoestima y el ego de un friki regordete... pero con este guión tuve la sensación siempre de que era una gran idea y que iba a acojonar... ahora sólo me queda lo más difícil, dar vida a lo que está escrito aquí y que cuando veas Aparecidos no vuelvas a pegar ojo en una temporada...
El film El Amarillo que se presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia, en el 21°Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en la Competencia Nacional del 8vo. Bafici donde recibió la Mención Especialdel Jurado por la actuación y música de Gabriela Moyano; y en el 61° del Festival Internacional de Locarno, narra un tiempo detenido en la siesta entrerriana, donde las canciones de una mujer son puentes suspendidos hasta que un extranjero perdido se encuentra un día con ella.
Narrada casi como un documental, la película nos introduce en este lugar invocando un reportaje a la tierra, al paisaje rural; donde una pequeña, pero profunda historia de amor se asoma con sencillez e intensidad.
FICHA TÉCNICA
Entre Ríos, Argentina - 87 min. - 2006
Guión y Dirección....................Sergio Mazza
Director de Fotografía........................ Luis Cámara
Edición......Nicolás E. Moro, Mercedes Oliveira y Sergio Mazza
Producción General....................... Lorna Lawrie-Sergio Mazza
FICHA ARTÍSTICA
Gabriela Moyano
Alejandro Barratelli
Myrtha Frattini
FESTIVALES
Festival Internacional de cine de Venecia 2006
Festibal Internacional de cine de Locarno 2008
Festival Internacional de cine Independiente 2006 (BAFICI)
Festival Indie Lisboa 2007, Premio mejor Largometraje
Cine Latino Alemania 2007, Premio del Publico
Festival Internacional de cine de Mar del Plata 2006
"(…) producida con medios limitadísimos, la sorprendente El amarillo viene a contestar de qué otra manera el cine de ficción puede relacionarse con lo real, desde un lugar que no sea de sumisión sino de apropiación. Típico caso de película en la que lo que importa es la atmósfera, el tono y el tempo cinematográficos, antes que la mera transcripción de un guión preexistente".
Diario del Festival de Mar del Plata:
"Una concentrada estilización de la imagen, con un juego de dominantes cromáticos, enrarece líricamente los espacios de la narración, y una banda sonora que se extiende más allá de la música que obsesiona al protagonista, hasta el canto de los pájaros y de los grillos, satura la atmósfera cuando los personajes guardan silencio. Con estos elementos se construye el romanticismo
de esta concepción de la vida provinciana".
Robert Koehler, Variety:
"El Amarillo es esencialmente una fábula del contacto humano. Mazza muestra una inmensa paciencia con sus actores y con la cámara, manteniendo planos en el tiempo durante el cual los dos personajes se van adaptando el uno al otro.
La fe de Mazza en su casting es devuelta en un final pagado que es, por la esencia de la película, incierta pero llena de posibilidades en un mundo que la modernidad parece haber olvidado. Barratelli y Moyano crean un estilo de performances sostenidas más comúnmente en el escenario teatral que en el cine, trabajando de una manera serena y natural que jamás parece forzada".
DIRECTOR
Sergio Mazza concluyó sus estudios universitarios en la Universidad de Buenos Aires en la carrera Diseño de Imagen y Sonido y realizó una vasta cantidad de cursos y seminarios de especificación en las artes. Se dedica a la dirección audiovisual y a las artes plásticas, en las que se formó con maestros como Eduardo Medici y alcanzó escenarios prestigiosos como el salón nacional de artes plásticas en el año 2007.
En Noviembre de 2004 crea la productora Masa Latina con el objetivo de generar y difundir productos de calidad artística, en diversos soportes y para diferentes medios. Desde allí produce su ópera prima, El Amarillo que se presentó internacionalmente en la Mostra Internazionale d'Arte Cinematográfica di Venezia (2006) y participó en una veintena de festivales, obteniendo premios como Mejor director y Mejor Fotografía (Tandil Cine 06), Mención a la actriz Gabriela Moyano y su música (8º BAFICI), Mejor Película (Festival Indie Lisboa), Premio del público (Cine Latino Alemania), y cerrando su recorrido por festivales en la sección Open Door del Festival de Locarno.
Actualmente se encuentra con la producción y rodaje de la nueva película de Homero Cirelli, rodada en la ciudad de Capilla del Monte en la provincia de Córdoba. Y paralelamente está desarrollando su tercer largometraje Graba y está terminando un libro que se lanzará el año próximo que incluye la totalidad de su obra.
Una pareja planea y escapa hacia un fin de semana romántico.
El chico, Steve, fantasea con pedir matrimonio a Jenny en un lugar idílico: un lago remoto en medio de un bosque aparentemente desierto.
Sin embargo, la tranquilidad de la pareja se verá interrumpida cuando una banda de jóvenes decida acampar en el lugar.
En cuestión de horas, un encontronazo con los adolescentes va a pasar de molestia inesperada a inenarrable pesadilla…
Ficha artística
Kelly Reilly (Jenny), Michael Fassbender (Steve), Thomas Turgoose (Cooper), Shaun Dooley (Jon), Jack O'Connell (Brett), Finn Atkins (Paige), Eliza Elkington, Tara Ellis (Abi)
Ficha técnica
Dirección y Guión: James Watkins
Producción: Christian Colson y Richard Holmes
Director de fotografía: Christopher Ross
Montaje: Jon Harris
Música original: David Julyan
Duración: 91 minutos
Año: 2008
Inglaterra
"BORDER-BOTTOM: medium none; BORDER-LEFT: medium none; PADDING-BOTTOM: 0cm; PADDING-LEFT: 0cm; PADDING-RIGHT: 0cm; BORDER-TOP: medium none; BORDER-RIGHT: medium none; PADDING-TOP: 0cm"> Acerca del guionista y director: James Watkins
Al tener un contrato por diez años con Working Title Films, James Watkins co-escribió "My Little Eye" con el director Marc Evans, "Gone" y "The descent: parte 2", para el director Ringan Ledwige. Eden Lake marca su debut como director.
Acerca del elenco
KELLY REILLY (Jenny Young)
Kelly Reilly se convirtió en la actriz más joven nominada a "Mejor Actriz" en el 2004 en los Olivier Awards por su actuación en 'After Miss Julie' en el prestigioso Donmar Warehouse Theatre en Londres. Se inspiró a actuar después de ver una presentación de 'The Resistable Rise of Arturo Ui'.
Reilly hizo su debut profesional en televisión en la miniserie Prime Suspect 4 mientras estudiaba los primeros grados. Ganó en el Festival de Cannes en el 2005 como "Mejor Actriz en un Filme Independiente" por Mrs. Henderson Presents.
También ganó premios Best Newcomer por parte del London Critics Circle, así como premios Empire Film por la misma película. Ella es bien conocida en Francia por sus exitosos papeles en Piso compartido y su secuela Las muñecas rusaspor la que Reilly fue nominada al Cesar. Otros trabajos incluyen Maybe Baby, Last Orders, The Libertine, Pride and Prejudice, Puffball y Dylan.
MICHAEL FASSBENDER (Steve Taylor)
Michael Fassbender nació en 1977 en Heidelberg, Alemania, pero creció en Killarney, Irlanda. Estudió en la Central Schoolof Speech and Drama. Interpretó a Azazeal en el drama sobrenatural de Sky One, Hex y a Guy Fawkes en Gunpowder, Treason and Plot para la BBC.
Otras colaboraciones en televisión incluyen Wedding Belles,Murphy's Law, William and Mary, Band of Brothers y A Bear named Winnie. Entre sus actuaciones fílmicas están 300, Angel, Town Creek, The Sycamores y su aclamada actuación como Bobby Sands en el proyecto de Steve McQueen: Hunger
Nota del director: acerca de la historia
La guerra generacional entre jóvenes y adultos está en curso, captando titulares, y como punto de interés en los medios. La nueva ola de violencia joven reta los ideales de infancia e inocencia sostenidos por tanto tiempo.
Esto al tiempo de que el abuso a menores por parte de adultos permanece como uno de nuestros tabúes más arraigados.
Ahora ambos se convierten en el vibrante motivo de un provocador y desafiante thriller.
"Eden Lake fue inspirada por la idea de que hay una película de terror que está sucediendo en nuestras calles, casi todos los días", explica el co-escritor de My Little Eye, James Watkins en su debut como director.
"Me parece que estamos confundidos acerca de nuestros hijos y la gente joven. Por una parte, todavía los vemos como inocentes, necesitados de protección contra los peligros que posee el mundo adulto. Pero por otro lado, son demonios que empuñan cuchillos. Quería narrar una historia que explorara las tensiones entre estas dos versiones de la infancia.
La heroína Jenny, es la víctima de un horrendo crimen perpetrado por niños; pero ella misma se vuelve un perpetrador de algo igualmente infame. ¿Cómo nos sentimos acerca de ello? ¿A quién culpar? Encontré interesante esa dinámica entre los dos polvorines y pensé que sería un gran material para un thriller de pesadilla. No quería escribir un drama social realista sobre el tema; decir que todo eso es -malo-, es obvio desde el punto de vista banal.
Lo que en realidad quería era dramatizarlo de una forma tan visceral qué pudiera apreciarse lo escalofriante que es, y el tomar un enfoque de película de terror era la manera más adecuada para hacerlo.
Una película en la que no fueran los monstruos o zombies, sino algo casero y con algo de suerte, tuviera esa resonancia moderna para ir más allá de lo esperado y dar el giro a la historia. En un nivel más básico creo que la película es una historia de advertencia: "No se involucren". Si nuestro personaje Steve (una especie de niño grande) no hubiera confrontado a los chicos en la playa, entonces las cosas hubieran sido muy distintas.
Walt Disney Animation Studios nos sirve un gozoso estofado de narrativa de aventura, personajes cautivantes, novedosa comedia y música memorable en la nueva realización LA PRINCESAYEL SAPO , una comedia animada situada en la grandiosa ciudad de Nueva Orleans. De los creadores de La Sirenita y de Aladdín, llega este giro moderno de un clásico cuento, que presenta a una bella muchacha llamada Tiana, a un príncipe sapo que ansía desesperadamente volver a ser humano, y a un beso fatídico que los conducirá a una desopilante aventura a través de los célebres pantanos de Luisiana. LA PRINCESAYEL SAPO marca el regreso a la animación tradicional hecha a mano de la respetada dupla compuesta por John Musker y Ron Clements, con música del compositor ganador del Oscar® Randy Newman.
Todos conocemos la historia en la que una princesa encuentra el verdadero amor al besar a un sapo, el cual mágicamente se transforma en su apuesto príncipe. En esta historia, la chica besa al sapo, pero el resultado resulta ser bastante diferente, una más de las decenas de sorpresas que encierra este relato mezcla de humor excéntrico, emoción, melodía y sentimiento. Al final, el amor encuentra su camino... entre un príncipe y una princesa, entre dos sapos... o quizás entre una luciérnaga y la causa de sus afectos. Pero lo que está claro es que los detalles más importantes se encuentran más allá de la piel. El film presenta a la última princesa de Disney en su próximo cuento de hadas, el regreso al musical de Disney, una reminiscencia de los clásicos como La Bellay la Bestia, El Rey León y Aladdin.
Excelente! Lo mejor de todas las películas de Walt Disney lo podemos encontrar en La Princesa y el Sapo.
Este film tiene una historia muy buena, dinámica, divertida y entretenida al máximo. Los adultos la van a disfrutar tanto como los chicos, ya que el guión es de gran calidad y las escenas musicales son una maravilla, tanto por las canciones como por las coreografías que las acompañan. Los temas no son la típica canción melódica romántica, sino que es jazz de lo mejor, a cargo de Randy Newman (la canción del cocodrilo les va a traer recuerdos de I wanna be like you de El libro de la selva).
Una alegría que los dibujos sean a la vieja usanza, ya que le calza a la perfección por la sencillez de la historia, y un gran acierto es que la princesa no sea otra vez la típica rubia etérea, ya que sueños tienen todos los humanos sean del color que sean.
Por supuesto acá tampoco falta el personaje que pasa a mejor vida, pero no está hecho de forma tan cruda como para que los niños sufran como con Bambi, por ejemplo.
Los varones que tengan prejuicios de ir a verla por pensar que es una película de "princesas para nenas", les cuento que también la van a pasar bien porque no es una historia melosa. Además en el 80% de las escenas, Tiana y el príncipe, se muestran como sapos y no como humanos. Y las secuencias con el villano y los demonios son espectaculares.
Si han leído otras críticas mías, sabrán que son pocas las veces que alabo tanto a un film, pero es que realmente me ha parecido un producto redondo.
Si te gusta la animación no podés dejar de verla, tengas la edad que tengas, ya que vas a pasar un muy buen momento en el cine.
Cintia Alviti
El reparto de voces en inglés de LA PRINCESA YEL SAPO presenta a una troupe de reconocidos actores. La ganadora del premio Tony® Anika Noni Rose (Mejor Interpretación de Actriz Femenina en Musical por su papel en Caroline, or Change) protagoniza a Tiana; la estrella internacional Bruno Campos, al Príncipe Naveen. El ganador del premio Emmy® Keith David interpreta al mágico y amenazador Dr. Facilier; y Ray, la romántica luciérnaga del bayou, es "iluminada" por Jim Cummings, nominado al premio Emmy®. Jenifer Lewis nos encanta como la mística Mama Odie y los nominados al Premio de la Academia® Terrence Howard (Hustle & Flow) y Oprah Winfrey (The Color Purple) prestan sus voces a James y a Eudora, los amorosos padres de Tiana.
La producción ejecutiva de LA PRINCESA YEL SAPO está a cargo del realizador ganador del Premio de la Academia® y pionero de Pixar Animation John Lasseter (director de Toy Story, Bichos, Toy Story 2 y Cars), y el veterano de Disney Peter Del Vecho es el productor. LA PRINCESAYEL SAPO está basada en la historia original de Ron Clements, John Musker, Greg Erb y Jason Oremland; los directores se unieron con el escritor Rob Edwards para crear el guión. El supervisor de la historia es Don Hall.
El compositor ganador del Oscar® Randy Newman (Cars, Monsters, Inc., ToyStory) compuso la música original para la película, que reúne una variedad de estilos como el jazz, el blues, el gospel y el zydeco, además de la presentación de siete nuevas canciones. Además, la canción de los créditos finales presenta al artista ganador de tres premios Grammy® Ne-Yo, de Def Jam, quien canta "Never Knew I Needed".
LA PRINCESA YEL SAPO , de Walt Disney Pictures, es la realización animada número 49 del estudio, en una tradición establecida hace casi 75 años con el estreno de Blancanieves y los siete enanos.
TRAIGAN SUS PINCELES Y SUS ZAPATOS DE BAILE
Del cuento de hadas a la pantalla de cine: el estilo de Disney
LA PRINCESA YEL SAPO señala el regreso de los Estudios Walt Disney Animation a la animación a mano, un regreso al cuento de hadas clásico y al musical.
John Lasseter, productor ejecutivo y gerente creativo de los Estudios Walt Disney Animation afirma: "Si hay una lección que podemos tomar de Walt para proyectar los Estudios Walt Disney Animation hacia el futuro, es la de potenciar la riqueza de su pasado: su entrañable narrativa, sus exitosos personajes, su opulencia musical; todo ello como parte esencial de nuestro último proyecto de animación a mano".
Los directores vieron que la animación a mano era un medio que seguía siendo vibrante y atractivo y se aventuraron a la recreación del arte de Disney Animation con respeto, determinación y una renovada sensibilidad.
Una vez, hace no muchos años, la animación tradicional a mano de Disney cedió su lugar a la nueva tecnología, y así se dejó atrás el arte que más se identifica con el propio Walt Disney.
En 2006, cuando John Lasseter y Ed Catmull tomaron las riendas de los Walt Disney Animation Studios, comprendieron que la tradicional artesanía de la animación de Disney no había perdido su valor ni como arte ni como entretenimiento. Y si bien la fama de Lasseter provenía de haber sido un pionero en el campo de la animación computarizada, su amor no era exclusivo de esta técnica. Lasseter creció viendo animación tradicional y allí comenzó su carrera, en la tradición inventada por Disney, alimentada y desarrollada a lo largo de décadas hasta ser un arte en sí mismo. Así fue que se concibieron nuevas realizaciones animadas, con la técnica de animación más adecuada para cada caso.
"Nos invitaron a proponer ideas para nuevas películas de Disney animadas a mano", recuerda el director John Musker. "Todos nos sentimos particularmente inspirados por el cuento 'El príncipe sapo' de los hermanos Grimm."
"Estamos regresando a la narrativa sincera y clásica del cuento de hadas de Disney. Es una vuelta al musical, y también a la calidez y grandeza de la animación y de los fondos realizados a mano. Todo eso, junto, nos hace sentir como de regreso a casa."
Peter Del Vecho, Productor
El productor Peter Del Vecho se complace en formar parte de este revivir de una grandiosa forma de arte. Dice: "Hay algo verdaderamente reconfortante al ver cómo el animador toma el lápiz, el papel y luego, cuando miramos la película, nos olvidamos de eso, ya que los personajes parecen salirse de la pantalla. Es como si los lleváramos a casa con nosotros en nuestra mente, ya que cada uno posee vida propia".
La música era otro elemento del legado de Disney que el equipo creativo deseaba retomar, pero en una nueva dirección. Clements y Musker propusieron que el film fuera un musical, pero no al estilo tradicional de Broadway, del que Disney fue pionero en 1937 y que luego reinventó en los años '80. La idea, esta vez, fue que la música fuese un tapiz de zydeco, blues, gospel, jazz y todos los sonidos distintivamente "estadounidenses".
El regreso a la tradición permite al público compartir una vez más la oportunidad de ver si el amor verdadero puede triunfar, de alentar un final donde todos viven felices para siempre y de dejar a todos tarareando esa canción que no puede sino permanecer en la cabeza durante un buen tiempo.
QUIÉN ES QUIÉN EN LA PRINCESA YEL SAPO
El reparto de personajes
TIANA (voz en inglés de Anika Noni Rose) ciertamente no es la típica princesa de cuento de hadas. Sus sueños no son reinos lejanos ni castillos en las nubes, sino su éxito personal y un excitante negocio gastronómico. "Ella sueña con abrir el mejor restaurante de Nueva Orleans", describe el escritor Rob Edwards. "Es un sueño que le ha sido transmitido por su padre".
Ella es una atractiva e independiente mujer afroamericana, trabajadora y voluntariosa, y a la vez una amiga leal y un alma pura. Adora a su madre y lleva a su padre en el corazón, y aunque sabe que no es fácil, cree que todos pueden alcanzar sus ambiciones.
En su búsqueda por obtener sus objetivos, Tiana parece que no valorara lo que hay en el camino hacia ellos. Simplemente no puede ir más lento y disfrutar. No tiene tiempo para romances y, definitivamente, no va a volver a perder el tiempo en hombres otra vez; y mucho menos, a besar sapos.
El animador supervisor Mark Henn, responsable de las heroínas de Disney Ariel (La Sirenita), Bella (La Bellay la Bestia) y Jasmine (Aladdin), encuentra a Tiana particularmente atractiva: "Creo que uno puede identificarse fácilmente con ella, o darle aliento. Nuestras protagonistas animadas han evolucionado con el pasar de las décadas, de ser sólo "princesitas en peligro" como Blanca Nieves, a quienes las cosas les pasan, a figuras de acción que motivan su propia historia. Fue un personaje fácil con el cual encariñarse. Tiana tiene su propio deseo de motivación y decisiones que la manejan y la hacen interesante y compasiva". Edwards dice que su sobrina no ve la hora de conocer a Tiana: "Cada vez que hablo con ella, me pide: '¡Cuéntame de la princesa!' Estoy esperando que ella vea la película".
PRÍNCIPE NAVEEN (voz en inglés de Bruno Campos) Las seductoras cualidades de Nueva Orleans alejaron al Príncipe Naveen de su reino en Macedonia. A pesar de ser travieso e irresponsable, Naveen tiene un encanto irresistible y una alegría de vivir que cautivan a aquellos que lo rodean, así como una pasión por el jazz de Dixieland que fue popularizado por Paul Whiteman, Jimmie Noone, Earl Hines, King Oliver, Jelly Roll Morton y Louis Armstrong.
Randy Haycock, el animador supervisor de Naveen, ha animado a personajes clásicos de Disney como Simba (El Rey León) y Powhatan (Pocahontas). "Disney tiene una larga tradición de príncipes, pero ninguno tiene completa entidad propia", describe. "Son funcionales. Les dan a las princesas alguien de quien enamorarse. Nunca tuvimos un príncipe que realmente conquistara a la heroína; siempre era amor a primera vista. Por una vez tenemos una chica que conoce a un joven y surge una comedia romántica donde la pareja se conoce y realmente no se gustan el uno al otro."
Como cualquiera, los defectos de Naveen son realmente parte de sus virtudes. La heroína tiene un defecto también: no sabe cómo valorar la vida, no sabe cómo divertirse. "Y eso es lo que Naveen le enseña," dice Haycock. "Él le enseña cómo parar de vez en cuando y simplemente apreciar lo que está sucediendo. Divertirse un poco, disfrutar, ser feliz con lo que uno tiene a su alrededor".
DR. FACILIER (voz en inglés de Keith David). Facilier es un canalla sinvergüenza, la oscura figura de la amenaza que pone en apuros al Príncipe Naveen y a Tiana. Es un especialista tranquilo que desarrolla sus hechizos mágicos y usa su conexión con "amigos del otro lado" para obtener lo que quiere a través de su misterioso, amenazante y peligroso encantamiento.
"Él es musical, amenazante, alto, delgado. Puede ser muy dulce; es apuesto y elegante. Y creo que en la animación contemporánea todo eso es raro de ver en un villano", dice Bruce Smith, el supervisor de animación del Dr. Facilier. "Es siempre estupendo ser el animador del 'malo', porque es siempre el personaje que sostiene la película y mantiene todo al filo. Afortunadamente, en este caso obtuve un villano único: un GRAN villano."
MAMA ODIE (voz en inglés de Jenifer Lewis) es el lado brillante de Facilier, una ruda, excéntrica e inteligente reina mágica del Bayou de 197 años, quien guía a Tiana y a Naveen en su misión para deshacer el hechizo de Facilier. De acuerdo con la historia, Mama Odie vive en "las profundidades más oscuras del pantano". En un viejo bote, colocado al revés en un árbol gigante, Mama Odie y su mascota la serpiente Juju mandan hechizos a quienes los necesitan.
El animador supervisor Andreas Deja ha sido el responsable de personajes favoritos de Disney como Gaston (La Bellay la Bestia), Jafar (Aladdin), Hércules (Hércules), Scar (El Rey León) y Lilo (Lilo y Stitch). "Recuerdo completamente mi atracción hacia Mama Odie", dice. "Esta ancianita ciega y arrugada, excéntrica y con esa serpiente lazarillo… Todo lo que tenía que ver con ella era tan raro."
Gran parte del espíritu de Mama Odie fue guiado por el aprecio que los creadores de la película le tienen a Coleen Salley, la narradora de historias de Nueva Orleans, autora de varios libros ilustrados, profesora de la universidad de Nueva Orleans y embajadora de la literatura infantil.
RAY (voz en inglés de Jim Cummings) es la relajada y tranquila luciérnaga cajun, encendida con un encanto sureño, buen humor e incluso pasión romántica, ya que el deseo del corazón de Ray es una luciérnaga llamada Evangeline, el bichito de luz más bello jamás creado. Su admirable devoción por su inalcanzable pero verdadero amor afianza la película.
El animador supervisor Mike Surrey, quien dio vida a memorables personajes de Disney como Timone en El Rey León y Clopin en El jorobado de Notre Dame, dice que Ray sabe exactamente quién es: "Él es el romántico, es lo que Naveen y Tiana son, pero no tiene problema en expresar su amor, abiertamente y sin importarle; cuando sabe que ambos y él están 'en el mismo bote', pero ellos simplemente no pueden expresarse. Es difícil no encariñarse con un personaje como él. Muestra una verdadera idea de lo que es el trascendente poder del amor. Todo proviene de este grumoso, divertido y desdentado pequeñín."
LOUIS (voz en inglés de Michael-Leon Wooley) es un lagarto sincopado y hippie que vive en el pantano, con una enorme pasión por el jazz y por tocar la trompeta y cuya especial "ayuda" a Tiana y Naveen le agrega comedia y diversión a su aventura. "Es manipulador y con carencias", dice el supervisor de animación Eric Goldberg, animador del Genio en Aladdín. "Es un neurótico. Pero tiene un don: tocar jazz. Y cuando toca jazz, es cuando se ve quién es él realmente."
"Aquí hay un lagarto tocando la trompeta… ¿cómo no quererlo?", pregunta el guionista Rob Edwards.
SR. LA BEOUFF 'PAPI' (voz en inglés de John Goodman). Eli La Bouff, conocido por la mayoría como "Sr. La Beouff 'Papi'", es un sólido, corpulento, y divertido caballero sureño de mucha fortuna, cuyo mayor deseo es obtener a su "pequeña princesa" Charlotte: incluso arregla el Baile del Mardi Gras (carnaval) como escenario para que ella debute como una "princesa".
Sr. La Beouff 'Papi' es un homenaje a un personaje de la literatura estadounidense que se hizo vernáculo en Cat on a Hot Tin Roof y en Hush, Hush Sweet Charlotte: el millonario y poderoso patriarca. Pero mientras que esos personajes fueron motivados por su poder y su posición para destruir a sus niños, la motivación de Sr. La Beouff 'Papi' no es el control o la autoridad, sino una desenfrenada adoración por su única hija.
CHARLOTTE (voz en inglés de Jennifer Cody) es la consentida, exigente y extravagante hija de Sr. La Beouff 'Papi', la típica niña rica de comienzos del siglo XX.
Sr. La Beouff 'Papi' adora a su rubia, de ojos celestes, aprovecha cada oportunidad para comprarle vestidos y alimentar sus fantasías, que incluyen casarse con un príncipe (y convertirse de paso en una princesa), aunque tenga que besar a algunos sapos. Parte de los conocimientos de Charlotte son brindados por su amistad con la pequeña niña Tiana, la hija de la mejor costurera de Nueva Orleans: una chica sensata, no-besadora de sapos, quien llega a convertirse en una de sus mejores amigas.
JAMES (voz en inglés de Terrence Howard) es la inspiración de Tiana y ella es el legado de su amor. Un padre fuerte, amoroso, que le ha enseñado su ética a su hija y con un vínculo familiar en Nueva Orleans: su amor por la buena comida. "Verás", le dice James a la pequeña Tiana, "la comida une a la gente de todo tipo. Les gusta a todos y les dibuja sonrisas en la cara… Y cuando abra mi propio restaurante la gente hará largas filas, sólo para probar mi comida". "Nuestra comida", lo corrige amablemente Tiana.
El supervisor de animación Ruben Aquino dice: "Es el núcleo de lo que ella quiere y de por qué es como es. Yo debo venderle al público cuánto amor hay en esa familia y cómo James ama tanto a Tiana. Él siempre está presente en el corazón de ella".
EUDORA(voz en inglés de Oprah Winfrey) es la base de Tiana, tanto su fortaleza como su inspiración. Tiana ve en su madre a la exitosa y respetada mujer de negocios que ella aspira a ser. De niña, Tiana pasa sus momentos más felices con su madre, jugando en la casa de uno de sus millonarios clientes con una pequeña niña llamada Charlotte. Pero mientras James, el padre de Tiana, es romántico, Eudora es pragmática. Conoce los momentos difíciles que enfrentará Tiana como mujer independiente.
"Eudora tiene una personalidad muy particular", describe el supervisor de animación Ruben Aquino. "Es más una madre educadora que también tiene su propia carrera, es costurera y vive modestamente, pero es muy buena en lo que hace, ama a su hija y también quiere lo mejor para ella".
LA HISTORIA
Un nuevo giro para un antiguo cuento
LA PRINCESA YEL SAPO es la sexta colaboración del dúo compuesto por Ron Clements y John Musker, cuya lista de logros puede interpretarse como 'el Salón de la Fama de la animación', desde su primer trabajo conjunto de 1986, The Great Mouse Detective, y luego La Sirenita, Aladdín, Hercules y El planeta del tesoro. Como siempre, el dúo se sintió atraído al proyecto debido a su convincente historia y sus posibilidades cómicas.
"A John Lasseter le encantó la idea", recuerda Musker, "y Nueva Orleans como entorno narrativo, con todos los elementos culturales, históricos, visuales y mágicos que ofrece. Decidimos que la época del jazz agregaría un ingrediente tanto de nostalgia como de musicalidad y deseábamos jugar con los arquetipos del cuento de hadas".
LA PRINCESAYEL SAPO está, por supuesto, inspirada en el cuento de hadas "El príncipe sapo" de los Hermanos Grimm. Pero los realizadores debieron añadirle su propio giro a la historia. El guionista Rob Edwards describe el proceso de escritura como extremadamente colaborativo. "La mayoría de lo que escribí fue hecho mientras caminaba por los pasillos, conversando con los artistas de storyboard, con los animadores, con algunos talentos vocales y con los directores. La parte más fácil fue volver a mi oficina y simplemente escribirlo".
A orillas del Gran Río, Nueva Orleans brilla con opulencia, aventura, romance, música y magia. Aquí en el "Había una vez" del jazz de los años '20, entre los balcones de hierro y los atractivos callejones del Barrio Francés y sus alrededores, se despliega una inusual historia.
Tiana es una joven atractiva, independiente y trabajadora. No tiene tiempo para el amor ni para pensar en sus sueños. Le encanta cocinar, y tiene planeado tener un exitoso restaurante, cumpliendo así con el amor a la comida, que es el legado de su padre. Pero a pesar de su duro trabajo y su constancia, en el camino de Tiana hacia sus objetivos constantemente se interponen obstáculos.
En las tierras en el río Mississippi, un apuesto y sociable fanático del jazz ha llegado a Crescent City: el príncipe real Naveen, de la lejana Maldonia. Travieso, irresponsable e indolente, Naveen se ha hecho camino en la vida gracias a su elegancia y su innegable encanto. Su fortuna y posición atraen al maligno Dr. Facilier, un practicante de magia negra, cuyo esfuerzo para robarse el privilegio real de Naveen resulta en la transformación del apuesto príncipe en un sapo.
El intento de Naveen de utilizar el recurso del beso del cuento de hadas da como resultado la transformación de Tiana en sapo, y es así que ambos anfibios terminan a la deriva en el pantano de Luisiana, perseguidos por cazadores de sapos y buscando la buena magia de una vieja bruja de 197 años llamada Mama Odie.
Para ayudarlos en su precario, extraño pero divertido viaje, hay una luciérnaga cajun con mal de amores llamada Ray, y un lagarto que toca jazz, llamado Louis. Y aunque el camino esté plagado de peligros, la contrastante pareja saca lo mejor de cada uno, supera sus diferencias y obstáculos, y descubre que los sueños pueden hacerse realidad…, pero nunca de la manera que uno lo espera.
Al final, el amor triunfa y las diferencias que aparentaban ser tan grandes parecen desaparecer en el pantano.
Edwards sostiene que su objetivo es sencillo: "Quiero narrar una historia honesta acerca de dos personas maravillosas que se encuentran y se enamoran. Quiero contársela a mis amigos, a sus hijos e hijas. Eso es todo".
"¿ LA PRINCESA YEL SAPO tiene los elementos propios de un clásico? ¿Qué es lo que define a un clásico?", pregunta Edwards. "Personajes convincentes, puntos de vista sólidos, humor sofisticado para los padres y divertido para los niños, grandiosa música. Uno quiere hacer una especie de montaña rusa, con grandes caídas, para reír y llorar, para conmoverse. Y creo que si el público se conmueve, todo encuentra su correspondiente lugar".
LA ANIMACIÓN Y LA ACTUACIÓN
La animación clásica y los inspirados talentos vocales
dan vida a un nuevo elenco de personajes
LA PRINCESA YEL SAPO es la vez número 49 en la que Disney lanza un "llamado a elenco" en busca de las estrellas y de los incondicionales de Hollywood, pero a diferencia de sus equivalentes en películas de acción en vivo, los largometrajes animados de Disney tienen dos intérpretes para cada papel individual en la pantalla: la mano del artista y la voz del actor.
Para la voz en inglés de la protagonista de la película, Tiana, los realizadores convocaron a Anika Noni Rose, ganadora del premio Tony®, quien cumple una ambición de toda la vida interpretando este papel. Así lo expresa: "Puedo decir que de verdad para mí esto es un sueño hecho realidad. Desde pequeña quería trabajar para Disney y no tenía que ser de princesa necesariamente. ¡Hubiera sido una garrapata o una pulga! "Estoy feliz de haber podido estar en el momento adecuado para que esto suceda. Es una bendición, un honor y una alegría".
El supervisor de animación Mark Henn es la otra mitad de Tiana y sus opiniones e ideas sobre las princesas de Disney no son sólo académicas, sino que las tiene por experiencia personal. Se lo llama en broma: "El animador del Actor´s Studio" o el más importante de las protagonistas de Disney, ya que ha hecho la animación de Ariel, Bella, Jasmine, Pocahontas y Mulan, entre otras.
"Siento que soy un actor, que trato de ponerme en los zapatos de mi personaje, ya sea una mujer, un cachorro de león, un ratón o lo que sea" dice Henn. "Hay integridad en la manera en que los personajes se mueven y son genuinos. Pienso que esto es importante, particularmente con las protagonistas."
El príncipe de LA PRINCESA YEL SAPO se posiciona en el centro del escenario como nunca antes había sucedido. Este príncipe está realizando un viaje de descubrimiento de sí mismo y Bruno Campos fue elegido para darle voz a Naveen. "Tiene algunos problemas", nos cuenta Campos sobre su personaje. "Es un poco fresco, es un poco vivo. Puede ser un poco enérgico, pero se lo ve crecer a lo largo de la película".
Gracias a Campos y a Randy Haycock, el supervisor de animación del Príncipe Naveen y del Sapo Naveen, este príncipe llega a la pantalla grande con el carisma suficiente como para sorprender al público de todo el mundo. "Yo tenía un compañero de habitación en la universidad al que le gustaban mucho las mujeres," cuenta Haycock. "Solía observarlo porque era realmente bueno con las chicas y yo no, y me di cuenta de que se les acercaba mucho. Si las chicas se sentaban en una silla, él se sentaba a su lado y se inclinaba sobre ellas. Si estaban paradas, él encontraba algo sobre qué apoyarse. Hice que Naveen siempre estuviera apoyado sobre su mano o sobre algo, porque eso le da confianza. No es rígido para nada, es relajado porque se siente seguro de quien es".
"Lo gracioso", continúa Haycock, "es que mientras que se muestra encantador y seductor como humano, es casi cómico transformado en un sapo. Le da una capa de humor a su personaje el hecho de que este sapo de apariencia ridícula se vea a sí mismo como a un donjuán".
En las animaciones de Disney el villano es generalmente el gran motivador de la historia; la hazaña es escapar de él, vencerlo o humillarlo. El supervisor de animación Bruce Smith trató de no sentirse intimidado por la importancia del rol del Dr. Facilier. "Dejé este tema en segundo plano porque no quería ponerme este tipo de presión, pero al mismo tiempo éste es el motivo por el que estoy aquí: para sentir esa presión y ser capaz de estar a la altura de la ocasión. Siempre supe que estaba en mí, que podía hacer a un villano y darle un giro diferente que probablemente nuestro público no hubiera experimentado o visto anteriormente."
Su interpretación fue respaldada y elevada por la vitalidad vocal del prolífico y talentoso actor Keith David, quien fue llevado hasta el personaje... como por arte de magia. "Uno de los personajes que siempre quise interpretar fue High John the Conqueror (un héroe popular), que era un prestidigitador. Dr. Facilier es así. Es un prestidigitador y un hechicero mediocre".
La animación es también una especie de brujería para este actor veterano. "Esto es lo fascinante del asunto ya que creo que el proceso de animación es siempre mágico; reunir todos los elementos es apasionante".
El supervisor de animación de Louis, Eric Goldberg, dice que este lagarto amante del jazz le pareció un desafío en un comienzo. "No tiene nada en particular que puedas usar para hacer la animación más fluida," dice Goldberg. "No tiene plumas, pelo ni ropa. Sólo tiene su cuerpo, sus músculos, sus huesos y su grasa. Tuvimos que usar estos elementos para que diera la impresión de que está lo más vivo posible".
Goldberg dice que tuvo que considerar seriamente la escala cuando se trataba de Louis. "Si agregas a Ray a la mezcla, la preocupación aumenta; él es muy pequeño comparado con los dos sapos y los sapos son muy pequeños comparados con Louis. Pero la escala ayuda a dar presencia a Louis. Es un lagarto formidable que le da humor y calidez al personaje".
Michael-Leon Wooley obtuvo el papel de Louis después de meses de audiciones y reuniones. Recuerda: "Estaba caminando por Times Square hacia una audición y recibí una llamada de mi agente para decirme '¡Lo conseguiste!'. Me detuve y, literalmente, detuve a la gente que caminaba por allí; creían que estaba loco. Todo fue maravilloso: conseguir el trabajo, mi primer día en el estudio, la primera vez que vi al personaje de Louis y escuchar mi voz en él. Todo el proceso nunca dejó de sorprenderme".
En cambio, Jim Cummings, quien hace la voz de Ray, la luciérnaga enferma de amor, tiene mucha experiencia en doblajes. Le ha prestado su voz a personajes como King Louis, Kaa la serpiente, Pete, Darkwing Duck, Bonkers, Fat Cat, Monterey Jack, Don Karnage, Winnie the Pooh y también a Tigger.
"Bueno, he sido muy afortunado. El primer trabajo que conseguí en este rubro fue para Disney Channel en "Dumbo´s Circus". Me siento parte de los que llevan adelante la tradición de Disney desde que yo formaba parte del público. Siento que llevo toda esa tradición y toda esa magia para una nueva generación."
Ray, la luciérnaga cajún casi se roba la escena gracias a los talentos de Cummings haciendo su voz y al supervisor de animación Mike Surrey. El animador dice que al trabajar con Ray aprendió que más grande no significa necesariamente mejor. "Me pidieron que trabajara sobre Ray," dice el animador, "Ni siquiera sabía quién era Ray. Mi ego me decía: '¿Una luciérnaga? Es algo muy pequeño, ¿qué es eso?'. Pero desde el primer momento fue memorable".
Cummings es un verdadero fan de la luciérnaga y, más aun, de su posibilidad de darle vida: "Es un verdadero honor. Este es el tipo de cosas que hago gratis bajo la ducha y que hacían que me sacaran de clase. Así que estoy muy feliz."
El guionista Rob Edwards recuerda cómo la calidad actoral del supervisor de animación Andreas Deja lo inspiró para la historia de la dama de la magia, Mama Odie. "Corríamos el riesgo de que Mama Odie se volviera superficial, pero sabíamos que como actor Andreas es tan impresionante que teníamos que darle algo bueno, así que volvimos a la mesa de dibujo. Es como componer para un gran intérprete, y esto es válido para estos animadores cuando dicen: "¡No veo la hora de ver lo que hace! Te eleva. Te empuja hasta un nivel al que no podrías haber llegado".
El dibujo de Deja hace pareja con la magnifica voz de la prolífica y galardonada actriz Jennifer Lewis, quien confiesa: "Bueno, estoy sorprendida. Les diré la verdad: desperté esta mañana y apenas abrí los ojos pensé: 'Historia.' Es que voy a ser parte de algo histórico tan maravilloso y excitante, ya que cuando eres una de las voces de una película animada de Disney sabes que va a vivir para siempre. Amo a Mama Odie porque es tan dulce. Sabe quién es. Ya ha recorrido bastante y está aquí para ayudar a los demás. Veo mucho de mí en Mama Odie. Reparto montones de dulzura".
La veterana de Broadway Jennifer Cody le prestó su voz a Charlotte, una amiga de la infancia de Tiana. "Charlotte es una debutante sensible y decidida", describe la actriz. "Si bien siempre tuvo todo lo que su corazón deseaba, lo que más quiere es ser una princesa. Es muy apasionada en su búsqueda y su motor siempre está en marcha. Es como un camión lleno de risitas".
Cody actuó en obras como Shrek: The Musical, Beauty and the Beast, Seussical the Musical yCats, por lo tanto era la indicada para interpretar a esta belleza sureña. "Creo que lo que el público más va a querer de Charlotte es su risa aguda", dice la actriz. "Cuando Charlotte no puede controlar su excitación, produce este gritito agudo que se parece mucho a una pava silbadora, lo que parece muy adecuado porque está siempre a punto de hervir. Para mi ella es una mezcla de femme fatale, Scarlett O´Hara y Foghorn Leghorn".
Nik Ranieri estuvo a cargo de la imagen de Charlotte. El animador dice que el verdadero desafío fue encontrar un equilibrio entre su credibilidad y su personalidad excéntrica. "Sentí que tenía que exagerar y llevarla a hacer cosas que no podría hacer en una película de acción en vivo. Y la manera de volverla creíble era asegurarme de que todo lo secundario fuera animado de la manera más real posible. Charlotte se mueve por todos lados y la exageración de la animación primaria se vuelve creíble por la realidad de la acción secundaria - los vestidos, las mangas y el cabello -, que la torna creíble porque no tiene que ver directamente con su personalidad".
A pesar de que John Goodman ha trabajado tanto en películas animadas de Disney como de Pixar (The Emperor's New Groove y Monsters, In.c) interpretar al gentil patriarca gigante sureño Sr. La Beouff 'Papi', no es sólo hacer otro dibujo animado. "Nunca se sabe cómo va a reaccionar el público", dice Goodman, "pero este personaje parece llevarnos hacia un lugar y un tiempo diferentes".
Duncan Marjoribanks es el supervisor de animación de Sr. La Beouff 'Papi'. Conocido por animar personajes de Disney tales como Sebastián el cangrejo de La Sirenita, Abu el amigo de Aladdin, y Mrs. Caloway, la vaca de Vacas vaqueras, el animadoradmite: "Dejé algunos sutiles indicios de que estaba interesado en hacer un personaje humano esta vez. Sr. La Beouff 'Papi' era lo que estaba buscando".
Goodman está aún fascinado por la manera en que la animación produce su magia. "Lo que hacen es crear su propio mundo. Te rindes ante sus mitos y te entregas a la película. La manera en que el trabajo artístico luce, especialmente la música... Simplemente te lleva hacia otro mundo".
Los padres de Tiana son hábilmente dibujados e importantes. "Siempre pienso que los personajes como James y Eudora son muy importantes para el desarrollo emocional de la historia", afirma el supervisor de animación Ruben Aquino.
Oprah Winfrey brindó la voz calma y contenedora de Eudora, la madre de Tiana; mientras que Terrence Howard, nominado al Premio de la Academia®, hizo la voz en inglés de James, el padre. La pasión que él comparte con su hija por la cocina y la buena comida lleva a la heroína hasta el pantano en busca de su sueño. "Ya era hora de volver a formar parte de algo como 'Había una vez... ' ", dice Howard. "Me refiero a que yo soñaba a lo grande cuando era niño. No sabia que iba a terminar haciendo animación, pero siempre quise interpretar esas voces. Es mi propio sueño personal hecho realidad".
UNA ANIMACIÓN ESTELAR
Los mejores talentos se reúnen en Disney Animation
"Creo que hay algo en la animación tradicional, donde el animador se expresa directamente a través de su mano y a través del lápiz sobre el papel, que es inigualable.
Para muchos de estos animadores es divertido volver a sus raíces."
Peter Del Vecho, Productor.
Los realizadores comenzaron el largo viaje de creación de LA PRINCESA YEL SAPO considerando qué talentos artísticos serían los requeridos para hacer una nueva realización animada de Disney. "Verdaderamente es una encrucijada en el medio, una oportunidad para que todos aquí realicen lo que nadie más en el mundo está realizando, lo que hasta cierto punto nadie más puede hacer", afirma el productor Peter Del Vecho. "A todos les importa mucho este proyecto".
También descubrieron que los animadores favoritos que se llevaban bien con al animación digital estaban ansiosos de regresar a la animación a mano. Había una nueva generación de artistas que habían crecido viendo las clásicas películas de Disney, y esas películas que Musker, Clements y sus colegas habían hecho cuando eran jóvenes. Muchos de los nuevos reclutas de LA PRINCESA YEL SAPO habían visto películas como La SirenitayLa Bella y la Bestia cuando eran niños, y se sentían entusiasmados y felices de unirse a esta producción.
"Estamos tratando de reinventar todo", dice el director de arte Ian Gooding (Chicken Little, How to Hook Up Your Home Theater, Tarzan, Hercules, Pocahontas). "Es muy difícil hacer esta animación de nuevo... No es como si hubiera estado en el refrigerador y simplemente se lo descongelara. Hay muchísimos desafíos, mucho entrenamiento y... tratar de imaginar dónde volver a comprar papel".
"Ha sido un proceso interesante," dice Peter Del Vecho. "Afortunadamente, tenemos mucha memoria colectiva aquí, así que sabemos cómo queríamos hacerlo, pero como empezamos desde el principio, también tenemos que pensar en cómo lo haremos en el futuro. Así que pensamos en hacerlo a mano, pero sin papel. Sin embargo, dado que la tecnología todavía no se ha acostumbrado a esa habilidad, lo mejor que se podía hacer era animar en papel. Estoy realmente orgulloso de haber tomado esa decisión."
"Es un proceso similar al de ir construyendo las vías mientras el tren ya está andando," dice Del Vecho. "No es fácil y crea mucha ansiedad, pero tratamos de prestar atención sólo a las cosas importantes. Centramos los esfuerzos en lo que se ve en la pantalla. Para nosotros lo importante es lo que el público ve".
"Hemos traído de vuelta al estudio lo mejor de lo mejor", continúa. Los animadores que tenemos en el equipo son la versión moderna de los 'Nueve Veteranos'; todos están trabajando juntos, colaborando con la película cuando están en su mejor momento".
"Creo que esta película tiene la ventaja de tener un gran nivel en todos los artistas", dice el supervisor de animación Bruce Smith (Vacas vaqueras y Tarzán). "No puedo recordar una película -fuera de las de los "Nueve Veteranos"- donde hubiera un grupo tan concentrado de animadores talentosos, lo que realmente se nota en la pantalla. Es como una especie de cliché del deporte eso de 'dejar todo en el campo', pero es así. Creo que todos ponemos mucha pasión en la pantalla. Estamos obteniendo resultados increíbles."
"Una de las cosas que John Lasseter aportó es la idea de que nuestra comunicación puede ser más abierta", explica el supervisor de animación Randy Haycock (El rey León, Hércules, Tarzán). "Podemos apasionarnos con la película. No tenemos que tener miedo de que alguien se asuste porque nos apasionamos con una idea. Esa pasión viene del mismo lugar de donde viene la pasión de todos los que trabajan aquí: del deseo de hacer esta gran película."
LOS SUEÑOS SE HACEN REALIDAD EN NUEVA ORLEANS
Los realizadores trabajan bastante para hacer una 'Nueva' Orleans
" Uno de los aspectos más singulares de LA PRINCESA Y EL SAPO es que no es sólo un cuento de hadas, sino que es el primer cuento de hadas 'estadounidense' que hace Disney. Transcurre en un tiempo real y en una ciudad real. Esto fue muy divertido ya que nos permitió ir al lugar e investigar, y muchas de las ambientaciones de la película son lugares que se pueden visitar."
John Musker, Director.-
Como espacio para lo fantástico, lo encantado, el musical y aun para los villanos, ningún lugar del mundo era tan adecuado para LA PRINCESA YEL SAPO como Nueva Orleans.
Investigando la ciudad
"Realmente tenemos la sensación de que la ciudad es un personaje protagónico en la película", afirma el director Ron Clements. "Deseábamos serle fieles a esta ciudad y eso es lo especial".
Para captar la autenticidad del espacio del film, los realizadores viajaron en carias ocasiones a Nueva Orleans para investigar las comidas, la música, la arquitectura, los pantanos adyacentes y la gente. Tomaron más de 50.000 fotografías de lugares icónicos para utilizarlas como referencia e inspiración.
"Visitamos tres grandes mansiones en el Distrito Garden, dado que parte de nuestra historia se desarrolla allí", cuenta Clements. "También se desarrolla cerca del Ninth Ward. Trabajamos en un proyecto de Hábitat para la Humanidad mientras estuvimos allí".
Los realizadores también exploraron el pantano, donde conocieron algunos de sus animales; y un viaje al Zoológico Audubon les reveló más criaturas, como lagartos autóctonos, los cuales fueron al inspiración de Louis; o pájaros de pico ahuecado que influyeron en los pájaros de la canción gospel de Mama Odie "Dig a Little Beeper".
Los cineastas se empaparon lo más posible de las características de la ciudad, experimentando el Festival de Nueva Orleans de Jazz -bajo la lluvia-, haciendo el paseo Nanchez Riverboat para captar apropiadamente las escenas de río, o recorriendo el sistema de tranvías. El diseñador de sonido Oden Benitez fue incluso a Jackson Square para grabar los sonidos de la campana de la iglesia y del tranvía.
Los directores Musker y Clements, así como el productor Peter Del Vecho, fueron invitados a participar del Mardi Gras (el Carnaval de Nueva Orleans) a bordo de una carroza. "El clímax de nuestro film ocurre durante Mardi Gras", explica Musker, "así que tratamos de captar esa energía en términos del diseño de la carroza y de la atmósfera".
"Llegamos a experimentar el poder de los collares de cuentas", continúa Musker. "En esos momentos en los que uno está en la embarcación, sosteniéndolos, siente que tiene en sus manos una fortuna; todos los quieren".
Clements agrega: "Experimentamos cómo es ser estrellas de rock durante 15 segundos. Cada vez que pasaba una carroza, la atención se concentraba en la siguiente. La fama era muy fugaz".
La investigación resultó valiosa en tanto que los artesanos de Disney se esforzaron por captar la magia casi inexplicable de la ciudad. "Nueva Orleans es un lugar sorprendentemente diferente. Es muy distinto de cualquier otro lugar de los Estados Unidos", dice el director de arte Ian Gooding. "Creo que San Francisco tiene mucho carácter y Nueva York tiene sin duda su fuerte carácter singular. Pero si llevas a alguien que nunca había estado en Nueva Orleans con los ojos vendados, aterriza directamente allí y le dices que está en otro país, probablemente te crea.
La sensación de estar en otro mundo dentro de un lugar claramente estadounidense fue uno de los elementos que llevó a los realizadores a desarrollar su cuento de hadas de Nueva Orleans. Dentro de los límites de su geografía y de su historia estaban todos los elementos y los lugares necesarios para la película, y a su vez los lugares reales inspiraron la narración.
" Esta película es un desafío, ya que tiene ambientes muy diferentes.
Están el Barrio Francés, el salvaje y colorido Mardi Gras y la lustrosa sofisticación del Distrito Garden, además del pantano".
María González, supervisora de color.
EL DISTRITO GARDEN
Dentro del "único" lugar de filmación que fue Nueva Orleans, los realizadores definieron tres entornos diferentes. Como barrio residencial para la ostensible familia "real" de este cuento de hadas americano, los cineastas encontraron un lugar que evoca dentro del estilo de Nueva Orleans, las ideas de lujo, solidez y tradición que están incorporados dentro del imaginario clásico de los cuentos, como los sólidos muros de un castillo majestuoso en el distrito Garden, el principal barrio suburbano de la ciudad. El distrito Garden, desarrollado originalmente a partir del año 1832 hasta alrededor de 1900, evoca las casas señoriales y los palacetes de los "barones del azúcar" y los "reyes de algodón", opulentas construcciones de los nuevos ricos que reflejaban su prosperidad y la de Nueva Orleans en esa época.
Al abordar el dibujo del distrito Garden, los realizadores se enfrentaron al desafío de inspirarse en una arquitectura real muy ordenada y convertirla en un exuberante y nostálgico reino de hadas. Además, el entorno humano tenía que coexistir perfectamente con el naturalismo extremo de un pantano que también tiene un rol importante.
El director de arte Ian Gooding añadió la caricatura al dibujo con el fin de suavizar la rigidez propia de las líneas horizontales y verticales de la arquitectura real. Las ornamentaciones, los giros, las volutas y los postes se exageraron, pero sin alterar el aspecto sólido de los edificios.
EL BARRIO FRANCÉS
Al norte de Canal Street se encuentra el pintoresco Barrio Francés (Vieux Carré) de la ciudad vieja, convertido ahora en una de las atracciones más interesantes del sur de los Estados Unidos.
Muchos de los edificios de varios pisos del Barrio Francés cuentan con balcones adornados con trabajos en hierro fundido, generalmente decorados con plantas en macetas colgantes. La mayoría de los edificios están construidos con ladrillo a la vista o pintados de colores brillantes y tienen sus características ventanas y puertas con postigos para protegerse de las tormentas tropicales. Por la noche, el cálido resplandor vacilante de las lámparas de gas y los faroles iluminan las calles empedradas y los frentes de las casas y producen sombras que estimulan el romanticismo, la imaginación y la aprensión.
Este trasfondo del mal y de la magia negra, de presencia del pecado a la sombra de la virtud, de oscuridad acechando detrás de lo elegante y de soleados balcones de hierro forjado ayudó a definir el elemento clave del encanto de la historia. Si bien es siniestro, este elemento no deja de ser atractivo, especialmente para el joven y enérgico príncipe.
En el diseño de estos ambientes más oscuros de la ciudad, los artistas desarrollaron un vocabulario visual para reforzar el clima de los espacios y cómo los personajes habitan en ellos. Los espacios son largos, verticales y angostos, y las entradas de las casas esconden artefactos, máscaras y objetos. Fuertes contrastes e inquietantes ambientes de luz y sombra añaden desasosiego con altares con velas, botellas, estatuas, rollos e iconos religiosos. En definitiva, los elementos de la fantasía y el terror están más pronunciados y estilizados; el ambiente evoca la atractiva malevolencia del villano Dr. Facilier.
EL PANTANO
Inmerso en el sudeste de los Estados Unidos, en la región del delta del Mississippi y de Luisiana, hay brazos del "gran río" de aguas lentas que serpentean a través de las tierras bajas, creando grandes regiones conocidas como pantanos (bayous). Los más grandes, como Bayou Lafourche, son restos de lo que fueron las rutas que alguna vez siguió el Mississippi en su camino hacia el Golfo de México. Aquí (donde los caimanes se deslizan silenciosamente por las aguas salobres, bajo las hojas en forma de abanico de las palmeras y con luciérnagas que crean una luz de linterna velada por las ramas nudosas de los robles y pinos, todos envueltos en mortajas de musgo español) está el escenario perfecto para el misterio, la magia y el romanticismo.
"Crecí en Florida", dice el artista de desarrollo visual Aaron James Finch, "así que conozco la sensación de este entorno sureño con grandes robles y zonas pantanosas. Conozco las plantas autóctonas que la gente no ve mucho en California, las palmeras sabal y este tipo de cosas, y sé cómo ponerlas ahí. Conozco esa lengua del sur y lo que es auténtico".
Reunir estos ambientes tan dispares fue una verdadera preocupación del equipo de producción, pero quizá no en la manera que suponemos. Kyle Odermatt explica: "Lograr la imagen orgánica de los pantanos fue fácil de hacer de principio a fin. La realidad arquitectónica fue un poco más difícil. Pero el verdadero desafío desde el punto de vista artístico fue que el paso entre uno y otro se viera bien".
Susan Nichols, artista de desarrollo visual, añade: "Nueva Orleans es realmente emblemática de la cultura americana, es un crisol de culturas muy variadas y siempre lo ha sido, lo que le da un sabor a la comunidad y a todo lo étnico que es parte integrante del entorno. Esto le dio una capa de sabor a las imágenes como nunca antes había sucedido y me encantó".
IR HACIA ADENANTE Y MIRAR HACIA ATRAS
El diseño clásico de Disney da forma a LA PRINCESA YEL SAPO
" Esta película tiene de todo. Creo que ninguna otra de las que hemos hecho
tiene tantas cosas en términos de locaciones." Aaron James Finch, diseñador de producción.
La creación de un mundo que mantenga la credibilidad, pero que a la vez muestre un aura de fantasía es siempre un desafío, por lo que los realizadores examinaron cómo los maestros de Disney del pasado habían diseñado sus films.
"Los directores discutieron sobre La Damay el Vagabundo en relación con la arquitectura, y sobre Bambi en relación con lo natural, lo orgánico", dice Ian Gooding. "En Bambi se hizo algo increíblemente complejo, un ambiente de bosque con hojas, ramas, piedras, corteza y lo demás que hay en un bosque, pero pintaban sólo lo que era importante. Eso da la sensación de un bosque, pero no de un bosque literal. Lo que hicieron en Bambi fue pintar 'cómo se siente' estar en un bosque. No se nota que no hay miles de millones de ramas, hojas y esas cosas. Funciona de la manera en que fue concebido y ejecutado".
"Sabíamos que estábamos realizando una obra de época", dice el diseñador de producción James Aaron Finch, "y sabíamos que parte de la arquitectura debía tener el estilo del distrito Garden, así que buscamos en La Damay el Vagabundo no tanto por el tipo de pintura, sino definitivamente por la caricatura de las formas y los elementos de la composición".
ILUMINACION Y COLOR
"Creo que esta película es un poco más compleja que nuestras primeras en relación con la iluminación y el color", dice Sunny Apinchapong, a cargo de las imágenes de fondo
En el estilo del color, la artista visual Lorelay Bove vio la necesidad de equilibrio entre la realidad y los requerimientos de la historia. "Para el color del pantano miré fotografías y busqué en internet, vi lo atractivas que son esas imágenes y qué colores van bien juntos. Si la escena es triste, debía ser tal vez monocromática dentro de los tonos grises".
Ian Gooding cuenta que el proceso involucró varias idas y vueltas. "Empezamos con el fondo. Lo pinté dentro del contexto, lejano, demasiado orgánico, con pinceladas marcadas, demasiado pictórico y demasiado blando. Pusimos sobre el fondo a los personajes y se lo mostramos a los directores y a John Lasseter. Nos dijeron: "Hay partes que están bien, pero hay que trabajar sobre estas áreas", y empezamos a acercar lo que estaba demasiado lejos hasta encontrar algo que nos pareciera adecuado".
Apinchapong añade: "Lo que tratamos de lograr, aún cuando hoy se pinte de manera digital, fue que la pintura no pareciera demasiado digital, que se viera más tradicional a pesar de que no se usen pincel y pintura".
EL PUNTO DE VISTA DEL SAPO
Las diferentes especies de personajes llevaron a los realizadores a otro desafío en el dibujo el de crear escalas de tamaños relativos que permitieran la puesta en escena adecuada entre personajes de distintos tamaños y con el decorado.
"Es algo que siempre tenemos que tener en cuenta: no engañar demasiado y que entonces no se vea realista", dice el supervisor de animación Eric Goldberg. "Sí, hay algunas libertades que nos podemos tomar para ambientar las cosas de manera eficaz y hacer que parezca que los personajes están conversando, pero todo tiene que tener una relación adecuada con lo demás".
Rasoul Azadani recuerda cómo la noción de escala quedó afectada por un viaje de investigación a un pantano de verdad. "Cuando fui allí no había agua en algunos sectores, por lo que se podía ver su configuración desde arriba, cómo se verían la tierra y las marcas, y por dónde vendría el agua. Pude caminar con mi cámara sobre el terreno y tomar fotografías desde el punto de vista de los sapos".
HACIENDO UN MUSICAL
El compositor ganador del Premio Oscar® Randy Newman
suma autenticidad y experiencia
La elección fue unánime entre los realizadores: Randy Newman fue el primer nombre que surgió, el compositor ideal para LA PRINCESA YEL SAPO . Newman, colaborador de larga data en las películas de Disney•Pixar, recibió un Premio de la Academia® por su trabajo en Monsters, Inc., y ganó premios Grammy por Monsters, Inc., Toy Story y Bichos, entre otros.
La canción de Randy Newman de 1974 "Louisiana 1927" tuvo mucho éxito después del huracán Katrina en 2005, y los directores empezaron a ver la innata teatralidad en la música de Newman, incluidas las bandas sonoras de Ragtime, de Milos Forman, o de The Natural, de Barry Levinson.
John Musker recuerda: "Seguíamos pensando que Randy sería muy bueno, ya que hay en él un aspecto de la cultura estadounidense que es interesante".
Con familiares en Nueva Orleans y varios veranos allí cuando niño, Newman dice que ama esta música desde hace mucho tiempo. "La música es, me parece, muy agradable", añade Newman. "No sé por qué. Es difícil creer que lo es porque la oí cuando era bebé, pero siempre me gustó… ¿Quién sabe? Esa música me resulta muy cómoda".
Newman compuso para la película una banda sonora completamente nueva dentro de una amplia gama de estilos, que incluyen jazz, blues, gospel y zydeco. Convocó a los más grandes músicos del mundo para que colaboraran con el proyecto. ¿Cuál fue el resultado? Magia.
"Tenemos la suerte de contar con músicos consagrados trabajando con Randy Newman en LA PRINCESA YEL SAPO " dice el productor Peter Del Vecho. "Músicos ganadores de premios Grammy® como Dr. John, Terence Blanchard y Terrance Simien aportaron no sólo su talento sino el estilo propio de Nueva Orleans, además de que trabajar con ellos fue un verdadero honor".
Los directores John Musker y Ron Clements dicen que uno de sus viajes más excitantes a Nueva Orleans fue para presenciar una sesión de grabación de Dr. John y Randy Newman. Dr. John es un reconocido músico y cantante nacido en Luisiana. Fue la primera elección de los realizadores para interpretar en el comienzo de la película una secuencia en la que se presenta a los personajes principales y a la ciudad de Nueva Orleans.
El músico mundialmente reconocido Terencie Blanchard se complace en ver el retorno de Disney al género musical. "Ser parte de un musical es algo maravilloso", nos dice. "Mi padre cantaba ópera; amaba los musicales. Una de las primeras películas que me llevó a ver fue Fiddler on the Roof. Siento mucho que no esté aquí para ver esto. De alguna manera también soy afortunado de que no esté aquí para verlo, porque estaría en el estudio dando sugerencias sobre qué hacer"
El músico mundialmente reconocido Terencie Blanchard se complace en ver el retorno de Disney al género musical. "Ser parte de un musical es algo maravilloso", dice. "Mi padre cantaba ópera; amaba los musicales. Una de las primeras películas que me llevó a ver fue Fiddler on the Roof. Siento mucho que no esté aquí para ver esto; pero de alguna manera también soy afortunado de que no esté aquí para verlo, porque estaría en el estudio dando sugerencias sobre qué hacer".
El trompetista le prestó su fenomenal experiencia al lagarto de la película. "Michael (Leon Wooley) fue la voz de Louis y yo fui el sonido de la trompeta, así que le dije a Michael: 'Louis es un personaje muy complicado. Se necesitan dos de nosotros para componer este único personaje. Es un tipo muy poderoso". Blanchard también prestó su voz a Earl, el director de la banda que tocaba en el barco.
El artista Terrance Simien le adjuntó el estilo de Nueva Orleans al proyecto: la música zydeco. "La música zydeco es la música de los creoles de Luisiana," dice. "Hay tantos estilos de música fantásticos, pero la gente no tiene oportunidad de escucharlos porque no los pasan por la radio. Espero que el público escuche zydeco y que sea más aventurero, que explore otros estilos musicales y la música de diferentes culturas. Espero que entonces deseen escuchar un poquito más de zydeco."
LA PRINCESA YEL SAPO presenta canciones nuevas, entre ellas : "Down in New Orleans" (con "Trombone Shorty", un reconocido músico local), "Friends on the Other Side", "When We're Human", "Gonna Take You There", "Dig a Little Deeper", "Ma Belle Evangeline" y "Almost There".
Entre las canciones hay una balada para Tiana, interpretada por Anika Noni Rose. "'Almost There' es la canción en la que Tiana expresa sus sentimientos sobre tener un restaurante y lograr su objetivo", describe Newman. "Anika viene de Broadway, donde generalmente no se escuchan las canciones con ritmo sincopado; pero lo hizo, y lo hizo maravillosamente".
Uno de los personajes más sensibles de LA PRINCESA YEL SAPO es Ray. Newman contribuyó a dar a luz a las emociones de Ray, por así decirlo, en una canción titulada "Evangeline".
"'Evangeline' es una canción de amor para Ray, una luciérnaga macho que está enamorada de una hermosa luciérnaga a quien aún no conoce; algo que es una linda idea", agrega Newman. "Fue fácil de escribir porque supe desde el principio que iba a hacer un vals con espíritu cajun. Su emoción es evidente. Está enamorado".
Newman dice que entiende el poder que tiene la música para los realizadores, en particular para una película de animación como LA PRINCESA YEL SAPO . "La banda sonora de una película animada refleja la conducta de los personajes en la música", dice. "Si se caen, se escucha "BA-DUM-DUM". Y si no se escucha "BA-DUM-DUM" no va a estar bien. Además la música también ayuda a lograr el clima emocional".
NE-YO: "Never Knew I Needed"
Para la canción de los créditos finales los realizadores convocaron Ne-Yo, artista de Def Jam, con varios discos multiplatino y ganador tres veces del premio Grammy®. El artista canta "Never Knew I Needed", una canción que capta el viaje que realizan Tiana y el Príncipe Naveen.
LOS REALIZADORES
JOHN MUSKER(Director) continúa siendo una fuerza impulsora del arte de la animación y uno de los mayores puntales de Disney. Desde La sirenita y Aladdín hasta la comedia épica Hercules, su ingenio irreverente, su fuerte sentido visual y su abordaje no convencional de la narrativa colaboraron a crear algunos de los films más exitosos de la historia del cine.
Nacido en Chicago, Illinois, Musker comenzó a dibujar cuando aún estaba en la escuela primaria; a los 8 años supo que quería ser animador. Inspirado en clásicos de Disney como Blancanieves y Pinocho, así como en el libro The Art of Animation de Bob Thomas, desarrolló una profunda comprensión del proceso de animación. Su fascinación por las historietas, los dibujos animados y la RevistaMad estimularon más su deseo de dibujar.
En la Academia Loyola, una escuela secundaria jesuita en Wilmette, Illinois, Musker fue el historietista del periódico escolar. Sus particulares caricaturas, que incluían desopilantes dibujos de los profesores y celebridades de la escuela, no tardaron en hacerse conocidas. La preocupación por la caricatura y el dibujo animado continuó durante sus años en la Universidad Northwestern, donde se especializó en Inglés y dibujó historietas para The Daily Northwestern.
En 1974 y tras su graduación, Musker reunió un portfolio y partió hacia California para encarar una carrera como animador. Al haber sido rechazado por Disney, se anotó en el California Institute of the Arts para perfeccionar su oficio al año siguiente.
Luego de ese primer año, el cual incluyó una pasantía de verano en el Estudio Disney, le ofrecieron un trabajo tiempo completo como animador. Pero esta vez fue él quien lo rechazó, optando por completar su segundo año de entrenamiento.
En 1977, Musker comenzó a trabajar en Disney, luego de superar exitosamente dos pruebas. Comenzó como animador asistente en The Small One, luego animó The Fox and the Hound y realizó el trabajo de historia de The Black Cauldron.
Musker unió su creatividad a la de Clements en 1983 para escribir The Great Mouse Detective, y luego ambos codirigieron el film junto con Burny Mattinson y Dave Michener. Esta exitosa colaboración se repitió en La sirenita, la premiada película que ayudó a revitalizar los largometrajes animados en Disney, lo cual generó nuevo entusiasmo por el género. Desde entonces, Musker y Clements coescribieron y codirigieron dos de las realizaciones más divertidas y memorables de todos los tiempos: Aladdín y Hércules. Su siguiente proyecto fue la realización animada El planeta del tesoro, una aventura intergaláctica de acción basada en la clásica novela de Robert Louis Stevenson Treasure Island.
Acerca de su exitosa asociación con Ron Clements, Musker afirma: "Ambos somos tipos relativamente simpáticos del Medio Oeste, con ligeras diferencias en nuestras fortalezas y abordajes. Ron es más estructurado y se asegura de que la historia en su totalidad no se desintegre en el curso de las sucesivas reescrituras. Y tiendo a concentrarme más en detalles específicos y gags. Constantemente nos repasamos las escenas, los borradores, y en ese proceso agregamos nuevas ideas y sugerencias".
Musker y su esposa Gale (a quien conoció en Disney), tienen tres niños -incluidos mellizos- y viven en La Cañada, California.
RON CLEMENTS (Director) surgió como uno de los mejores talentos de hoy en la animación. Su buen humor, integridad visual y la profunda sensibilidad de sus historias lo han ayudado a que la animación ganara un público mucho más numeroso. Junto con John Muskers, su socio en la dirección, Clements se ha dedicado a expandir el legado de Disney y a llevar el arte de la animación hacia direcciones nuevas y prometedoras.
Nacido y criado en Sioux City, Iowa, Clements recuerda que su interés por la animación se despertó cuando vio el film Pinocho a la edad de 10 años. De adolescente, comenzó a realizar películas animadas en súper-8, como Shades of Sherlock Holmes, una realización de 15 minutos que animó a mano. Shades... obtuvo el elogio de la crítica y le valió un trabajo part-time en una estación de televisión, donde animó comerciales para el mercado local. Años más tarde, ese mismo film lo ayudó a conseguir trabajo en Disney y también sirvió como inspiración para The Great MouseDetective, el cual escribió y dirigió con Musker.
Al finalizar la escuela secundaria, Clements se mudó a California para probar suerte en la animación. Dado que en Disney no había vacantes, trabajó durante varios meses en Hanna-Barbera, mientras estudiaba dibujo de la figura humana por las noches en el Art Center. Merced a su constancia y determinación fue finalmente aceptado en el Programa de Desarrollo de Talentos en Disney, una oportunidad de entrenamiento para jóvenes animadores. Su experiencia autodidacta y su ambición compensaron su carencia de entrenamiento formal.
Tras concluir exitosamente el programa de entrenamiento, Clements fue durante dos años aprendiz de Frank Thomas, una de las leyendas de Disney. Progresó rápidamente, desde el puesto de intermedio hasta el de animador encargado de historia. Sus créditos incluyen Winnie the Pooh and Tigger, The Rescuers, Pete's Dragon, The Fox and the Hound y The Black Cauldron.
Clements debutó como guionista y director (con Musker) en la realización animada de 1986 de Disney The Great Mouse Detective. Luego, propuso una versión animada del clásico cuento de hadas de Hans Christian Andersen The Little Mermaid, un proyecto que lo reunió nuevamente con Musker como guionista y director y que se convirtió en uno de los mayores logros del Estudio, tanto en lo artístico como en lo comercial. Luego, escribieron y dirigieron dos de las realizaciones más divertidas y memorables de todos los tiempos: Aladdin y Hercules. Su siguiente proyecto fue la realización animada El planeta del Tesoro, una aventura intergaláctica de acción basada en la clásica novela de Robert Louis Stevenson Treasure Island.
Clements y su esposa Tami viven en el Valle de San Fernando, en California.
Approved 3/30/08 from Pixar
PETER DEL VECHO (Productor) llegó a Disney Animation Studios en 1995, con una vasta experiencia en el teatro. Luego de trabajar en numerosas salas de Nueva York y de la Costa Este de Estados Unidos, se unió el reconocido Guthrie Theater, donde permaneció durante nueve años, hasta 1995. Su pasión por los ámbitos de colaboración artística lo llevó a Disney en 1995.
Para su actual rol de productor de la próxima historia musical LA PRINCESA YEL SAPO , Del Vecho recopila su experiencia en la animación y en el teatro. Este proyecto, cuyo estreno está programado para diciembre de 2009, lo reunió con los directores Ron Clements y John Musker, creadores de La sirenita y Aladdín.
Peter comenzó su carrera profesional en Disney en 1995. Como gerente de producción de Hércules fue el responsable de guiar un equipo de producción de 300 artistas y de ayudar a llevar esta aventura épica al cine. Su siguiente crédito fue el de productor asociado del film animado de 2002 El planeta del tesoro. También fue productor asociado de la aventura animada de 2005 Chicken Little, el primer largometraje animado en 3D, en el que además se involucró en la producción creativa.
Nacido y criado en Boston, Massachusetts, Del Vecho dsarrolló desde muy pequeño interés por la música y el teatro: estudió producción teatral en la Universidad de Boston, donde se graduó de Bachiller en Bellas Artes. Desde entonces, trabajó como Gerente Artístico en varios teatros de la Costa Este y durante 9 años como Director Asociado en la Producción en el reconocido teatro Guthrie Theater en Minneapolis, MN, hasta que llegó a Disney.
Además de sus logros como realizador cinematográfico, Del Vecho tiene una encantadora esposa, Jane, y es padre de Gregory y Georgina, sus mellizos de 12 años. También posee un certificado de Piloto Deportivo de FAA Sport, así que vuela su propia nave ultraliviana en el área de Los Ángeles.
Approved 3/25/08 from Pixar
JOHN LASSETER(Productor Ejecutivo) es el director creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios y el principal asesor creativo de Walt Disney Imagineering. Como director ha obtenido dos veces el Premio de la Academia®, y tiene a su cargo la supervisión de todos los films y proyectos asociados de Pixar y Disney. Dirigió los novedosos y elogiados filmes Toy Story, Bichos yToy Story 2, y además realizó la producción ejecutiva de Monsters, Inc., Buscando a Nemo, Los Increíbles y Up, una aventura de altura. En 2006 regresó a la silla de director con el estreno de Cars, de Disney•Pixar.
En 2004, Lasseter fue honrado con el premio a la "Contribución Sobresaliente a la Imagen Cinematográfica", otorgado por el Art Directors Guild, y recibió un título honorario del American Film Institute. Recibió en premio Winsor McCay 2008 otorgado por ASIFA-Hollywood por su trayectoria y contribución al arte de la animación.
Las películas y cortometrajes animados de Pixar realizados bajo su supervisión han recibido muchísimas distinciones y premios de la industria del cine. En 1995, Lasseter recibió un Oscar® especial a la Trayectoria por su inspirado liderazgo del equipo de Toy Story. Su trabajo en este film derivó en una nominación al Premio de la Academia® al Mejor Guión Original, la primera vez que una película animada recibió un reconocimiento en esa categoría. Buscando a Nemo, estrenado en la primavera de 2003, se convirtió en la película animada de mayor recaudación de todos los tiempos y obtuvo el Oscar® al Mejor Film Animado.
Como director creativo de Pixar, John dsifrutó tanto de los elogios de la crítica como del éxito de taquilla de Los Increíbles, en 2004. El film recibió la suma récord de 16 nominaciones al premio Annie y varios premios como "El Mejor de" otorgados por The Wall Street Journal, el American Film Institute, el National Board of Review y muchas otras instituciones.
Lasseter también escribió, dirigió y animó para Pixar un número de cortometrajes y comerciales de televisión muy reconocidos, como Luxo Jr. (nominado al Premio de la Academia® 1986), Red's Dream (1987); Tin Toy (ganador del Premio de la Academia® 1988), y Knickknack (1989), producido como film estereoscópico en 3D. Tin Toy de Pixar fue el primer film animado por computadora que ganó un Oscar® en 1988 como Mejor Film Animado.
Antes de la formación de Pixar en 1986, Lasseter fue integrante de la División Computación de Lucasfilm Ltd., donde diseñó y animó el personaje generado por computadora del Caballero de Vidrio en el film Young Sherlock Holmes, de 1985, producido por Steven Spielberg.
Lasseter asistió al año inaugural del programa de animación de personajes del California Institute of the Arts y allí obtuvo su BFA en cine en 1979. Mientras era estudiante en el Cal Arts, este incipiente realizador de la animación produjo dos filmes animados, ambos ganadores del Premio de la Academia® a la Animación para Estudiantes: Lady and the Lamp, en 1979, y Nitemare, en 1980.
Pero su primer premio lo recibió a los cinco años de edad, cuando el Model Grocery Market en Whittier, California, le otorgó 15 dólares por un dibujo en crayones del jinete sin cabeza.
RANDY NEWMAN(Compositor) ha obtenido, como compositor y autor de canciones, los premios Oscar®, Grammy® y Emmy® y cuenta entre sus numerosos créditos para el cine, con James and the Giant Peach (1996), Bichos, Monsters, Inc. y Cars.
Newman ha sido nominado a 17 Premios de la Academia® incluyendo dos para las películas Ragtime (1981), Monsters, Inc. y Toy Story. Obtuvo su primer Oscar® en 2002 por la canción "If I Didn't Have You", de Monsters Inc., y la canción también le valió el segundo de sus cinco premios Grammy®. Su canción "When She Loved Me", escrita para Toy Story 2, ganó el Grammy a la Mejor Canción Escrita para el Cine, Televisión o Medio Visual.
Entre sus restantes músicas para cine se cuentan las de The Natural, Avalon, Parenthood, Seabiscuit, Awakenings, The Paper, Pleasantville, Meet the Parents y Meet the Fockers. También escribió canciones para la televisión, incluida la ganadora del Emmy®, "It's a Jungle out There", de "Monk".
El multitalentoso compositor coescribió el guión de Three Amigos! (1986) junto con Steve Martin y Lorne Michaels, y también compuso tres canciones para el film.
Nacido en 1943, en el seno de una familia de músicos famosos, comenzó a componer profesionalmente a los 17 años, creando melodías para una editorial de Los Ángeles. Sus tíos, Alfred, Lionel y Emil, fueron respetados compositores para el cine y directores musicales; su padre Irving Newman-médico prominente-escribió una canción para Bing Crosby.
En 1968 debutó con la grabación del álbum orquestal Randy Newman, mucho antes de que sus extraordinarias y eclécticas composiciones fueran grabadas por un número inusualmente amplio de artistas, desde Pat Boone hasta Ray Charles, Peggy Lee o Wilson Pickett.
Rápidamente, la crítica elogió el trabajo de Newman de 1970 (cuando era todavía estudiante) 12 Songs, y paulatinamente el público comenzó a notar sus álbumes como Live, de 1970, el clásico de 1972 Sail Away y el polémico y brillante Good Old Boys, de 1974. Con el exitoso Little Criminals, de 1977, Newman experimentó un golpe anticonvencional en la inusual forma de "Short People".
En la década de 1980, Newman dividió su tiempo entre la composición para el cine y la grabación de sus propios álbumes, incluido Land of Dreams de 1988, otra revelación marcada por su estilo más personal y poderoso.
En los años 90, Newman desplegó su vena cómica en Faust, el cual incluía interpretaciones de Don Henley, Elton John, Bonnie Raitt, Linda Ronstadt y James Taylor; se editó la compilación Guilty: 30 Years of Randy Newman y también un nuevo álbum de 1999 para DreamWorks, Bad Love.
Su último álbum de estudio es Harps and Angels, producido por Mitchell Froom y Lenny Waronker, y lanzado en agosto de 2008.
NE-YO (Cantante de "Never Knew I Needed") fue noticia hace un año cuando su último álbum (que llegó a disco de platino) Year of the Gentleman debutó entre los primeros puestos en el ranking Soundscan y en las listas nacionales del Reino Unido. El álbum siguió sumando éxitos y logró un total de cinco nominaciones al premio Grammy®, con su single número uno de R&B (rhythm & blues) "Miss Independent", que obtuvo el premio a la mejor canción de R&B (premio a compositores) y el premio al mejor cantante de R&B (rhythm & blues) masculino. A la canción "Year of the Gentleman" le siguió "Because of You" (lanzada en mayo de 2007), que fue ganadora de un premio Grammy® al mejor álbum de R&B (rhythm & blues) Contemporáneo, y "In My Own Words" (febrero de 2006). Ambas debutaron en el puesto número uno de Billboard 200 y en las listas de álbumes de R&B y hip-hop.
Periodista de espectáculos. Conductora de radio. Crítica de Cine. Soy la única persona encargada de El Bazar del Espectáculo, incluído su diseño. Espero que sea de tu agrado :)
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EL PRODUCTOR
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El film El Amarillo que se presentó en el Festival Internacional de Cine de Venecia, en el 21°Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en la Competencia Nacional del 8vo. Bafici donde recibió la Mención Especial del Jurado por la actuación y música de Gabriela Moyano; y en el 61° del Festival Internacional de Locarno, narra un tiempo detenido en la siesta entrerriana, donde las canciones de una mujer son puentes suspendidos hasta que un extranjero perdido se encuentra un día con ella.
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QUIÉN ES QUIÉN EN LA PRINCESA Y EL SAPO
LA HISTORIA
LA ANIMACIÓN Y LA ACTUACIÓN
UNA ANIMACIÓN ESTELAR
"Realmente tenemos la sensación de que la ciudad es un personaje protagónico en la película", afirma el director Ron Clements. "Deseábamos serle fieles a esta ciudad y eso es lo especial".
EL PANTANO
