SINOPSIS
La película de acción real inspirada en el clásico cuento de hadas, LA CENICIENTA, da vida a las inolvidables imágenes del clásico animado de Disney y sus consagrados personajes en un deslumbrante espectáculo visual para toda una nueva generación.
La historia de LA CENICIENTA sigue las aventuras de la joven Ella (Lily James), cuyo querido padre se vuelve a casar tras la trágica muerte de su madre. Dispuesta a respaldarlo, Ella recibe a su nueva madrastra (Cate Blanchett) y a sus hijas Anastasia (Holliday Grainger) y Drisella (Sophie McShera) en su hogar familiar.
Pero cuando su padre muere de forma repentina, Ella queda a merced de su celosa y despiadada nueva familia, relegada a poco más que una sirvienta cubierta de cenizas y apodada con malicia "Cenicienta".
En estas circunstancias, Ella podría perder las esperanzas, pero a pesar del trato cruel que recibe está decidida a honrar las últimas enseñanzas de su agonizante madre: "Ten coraje y sé amable". 
Además, Ella siente que ha encontrado a su alma gemela en el gallardo extraño que conoció en el bosque, que, aunque no lo sabe, se trata del Príncipe y no de un mero empleado del Palacio.
Su suerte parecería cambiar cuando llega una invitación abierta del Palacio a todas las doncellas para asistir a un baile real, lo que le daría la oportunidad de volver a encontrar al encantador Kit (Richard Madden). Pero su madrastra le prohíbe ir al baile y destruye cruelmente su vestido.
Sin embargo, como en todo buen cuento de hadas, la ayuda pronto llega de la mano de una amable mendiga que se presenta en su casa, armada de una calabaza y varios ratones, y cambia para siempre la vida de Cenicienta.
La película de acción real inspirada en el clásico cuento de hadas, LA CENICIENTA , da vida a las inolvidables imágenes del clásico animado de Disney y sus consagrados personajes en un deslumbrante espectáculo visual para toda una nueva generación.
CRÍTICA
La Cenicienta es por lejos la mejor de esta última camada de películas Hollywoodenses que llevan a la pantalla grande los cuentos clásicos, pero no a través de la animación, sino que con actores de carne y hueso.
Todo es perfecto, y es casi tan real, que hasta lo más fantástico es creíble. No se abusa de los estereotipos, por ejemplo, las hermanastras son más feas por dentro que por fuera sin caer en el ridículo o en en el cliché de la fealdad física.
No hay canciones para rellenar el espacio, la ambientación y el vestuario son fantásticos, las animaciones son fabulosas (¡los ratoncitos son prácticamente reales!), el ritmo es constante y fluido, la paleta de colores es sumamente brillante y el elenco hace su trabajo de maravillas, destacándose Cate Blanchett con una villana para la historia.
La escena del hada madrina, la transformación y la "destransformación" de la carroza, caballos y cocheros es inolvidable e impactante.
Si aún no la viste en pantalla grande no dejes de alquilarla o comprarla ya que es realmente imperdible para el público de todas las edades. Realmente exquisita.Cintia Alviti
En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .
La Cenicienta es por lejos la mejor de esta última camada de películas Hollywoodenses que llevan a la pantalla grande los cuentos clásicos, pero no a través de la animación, sino que con actores de carne y hueso. 
Dirigida por el nominado a los premios de la Academia® Kenneth Branagh (Thor, Hamlet), y protagonizada la ganadora de un premio de la Academia® Cate Blanchett (Blue Jasmine, Elizabeth), Lily James ("Downton Abbey"), Richard Madden ("Game of Thrones") y la nominada a los premios de la Academia® Helena Bonham Carter (El discurso del rey, ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS), LA CENICIENTA es producida por Simon Kinberg (X-Men: Días del futuro pasado, Elysium), Allison Shearmur (Los juegos del hambre: En llamas) y David Barron (Harry Potter y las reliquias de la muerte), sobre un guión de Chris Weitz (About a Boy, La brújula dorada).
DATOS DEL RODAJE
· El vestido de fiesta de Cenicienta se confeccionó con más de 250 metros de tela y más de 10.000 cristales de Swarovski, posee numerosas enaguas e incluyó más de 5 kilómetros de puntadas. Durante el rodaje se utilizaron nueve copias del vestido.
· Kenneth Branagh ha recibido nominaciones a los premios de la Academia® en cinco categorías diferentes (Actor, Actor de Reparto, Director, Guión y Cortometraje), y es uno de los únicos cuatro cineastas que han logrado esa distinción. Los otros tres son: Warren Beatty, John Huston y George Clooney.
· Tanto Lily James (Ella) como Sophie McShera (Drisella) protagonizan la popular serie de televisión "Downton Abbey."
· El salón de baile del castillo mide 45 metros de largo por 30 metros de ancho y presenta pisos de mármol importado; una imponente escalera; cortinas confeccionadas con más de 1800 metros de tela; 17 enormes arañas realizadas por encargo en Italia; más de 3.600 metros de terciopelo turquesa; más de 16.000 flores de seda; y 5.000 velas de aceite, cada una de las cuales debía ser encendida a mano en forma individual.
· Derek Jacobi (el rey) es uno de los dos únicos actores que han recibido dos títulos de caballero del imperio británico por parte de la reina Isabel II (el otro es Sir Lawrence Olivier); Kenneth Branagh también fue nombrado caballero por la reina Isabel II por sus servicios al arte dramático y a la comunidad de Irlanda del Norte.
· La diseñadora de vestuario Sandy Powell realizó el vestido del hada madrina con 120 metros de tela, 400 luces de LED, miles de cristales Swarovski. Cuando Helena Bonham Carter lleva puesto el vestido, éste llega a medir cerca de 1,20 m de ancho.
· Cate Blanchett (la madrastra) ha sido nominada seis veces a los premios de la Academia®. Cuatro de esas nominaciones fueron por interpretar a personas reales (Isabel I en Elizabeth, Katherine Hepburn en El aviador, Bob Dylan en I'm Not Here y Sheba Hart en Escándalo).
· LA CENICIENTA marca la cuarta colaboración de Derek Jacobi con Kenneth Branagh (las otras películas fueron Hamlet, Enrique V y Volver a morir).
· En la película, Anastasia (Holliday Grainger) y Drisella (Sophie McShera) siempre se visten en forma idéntica (aunque con vestidos de distinto color), al igual que sus personajes en la versión animada.
· Además de su premiado trabajo de diseño visible en la pantalla, el diseñador de producción Dante Ferretti ha estado a cargo del diseño de la escenografía de algunos de los teatros de ópera más importantes del mundo, entre los que se incluyen La Scala de Milán, la Opéra Bastille de París y el teatro Colón de Buenos Aires. Además ha diseñado la escenografía de numerosas óperas incluidas La Traviata de Verdi y Tosca y La Bohème de Puccini.
· El coreógrafo ganador de un premio Tony® y un Emmy® Rob Ashford (Thoroughly Modern Millie) coreografió el baile de la Cenicienta y el príncipe
DESCRIPCIÓN DE LOS PERSONAJES
ELLA
(Lily James)
Ella es una hermosa joven, de buen corazón, que disfruta de las cosas simples. Fue criada en un hogar amoroso y estable; posee un corazón puro y es amable y generosa con todos los que la rodean. A pesar de la crueldad y el maltrato que recibe por parte de la madrastra y sushijas,, Ella continúa siendo positiva y resuelta y encuentra fuerzas en las palabras que su madre le dejó antes de morir: "ten coraje y sé siempre amable".
LA MADRASTRA
(Cate Blanchett)
Casi todos sus sueños han quedado truncos, lo cual convirtió a la madrastra en una mujer amarga y llena de resentimiento. Ahora anhela tener una vida resuelta desde el punto de vista financiero y un futuro feliz para sus hijas, pero siente celos de toda muestra de afecto que su esposo le otorga a Ella, resentida además por su juventud, belleza y encanto. Tras la muerte de su marido, las presiones económicas y el pánico hacen que los celos de la madrastra se acrecienten y trate con mayor crueldad y desprecio a su hijastra.
EL PRÍNCIPE
(Richard Madden)
El príncipe es un jovenapuesto, inteligente yreflexivo, un espíritu afín al de Ella. Adora a su padre y espera algún día ser tan buen monarca como él; es joven y apasionado y está lleno de iniciativas. Tras haber regresado de la guerra, el príncipe ahora ve que la fuerza radica en la paz. La visión del rey, en cambio, es más tradicional y no está muy seguro de atender las ideas de su hijo.
EL HADA MADRINA/ MENDIGA
(Helena Bonham Carter)
El hada madrina es una encantadora y excéntrica anciana que quiere mucho a Ella y desea verla feliz. Pero es olvidadiza y se cansa fácilmente. Se presenta a Ella por primera vez como una desaliñada mendiga en busca de comida y es inmediatamente tratada con amabilidad.
LAS HERMANASTRAS, ANASTASIA Y DRISELLA
(Holliday Grainger y Sophie McShera)
Las hermanastras de Ella, Anastasia y Drisella, han vivido con grandes comodidades y privilegios, pero son maleducadas, malcriadas y desagradecidas de todo lo que han recibido. Ambas son atractivas físicamente y se esfuerzan por presentar un aspecto exterior agradable y cuidado, pero lo cierto es que a veces son desagradables en su interior. Inseguras de sí mismas y desesperadas por lograr la aprobación de su madre, ambas jóvenes envidian la belleza y gracia de Ella -que ninguna de las dos poseen- lo cual hace que la traten con crueldad.
EL REY
(Derek Jacobi)
El rey es un monarca querido y victorioso; está muy orgulloso de su hijo y lo que más quiere es verlo feliz y llevar una vida plena. Pero su salud ha comenzado a debilitarse y, si bien la necesidad de proteger su reino quedará en buenas manos cuando él ya no esté, tiene costumbres muy arraigadas y desconfía un poco de los cambios.
EL GRAN DUQUE
(Stellan Skarsg å rd)
El gran duque es un aliado pragmático e interesado de la familia real. Para él, el matrimonio no es más que un arreglo comercial, y cree que el príncipe debería casarse con alguien valioso dell plano político para la familia real. Siente que es su deber impedir que el príncipe encuentre -y se case- con Ella, y se alía con la madrastra para asegurarse de que eso no suceda.
EL CAPITÁN
(Nonso Anozie)
El Capitán es el consejero y mejor amigo del príncipe. Inteligente, leal ydigno, es el responsable de velar por la seguridad y bienestar del príncipe, y lo hace con discreta nobleza.
EL LEGADO DE UN CLÁSICO
Walt Disney Studios llevaba varios años interesado en traer LA CENICIENTA a la pantalla grande, para reintroducir el clásico relato al público del siglo XXI y expandir la nostalgia y los recuerdos atesorados por millones de personas de todo el mundo. Fundamentalmente, la película debía ser entretenida y brindar a los personajes toda la diversión y humanidad que fueran posibles, manteniendo los inolvidables elementos del clásico animado.
El director Kenneth Branagh (Hamlet, THOR) nunca había considerado la idea de dirigir un cuento de hadas, pero al leer el guión de Chris Weitz (About a Boy) se encontró con que la historia le hablaba de formas que jamás hubiera imaginado.
"Quedé cautivado por la fuerza de la historia y me sentí en sintonía con el arte visual que estaban desarrollando", cuenta Branagh. "Es una pieza clásica de la narrativa en la cual el personaje central atraviesa una experiencia con la que todos nos podemos sentir identificados. De modo que, como director, era extraordinario poder jugar con la textura y el paisaje de ese gran relato".
El socio de producción de larga data de Branagh, David Barron (Código sombra: Jack Ryan), sabía que Branagh era el director indicado para la película. "He trabajado con Ken por más de 20 años y es el candidato perfecto para dirigir LA CENICIENTA ", declara Barron. "Es un apasionado de la narración y posee el raro don de encontrar el aspecto humano en cualquier situación, incluso en un cuento de hadas".
Para hacer que la película fuera relevante para el público moderno, era central enfocarse en esta esencia de bondad y compasión.Y los realizadores estaban convencidos de que la poderosa historia, combinada con un talentoso reparto y un sólido guión con personajes más complejos y realistas, ofrecería una experiencia cinematográfica entretenida y única.
"Lo fundamental no era esforzarnos en reinventar las cosas, sino dejarnos llevar por la historia tal como la veíamos nosotros: un mundo de oculto asombro y belleza, con la fuerza animadora de la bondad y la fe en el corazón de la misma", señala Weitz.
La productora Allison Shearmur (Orgullo y prejuicio y Zombies) señala: "'LA CENICIENTA es uno de los tesoros cinematográficos más maravillosos de todos los tiempos. Es espectacular, así que la responsabilidad de volver a abordarlo, sobre todo para esta compañía, era una propuesta intimidante para quienes estábamos involucrados. Pero todos adoramos la película original y queríamos honrarla".
El cuento de hadas animadode Disney, LA CENICIENTA, lamágica historia de amor de la maltratada heroína cuyos sueños acaban convirtiéndose en realidad, marcó un hito en la rica historia cinematográfica de Disney. Con un presupuesto de producción de cerca de US$ 3 millones, LA CENICIENTA implicó un enorme riesgo financiero para el estudio en su momento, pero cuando se estrenó el 15 de febrero de 1950, fue aclamada por la crítica y obtuvo un gran éxito de taquilla llegando a recaudar más de US$ 34 millones y consolidando al estudio como una importante fuerza de la industria.
Hoy, 65 años más tarde, LA CENICIENTA se ha convertido en uno de los títulos más preciados de Disney. La película está incluida en la lista del American Film Institute como una de las "10 mejores películas animadas de todos los tiempos" y es un ícono perdurable de la cultura pop norteamericana.
Shearmur recuerda que ver por primera vez LA CENICIENTA en el cine local de Long Island, Nueva York, cuando era niña, fue la experiencia más mágica de su vida. "No porque se tratara de una niña a quien las cosas no le salían bien y a quien de pronto sus sueños se le hacen realidad", cuenta. "Lo que me impactó realmente fue la dimensión de ese mundo y el hecho de que ese mundo pudiera dar un vuelco".
La importancia y popularidad de los cuentos de hadas sigue vigente hoy en día; sus argumentos e ilustraciones continúan cautivando a los niños y avivando su imaginación. Y sus valores y decisiones los ayudan a desarrollarse tanto emocional como psicológicamente. El relato de LA CENICIENTA es una historia simple que ha conmovido al ser humano a lo largo y ancho del globo.
Según el productor Simon Kinberg (X-Men: Días del futuro pasado), las historias más sencillas son las que tienden a perdurar en nosotros. "Hay algo simplemente fundamental acerca de ellas", declara. "No importa cuántas veces se repitan o reinterpreten; historias como LA CENICIENTA perduran durante cientos -y a veces miles- de años".
Para la mayoría de las personas el cuento de hadas nació con la entrañable película animada de 1950, pero su origen data del siglo I y la leyenda egipcia "Ródope" del historiador griego Strabo, que es considerada la versión más temprana de la que se tiene registro. En 1697, Charles Perrault publicó una interpretación francesa del cuento titulada "Cenicienta o La zapatilla de cristal", que introdujo al hada madrina, la carroza de calabaza y las zapatillas de cristal.
Los hermanos Grimm retomaron la historia: "Aschenputtel" se publicó en Alemania en 1812 pero, en lugar del hada madrina, presentaba un árbol de los deseos que crece sobre la tumba de la madre; sin embargo es la adaptación de Perrault la que más se asemeja a la versión de Disney. Desde entonces, se han sucedido incontables encarnaciones de la historia en todos los medios, incluidos imprenta, cine, televisión, teatro, música y arte.
A Cate Blanchett (Blue Jasmine, El aviador) siempre le fascinaron los cuentos de hadas y LA CENICIENTA en particular, porque tratan temas complejos que deben enfrentar los niños. "Tantas de las historias que se les cuentan a los niños hoy en día los hacen sentir como si fueran héroes que pueden superar cualquier cosa y que el mundo es un lugar perfecto", señala. "Pero los cuentos clásicos, como LA CENICIENTA, nos recuerdan que el mundo puede ser un lugar desafortunado y que se requiere de una buena dosis de coraje y resistencia para sobrevivir". 
Donde hay generosidad, hay bondad.
Y donde hay bondad, hay magia. Madre de Ella
EL CUENTO ETERNO
Ella (Lily James) es una joven hermosa cuya idílica vida se hace añicos cuando su padre (Ben Chaplin) se vuelve a casar tras la trágica muerte de su madre (la nominada a los premios Globo de Oro® Hayley Atwell). Dispuesta a respaldar a su adorable padre, Ella recibe afectuosamente a su madrastra (la dos veces ganadora de un premio de la Academia® Cate Blanchett) y a sus dos hijas Anastasia (Holliday Grainger) y Drisella (Sophie McShera) en su hogar. Pero cuando el padre muere repentinamente, Ella queda a merced de su celosa y despiadada familia nueva.
Pronto es forzada a convertirse en sirvienta, es humillada, cubierta de cenizas y apodada -con malicia- Cenicienta. Sin embargo, a pesar de la crueldad a la que se la somete, Ella no se dejará vencer ni despreciará a los que la maltratan y se mantendrá siempre positiva, determinada a honrar las últimas palabras de su agonizante madre: "Ten coraje y sé amable".
Cuando Ella conoce a un gallardo extraño en el bosque -sin saber que en realidad se trata del príncipe (Richard Madden) y no de Kit, un aprendiz del palacio- siente que finalmente ha encontrado a su alma gemela. Y su suerte parecería estar por cambiar cuando el Rey (el galardonado con un premio BAFTA® y un premio Emmy®, Derek Jacobi) invita a todas las doncellas del reino a un baile real en el palacio, lo que renueva las esperanzas de Ella de volver a encontrar al encantador Kit. Pero ¡ay! su madrastra le prohíbe ir al baile y despiadadamente le hace jirones el vestido.
Mientras tanto, el calculador gran duque (Stellan Skarsgård) trama un plan para frustrar las esperanzas del príncipe de reunirse con Ella y para ello recluta a la taimada madrastra. Pero, como en todo buen cuento de hadas, la ayuda no tarda en llegar. Pronto, una amable mendiga (las dos veces nominada a los premios de la Academia® Helena Bonham Carter) entra en acción y, armada de una calabaza, unos ratones y una varita mágica, cambia para siempre la vida de Cenicienta.
Una película de acción real inspirada en el clásico cuento de hadas, LA CENICIENTA de Disney da vida a los entrañables personajes e inolvidables imágenes de la obra maestra animada de 1950 del estudio en un espectáculo visual deslumbrante para toda una generación nueva.
Dirigida por el cinco veces nominado a los premios de la Academia® Kenneth Branagh, la película es producida porSimon Kinberg, p.g.a., Allison Shearmur, p.g.a., y David Barron, p.g.a., con Tim Lewis como productor ejecutivo. El guión es del nominado a los premios de la Academia® Chris Weitz.
El estelar equipo de producción detrás de cámara incluye al director de fotografía Haris Zambarloukos, BSC, al diseñador de producción tres veces ganador de un premio de la Academia® Dante Ferretti, a la diseñadora de vestuario tres veces ganadora de un premio de la Academia® Sandy Powell, al editor galardonado con un premio de la Academia® Martin Walsh, ACE, y al compositor dos veces nominado a los premios de la Academia® Patrick Doyle.
No debes casarte por conveniencia. Debes casarte por amor.
Encuentra a esa mujer de la que están hablando… la olvidadiza que pierde los zapatos. El rey
DANDO VIDA AL CUENTO DE HADAS
Kenneth Branagh es uno de los cineastas más talentosos y respetados de la actualidad, tan extraordinario con las obras de William Shakespeare como con las de Tom Clancy o con las de un superhéroe de las historietas de Marvel.
Además de sus aclamadas habilidades como director, es un premiado actor, guionista y productor y, en 2011, su interpretación como Sir Laurence Olivier en la película Mi semana con Marilyn le valió su quinta nominación a los premios de la Academia®, lo cual lo convirtió en uno de los primeros actores en recibir cinco nominaciones en cinco categorías diferentes (Actor, Actor de Reparto, Director, Guionista y Corto).
La productora Allison Shearmur declara: "Kenneth Branagh es uno de los mejores actores del mundo así como también uno de los mejores directores del mundo, entonces desde un primer momento sabíamos que aportaría una honda complejidad a las relaciones, los personajes y los temas de la historia. Pero la visión épica que trajo a Thor fue tan increíble y singular, que hallar la combinación de esos elementos en un solo director ya parecía demasiado bueno para ser cierto".
Lo que primero fascinó a Branagh del material fue la energía de la historia, así como la fortaleza y entereza del personaje principal.
"Con LA CENICIENTA supones que la gran mayoría de tus espectadores, tengan la edad que tengan, ya conoce la historia", cuenta Branagh. "De manera que mi aporte como director, la forma en que uno encarna los clásicos momentos emblemáticos del cuento, para mí fue un desafío realmente maravilloso".
Y agrega: "Poder dirigir LA CENICIENTA de Disney en el siglo XXI significa que tienes en tus manos el rol de presentar un mito que ha perdurado a lo largo de los años porque se conecta con los seres humanos en un nivel mucho más profundo".
Cuando Branagh y Shearmur se sentaron por primera vez a debatir el proyecto, el director dijo que estaba interesado en hacer la película de manera que pudiera desarrollar una compleja psicología y una comprensión más honda de quiénes eran estos personajes. Además, quería hacer una película en la cual la bondad fuera un superpoder. Shearmur refiere: "Si bien ciertamente para mí la bondad es una cualidad que define a Cenicienta, me pareció sumamente atractiva esta noción de que la bondad le da fuerza y le permite cambiar a las personas y superar las dificultades y hacer que el bien triunfe sobre el mal".
Y agrega: "Es un nivel de fuerza interior y claridad que le permiten soportar todas las cosas que tolera, y lo hace sintiendo frío, y lo hace con poca comida, sin compañía humana y sin nadie con quien hablar, y lo logra porque está absolutamente convencida de lo que cree. Y si bien es puesta a prueba una y otra vez y hay momentos en los cuales pierde la fe, finalmente se mantiene firme en sus convicciones, y es capaz no sólo de transformar su propia vida, sino también las vidas de los que la rodean".
La tarea de escribir un guión que equilibrara eficazmente la esencia de la película animada y al mismo tiempo hiciera a los personajes más atractivos y relevantes cayó en las hábiles manos del guionista Chris Weitz. Al igual que Branagh, Weitz es un consumado actor (Chuck & Buck), productor (A Single Man) y director (Una vida mejor, La brújula dorada), y sintió un gran interés por expandir la historia para ofrecer a los espectadores un vistazo del contexto y motivaciones de cada personaje.
Los cineastas deseaban hacer algo afín al clásico entretenimiento familiar que caracteriza a Disney, pero conscientes de que las familias de hoy son diferentes a como lo eran en la época dorada del estudio. Shearmur explica: "Se trata de contar la historia no tanto desde el aspecto visual, sino desde la experiencia y el mundo interior de cada personaje. Pero también era importante que el guión se mantuviera fiel a la película animada original".
"No estamos haciendo una versión revisionista de La Cenicienta", señala Weitz, "Ella hace las mismas cosas que hacía el personaje del cuento de hadas, pero para modernizarla para el público actual decidimos mostrar la misma heroína cuya virtud realmente radica en su habilidad de mantener su bondad y carácter a pesar de todo el sufrimiento que deviene de las que cosas por las que atraviesa".
El guión se escribió con escenas que retratan la infancia de Ella junto a su madre y su padre, y que resaltan la vida pintoresca que llevaba con sus amorosos padres en lugares idílicos antes de que su madre falleciera. Y aquí es cuando vemos que Ella comprende el concepto de ser valiente y bondadosa -que ella mantiene consigo a lo largo de toda la película- a partir del ejemplo de sus padres.
"Este es el legado de su madre", explica el productor David Barron. "Son palabras muy simples, pero para Ella lo son todo, ya que le dan la fuerza y determinación para enfrentar todo lo que le espera, desconocedora, por supuesto, de lo mucho que se pondría a prueba esta determinación".
"En la película animada de LA CENICIENTA no conocemos a la madre; desaparece tras la primera o segunda frase de la voz en off", señala Weitz. "Me pareció que era importante que el público la viera y experimentara no sólo la pérdida de Ella sino todo lo que aprende de ella. Además, queríamos contar con una referente a través de la cual recordar esos obsequios intangibles".
Branagh declara: "Cenicienta posee un fuerte sentido del humor y una gran madurez. Para ella ninguna persona desea realmente ser cruel y no es necesariamente malvada. No es una víctima indefensa o que se compadece de sí misma. Puede ver las cosas con humor. Estas cosas se presentan como expresiones de fortaleza, no de debilidad".
Barron agrega: "En cierto sentido, la experiencia de Ella refleja la de la madrastra, en cuanto a que ambas sufren un dolor y una pérdida, pero son las elecciones que hacen lo que las diferencia. Ella podría fácilmente volverse una persona amargada y resentida como su madrastra; razones no le faltan, pero elige la bondad, lo que enfurece aún más a la otra".
Otro concepto nuevo que aborda el guión es la idea de que uno elige con quién pasar el resto de su vida, y en el clásico original los personajes no tenían mucha oportunidad de hacerlo. Para ello, Weitz ideó que Ella y el príncipe se conocieran más temprano en la historia pero que no supieran quién era la otra persona, para que así pudieran compartir su visión de la vida de la forma en que lo hacen.
Branagh explica: "Le hemos dado a nuestro príncipe el sentido de un hombre que ha estado en el frente de batalla, que conoce de un modo muy personal y significativo el costo de la guerra. Es mucho menos inocente que los príncipes de las películas del pasado. Le hemos dado una postura filosófica y política sobre cómo gobernar un país. Está rodeado de gente que piensa que los países son gobernados eficazmente yendo a la guerra".
Al mismo tiempo, los cineastas sintieron que era importante que Cenicienta encontrara su alma gemela… alguien maduro con quien interactuar y conectarse espiritual y emocionalmente. Con frecuencia, los personajes masculinos de los cuentos de hadas son auxiliares de los femeninos, de manera que esta vez se propusieron hacer que el príncipe, además de atractivo e inteligente, fuera cortés y apasionado.
Branagh continúa: "El príncipe encuentra en Cenicienta un espíritu afín que no cree que lo importante sea combatir con el prójimo, sino tener coraje, ser amable y generoso y, si es posible, dar la otra mejilla. Queríamos que fuera un hombre pensante y sensible, pero también divertido. Lo hicimos pragmático y realista en un mundo político conflictivo. Debe probarse a sí mismo estar a la altura moral de Cenicienta, con su honda comprensión y sentimientos".
Otro elemento que enriquece la película son los destellos de información que encontramos a lo largo de la historia que nos dejan entrever por qué la madrastra es como es. No es simplemente una villana y no es únicamente cruel… de hecho es algo mucho más profundo que eso.
Shearmur explica: "En la película, el público verá que la madrastra también ha sufrido su propia pérdida y dolor. También le rompieron el corazón, pero reacciona con enojo y comienza a hacer todo lo que está a su alcance para asegurar un nivel de comodidad para ella y sus hijas".
Y continúa: "Nuestra historia tiene lugar en un tiempo y en una sociedad diferentes, en la que las mujeres no podían sencillamente salir a buscar trabajo y hacerse cargo de sus familias. Sólo a través del matrimonio podían hallar un cierto sentido de seguridad y eso es lo que vuelve complejo a su personaje: el hecho de que sus razones son legítimas".
La madrastra se precia de mantener una apariencia y un hogar respetables, e hijas bien educadas, y le da una importancia enorme a lo que los demás piensen de ella. Pero su dolor emocional se profundiza cuando se da cuenta de que su nuevo esposo siempre considerará a la madre de Ella -y no a ella- el amor de su vida, y se intensifica aún más cuando pierde su segunda oportunidad de amar. Al mismo tiempo, se da cuenta de las grandes diferencias que existen entre Cenicienta y sus hijas, lo cual la enfurece aún más.
Weitz agrega: "Era realmente importante desde el primer momento que la madrastra tuviera algo que decir en su defensa. No sólo ha tenido su cuota de dolor y sufrimiento en el pasado, sino que además es bastante encantadora y seductora".
La madrastra también conspira con el gran duque, el artero y pragmático aliado de la familia real, que fue otro elemento del guión que se expandió del clásico original. El gran duque cree que el matrimonio no es más que un arreglo comercial y que el príncipe debería casarse con alguien valioso -en el plano político- para la familia real. Siente que es su deber impedir que el príncipe encuentre a Cenicienta y se case con ella, y se alía con la madrastra para asegurarse de que eso no suceda.
Hay más bondad en tu dedo meñique que la que muchos poseen en todo el cuerpo, y éste tiene poder. Más de lo que crees. La madre de Ella
LOS PERSONAJES DEL LIBRO DE CUENTOS
Llevar al cine un personaje de cuento de hadas como la Cenicienta en el impredecible mercado actual ciertamente proponía un enorme desafío, pero los cineastas no estaban dispuestos a hacer concesiones ni a introducir cambios sustanciales en la esencia del relato. Como cualquier otro entrañable clásico, LA CENICIENTA posee un público leal y devoto, muy familiarizado con los momentos más característicos de la emblemática película de Disney.
Antes que nada, los realizadores debían hallar a la actriz perfecta para dar vida a Ella: alguien que irradiara bondad e inocencia y que lograra que el público viera más allá de su belleza exterior y se concentrara en la historia detrás de la apariencia. Lily James, mejor conocida por el público como la desafiante Lady Rose en la serie "Downton Abbey", fue seleccionada como la amorosa y compasiva Ella, la joven cuyo espíritu no puede doblegarse.
Kenneth Branagh señala: "Era extremadamente difícil hallar a alguien que pudiera ser ingeniosa e inteligente, aguda sin ser cruel, con una chispa en los ojos y que tuviera una belleza física acompañada de belleza interior, pero la Cenicienta de Lily James engloba todas esas cualidades. Uno debe respaldar a la Cenicienta; te tiene que gustar, tienes que estar de su lado, de manera que era importante que tuviera un encanto innato".
Y continúa: "Lily trajo todo eso la primera vez que se presentó para la audición del papel. Es hermosa, pero su calidez permite que sea una belleza accesible y de algún modo, por más que es despampanante, sentimos que podría ser nuestra amiga".
Allison Shearmur añade: "Lily Jameses Cenicienta. Es amable. Se interesa por la persona más callada de la sala, se interesa por todas las personas de toda profesión y condición social. Posee un gran corazón. Es una buena persona y es espectacularmente hermosa, pero no parece una caricatura".
El productor David Barron coincide y señala: "Por fuera, Lily posee esta cándida inocencia y esta alegría de vivir y descubrir el mundo a su alrededor, pero es sumamente inteligente y posee una franqueza y una inteligencia emocional que nos permitieron captar las distintas facetas de esta compleja Cenicienta".
Para James, la oportunidad de interpretar a uno de los personajes más celebrados y adorados del mundo fue un sueño hecho realidad. Cuenta: "Me gustó el hecho de que Ken Branagh quisiera mantener un tono ligero y mágico, como un verdadero cuento de hadas. Y además de que Cenicienta es especial, amable y única, tenemos la maravillosa oportunidad de crear toda una vida más allá del cuento de hadas, enriqueciéndolo y dándole a cada personaje una historia propia".
Continúa: "La esencia del guión es la fuerza interior de Ella, y cómo incluso en las situaciones más crueles logra mantener su bondad, su pureza y una actitud positiva".
Para prepararse para la película, James intentó mantener un estilo de vida sano, practicando yoga a diario para lograr la postura, la gracia y la elegancia que Ella sin duda habría tenido. Además, tomó clases de equitación durante seis semanas e hizo una intensa investigación sobre espiritualidad, leyendo sobre grandes líderes y pacifistas como Gandhi.
"Quería hacer que Ella pareciera lo más real posible, pero no quería que pareciera que no tenía defectos porque temía que el público no se fuera a identificar con ella si era demasiado perfecta", refiere James.
Para el papel del príncipe, Richard Madden se alistó con entusiasmo. Estaba contento de interpretar al gallardo y cortés Kit, el brillante joven que inicialmente oculta su verdadera identidad a Ella. El actor, quien encarnó a Robb Stark, el Rey del Norte, en la popular serie de HBO "Game of Thrones", estaba encantado al descubrir que el príncipe no era el personaje superficial y unidimensional que la gente recordaba de la película animada, sino alguien de quien los espectadores realmente pudieran creer que Ella se fuera a enamorar.
Madden cuenta: "Ken y yo debatimos largamente sobre los jóvenes monarcas y cómo se emparentarían con las visiones más tradicionales de sus mayores. El príncipe quiere hacer lo que sea mejor para su reino, pero tiene sus propias ideas y filosofía sobre cómo deberían ser las cosas".
Según Shearmur, "Ken se interesa realmente por las ideas de los demás. Es el director y colaborador soñado para cualquiera en esta película. Trabaja con los actores dándoles todo el tiempo que necesiten para estudiar bien la escena. Realmente entiende cómo funciona la mente de un actor".
La relación entre el rey y el príncipe va evolucionando a lo largo de la película, y el público de hecho acaba viendo a un hombre que se convierte en quien debe ser para sacar a la familia real adelante. Madden explica: "Su padre es un rey más grande y más tradicional que quiere lo mejor para su hijo y su reino, pero ambos poseen una mirada bastante diferente sobre qué implican esas cosas. El objetivo de ambos es el mismo, pero la forma de alcanzarlo es muy diferente".
Continúa: "Esto fue algo que me pareció muy importante que comprendieran las generaciones más jóvenes: que pueden lograrse muchas cosas cuando alguien viene y repiensa la situación, y de hecho desafía las ideas y acciones de la generación anterior".
Al hablar del vínculo de su personaje con Ella, Madden señala: "Hay mucho humor en su relación, a pesar de que es una película de época. Parece mucho más moderna por la forma en que se conectan entre sí".
En la película, el príncipe y Ella no saben nada el uno del otro cuando se encuentran por primera vez, de manera que no tiene nada que ver con que él sea príncipe o que ella sea una aldeana. Simplemente son dos seres humanos que se conocen y conectan.
James cuenta: "El príncipe, de hecho, aprende mucho de Cenicienta. Y su personaje está escrito con gran inteligencia; uno puede ver que ella lo hace replantearse su forma de pensar y él ahora está dispuesto a cuestionar al rey".
Branagh añade: "Las interpretaciones tanto de Lily James como de Richard Madden son inteligentes, hondas y complejas en su forma de reaccionar frente a las cosas, en la forma en que se mueven, en la forma en que exponen la fuerza de un pensamiento. Son dos personas que poseen una gran intensidad, pero además un gran sentido de la diversión y la bondad".
Para el papel de la temida -aunque incomprendida- madrastra, los cineastas tuvieron la certeza de que Cate Blanchett era la actriz que podría dar vida al personaje sin hacerlo parecer una caricatura. La actriz, quien ha sido seis veces nominada a los premios de la Academia® (cuatro de las cuales fueron por interpretar a personas reales: Isabel I en en Elizabeth y Elizabeth: la edad de oro, Katharine Hepburn en El aviador, Bob Dylan en I'm Not There y Sheba Hart en Escándalo), da vida al papel de la elegante viuda que ha sido golpeada por la vida y siente resentimiento hacia Ella por su juventud, belleza y encanto.
"Esta es una historia donde la bondad es un superpoder, algo sobre lo que Ken y yo hablamos desde un comienzo y a mí me pareció realmente emocionante", señala Blanchett. "Por otra parte, como tengo tres hijos varones, estoy muy al tanto de todas las películas de superhéroes masculinos que existen, de manera que estaba fascinada por formar parte de una historia centrada en una figura femenina".
Como no quería que la madrastra fuera un personaje completamente antipático, Blanchett dio vida al papel con inteligencia y emoción, ofreciendo una interpretación vigorosa, pero con algunos matices que dejaban entrever el dolor que sentía por dentro.
"Queríamos mostrarle al público que éste personaje poseía metas genuinas y razonables", cuenta Branagh. "Por ejemplo, querer tener la vida asegurada desde el punto de vista financiero y desear un futuro feliz para sus hijas son metas comprensibles, si bien la forma en la que intenta conseguirlas es inusual y desmedida".
Shearmur agrega: "Lo increíble de la interpretación de Cate es que incluso en esos momentos ínfimos de quietud y contemplación, logra que la madrastra dé la impresión de que carga una vida llena de sueños truncos".
"Con una actriz tan extraordinaria como Cate, vemos cómo el personaje de la madrastra cobra dimensión; un retrato humano complejo y minucioso", declara Branagh. "Se mueve con tanto aplomo y es tan hermosa y hay tantas cosas sucediendo detrás de su mirada... La madrastra de Cate es aterradora, apasionada e inteligente. Y es peligrosa".
Y sigue diciendo: "El hecho de poder dotar al personaje con estas historias de fondo y contar con alguien como Cate para retratarlo con tanta ligereza y naturalidad, es uno de los elementos que distinguen a esta película de otras versiones de cuentos de hadas similares, y creo que el público moderno lo apreciará".
Blanchett sabía que sería divertido encarnar un personaje tan colorido, pero no quería hacer una interpretación muy afectada -lo cual uno definitivamente puede hacer en un cuento de hadas-, sino hallar la verdadera esencia del personaje, por lo que resultó más bien un acto de equilibrio.
"Nadie es puramente malvado… todos poseen una motivación", declara Blanchett. "La madrastra es lo que sucede cuando la bondad se pervierte: por lo general se torna malvada. Me interesaba explorar qué hace que una persona se vuelva mala".
Continúa: "A través de pequeñas anécdotas en la película, uno vislumbra que ésta es una mujer que ha intentado comenzar su vida de nuevo, pero se pone sumamente celosa del profundo afecto que su nuevo esposo siente por su hija. Ella no es ni tan hermosa, ni tan amable ni tan buena como Ella. Cuando el padre de Cenicienta muere, las dificultades económicas, el pánico y los celos se acrecientan…eso es lo que la vuelve malvada".
El hada madrina es una deliciosamente excéntrica anciana y uno de los personajes más entrañables de la película animada. Sheamur señala: "El personaje en el clásico animado es fantástico e icónico, pero intentar recrear eso, en especial sin una canción, hubiera sido definitivamente un desafío. De manera que nos centramos en las cualidades que el público adoraba del hada madrina".
Los cineastas querían buscar a una actriz que pudiera aportar cierto aire de liviandad al personaje, y que al mismo tiempo fuera maternal y divertida pero capaz de convencer a los espectadores de que en efecto era mágica. Sabían que Helena Bonham Carter aportaría un enfoque propio al papel, y que sería capaz de lograr una imagen que no fuera demasiado perfecta o dulzona.
Bonham Carter, cuyos papeles cinematográficos han abarcado personajes desde dulces y recatados en dramas de época como Lucy Honeychurch en Un amor en Florencia y Lady Jane Grey en Lady Jane, hasta personajes oscuros y extravagantes como Bellatrix Lestrange en las películas de Harry Potter, la Reina de corazones en ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS y la Sra. Lovett en Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet. Tradicionalmente, se ha sentido atraída por los roles que le dan la libertad creativa para analizar y encontrar qué los mueve.
"Ésta era una oportunidad fantástica para reinventar ciertos elementos porque no hay una imagen realmente consistente de quién es el hada madrina", declara Bonham Carter. "Fue muy entretenido pensar cosas del estilo de ¿cómo llegó a donde está?. Se supone que soy una diseñadora en cierto sentido porque creo cosas para ayudar a Cenicienta a prepararse para el baile, así que le hago un vestido, le diseño los zapatos, creo a los lacayos y arreglo el carruaje".
Y agrega: "Y en cuanto a por qué elige una calabaza para el carruaje, comencé a pensar que quizás la calabaza fuera un accidente y que ella en realidad hubiera querido que el carruaje surgiera a partir de otra cosa, como una sandía. Las posibilidades son infinitas, y como actriz adoro idear historias de fondo para mis personajes".
Chris Weitz celebró la oportunidad de expandir el alcance de su participación en el guión, lo que implicó la incorporación de un nuevo personaje: una mendiga (también interpretada por Bonham Carter) que, antes de transformarse en hada madrina, acude a Ella en busca de ayuda y es tratada con amabilidad. E intentó crear parlamentos y escenas que se ajustaran a su singular cadencia, y resalta: "Helena quería crear una versión del personaje que estaba en sintonía con el hada madrina que la gente recuerda de la película animada, pero a la que dotó de un giro muy particular por su forma de hacer comedia".
"Me pareció interesante que ella no fuera siempre la mejor en todo, que quizás estuviera sumamente estresada por las limitaciones de tiempo que se le imponían, y eso acabara haciéndola cometer errores", declara Bonham Carter. "Llegarán tarde al baile y ella es increíblemente anciana y no está exactamente en la plenitud de sus facultades mentales, y eso la hace mucho más encantadora".
Branagh agrega: "Leí algo interesante acerca del hada madrina de la película animada en la que se usaba la expresión 'benigna perplejidad'. Hay una cierta perplejidad en el hada madrina de la versión original, y Helena trae una extensión, o una elaboración, de eso".
Continúa: "Es apasionada e ingeniosa, pero no siempre tiene un control absoluto sobre su magia. Claramente siente un cariño maternal por Cenicienta. Porque de hecho es su madrina, o al menos su hada madrina, así que percibimos ese cuidado y amor de familia".
"No hay ninguna duda de que el hada madrina adora a Cenicienta", añade el productor Barron, "Pero es implacable con ella y también se divierte con ella, y al no ser muy experta en todo lo que hace -un hada madrina en formación, si se quiere- esto añade una gran cuota de humor".
Dos de los personajes más memorables de la película animada son las malcriadas y groseras hermanastras de Cenicienta: Anastasia y Drisella, interpretadas en esta ocasión por Holliday Grainger (Bonnie & Clyde) y Sophie McShera ("Downton Abbey"). A ambos papeles también se los dotó de una mayor complejidad que en versiones anteriores, pero siguen siendo una fuente de contrapunto cómico.
"Las hermanastras son mezquinas y de miras estrechas", explica Shearmur. "No tienen una vida interior, ningún aprecio ni capacidad de ver belleza en nada de lo que las rodea. Todo lo que pueden ver es lo que desean y no poseen".
Y continúa: "Ambos personajes detentan fealdad interior. Son bonitas, pero carecen de una conciencia de sí, sobre qué tan lejos llevar su peinado, su maquillaje o la estridencia de sus vestidos. Su apariencia refleja la singular atención que prestan a sus propias necesidades sin ninguna consideración por los demás… eso define su fealdad interior".
Grainger ahonda: "Anastasia es la más chica de las hermanastras. Anastasia y Drisella forman un dúo, como si estuvieran unidas por la cadera. Ambas son tan dependientes y admiran tanto a su madre que no tienen autoestima, lo cual se manifiesta a través de los celos y su egoísmo hacia Cenicienta. Pero no es su culpa no ser atractivas o talentosas y que no agraden o nadie quiera casarse con ellas".
"Somos bastante crueles, pero nos vemos ridículas, así que uno a veces no puede evitar sentir un poco de lástima por nosotras", añade McShera.
Cenicienta de hecho no desprecia a sus hermanastras porque no es realmente capaz de odiar a nadie, pero no las entiende. "Creo que les tiene un poquito de lástima", declara James. "Ve que claramente son dos personas muy infelices y egoístas, pero siento que a veces también las encuentra divertidas".
Para los realizadores era importante que el público las percibiera como dos personas malas y odiosas, pero también que sus personajes fueran creíbles. En el set, Branagh alentó a Grainger y McShera a que improvisaran, para que eso las ayudara a desarrollar el tipo de entendimiento natural que tendrían dos hermanas.
Blanchett señala: "Sophie posee un ritmo cómico natural exquisito, y tanto ella como Holliday son tan espontáneas que uno genuinamente cree que ellas se sienten grandiosas y las chicas más hermosas del palacio. A pesar de cómo estaban vestidas, no lo sobreactuaron. De inmediato hallaron el equilibrio necesario".
Para el papel del rey, padre del príncipe, Branagh recurrió a su frecuente colaborador: el estimado actor británico de cine y teatro Derek Jacobi, quien dirigió y guió a Branagh cuando era un joven actor en su debut teatral de Hamlet. Unos años más tarde, los papeles se invertirían cuando Branagh dirigió a Jacobi en la versión cinematográfica de Enrique V.
Jacobi refiere: "Conozco a Ken desde 1979 cuando yo estaba interpretando a Hamlet en el Old Vic y él era un estudiante de la Royal Academy of Dramatic Arts y me hizo una entrevista para la revista de la Academia. Luego se graduó y de la noche a la mañana se convirtió en sensación, pero mantuvimos nuestra amistad durante todos estos años".
Al describir su papel, Jacobi señala: "El rey es muy tradicional y quiere que su hijo herede un reino tranquilo y seguro, lo que implica que debe celebrar un matrimonio ventajoso. Pero tiene una relación muy fuerte con su hijo y cuando el príncipe le dice que quiere casarse con una aldeana común y corriente que conoció en el bosque, finalmente vemos que el rey lo ama tanto que acaba diciéndole: 'Bueno, en ésta ocasión, confío en ti. Creo que tienes el valor y creo que debes seguir a tu corazón'".
Jacobi continúa: "El rey finalmente se da cuenta de que el amor, la bondad y el coraje son cualidades tan valiosas como la tierra, los soldados y la nobleza. Y hay una escena conmovedora en la cual, cuando Cenicienta está escapando del baile porque se acerca la medianoche, se choca con el rey y antes de pedirle disculpas, le dice que tiene un hijo maravilloso que adora a su padre, lo cual creo que quizás es el disparador que hace al rey darse cuenta de que probablemente no vaya a ser la peor cosa del mundo que se casen".
Stellan Skarsgärd (La chica del dragón tatuado) da vida al gran duque, cuya tarea es hacer que el reino y todas las políticas exteriores funcionen bien, lo cual incluye facilitar acuerdos comerciales que beneficien al país. Skarsgärd explica: "Es el que lleva la batuta; es muy pragmático y desaprueba rotundamente la estúpida idea de que alguien se case por amor, incluido el príncipe".
Barron ahonda: "Entre el duque, el príncipe y el rey se genera una complicada relación, ya que en última instancia todos quieren hacer lo que es mejor, pero poseen visiones muy diferentes sobre qué es lo mejor y cómo conseguirlo".
Continúa: "El gran duque no desea manipular al príncipe; él genuinamente cree que está haciendo lo mejor para la nación y hará lo que sea necesario para defender sus convicciones".
Completan el reparto: Nonso Anozie (Código sombra: Jack Ryan) como el consejero del príncipe y mejor amigo: El Capitán; Ben Chaplin (Cálculo mortal) como el padre de Ella; y Hayley Atwell (CAPITÁN AMÉRICA Y EL SOLDADO DEL INVIERNO) como la madre de Ella.
Creo que el cielo es como el baile del palacio. Están todos invitados. Cenicienta
CREANDO LA MAGIA EN LA PANTALLA
UN REINO LEJANO
La fotografía principal de LA CENICIENTA comenzó en el verano de 2013 en los estudios ingleses Pinewood Studios y en exteriores en la ciudad de Londres y alrededores. Como se trata de un cuento de hadas atemporal que tiene lugar en una locación de fantasía, desde un primer momento los realizadores decidieron que no era necesario que la historia se mantuviera fiel a una época determinada. Ello le confirió al equipo de producción una mayor libertad y la posibilidad de dejar volar su imaginación, y crear así una visión única de un tiempo y un lugar mágicos.
"LA CENICIENTA tiene escenas memorables", señala Kenneth Branagh, "así que por un lado teníamos el desafío de querer satisfacer las expectativas del público para no desilusionarlo, pero a la vez necesitábamos sobrepasarlas y permitir que nuestra visión brillara y aportara un poco de originalidad".
El reconocido diseñador de producción Dante Ferretti, quien ha trabajado con cineastas de la talla de Federico Fellini, Martin Scorsese, Franco Zeffirelli y Francis Ford Coppola, realizó un enorme trabajo de investigación para prepararse y se inspiró principalmente en la arquitectura del norte de Europa de los siglos XVI, XVII y XVIII.
Ferretti refiere: "Ken quería que la película tuviera un aspecto del estilo del siglo XIX, lo que nos permitió incorporar estilos de arquitectura anteriores en nuestros diseños. Los personajes viven en medio de locaciones que se construyeron siglos antes del período en el que está ambientada la película, y yo me sentí particularmente atraído por el mágico y opulento estilo de la época barroca. Me dispuse crear un mundo basado en un realismo histórico pero mezclado con fantasía, ya que quería que la atmósfera fuera creíble y fantástica al mismo tiempo".
Continúa: "Recuerdo cuando mis padres me llevaron a ver LA CENICIENTA animada en Macerata, Italia, cuando era niño; cuando me convocaron para formar parte del proyecto, volví a ver la película y quedé impactado por su grandiosidad. Era una película que te transportaba a otro mundo, con castillos, salones de baile e inmensas escaleras".
Branagh quería que la película evocara una opulencia majestuosa acorde al reino de un cuento de hadas, y donde la magia y la aparición de un hada madrina fueran posibles. Al mismo tiempo, quería asegurarse de que todos los sets fueran lo más verosímiles posible.
Entre los sets que Ferretti diseñó y creó se incluyen la fachada del palacio del rey, una enorme estructura con una vasta escalera, magníficos jardines y fuentes ornamentadas; la casa de la infancia de Ella, y, principalmente, el gran salón de baile del palacio, donde Ella hace su inolvidable entrada y baila con el príncipe.
Simon Kinberg señala que la mayoría de las películas hubieran creado el salón de baile con efectos generados por computadora, pero no ésta. "Para Dante y para Ken era realmente importante que este espacio, el sitio más emblemático de la historia de Cenicienta y una de las escenas más memorables de todos los tiempos, paciera real", cuenta.
"En mi mente, quería evocar un estilo de la Europa del viejo mundo que sabía que funcionaría bien con la magia de la historia y sus coloridos personajes", señala Ferretti. "Mi foco estaba puesto en el realismo. Siempre prefiero crear sets que puedo tocar y creo que los actores también los prefieren a una pantalla verde…. sin duda los ayuda a meterse en la piel del personaje".
Branagh y Ferretti debatieron largamente y ambos coincidieron en que debían centrarse en sets físicos, de manera que todos los sets se construyeron en el interior y exteriores de los estudios de grabación. El proceso de diseño de Ferretti involucró a su colaboradora de larga data y decoradora de sets Francesca Loschiavo-Ferretti, con quien trabaja desde hace 30 años.
Ferretti explica: "Yo hago todos los bocetos, y luego Francesca los revisa para asegurarse de que todos los detalles sean rigurosos. Pero no queríamos que todo se viera demasiado perfecto, así que decidimos dejar pequeños y deliberados errores en nuestros diseños para que parecieran más reales".
Richard Madden destaca: "Los sets en esta película poseen tanta personalidad como los mismos personajes, lo cual ayuda a contar la historia de quiénes son ellos realmente. Brindan al público numerosas cosas sobre las cuales deleitarse visualmente, así como también sirven de inspiración a los actores".
Y continúa: "Contar con toques vívidos y realistas como estos hace que todo parezca mucho más auténtico y especial".
EL FASCINANTE BAILE REAL
Kenneth Branagh quería que el baile real tuviera lugar en el salón más espectacular que se pudiera imaginar. El set se construyó en el famoso estudio 007 de los Pinewood Studios, el más grande de toda Europa, que durante años ha albergado a cientos de producciones monumentales.
Al recordar la primera vez que ingresó en el plató, Allison Shearmur declara: "Estaba asombrada; el lugar parecía una enorme caverna. Básicamente es una enorme caverna de cemento del tamaño de varias canchas de fútbol, y Dante Ferretti diseñó y construyó un salón de baile de tres pisos de altura que ocupaba todo el escenario y lo transformó en el salón más hermoso que alguien podría imaginar".
Y agrega: "Entrar en el set era como ingresar en un lugar que sólo pertenece a los libros de cuentos y a los cuentos de hadas".
"El palacio debía ser mágico, de modo que repasé la arquitectura francesa de edificios como el Louvre, el Palacio de la Ópera y el Hôtel de Soubise, y todos tenían estas enormes escaleras maravillosas", cuenta Ferretti. "Así que comenzamos por diseñar las escaleras y luego creamos el resto a partir de allí, incluida la entrada principal con ese gran arco y las fuentes dentro".
Ferretti y su equipo crearon un salón de baile inmenso y suntuoso, que medía 45 metros de largo por 30 metros de ancho y 28 metros de altura. Presentaba una imponente escalera que conducía al salón de baile, pisos y paredes de mármol, estatuas doradas, miles de flores, frescos y candelabros decorativos y cortinas confeccionadas con más de 1.800 metros de tela.
El salón de baile también incluyó 17 enormes arañas que se encargaron a Italia, que tenían cerca de 5.000 velas de aceite, cada una de las cuales debía encenderse a mano. Francesca Loschiavo-Ferretti quería que las arañas que adornaban el corredor y el salón fueran lo máximo. Finalmente, las arañas se realizaron por encargo en Venecia y son una obra de arte en sí mismas.
"El momento en el que Ella entra por primera vez al salón debía ser majestuoso e imponente, pero también debía tener cierta liviandad y no ser demasiado intimidante", cuenta Branagh. "Cuando Lily ingresó en el salón de baile por primera vez en el medio de esa secuencia, fue uno de los días más excitantes, conmovedores y hermosos de toda mi carrera. Incluso hasta el más rudo de los artistas de animación y el más cínico de los artistas de maquillaje tenía una lágrima en los ojos".
Lily James concuerda y señala: "Entrar por primera vez fue increíble. El salón de baile era la cosa más mágica que he visto en mi vida y cuando entré y todos me miraron, estaba aterrada, pero también para mí fue el momento más memorable de la película".
Cate Blanchett agrega: "La primera vez que entré en el set del salón de baile, debí ayudarme a cerrar la boca... parecía un momento Technicolor de MGM y, en términos del cine, me sentí transportada hacia el pasado. El momento cuando la Cenicienta y el príncipe ingresaron en la pista a bailar fue profundamente conmovedor".
"Dante posee un sentido del humor y un sentido del estilo que no es avasallador, ni demasiado empalagoso, ni demasiado ornamentado y, sin embargo, es elegante y sofisticado", declara Branagh. "El salón de baile ofrece todo lo que uno podría esperar, y si bien evoca imágenes de famosos salones de baile de las ciudades de Viena, París o Londres, posee un sello inconfundiblemente propio".
HOGAR DULCE HOGAR
Además de los sets del palacio y del salón de baile, Dante Ferretti y su equipo construyeron el exterior del hogar familiar de Ella en exteriores en Black Park, un floreciente parque rural en Wexham, Buckinghamshire (no muy lejos de los Pinewood Studios), que incluía los establos, la fuente y el invernadero del jardín.
Lily James cuenta: "Las locaciones exteriores -como las praderas con sus altas flores silvestres de colores y el polen que flota en el aire, y las ovejas, los gansos, los caballos que corren alrededor- eran realmente espectaculares".
Todos los ambientes interiores de la casa, incluidas las habitaciones, el estudio del padre y el ático donde duerme Ella, se construyeron en estudios de grabación, al igual que una réplica idéntica del exterior de la casa. Ferretti apunta: "Hicimos que los interiores de la casa tuvieran mucho color para que se asemejara más a un cuento de hadas. El empapelado que tapiza la mayor parte de la casa -que diseñamos y pintamos nosotros- es de estilo burgués, mientras que el empapelado del estudio del padre es oriental y más ornamentado. Y como el padre es un comerciante, llenamos el estudio con objetos que él fue adquiriendo en sus viajes alrededor del mundo".
Kenneth Branagh señala: "La casa de Ella debía ser cálida para que el público la percibiera como símbolo de lo que una familia feliz podría ser lo suficientemente afortunada de tener, y cómo una casa puede convertirse en un hogar cuando está arreglada con el cuidado amoroso que Dante le da visualmente".
Helena Bonham Carter agrega: "Esta es una gran película con enormes sets, que realmente me ayudaron como actriz. Ya he realizado mi cuota de películas con pantallas verdes donde literalmente debes imaginarte todo lo que se supone que está a tu alrededor, de manera que para mí fue una gran ayuda rodar mis escenas en el jardín con el invernadero y la casa de Ella como fuente de inspiración".
TRAJES A LA ALTURA DE LA REALEZA
Igualmente esencial para la producción era contar con elaborados trajes, para lo cual la reconocida diseñadora de vestuario Sandy Powell obviamente estaba más que calificada. Además de sus impresionantes créditos cinematográficos que abarcan desde películas independientes como El juego de las lágrimas, Far from Heaven y Orlando hasta su trabajo que le valió un premio Oscar® en las películas La joven Victoria, Shakespeare apasionado y El Aviador, Powell ha pasado muchos años diseñando trajes de hombres para películas de hombres, así que estaba entusiasmada con la perspectiva de hacer una película con tantos personajes femeninos fuertes.
Pero era fundamental que el vestuario y el diseño de los sets guardaran una cohesión de aspecto y estilo; por lo tanto, Powell trabajó estrechamente con el diseñador de producción Dante Ferretti. Afortunadamente, ambos trabajaron en el mismo estudio durante la etapa de pre-producción así que podían visitarse a diario para asegurarse de coordinar sus tareas.
Powell, que comenzó a trabajar en conceptos para el look de los personajes casi dos años antes de que se iniciara la fotografía principal, creyó que sería interesante que los trajes no pertenecieran estrictamente al siglo XIX, sino que fueran más bien una versión de la década de 1940 de la época. Abordó la película como uno lo haría con un libro de cuentos o un libro de ilustraciones para niños: con mucho brillo y color y con referencias bastante claras sobre quién es el bueno y quién es el malo.
"Cuando diseñas el vestuario de una película hay tantas consideraciones que debes tomar en cuenta, que realmente tienes que comprender el guión", señala Powell. "De nada sirve diseñar un traje que luego no se puede exhibir o choca con otros. Yo quería que la película tuviera ese estilo de "Érase una vez", y como se trata de un cuento de hadas no teníamos que seguir ninguna norma".
Continúa: "La historia tiene lugar aproximadamente en la década de 1830, pero es maravilloso tener la licencia artística de poder hacer lo que es mejor para cada sujeto. Usamos distintos estilos e influencias para cada personaje, o cada grupo de personajes".
Powell observó la película animada antes de comenzar su propio proceso de diseño, más movida por la curiosidad que para buscar una fuente de inspiración. Sin embargo, una vez que comenzó a diseñar los trajes, se dio cuenta de que definitivamente guardaban ciertas similitudes, con lo cual ésta debió inspirarla o influenciarla de modo subconsciente. "Las imágenes de la película animada son tan emblemáticas que están arraigadas en nuestra memoria", declara.
Para el atuendo diario de Cenicienta, Powell no quería recurrir al vestido de retazos y harapos que la mayoría recuerda del film animado. En cambio, lleva un vestido que parece uno de los que Ella habría usado en épocas más felices, cuando su padre aún estaba vivo. Realizado con voile de algodón aguamarina, está inspirado en un estampado floreado de la década de 1920 con grandes flores de color rosa pálido casi escondidas en la tela, pero en lugar de que estuviera hecho jirones como en la versión anterior, sólo luce un poco desgastado y desteñido por el tiempo.
El vestido con el cual Cenicienta hace su espectacular entrada al baile del palacio llevó meses y meses de preparación para Powell y su equipo, debido a los numerosos prototipos, pruebas de vestuario y ensayos, que incluían poder moverse y bailar. "No sólo debe bailar; debe correr escaleras abajo para escapar del baile", explica Powell "El vestido posee un diseño ingenioso de manera que, si bien es voluminoso, está muy bien equilibrado".
Y agrega: "Ni siquiera es pesado por la forma en la que calza en el cuerpo y los soportes debajo de las siete enaguas hacen que sea sumamente fácil de moverse en él. No es el vestido más ornamentado, reluciente o suntuoso de la fiesta, pero debía hacerla sobresalir entre la multitud, aunque al mismo tiempo debía ser el más simple".
Powell quería transmitir una sensación de ligereza y simplicidad en el vestido y que pareciera no tener peso a pesar de ser voluminoso. Para lograrlo utilizó varias capas de una tela muy fina, en diferentes tonos de azul, que al superponerse conforman ese azul lila pálido. "Las finas capas de tela funcionaron bien ya que parecían flotar a su alrededor cuando ella se movía, y al mismo tiempo hacían que Lily pareciera pequeña, lo que generaba un contraste aún mayor con respecto a su apariencia más temprana en la película. Quería que pareciera una acuarela", dice Powell.
El uso de un corsé ayudó a acentuar la pequeña contextura de James y resaltó la diferencia entre su cintura de 55 cm de diámetro y la voluminosa falda del vestido. Pero Powell no quiso agregar joyas ni una tiara para que Cenicienta sobresaliera de la multitud por su simplicidad. "Cenicienta conquista el corazón del príncipe a través de su honestidad y bondad, y yo quería retratar eso a través de su ropa", señala.
Después se le ocurrió que numerosas maripositas vinieran a posarse sobre el vestido una vez que el hada madrina lo ha creado, y que luego se incorporasen a la decoración del traje. Al final se crearon 9 versiones diferentes del vestido de fiesta de Cenicienta: cada una confeccionada con más de 250 metros de tela, numerosas enaguas, más de 10.000 cristales de Swarovski y más de 5 kilómetros de puntadas.
"La primera vez que vi el vestido azul de Cenicienta en las oficinas de Sandy Powell, me quedé sin aliento", cuenta Allison Shearmur. "Sandy me ofreció tocarlo, lo cual me aterraba, pero cuando lo hice, realmente era como tocar el aire, como imagino que debe ser tocar una nube. Y, sin embargo, esa falda posee una descomunal cantidad de tela".
Pero para Powell, lo más entretenido fue diseñar los trajes de la infame madrastra. Cate Blanchett fue la primera actriz que se seleccionó para la película, así que Powell diseñó el look de la madrastra con la actriz en mente. Powell ya había vestido a la actriz anteriormente en la película de Martin Scorsese: El aviador, y en el largometraje de próximo estreno de Todd Haynes, Carol.
El personaje de Blanchett se describe en el guión como de una gran belleza (o uno que lo fue, en su época), y Powell quería que su forma de vestir reflejara su forma de ser. Powell quería que el público viera que la madrastra y sus hijas están gastando todo el dinero del padre de Cenicienta en ropa; de allí los extraordinarios vestidos que llevan y los múltiples cambios de vestuario.
Powell comenta: "Quería sobre todo darle un aspecto intimidante, y Cate posee un aplomo increíble. Luce cada prenda con hermosura. Es el sueño de todo diseñador, realmente, porque es una de las personas más maravillosas que hay para vestir. Hay solo un puñado de actores a quienes puedes ponerles cualquier cosa encima y siempre se ven fabulosos, y Cate es una de ellos".
"Sandy y yo buscamos inspiración en fotografías de la década de 1940, de leyendas del cine como Marlene Dietrich y Joan Crawford -mujeres que seguimos admirando hoy en día- que poseían un tremendo halo de peligro y de misterio en torno a ellas, en especial en la forma dramática como se las iluminaba", señala Blanchett.
Powell agrega: "La silueta de Cate es muy gráfica, así que usé una intensa paleta de tonos color-joya y mucho negro. Se veía hermosa y aún así había algo profundo y desafiante en ella".
Powell también diseñó los zapatos de la madrastra, los cuales fueron realizados por Salvatore Ferragamo.
En cuanto a las hermanastras, sus vestidos realmente se pasaron de la raya (y no en un sentido positivo), que era lo que Powell buscaba. Explica: "Eran muy brillantes y coloridos y tenían demasiadas cosas bordadas encima… que los hacía muy toscos y poco refinados"
La idea detrás de las hermanastras es que son hermosas pero vanidosas y feas por dentro, de manera que Powell sabía que si quería que se vieran feas, debía hacerlas verse tontas. Y refiere: "Decidí vestirlas en forma idéntica, como había hecho Disney en la película animada; como si fueran dos amigas que salen de compras y eligen la misma cosa pero en distintos colores, o un par de mellizas a las que siempre se las viste igual pero, nuevamente, en colores diferentes".
Continúa: "Básicamente las vestí en forma exagerada, utilizando las telas más ordinarias que pude encontrar, y recargué un poco más lo que llevaban puesto cuidando que no se convirtiera en un caos visual. Lo cual además ayudó a mantener la atención centrada en la madrastra".
Según refiere Powell, el look del príncipe es el que más se asemeja a su personaje animado. Debía ser elegante y atractivo, por supuesto, y nunca dudamos de que, para el baile, debía llevar su uniforme y vestir de blanco (de hecho, es el único de blanco en todo el salón). Powell se sirvió de varios tonos de azul para resaltar el azul de sus ojos, pero en lugar de usar colores sombríos y masculinos, lo vistió con tonos azules y verdes claros, y mucho blanco. Además, como había estado en las fuerzas armadas, Powell creó un hermoso uniforme entallado para el príncipe, aunque decidió no respetar el rigor histórico en su diseño. Pantalones bombachos blancos hasta la rodilla hubieran sido más realistas, pero para Powell unos pantalones ajustados lo favorecerían más.
Diseñar los trajes de Helena Bonham Carter resultó bastante más difícil, ya que su personaje tiene dos caras y las opciones podían ser infinitas. Powell acabó bocetando primero el atuendo de la mendiga, que se acerca a Cenicienta luego de que la madrastra le ha hecho jirones el vestido de su madre.
"No quería darle el look de la mendiga tradicional con una capa de lana andrajosa y capucha", cuenta. "Me pareció que se vería mucho más interesante si se asemejaba a los bosques de donde aparece".
Por otro lado, en su papel de hada madrina, Powell deseaba cumplir el sueño de toda niña y hacer cobrar vida al personaje de un modo mágico y luminoso. Para ello, creó un vestido blanco con alas plateadas realizado con 120 metros de tela, 10.000 cristales de Swarovski y 400 lucecitas de LED que se cosieron por todo el vestido y se encendían cada vez que realizaba un hechizo.
Bonham Carter señala: "El vestido tenía casi 1,20m de ancho, y debo decir que no era el vestido más práctico que he usado. No había ninguna posición en la que pudiera descansar, y era casi imposible respirar a causa del corsé, así que la mayor parte del tiempo estaba exhausta y al borde del desvarío".
Continúa: "Por supuesto, una vez puesto era fabuloso, pero cuando me tenía que mover era un desastre y acababa arrastrando toda clase de banquitos y cosas a mi paso".
Preparar y vestir a la actriz para la cámara tampoco era una tarea sencilla. "Lo más triste es que empiezo como una vieja mendiga, pero les tomaba mucho más tiempo hacerme ver como un hada madrina que como una anciana", dice Bonham Carter.
"Además de ser brillante, detallista y preparada, Sandy siempre está abierta a lo que los actores -o personas como yo- puedan tener que decir", agrega Kenneth Branagh. "Y Helena definitivamente quería que el traje del hada madrina tuviera alas. Finalmente, la combinación del trabajo de ellas y nuestro trabajo en post-producción hizo que el hada madrina brillara y fuera majestuosa, ocurrente y excéntrica, pero aún así muy hermosa, atractiva y maternal."
Para el resto de los invitados que asisten al baile en el palacio, los diseños de Powell se inspiraron en algunos bailes de películas clásicas como El gatopardo de Luchino Visconti o Once Upon a Time de Alexander Hall, que derivó en una mezcla de looks y estilos de distintos siglos y ayudó a resaltar que éste era un baile abierto a toda la población.
Más de 200 extras participaron en las escenas del baile, que incluyeron a 25 guardias, 20 sirvientes, 54 bailarines profesionales y 30 músicos de orquesta, cada uno con un traje específicamente diseñado y creado por Powell y su equipo. Toda la secuencia del salón de baile tomó más de tres meses de preparativos y planificación, que incluyó el casting de los actores, pruebas de vestuario y ensayos, y más de 35 asistentes de dirección para ayudar en la supervisión.
"Queríamos que todo fuera lo más colorido posible", señala Powell. "De manera que todo el salón de baile es una explosión de color, suntuosa, rica y, en algunos casos, hasta desmesurada ya que muchas de las invitadas están ahí para impresionar y, esperanzadoramente, casarse con el príncipe". Lo cual incluyó una gran mezcla de personajes de distintos estratos sociales y económicos, y princesas procedentes de Medio Oriente, China, Japón, India, África, España y Rusia.
LA INOLVIDABLE ZAPATILLA DE CRISTAL
Las zapatillas de cristal por antonomasia que Cenicienta lleva al baile, una de las cuales luego -memorablemente- pierde, son uno de los elementos más preciados de la historia original de Charles Perrault.
Para Sandy Powell, el proceso de diseño fue excitante, pero supuso un reto formidable. "Estudié numerosas posibilidades sobre cómo hacer un zapato de cristal, y me di cuenta de que lo más importante era que debía brillar, lo que implicaba que debía hacerse de cristal porque el vidrio no reflejaría los destellos", cuenta. "Yo ya tenía la forma del zapato en mente, inspirada en un zapato original de la década de 1890 que encontré en el museo del zapato de Northampton… era un zapato imposiblemente diminuto con un taco de 12 centímetros y sencillamente elegante".
Powell pronto se dio cuenta de que la única manera que tenía de intentar siquiera hacer un zapato de cristal era contar con la ayuda de la compañía austríaca de cristal tallado Swarovski, y cuando se los convocó, estuvieron más que a la altura del reto. Así comenzó una colaboración en manos de los diseños de Powell y la ejecución de Swarovski que se prolongó durante meses y meses e implicó numerosas pruebas y análisis, pero que finalmente fue un gran éxito.
Powell explica: "Escaneamos la pieza y realizamos diferentes versiones en resina, pero fue todo un desafío lograr dar con la forma específica del zapato y resolver cómo confeccionarlo con la menor cantidad de juntas posible. En el proceso, surgieron numerosos problemas técnicos ya que debieron desarrollar una máquina especial para crearlo, pero finalmente acabamos con uno que parecía estar hecho de una única pieza de cristal, lo cual siempre había sido nuestro objetivo. El día que nos mostraron el zapato fue increíble… un gran alivio y una gran emoción".
Se crearon ocho réplicas de la zapatilla de cristal, ninguna de las cuales se podía usar realmente ya que el cristal no tiene movimiento, pero se usaron como objetos de utilería, ya fuera para las escenas donde todas las doncellas del reino se prueban el zapato, o como distintos modelos que se pudieran romper en cámara.
Kenneth Branagh añade: "Sandy produjo un zapato en 3D realmente fascinante que luego fue moldeado y facetado de manera que tuviera la apariencia del cristal, lo que implicaba que desde cualquier ángulo podía emitir haces de luz y reflejos de colores refractados, y uno podía sentir esta riqueza, magia y dinamismo en el zapato".
CAPTURANDO LOS MOMENTOS MÁGICOS
Igual de formidables fueron los retos que debió enfrentar el director de fotografía Haris Zambarloukos (Locke, THOR), que requirieron de una gran planificación y preparación… así como de una verdadera pasión. Afortunadamente, Zambarloukos se sintió como en casa en el enorme estudio 007, ya que allí había rodado las escenas de la aldea de pescadores griega de la película Mamma Mia! y las escenas del túnel inundado en Código sombra: Jack Ryan.
Al hablar de su enfoque al rodar las escenas del salón de baile, Zambarloukos cuenta: "Conceptualmente, queríamos crear el clima de un exquisito y elegante baile a la luz de las velas, pero también queríamos asegurarnos de poder ver todos los espectaculares detalles del diseño de Dante Ferretti y los espléndidos vestidos y trajes de Sandy Powell. Además, sabíamos que las interpretaciones realmente extraordinarias son tan especiales que rara vez se pueden repetir".
Zambarloukos y su equipo esperaban capturar todos y cada uno de los momentos de las secuencias de baile y desde todos los ángulos posibles, para lo cual utilizaron cinco cámaras y dos grúas para adquirir un efecto de barrido y ayudar a mostrar la enorme escala del set y la coreografía. El equipo de camarógrafos también construyó decenas de enormes dispositivos de iluminación diseñados a medida para ayudar a establecer el clima adecuado para estas escenas, que se montaron sobre los "reds" (las vigas del techo del estudio de grabación) y podían moverse y controlarse remotamente desde una computadora.
Toda el film se rodó en película, no digital, usando películas de 200 ASA y 50 ASA, algo que rara vez se ve en la industria hoy en día, y Zambarloukos utilizó lentes anamórficas de Panavision para crear un efecto de pantalla ancha semejante al CinemaScope. Explica: "Kenneth y yo queríamos hacer una película clásica, verdaderamente atemporal... una película cinematográfica inspirada en deslumbrantes musicales y largometrajes épicos, y para ello usamos algunas de las herramientas empleadas en esas tempranas obras maestras".
La mayoría de las cámaras digitales son altamente sensibles a la luz, lo que significa que todo lo que ve el ojo, también lo ve la cámara. Emplear un estilo de filmación más tradicional implicó que los realizadores debían imaginar, y por tanto crear, el efecto deseado, muy similar a la forma en que se rodaban las películas en la época dorada de Hollywood.
"Los resultados son verdaderamente mágicos, y mucho más opulentos que lo que las cámaras modernas pueden lograr", señala Zambarloukos. "Los grandes clásicos animados de Walt Disney estaban todos dibujados a mano, lo cual inspiraba un amor al arte y una gran apreciación de la imaginación humana, así que retrocedimos en el tiempo y creamos un aspecto que es nuestro tributo a ese legado".
EL LOOK DE LA MÁS HERMOSA DE LAS DONCELLAS
Los realizadores querían que cuando Lily James hiciera su primera aparición como Ella en la pantalla, su imagen fuera lo más simple y natural posible, una tarea que recayó en las expertas manos de la diseñadora de maquillaje Naomi Donne (007: Operación Skyfall, Chocolate) y la estilista nominada a un premio Oscar® Carol Hemming (Mary Shelley's Frankenstein). Para ello se aplicó sólo un ligero maquillaje, lo que la hizo sobresalir ya que no estaba muy maquillada.
Donne explica: "El hecho de no llevar casi maquillaje le daba a Ella esta ilusión de pureza, un look radiante, lozano y hasta mágico, porque era ella en toda su naturalidad, sin un artificio que hubiéramos creado nosotros".
Continúa: "La idea era que su piel se viera impecable, y como su cutis ya es bastante suave y perfecto, nos concentramos en el rubor de sus mejillas como forma de expresar sus emociones. De manera que si estaba triste o se sentía desdichada, se veía un poco pálida, pero si se sonrojaba al sentir emoción o enamorarse, realzábamos aún más el color".
Para el baile en el palacio, Donne le dio un poquito más de brillo a James, ya que quería que resplandeciera y pareciera realmente mágica y salida de un hechizo, para lo cual creó una mezcla de crema iluminadora con purpurina blanca que aplicó sobre el rostro. Además le agregó brillo en los párpados, y Hemming y su equipo añadieron cristales a su cabello.
"Fue muy sutil, pero reflejaba muchísima luz e hizo que su cutis se viera radiante y luminoso", explica.
Para la escena de la boda, Donne y Hemming quisieron dar a Cenicienta un aspecto más glamoroso y sofisticado para resaltar el hecho de que se estaba convirtiendo en una mujer. Para ello le aplicaron una delicada capa de maquillaje, lápiz labial y delineador. "Un ligero maquillaje, de hecho, marcaba una gran diferencia ya que antes no lo llevaba", cuenta Donne. "Y una vez que le recogimos el cabello, de inmediato adoptó una apariencia mucho más madura".
Además de los personajes principales y secundarios, Donne y Hemming también fueron los responsables de los peinados y maquillaje de todos los extras que participaron en las escenas del baile real, lo cual, en esos días de rodaje, requirió de 50 artistas de cosmética y estilistas adicionales. Trabajando codo a codo con Powell y su equipo, tomaba casi cinco horas preparar a cada extra, ya que a cada uno se lo debía vestir, maquillar, fotografiar y anotar.
UNA JOYA DE CARRUAJE
Para el emblemático carruaje, el diseñador de producción Dante Ferretti quería hacer algo nuevo y verdaderamente especial, pero diseñar y crear la pieza central de una de las secuencias de transformación más famosas de la historia no era una tarea sencilla.
La memorable secuencia comienza cuando el hada madrina, buscando un medio de transporte que lleve a Cenicienta al palacio, transforma a una calabaza en un hermoso carruaje, con cochero y lacayos incluidos. Cenicienta debe regresar antes de que dé la última campanada de medianoche, pues en ese momento el carruaje se volverá a convertir en calabaza.
Lily James cuenta: "Ken quería que ese trayecto en carro hasta el castillo hiciera a toda niña de cinco años desear estar en ese carruaje, y espero que todos los espectadores realmente crean que es la cosa más hermosa que jamás hayan visto. Cuando me subí por primera vez, fue uno de los momentos más surrealistas de mi vida… fue imponente."
"No queríamos recrear en forma exacta la escena, pero sabíamos que la historia exigía que hubiera una calabaza y que hubiera un carruaje. Y en cierta manera, la película animada de 1950 nos inspiró no tanto en lo que hicieron, sino en cómo lo hicieron", declara Kenneth Branagh. "Lo hicieron con un clima de gran gozo… hay una maravillosa pasión, alegría y vitalidad en esa película, y eso fue lo que intentamos infundir en ésta".
Continúa: "Esto supuso resolver qué tipo de acción podía tener lugar en lo que creímos podría ser una excitante persecución desde el palacio, mientras Ella lucha por anticiparse a la última campanada de medianoche, lo que involucró una meticulosa creación de guiones gráficos y luego su previsualización para compaginar todo como en una secuencia animada".
La escena finalmente se rodó con un verdadero carruaje dorado con forma de calabaza, tirado por cuatro caballos, de 3 metros de alto por 5 metros de largo y que pesaba cerca de 2 toneladas.
En su diseño, Ferretti se inspiró en una piedra preciosa en lugar de en una fruta o una verdura, de manera que el carruaje sería una hermosa joya que envuelve a Cenicienta, quien, de hecho, es la joya de la historia. Explica: "Me convertí en actor, por así decir, y me transformé en un hada, o en este caso en un mago, y dejé que mi propia fantasía e imaginación transformaran la calabaza en el carruaje que finalmente vemos. Observé joyas y alhajeros, entre otras cosas, y luego de muchos, muchos bocetos y gran planificación, llegamos al resultado final".
Y continúa: "Decidimos que la transformación tuviera lugar en el invernadero de vidrio del patio trasero de la casa de Cenicienta donde ella había plantado la calabaza original, así que incorporamos elementos arquitectónicos del invernadero en nuestro diseño del carruaje".
Stuart Heath (MALÉFICA), de BGI Supplies, diseñó el chasis que sostendría a la carroza con forma de calabaza, el cual fue realizado por un fabricante de carruajes polaco en hierro fundido y acero. El chasis luego se pintó y decoró para que se viera lo más mágico y místico posible.
"El diseño de la calabaza debía estar ligado al invernadero", señala Heath. "La calabaza obviamente crece de tamaño y hace estallar el techo, pero debíamos tomar algunos elementos del invernadero e incorporarlos a la calabaza. De hecho el anillo que envuelve la parte superior, también envolvía el invernadero, y el asiento donde se sienta Cenicienta es un asiento que también estaba en el invernadero".
Luego, el supervisor de efectos especiales David Watkins (Guerra mundial Z) y su equipo tomaron las riendas. Su trabajo consistía en ayudar a dar vida a la escena en la que el carruaje sale a toda velocidad del palacio, y en consecuencia, emprende un regreso bastante accidentado. Watkins y su equipo tomaron el chasis que había creado BGI y montaron cilindros neumáticos, poleas y cables para poder controlar los tumbos al andar y la dirección del carro mismo.
A partir de allí, el departamento eléctrico añadió sus generadores y el departamento de cámaras, sus cámaras.
Qué feliz hubiera estado su madre, al ver a Ella marcharse con tanto esplendor,
y con su coraje y su bondad intactas. El hada madrina
FELICES PARA SIEMPRE
Desde el primer día, todos los involucrados en LA CENICIENTA compartieron la misma pasión y el mismo entusiasmo por volver a contar la historia manteniendo los elementos clásicos y el encanto de la película animada, pero creando un nuevo largometraje hermoso, cálido y humano con una sensibilidad contemporánea que perdurara para las generaciones futuras. Los imponentes trajes y opulentos diseños de los sets ayudaron a crear el entorno mágico de la historia, y la honestidad y profundidad que se les atribuyeron a los personajes les dio vida de un modo fantástico pero verosímil a la vez.
Cuando LA CENICIENTA se estrene en cines en marzo de 2015, los espectadores sentirán como si les estuvieran contando la historia por primera vez. "Todos conocemos la historia de La Cenicienta. Todos conocemos la historia de Hamlet. Pero vamos a ver Hamlet una y otra vez porque las mejores producciones nos hacen creer que esta vez quizás sí matará a Claudio", señala Cate Blanchett.
Y continúa: "Y con esta película, la gente sentirá lo mismo y muchas escenas los sorprenderán porque son tan reales, así como tan verdaderamente graciosas pero también tan verdaderamente trágicas".
La mayoría de los cuentos de hadas son narrados en forma animada, lo que impide al público conectarse o estrechar realmente un vínculo con esos personajes, pero con esta película el efecto es inmediato y tangible. "Cuando ves a la Cenicienta en carne y hueso, te vuelve a recordar el verdadero costo humano, que por lo general en los cuentos de hadas es personificado a través de personajes ficticios como el enorme lobo malo o la malvada madrastra.
Atemporal en el mejor sentido, la combinación de humor, romance y aventura cautivarán y divertirán a niños, niñas, hombres y mujeres de todo el mundo. "Esta es una historia que no envejece nunca", declara Allison Shearmur. "Todos queremos creer que el bien y la bondad acabarán por triunfar".
"Queríamos crear una versión satisfactoria y no irónica de LA CENICIENTA , pero dentro de ese contexto abordamos toda clase de cuestiones y preguntas interesantes", apunta Chris Weitz.
Kenneth Branagh agrega: "Todo vuelve sobre esta idea de la simple humanidad de Cenicienta que permea toda la obra. Posee el humor. Pero también gran emoción".
ACERCA DEL REPARTO
CATE BLANCHETT (madrastra) se graduó en el National Institute of Dramatic Art y posee un doctorado honoris causa en Letras de la University of New South Wales y de la University of Sydney. Entre 2008 y 2012 se desempeñó como codirectora artística y codirectora ejecutiva de la Sydney Theatre Company (STC) junto con Andrew Upton.
Blanchett es una reconocida actriz de teatro. Entre sus papeles más recientes se incluyen: el de Hedda Gabler en la obra homónima, que le valió un premio Ibsen Centennial, un premio Helpmann y el premio MO a la Mejor Actriz; como Ricardo II en la aclamada producción de la STC de The Wars of The Roses; el de Blanche Du Bois en la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo, que se trasladó con gran éxito desde Sydney a Washington y Nueva York (su interpretación fue considerada la 'interpretación del año' por The New York Times) y por la que recibió un premio Helen Hayes a la Mejor Actriz en una Producción Extranjera; como Yelena en la obra de Anton Chéjov El tío Vanya, en una nueva adaptación de Upton que también se representó en Washington en 2011 y en Nueva York en 2012, recibió el elogio de la crítica y por el cual Blanchett obtuvo un premio Helpmann a la Mejor Actriz en una Obra de Teatro, y el premio Helen Hayes a la Mejor Actriz en una Producción Extranjera; como Lotte en la obra de Botho Strauss Gross und Klein, que en 2012 recorrió extensamente toda Europa y formó parte de la Olimpíada Cultural de Londres y le valió un premio Helpmann a la Mejor Actriz en una Obra de Teatro; y como Claire en la obra de Jean Genet The Maids, dirigida por Benedict Andrews y coadaptada por Upton y Andrews, que se presentará en Nueva York este agosto como parte del Festival del Lincoln Centre.
Entre sus papeles en películas cinematográficas se incluyen: el de la reina Isabel en Elizabeth y Elizabeth: la edad de oro, Daisy en El curioso caso de Benjamin Button de David Fincher, Katherine Hepburn en El aviador de Martin Scorsese, Bob Dylan en I'm Not There de Todd Haynes, Jane en Vida acuática (Vida acuática con Steve Zissou, como se la conoció en Chile) de Wes Anderson y Sheba en Escándalo, que protagonizó junto con Judy Dench. Además intervino en las trilogías de El señor de los anillos y El Hobbit de Peter Jackson y más recientemente, en Operación Monumento de George Clooney y Blue Jasmine de Woody Allen.
Blanchett fue seis veces nominada a los premios de la Academia®, y recientemente recibió el premio de la Academia® a la Mejor Actriz por su papel en la película Blue Jasmine. Además ganó un premio de la Academia® a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en El Aviador. Entre sus otros galardones se incluyen: tres premios BAFTA (Elizabeth, El aviador, Blue Jasmine), cuatro premios AFI (Thank God He Met Lizzie, Little Fish, Elizabeth: La edad de oro,Blue Jasmine),tres premios SAG® (El aviador, El señor de los anillos: El retorno del rey, Blue Jasmine), tres premios Globo de Oro® (Elizabeth, I'm Not There, Blue Jasmine) y el premio Volpi Club a la Mejor Actriz otorgado en el Festival de Cine de Venecia (I'm Not There). Además, recibió la Centenary Medal por su contribución a la sociedad australiana a través de la interpretación, y en 2007 la revista TIME la nombró una de las "100 personas más influyentes". En 2012, Blanchett recibió el título de Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres otorgado por el ministerio de cultura de Francia, en reconocimiento a su significativa contribución a las artes. También recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
En 2008, Blanchett copresidió el grupo de trabajo sobre creatividad de la Cumbre Nacional de 2020 del primer ministro australiano y es embajadora de la Australian Conservation Foundation y la Australian Academy of Cinema and Television Arts.Blanchett está casada, tiene tres hijos y vive en Sydney.
LILY JAMES (Ella), quien se graduó en la Guildhall School of Music and Drama de Londres en 2010, es más conocida por su papel de Lady Rose en la exitosa serie de televisión "Downton Abbey". Entre sus créditos cinematográficos se incluyen: Fast Girls de Regan Hall y Furia de titanes 2, que protagonizó junto a Sam Worthington, Liam Neeson y Rosamund Pike. Entre sus otros créditos de televisión se encuentran: "The Secret Diary of a Call Girl" y "Just William".
En 2011, James encarnó a Desdémona en la producción de Sheffield Crucible de la obra Otelo, junto con Dominic West como Iago y Clarke Peters como Otelo. Su interpretación le valió el elogio de la crítica. En el Daily Mail, Quentin Letts escribió: "Es posible que tengamos una nueva actriz estrella en nuestras manos. Su nombre es Lily James, y no hace un año que se graduó de la escuela de teatro; sin embargo, arrasa con su papel de Desdémona en esta Otelo". Entre otros de sus créditos teatrales se incluyen: Vernon God Little en el Young Vic, Definitely the Bahamas y Play House de Martin Crimp en el Orange Tree Theatre, Richmond, y La gaviota de Chéjov en el Southwark Playhouse.
El actor escocés RICHARD MADDEN (El príncipe) es más conocido por su cautivadora interpretación como Robb Stark en la aclamada serie de HBO "Game of Thrones". Entre otros de sus créditos en televisión se incluyen la miniserie original de Discovery Channel Klondike, las series de la BBC "Hope Springs" y "Birdsong" y la serie de Channel 4 "Sirens".
Entre sus créditos teatrales en la ciudad de Londres se incluyen: su papel de Romeo en la producción del Globe Theatre de la obra Romeo y Julieta; como Callum McGregor en la obra de Malorie Blackman Noughts and Crosses; y como Mark McNulty en la producción del National Theatre of Scotland de Be Near Me.
Entre sus próximos proyectos se incluyen el telefilme de la BBC Lady Chatterley's Lover, que también es protagonizada por Holliday Grainger, y la película de Focus Features Bastille Day.
Madden se graduó en la Royal Scottish Academy of Music and Drama y actualmente reside en Londres.
Oriundo de Suecia, STELLAN SKARSGARD (gran duque) es considerado uno de los actores teatrales y cinematográficos más destacados del país. Comenzó su carrera con el Royal Dramatic Theatre en la ciudad de Estocolmo, donde pasó 16 años trabajando con reconocidos directores como Alf Sjöberg e Ingmar Bergman. Su despegue estelar llegó en 1982 con la película sueca The Simple-Minded Murderer, que le valió un premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Berlín.
Además de las más de 30 películas que protagonizó en Suecia, entre los otros créditos cinematográficos de Skarsgård se incluyen: La insoportable levedad del ser, Amistad, La caza al Octubre Rojo, En busca del destino, The Ox (nominada a los premios Oscar® a la Mejor película extranjera), Contra viento y marea (que obtuvo el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 1996) y la película noruega Insomnia.
Skarsgård ha sido honrado con numerosos galardones en el Festival de Cine de Berlín, la industria cinematográfica sueca, el Festival de Cine de Rouen, el Festival de Cine de Chicago, el Festival de Cine de San Sebastián y el Festival de Cine de Telluride.
Entre sus créditos más recientes se incluyen: THE AVENGERS: LOS VENGADORES, THOR, La chica del dragón tatuado de David Fincher, Rouge Brésil y Melancolía de Lars von Trier. Además se lo vio en otras películas exitosas como Ángeles y demonios, Mamma Mia!, y la segunda y tercera entregas de la franquicia PIRATAS DEL CARIBE.
En los últimos años, HOLLIDAY GRAINGER (Anastasia) ha completado un número de variados proyectos en el Reino Unido y los Estados Unidos. Más recientemente, el público vio a Grainger en su papel protagónico de Bonnie Parker en la miniserie Bonnie and Clyde junto con Emile Hirsch. La miniserie se emitió en forma simultánea en diciembre de 2013 en tres cadenas de los Estados Unidos (Lifetime, History y A&E) donde obtuvo un gran elogio de la crítica; y en el Reino Unido en febrero de 2014.
En 2014, Grainger protagonizó la película de Lone Scherfig The Riot Club, basada en la obra teatral londinense Posh, junto con Sam Claflin, Max Irons y Douglas Booth. La película, que se estrenó en el Reino Unido en septiembre del año pasado, sigue al infame Riot Club formado por estudiantes de la Oxford University. Recientemente, finalizó el rodaje de Tulip Fever de The Weinstein Company, junto a Dane DeHaan, Alicia Vikander y Jack O'Connell. Entre sus próximos estrenos se incluyen el thriller The Finest Hours, que co-protagoniza con Chris Pine y Casey Affleck, y Lady Chatterley's Lover, con Richard Madden para la BBC.
Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen el papel esencial de Estella en la adaptación cinematográfica aclamada por la crítica del clásico de Charles Dickens Great Expectations, dirigida por Mike Newell. También anteriormente se la vio junto a un reparto estelar que incluye a Jude Law y Keira Knightley en la película Anna Karenina. Y dio vida a Suzanne Rousset en Bel Ami, una película dramática que protagonizó junto a Robert Pattinson.
El año pasado, los televidentes vieron a Grainger en la tercera temporada de la exitosa serie de Sky Atlantic "The Borgias", donde retomó el papel principal de Lucrecia Borgia, y coprotagonizó junto a Jeremy Irons.
Grainger atrajo la atención por primera vez en su papel de Emily en The Scouting Book for Boys, una película que se exhibió y fue ampliamente aclamada por la crítica en el Festival de Cine de Londres. Ese mismo año, dio vida a Mollie en el largometraje de Pat Holden Awaydays. También se la vio en la laureada adaptación de la obra de Charlotte BrontëJane Eyre, junto a Judi Dench y Michael Fassbender.
Entre sus extensos créditos en televisión se incluyen: el drama de la BBC Five Daughters, así como su papel de Sharon Bilkin en "Above Suspicion". Además, interpretó a Dirty Debbie en el piloto de la BBC "Three Stanley Park"; y dio vida a diferentes papeles en las series "Demons" (ITV), "Merlin" (BBC), "Robin Hood" (BBC), "Any Human Heart" (Channel 4) y "Blue Murder" (ITV). Grainger también fue aclamada por su papel de Charlie Cooper en una adaptación televisiva de la novela de Kate Long: The Bad Mother's Handbook.Graingerprotagonizó esta popular comedia dramática junto a Catherine Tate y Robert Pattinson.
Hizo su debut teatral en la obra Dimetos, junto con Jonathan Pryce, Anne Reid y Alex Lanipekun, donde da vida a Lydia en el relato de 1975 de Athol Fugard sobre un huraño ingeniero que siente una pasión destructiva por su sobrina. Más recientemente en teatro, Grainger protagonizó The Three Sisters en el Southwark Playhouse.
SOPHIE M C SHERA (Drisella) es una brillante joven actriz británica más conocida quizás por su formidable retrato de Daisy Mason en la serie de éxito mundial "Downton Abbey".McShera actualmente protagoniza la serie de televisión norteamericana "Galavant" para ABC, donde interpreta a la criada de la reina Madalena, la más común de las plebeyas, con inclinaciones románticas hacia el chef del rey. "Galavant"es una comedia musical con temática de cuentos de hadas creada por Dan Fogelman con el premiado dúo musical formado por el compositor Alan Menken y el letrista Glenn Slater.
A McShera también se la puede ver en el papel de Bryony en la segunda temporada de la serie de comedia "The Job Lot"que se emite porITV2. Protagonizada por Russell Tovey y Sarah Hadland, la serie está ambientada en una oficina de empleo de las Midlands Occidentales y consta de seis episodios de 30 minutos centrados en la vida, el amor y el desempleo a largo plazo. La segunda temporada comenzó a emitirse el 25 de septiembre de 2014.
Además, McShera se encuentra actualmente protagonizando la quinta y última temporada de "Downton Abbey"en PBS. McShera ha interpretado a la ayudante de cocina Daisy Mason en la serie dramática ganadora de un Globo de Oro® entre 2010 y 2014, y en 2013 recibió un premio SAG® en la categoría de Mejor Reparto Coral. Creada por Julian Fellows, ambientada en la ficticia casa solariega de Yorkshire: Downton Abbey, retrata la vida de la aristocrática familia Crawley y sus sirvientes en la era post-eduardiana. La serie ha recibido reconocimiento internacional por parte de la crítica y ganó numerosos galardones, incluido un premio Globo de Oro® a la Mejor Miniserie o Película de Televisión y un Primetime Emmy® a la Mejor Miniserie o Película. La serie se emitió por primera vez en el Reino Unido en septiembre de 2010 por ITV1, y en enero de 2011 en los Estados Unidos por PBS, como parte de la antología "Masterpiece Classics". La quinta temporada comenzó a emitirse en los Estados Unidos el 4 de enero de 2015.
En 2009, McShera intervino en la quinta temporada de la popular serie dramática de la BBC "Waterloo Road", donde dio vida aRos McCain. También ha demostrado ser una gran actriz de teatro, donde representó el papel de Pea en la aclamada obra de Jez Butterworth Jerusalemen el Apollo Theatre en 2011. Jerusalem está ambientada en Wiltshire el día de San Jorge, y la historia gira en torno al personaje principal: Johnny "Rooster" Byron (Mark Rylance). La obra se presentó por primera vez en 2009 en el Royal Court Theatre de Londres, antes de ser llevada a Broadway. Además McShera dio vida a la Cenicienta en la producción de la West Yorkshire Playhouse en 2009 y a Annie en la producción de 1998 del West End con Paul O'Grady.
Uno de los artistas de cine y teatro más respetados y queridos del mundo, DEREK JACOBI (Rey) es uno de los dos únicos actores que ha sido dos veces nombrado caballero (junto con Sir Laurence Olivier). Jacobi ha protagonizado más de 50 películas cinematográficas entre las que se incluyen: El discurso del rey; Hamlet; Enrique V; Volver a morir, Ironclad; Más allá de la vida; Anónimo; Secretos de Pasión; A Bunch of Amateurs; Hippie Hippie Shake; La brújula dorada; Nanny McPhee - La nana mágica; Gosford Park; Gladiador; Morris: A Life With Bells On; Underworld: Evolution; Bye Bye Blackbird; Joan of Arc: The Virgin Warrior; Aladdin; Enigma; La ratoncita valiente; The Odessa File; El día del chacal y Otelo.
Su extensa obra en televisión le valió nominaciones a los premios Emmy®, BAFTA® y Globo de Oro®. Jacobi recibió un premio Emmy por la serie de NBC "Frasier"y "The Tenth Man" de CBS y nominaciones a los premios BAFTA® por ambas series de la BBC "Last Tango in Halifax" y "Breaking the Code".
Entre sus otros notables papeles de televisión se incluyen: "Vicious"; "Titanic"; "The Borgias"; Joe Maddison's War; Margot; "Endgame"; Diamonds; The Old Curiosity Shop; The Long Firm; The Gathering Storm; Mr. Ambassador; Inquisition; The Jury; Jason and the Argonauts; "Cadfael"; Witness Against Hitler; Circle of Deceit; The Secret Garden; y Cyrano de Bergerac.
En cuanto a sus créditos teatrales, la carrera de Jacobi no tiene parangón. Un experto en la obra de Shakespeare, entre sus casi 80 créditos teatrales se incluye su papel de Malvolio en Noche de Reyes en el Wyndham's Theatre, que en 2009 le valió un premio Olivier al Mejor Actor. Otras premiadas producciones incluyen: Mucho ruido y pocas nueces, que lo hizo acreedor de un premio Tony® y un premio London Critics Circle Theatre como Mejor Actor; Breaking the Code, que le valió una nominación a los premios Tony®; y Cyrano de Bergerac, por el que recibió un premio London Critics Circle como Mejor Actor.
Entre los otros créditos teatrales de Jacobi se incluyen: El rey Lear; A Voyage Round My Father; Don Carlos; La tempestad; The Hollow Crown; God Only Knows; El tío Vania; Love for Love; Playing the Wife; Hadrian VII; Macbeth; Becket; Kean; Mad Bad and Dangerous to Know; Ricardo III; Peer Gynt; The Grand Tour; The Lunatic, the Lover and the Poet; The Hollow Crown; A Room With a View; A Month in the Country; Hobson's Choice; Hay Fever, dirigida por Noel Coward; y Hamlet,dirigida por Sir Laurence Olivier, ambas en el Old Vic.
HELENA BONHAM CARTER (Hada madrina) ha protagonizado un gran número de proyectos de cine, televisión y teatro, tanto en los Estados Unidos como en su Inglaterra natal. Entre sus créditos cinematográficos más recientes se incluyen: Los Miserables, EL LLANERO SOLITARIO, Great Expectations, Sombras tenebrosas, ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS y Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2, donde retomó el papel de la malvada Bellatrix Lestrange, a la cual había dado vida por primera vez en la cinta Harry Potter y la orden del Fénix y nuevamente en Harry Potter y el misterio del príncipe y Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte I. Pronto se la podrá ver en la película ALICE IN WONDERLAND: THROUGH THE LOOKING GLASS, donde retomará su papel de la Reina de corazones.
Bonham Carter obtuvo una nominación a los premios de la Academia®, Globo de Oro® y BAFTA® por su papel en la película El discurso del rey, que protagonizó junto a Colin Firth. Anteriormente, había sido honrada con nominaciones a los premios Globo de Oro® y BAFTA® y ganó un premio Evening Standard British Film a la Mejor actriz por su interpretación como Mrs. Lovett en la adaptación cinematográfica del musical de Stephen Sondheim realizado por Tim Burton, Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet, con Johnny Depp en el papel principal. Además, recibió nominaciones a los premios Oscar®, Globo de Oro®, BAFTA® y SAG® por su trabajo en el drama romántico de época de 1997 Las alas de la paloma, basada en la novela homónima de Henry James. Su interpretación también le valió numerosos premios a Mejor Actriz, otorgados por distintas organizaciones de críticos como las de Los Angeles Film Critics, Broadcast Film Critics, National Board of Review y el London Film Critics Circle.
Bonham Carter hizo su debut cinematográfico en 1986 en el papel principal de la película histórica y biográfica de Trevor Nunn, Lady Jane. No había alcanzado a finalizar el rodaje en esa película, que el director James Ivory le ofreció interpretar el protagónico de su película Un amor en Florencia, basada en la novela de E.M. Forster. Y, posteriormente, fue aclamada por la crítica en otras dos adaptaciones televisivas de otras dos novelas de Forster: Where Angels Fear to Tread de Charles Sturridge y Howard's End, de James Ivory, que además le valió su primera nominación a los premios BAFTA®.
Entre sus primeros créditos cinematográficos también se incluyen: el largometraje de Franco Zeffirelli Hamlet, que protagonizó junto a Mel Gibson; Mary Shelley's Frankenstein, protagonizaday dirigida por Kenneth Branagh; Poderosa Afrodita de Woody Allen y Twelfth Night, que la volvió a reunir con Trevor Nunn. Posteriormente, protagonizó la película de David Fincher El club de la pelea, con Brad Pitt y Edward Norton y los largometrajes dirigidos por Tim Burton: El gran pez, El planeta de los simios y Charlie y la fábrica de chocolate.
Además, protagonizó las películas independientes Carnivale, Novocaine, The Heart of Me, Till Human Voices Wake Us y Conversations with Other Women.
En 2005, Bonham Carter prestó su voz a dos películas animadas: El cadáver de la novia, de Tim Burton, en la que interpretó la voz del personaje principal; y la galardonada con un premio Oscar® Wallace & Gromit in The Curse of the Were-Rabbit.
En televisión, Bonham Carter ha recibido nominaciones a los premios Emmy® y Globo de Oro® por su caracterización en el telefilme Live from Baghdad y la miniserie Merlin. Su interpretación de Marina Oswald en la miniserie Fatal Deception: Mrs. Lee Harvey Oswald también le valió una nominación a los premios Globo de Oro®. Además, dio vida a Ana Bolena en la miniserie británica Enrique VIII, e interpretó a una madre de siete niños, cuatro de los cuales con autismo, en el telefilme de la BBC Magnificent 7. Bonham Carter también encarnó a la reconocida autora de libros infantiles de gran éxito editorial Enid Blyton en el telefilme de la BBC, Enid.
Entre sus créditos teatrales se incluyen: The Woman in White, The Chalk Garden, The House of Bernarda Alba y Trelawny of the Wells.
NONSO ANOZIE (Capitán) nació y se crió en la ciudad de Londres, y ha desarrollado un envidiable currículum como actor dramático, donde intervino en respetadas producciones de la televisión británica (Stolen, "Occupation" y "Prime Suspect"), cine (Cass, RocknRolla y Expiación, deseo y pecado) y teatro (El rey Lear, Otelo Death and the King's Horseman).
Pronto se lo podrá ver en la película de Joe Wright, Pan, que protagoniza junto a Rooney Mara y Hugh Jackman. Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen: el thriller de ciencia ficción El juego de Ender, Boxing Day y Código sombra: Jack Ryan.
Entre sus créditos en la televisión británica se incluyen: su papel de Sansón en la miniserie de Channel 5, The Bible. Entre sus créditos en la televisión norteamericana se incluyen: la serie de HBO "Game of Thrones" donde en 2012 interpretó al príncipe mercader de Qarth: Xaro Xhoan Daxos, y la serie de NBC "Drácula", en la que dio vida a R.M. Renfield.
Anozie es de ascendencia nigeriana. Su inclinación actoral comenzó cuando tenía 9 años y se le pidió que participara en una improvisación de la asamblea escolar. Su primer papel fuera de la escuela de teatro fue a los 23 años en la obra de Shakespeare El rey Lear, un papel generalmente reservado a actores caucásicos de más edad y más experiencia. Anozie posee el récord de ser la persona más joven que ha interpretado el papel y su interpretación, en 2005, le valió un premio Charleston.
Su papel teatral más aclamado a la fecha, ciertamente en términos de la industria, es Otelo, y Anozie fue seleccionado nuevamente para encarnar el papel principal por la compañía de teatro de Declan Donnellan: Cheek by Jowl.
Además, interpretó el papel principal en la obra de Wole Soyinka The King and His Horseman, que fue la primera vez que se presentó una obra de ascendencia africana en el escenario principal del National Theatre, y la primera vez que una obra del galardonado con un premio Nobel, Wole Soyinka, se interpretaba en un teatro londinense.
El actor británico BEN CHAPLIN (padre de Ella) ha cosechado una impresionante lista de créditos cinematográficos y de televisión tanto en los Estados Unidos como en el extranjero. Chaplin intervino en la serie de televisión británica "Bye Bye Baby", en el drama de época de Merchant Ivory: Lo que queda del día y en la serie de la BBC "Game On", antes de hacer su gran debut en la pantalla grande de Hollywood en la comedia The Truth About Cats & Dogs."
Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen: Washington Square, La delgada línea roja, Lost Souls, Ruleta rusa, Cálculo mortal, Stage Beauty, El nuevo mundo y Me and Orson Welles.
En el teatro londinense intervino en las obras The Neighbour, Peaches y El zoológico de cristal. En Broadway protagonizó The Retreat From Moscow, que le valió una nominación a los premios Tony®.
Pronto se lo podrá ver en la película de David Yates, Tarzán, y la miniserie The Book of Negroes.
HAYLEY ATWELL (madre de Ella) más recientemente dio vida a Peggy Carter en la taquillera CAPITÁN AMÉRICA Y EL SOLDADO DEL INVIERNO, donde originalmente imprimió su marca como la agente secreta en CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR. Actualmente retoma el papel para Marvel en la serie de ABC "Agent Carter". Pronto se la podrá ver en el largometraje Avengers: Age of Ultron; y en All Is by My Side, dirigido por John Ridley.
Atwell ha protagonizado varios proyectos de televisión, incluida la nueva versión de ITV del clásico de culto de la década de 1960 The Prisoner, donde dio vida al papel de Lucy y que protagonizó junto a Ian McKellen, Jim Caviezel y Ruth Wilson. Atwell recibió una nominación a los premios Globo de Oro® en la categoría de Mejor Interpretación de una Actriz por su trabajo en la miniserie dramática de Channel 4 The Pillars of the Earth, basada en la novela de Ken Follett. Posteriormente volvió a protagonizar una serie de Channel 4 en "Any Human Heart". En su aclamada adaptación de la novela de William Boyd, Atwell interpretó a Freya, la amante de Logan, junto a Kim Cattrall, Gillian Anderson y Tom Hollander.
Con Ben Whishaw protagonizó el cortometraje Love/Hate, que obtuvo el segundo puesto en el Festival Internacional de Cortometrajes de Palm Springs de 2009. Además, en el west end londinense interpretó el clásico de Arthur Miller Panorama desde el puente, junto con Ken Stott y Mary Elizabeth Mastrantonio. La destacada interpretación de Atwell en el papel de Catherine obtuvo el favor de la crítica y le valió una nominación a los premios Olivier en la categoría de Mejor Actriz de Reparto.
Junto a Keira Knightley protagonizó la película La duquesa, dirigida por Saul Dibb y basada en la biografía de éxito editorial Georgiana: Duchess of Devonshire de Amanda Foreman. Atwell interpretó el personaje principal de Bess Foster, la mejor amiga de la duquesa. Ese mismo año, el público la vio en Brideshead Revisited, dirigida por Julian Jarrold, donde interpretó el papel femenino principal de Julia Flyte junto a Matthew Goode.
En 2007, Atwell protagonizó Cassandra's Dream, una película de suspenso satírica dirigida por Woody Allen y coprotagonizada por Colin Farrell e Ewan McGregor. Atwell dio vida a Angela, una ambiciosa actriz en ascenso. Ese mismo año también protagonizó How About You, basada en el cuento de Maeve Binchy "Hardcore"; dirigida por Anthony Byrne y también protagonizada por Vanessa Redgrave, Joss Ackland, Orla Brady y Joan O'Hara.
En televisión, Atwell recibió el elogio de la crítica por su papel en la película de la BBC The Line of Beauty, una adaptación de la novela de Alan Hollinghurst ganadora del premio Booker. Con guión de Andrew Davies y dirigida por Saul Dibb, protagonizó la película junto a Dan Stevens y Tim Mclnnerny y dio vida al papel de Cat Fedden. Entre sus otros créditos en televisión se incluyen: el telefilme Mansfield Park, donde interpretó el papel de Mary y coprotagonizó con Billie Piper; Ruby in the Smoke", dirigida por Brian Percival; y Fear of Fanny, dirigida por Coky Giedroyc.
Además de sus papeles en cine y televisión, Atwell intervino en numerosos papeles de teatro. En el National Theatre, dio vida a Barbara Undershaft en Major Barbara. Entre sus otros créditos teatrales se incluyen: Man of Mode (National Theatre), dirigida por Nicholas Hytner y escrita por George Etherege, que le valió el favor de la crítica; Women Beware Women (RSC), dirigida por Laurence Boswell; y Prometheus Bound (Sound Theatre), dirigida por James Kerr. 
ACERCA DE LOS REALIZADORES
KENNETH BRANAGH (Director) es uno de los cineastas y actores más aclamados del mundo. Como actor y director, el trabajo de Branagh lleva el sello de calidad, autenticidad y pasión.
Recientemente dirigió la última entrega de la franquicia de Jack Ryan de Tom Clancy para Paramount, que también protagonizó junto a Chris Pine y Keira Knightley en enero de 2014. Además, en el verano de 2013, Branagh protagonizó y co-dirigió Macbeth para el Festival Internacional de Manchester. En junio de 2014, retomó ese mismo papel e hizo su debut en el teatro de Nueva York en la producción de Macbeth, en el Park Avenue Armory, cuyo estreno obtuvo un gran reconocimiento por parte de la crítica y fue un éxito comercial. Recientemente fue nombrado caballero por la reina Isabel II por sus servicios al arte dramático y a la comunidad de Irlanda del Norte.
En 2011, Branagh interpretó a Sir Laurence Olivier en la película Mi semana con Marilyn, junto a Michelle Williams y dirigida por Simon Curtis. Su papel le valió una nominación a los premios de la Academia® al Mejor Actor de Reparto, así como nominaciones a los premios Globo de Oro® y Screen Actors Guild®. Ésta marcó la quinta nominación de Branagh a los premios de la Academia®, que lo convirtió en uno de los primeros actores en recibir cinco nominaciones en cinco categorías diferentes (Actor, Actor de Reparto, Director, Guionista y Corto). Ese mismo año, Branagh dirigió la tan anticipada aventura de acción de Marvel: THOR, protagonizada por Natalie Portman, Sir Anthony Hopkins y Chris Hemsworth. La película recaudó más de US$ 448 millones en todo el mundo.
La primera incursión de Branagh en el cine fue un éxito inmediato. Su producción de 1989 de Enrique V, una adaptación que realizó de la obra de Shakespeare y que él mismo protagonizó y dirigió, recibió numerosos galardones internacionales incluidas nominaciones a los premios de la Academia® al Mejor Actor y Mejor Director. Posteriormente, fue invitado a Hollywood a dirigir y protagonizar Volver a morir, que fue un enorme éxito internacional, y luego volvió a dirigir y protagonizar la película coral Peter's Friends, que obtuvo el premio Evening Standard Peter Sellers a la Mejor Comedia. El segundo éxito cinematográfico de Branagh sobre una obra de Shakespeare como actor, director, guionista y productor fue Mucho ruido y pocas nueces, que fue invitada a ser exhibida en el Festival de Cine de Cannes, y ese mismo año su cortometraje de la obra de Chejov, El canto del cisne, también recibió una nominación a los premios de la Academia®.
Branagh posteriormente dirigió a Robert De Niro en la exitosa película Marry Shelley's Frankenstein, y su película en blanco y negro: A Midwinter's Tale inauguró el Festival de Cine de Sundance de 1996 y ganó el prestigioso premio Osello d'Oro en el Festival de Cine de Venecia. El aclamado largometraje de Branagh de Hamlet, en 70mm, recibió cuatro nominaciones a los premios de la Academia®. Su cuarta adaptación cinematográfica de una obra de Shakespeare fue una versión musical de 1930 de Love's Labour Lost. Más recientemente, Branagh dirigió las películas de HBO As You Like It, una película sobre la ópera de Mozart The Magic Flute y Sleuth, escrita por Harold Pinter y protagonizada por Jude Law y Michael Caine.
Entre sus otros créditos cinematográficos como actor se incluyen: A Month in the Country de Pat O'Connor; Otelo deOliver Parker; The Gingerbread Man de Robert Altman; Celebrity de Woody Allen; Alien Love Triangle deDanny Boyle; The Theory of Flight de Paul Greengrass; Wild, Wild West de Barry Sonnenfeld; Rabbit-Proof Fence de Philip Noyce; Harry Potter y la cámara de los secretos; la comedia de Richard Curtis Pirate Radio; y Operación Valquiria de Bryan Singer.
Branagh intervino en varias destacados series dramáticas de televisión: entre las que se incluyen su reciente papel como el detective Kurt Wallander en la serie ganadora de un BAFTA "Wallander", que le valió nominaciones a los premios Emmy® y Globo de Oro®. Además, interpretó el papel principal de la serie "Shackleton" para Channel 4; la serie de A&E "Conspiracy", por la que obtuvo un premio Emmy® al Mejor Actor y recibió una nominación a los premios Globo de Oro®; y "Warm Springs", en la que interpretó a Franklin D. Roosvelt y fue nominado a un premio Emmy®, Globo de Oro® y SAG®.
El trabajo de Branagh en teatro comenzó con su debut actoral en el west end londinense en Another Country, que le valió un premio Society of West End Theater al "Debutante más prometedor". Fundó la compañía de teatro Renaissance Theatre Company para la cual interpretó o dirigió las siguientes obras: Noche de reyes, Mucho ruido y pocas nueces, Como gustéis, Hamlet, Look back in Anger, El tío Vanya, El rey Lear, Sueño de una noche de verano, Coriolano y The Life of Napoleon. Además, escribió las obras Public Enemy y Tell Me Honestly.
Entre sus numerosas apariciones en teatro se incluyen: las producciones de la RSC de Enrique V,Trabajos de amor perdidos y Hamlet. Entre sus créditos teatrales más recientes se incluyen la dirección de la exitosa comedia The Play What I Wrote, que luego del west end londinense se trasladó a Broadway, donde recibió una nominación a los premios Tony® en las obras Ricardo III, Edmond de David Mamet, Ivanov y la nueva comedia Painkiller, en sutemporada inaugural del Lyric Theatre, Belfast, la ciudad natal de Branagh.
Branagh se graduó en la Royal Academy of Dramatic Art donde obtuvo la Bancroft Gold Medal. Además, fue galardonado con el prestigioso premio Michael Balcon otorgado por la British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) por su destacada contribución al cine.
CHRIS WEITZ (Guión) nació en la ciudad de Nueva York, hijo de la actriz Susan Kohner y el diseñador de moda y novelista nacido en Berlín, John Weitz (cuyo nombre de nacimiento era Hans Werner Weitz). Su hermano es el cineasta Paul Weitz. Por parte materna, es el nieto del agente Paul Kohner y la actriz mexicana Lupita Tovar. En 1932, su abuela Lupita protagonizó Santa, la primera película sonora mexicana.
Weitz asistió a la escuela St. Paul de Londres y luego se graduó con una licenciatura en Lengua inglesa en la Trinity College de Cambridge.
Comenzó su carrera cinematográfica como coautor junto con su hermano Paul, de la película animada de 1998, Antz. En 1999, él y Paul dirigieron y produjeron American Pie, que se convirtió en un gran éxito de taquilla. En 2002, los hermanos coescribieron y dirigieron la película About a Boy, que les valió una nominación a los premios de la Academia® al Mejor guión adaptado.
Weitz posteriormente dirigió varias otras películas cinematográficas, incluida la adaptación de 2007 de la novela de fantasía de éxito editorial de Philip Pullman La brújula dorada, y la segunda entrega cinematográfica de la serie Crepúsculo Luna nueva. Su última película fue el largometraje de 2011 Una vida mejor, que obtuvo una nominación a los premios de la Academia® por su protagonista: Demián Bichir.
Weitz ha producido un gran número de películas a través de la compañía productora Depth of Field, que fundó junto con su hermano Paul, entre las que se incluyen: A Single Man de Tom Ford y Nick and Nora's Infinite Playlist de Peter Sollett. Weitz también es actor, y ha protagonizado la película independiente Chuck & Buck. Su primera novela, The Young World, fue publicada este verano por Little Brown.
Weitz reside en Los Ángeles con su esposa y dos hijos.
SIMON KINBERG, p.g.a. (Productor) se ha establecido como uno de los cineastas más prolíficos de Hollywood, que ha escrito y/o producido proyectos para algunas de las franquicias más exitosas de la era moderna.Kinberg se graduó en la Brown University y se graduó con una maestría en la Columbia University Film School, donde el proyecto de su tesis final fue el guión original de Sr. y Sra. Smith. La película se estrenó en 2005, protagonizada por Brad Pitt y Angelina Jolie. Se convirtió en un éxito de taquilla internacional, recibió el premio MTV Movie y varios premios People's Choice.
En 2006, escribió X-Men 3: La batalla final, que se estrenó el Día de los Caídos y batió récords de taquilla, y comenzó su actual relación con la franquicia, a la cual ha regresado numerosas veces como guionista y productor. En 2008, Kinberg escribió y produjo la película de Doug Liman Jumper para New Regency y 20th Century Fox. La película ocupó el número uno de la taquilla en su fecha de estreno.
En 2009, Kinberg coescribió la película Sherlock Holmes, protagonizada por Robert Downey Jr. y dirigida por Guy Ritchie. La película batió el récord de taquilla como el estreno en el día de Navidad más taquillero de toda la historia. Recibió un premio Globo de Oro® al Mejor Actor, y fue nominada a los premios de la Academia®. En 2010, Kinberg fundó su compañía productora, Genre Films, con un acuerdo de primera opción con 20th Century Fox. Bajo este sello, produjo la película de 2011 X-Men: Primera generación, se encargó de la producción ejecutiva de la película de 2012 Abraham Lincoln: Cazador de vampiros, y escribió y produjo el largometraje de 2012 ¡Esto es guerra!
En 2013 produjo Elysium, protagonizada por Matt Damon y Jodie Foster. La película lo reunió con el director Neill Blomkamp, con quien Kinberg volvió a codirigir el largometraje Chappie, protagonizado por Hugh Jackman. Más recientemente, escribió y produjo X-Men: Días del futuro pasado, que reunió los repartos de todas las películas de X-Men, y produjo el largometraje de Fox Let's Be Cops.
Entre los próximos proyectos de Kinberg se incluyen: la tan anticipada nueva versión de la película Fantastic Four, que escribió y produjo, protagonizada por Kate Mara, Miles Teller, Michael B. Jordan y Jamie Bell. Fox planea estrenar la película en junio de 2015. Además, está escribiendo y produciendo la próxima película de la franquicia X-Men, X-Men: Apocalypse, que se estrenará en 2016, el Día de los Caídos. También se encuentra escribiendo y produciendo uno de los próximos estrenos de las películas Star Wars y es asesor en la película Star Wars: Episodio VII. Asimismo es el creador y productor ejecutivo de la serie animada "Star Wars: Rebels", que debutó en todas las cadenas Disney en el otoño de 2014.
ALLISON SHEARMUR, p.g.a. (Productora) es una productora de cine y televisión radicada en la ciudad de Los Ángeles. Actualmente, se encuentra produciendo la película Orgullo y prejuicio y Zombies, basada en la novela de éxito editorial de Seth Grahame-Smith, escrita y dirigida por Burr Steers y protagonizada por Lily James y Sam Riley; A Tale of Love and Darkness, escrita, dirigida y protagonizada por Natalie Portman; Nerve, escrita por Jessica Sharzer y dirigida por Ariel Schulman y Henry Joost, que será protagonizada por Emma Roberts y Dave Franco; y Power Rangers, con Haim Saban y su compañía.
Shearmur además es la productora ejecutiva de los largometrajes de Lionsgate: Los juegos del hambre: En llamas, Los juegos del hambre: Sinsajo, Parte 1 y Los juegos del hambre: Sinsajo, Parte 2. Para televisión, Shearmur se encuentra produciendo el piloto de la serie "Earth's Children", basada en la saga de éxito editorial mundial de Jean M. Auel, con Ron Howard, Linda Woolverton, Imagine, Fox 21 y
Lionsgate para Lifetime Television.
Shearmur fue presidenta de producción y desarrollo en Lionsgate Films desde septiembre de 2008 hasta enero de 2012. Sheamur se encargó de la supervisión del desarrollo diario y producción de la cartera de películas y adquisiciones literarias del estudio, incluida la producción del exitoso libro y taquillera película Los juegos del hambre, dirigida por el multinominado a los premios de la Academia® Gary Ross y protagonizada por Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Lenny Kravitz y Stanley Tucci. Mientras estaba en Lionsgate, Shearmur también se desempeñó como productora ejecutiva de Qué esperar cuando estás esperando.
Antes de incorporarse a Lionsgate, Sheamur fue co-presidenta de producción en Paramount Pictures. Mientras estaba en Paramount, supervisó producciones como El curioso caso de Benjamin Button, Beowulf, la leyenda, Las crónicas de Spiderwick, Zodíaco, Soñadoras, La telaraña de Charlotte, Nacho Libre y Soltero en casa. Antes de Paramount, se desempeñó como vicepresidenta ejecutiva de producción en Universal Pictures, donde supervisó el desarrollo y producción de exitosas películas como La supremacía de Bourne, Identidad desconocida, la trilogía de American Pie, Mi novia Polly y Erin Brockovich. Antes de eso, Shearmur fue vicepresidenta de producción para Walt Disney Pictures, desde 1994 hasta 1997. Mientras estaba en Walt Disney Pictures, desarrolló y supervisó la película GEORGE DE LA SELVA, protagonizada por Brendan Fraser y dirigida por Sam Weisman. Cada una de las franquicias de Los juegos del hambre, Bourne y American Pie llegaron a recaudar más de US$ mil millones.
Desde principios de la década de 1990, Shearmur ha sido una activa promotora de la comunidad de arte contemporáneo de Los Ángeles. Además se desempeñó durante 8 años como miembro del consejo directivo de la escuela Pacific Oaks School y durante 4 años, de la Laurence School.
Graduada de la University of Pennsylvania, Shearmur obtuvo un doctorado en Derecho en la USC Law Center y es miembro del colegio de abogados de California y la Producers Guild of America.
DAVID BARRON, p.g.a. (Productor) recientemente se desempeñó como productor en la película de David Yates Tarzán, protagonizada por Christophe Waltz, Alexander Skarsgård y Samuel L. Jackson. Entre sus otros créditos como productor se incluyen: Frank, protagonizada por Michael Fassbender, y las exitosas Harry Potter y la orden del Fénix, Harry Potter y el misterio del príncipe y Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte I y Parte 2. Además, sirvió como productor ejecutivo tanto en Harry Potter y la cámara secreta y Harry Potter y el cáliz de fuego.
Barron se encuentra actualmente produciendo el thriller Page Eight, escrito y dirigido por David Hare y protagonizado por Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Bill Nighy y Michael Gambon.
Barron ha trabajado en la industria del entretenimiento durante más de 25 años. Inició su carrera en anuncios publicitarios antes de pasar a la producción en cine y televisión. Además de su trabajo como productor, se ha desempeñado en un gran abanico de cargos, incluidos jefe de locaciones, asistente de dirección, jefe de producción y supervisor de producción, y trabajó en películas como: La amante del teniente francés, Los gritos del silencio, Revolution, Leyenda, The Princess Bride, The Lonely Passion of Judith Hearne, Hellbound, Night Breed y Hamlet de Franco Zeffirelli.
En 1991, Barron fue nombrado director a cargo de la producción en la ambiciosa serie de televisión de George Lucas: "The Young Indiana Jones Chronicles". Al año siguiente, se desempeñó como productor de línea en la película The Muppet Christmas Carol.
En 1993, Barron se unió al equipo de producción de Kenneth Branagh como productor asociado y jefe de producción de unidad en la película Mary Shelley's Frankenstein. Con dicha película, comenzó una asociación con Branagh, para quien Barron posteriormente produjo las películas del director Código sombra: Jack Ryan, Un cuento de invierno, Hamlet y Love's Labour's Lost. Barron además produjo el largometraje de Oliver Parker Otelo, que Branagh protagonizó junto con Laurence Fishburne.
En la primavera de 1999, formó su propia compañía productora, Contagious Films, con el director británico Paul Weiland. Barron más recientemente fundó una segunda productora: Runaway Fridge Films.
TIM LEWIS (Productor ejecutivo) ha cosechado una impresionante lista de créditos como productor, entre los que se incluyen: Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte I y Parte 2, Harry Potter y el misterio del príncipe, Harry Potter y la orden del Fénix y Al filo del mañana".
Entre sus próximos proyectos se cuentan: Pan, para el director Joe Wright, protagonizada por Hugh Jackman, Rooney Mara y Garrett Hedlund.
Entre los créditos más recientes de HARIS ZAMBARLOUKOS, BSC (Director de fotografía) se incluyen: Locke y dos películas del director Kenneth Branagh: Código sombra: Jack Ryan y THOR, así como también la taquillera Mamma Mia! Además rodó Sleuth para Branagh, así como también la última película de Richard Eyre The Other Man, protagonizada por Liam Neeson, Laura Linney y Antonio Banderas.
Entre sus anteriores créditos se incluyen: El último gran mago, de Gillian Armstrong y Venus, de Roger Michell, protagonizada por Peter O'Toole, por la que la revista Variety en 2006 lo nombró como uno de los "10 directores de fotografía a observar". Además trabajó en la película Enduring Love, protagonizada por Daniel Craig y Samantha Morton, por la que recibió una nominación al Mejor Logro Técnico en los premios British Independent Film, y que en 2004 le valió que fuera elegida por el editor de cine de la revista LA Weekly como la película con Mejor Cinematografía.
Entre sus otros créditos cinematográficos como director de fotografía se incluyen: Opa!, The Best Man, Spivs, Oh Marbella!, Mr In-Between y Camera Obscura. Además, se desempeñó como director de fotografía de segunda unidad en la película de Christopher Nolan, Batman inicia.
DANTE FERRETTI (Diseñador de producción) es considerado uno de los diseñadores de producción más audaces y expresionistas de la actualidad, que logra tender un puente entre el gran cine europeo y Hollywood como nadie. En 2004, recibió el premio Oscar® a Mejor dirección de arte por El aviador de Martin Scorsese; en 2008, por Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet, dirigida por Tim Burton; y nuevamente en 2012, cuando volvió a reunirse con Scorsese para la película La invención de Hugo Cabret.Además ha sido nominado a los premios de la Academia® en otras seis películas (Las aventuras del barón Munchausen, Hamlet, La edad de la inocencia, Entrevista con el vampiro, Kundun y Pandillas de Nueva York).
Ferretti ha sido honrado con cuatro premios BAFTA (por La invención de Hugo Cabret, El aviador, Entrevista con el vampiro y Las aventuras del barón Munchausen) y recibió nominaciones por las películas Regreso a Cold Mountain, Pandillas de Nueva York y La edad de la inocencia. Obtuvo el premio Art Directors Guild a la Excelencia en el diseño de producción por La invención de Hugo Cabret, y fue nominado cinco veces más (por La isla siniestra, Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet, El aviador, Pandillas de Nueva York y Titus).
En Italia, su país natal, Ferretti diseñó cinco películas para Federico Fellini, incluidas: La Voce Della Luna y City of Women, y cinco películas para el director Pier Paolo Pasolini, incluidas: The Decameron y Medea. Su trabajo más reciente incluye el largometraje épico de Sergey Bodrov, El séptimo hijo y la última película de Scorsese, Silence.
Además de su trabajo cinematográfico, Ferretti ha estado a cargo del diseño de la escenografía de algunos de los teatros de ópera más importantes del mundo, como La Scala de Milán, la Opéra Bastille de París y el teatro Colón de Buenos Aires, así como teatros de ópera de las ciudades de Roma, Torino y Florencia. También ha diseñado la escenografía de numerosas óperas incluidas La Traviata de Verdi y Tosca y La Bohème de Puccini, entre muchas otras.
En 2003, MARTIN WALSH, ACE (Editor) ganó un premio de la Academia® y un premio ACE por su trabajo en la película de Rob Marshall Chicago, protagonizada por Renée Zellwegger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere.
Entre sus extensos y variados créditos cinematográficos como editor se incluyen: EL PRÍNCIPE DE PERSIA: LAS ARENAS DEL TIEMPO de Mike Newell, V de Venganza de James McTeigue, Iris de Richard Eyre, El diario de Bridget Jones de Sharon Maguire y Hilary y Jackie de Anand Tucker.
Walsh colaboró con el director Iain Softley en varias películas como Backbeat, Hackers y Corazón de tinta. Más recientemente, trabajó con Kenneth Branagh en Código sombra: Jack Ryan.
SANDY POWELL (Diseñadora de vestuario) ha sido galardonada con tres premios de la Academia® por su trabajo en las películas La joven Victoria para Jean-Marc Vallee, El aviador para Martin Scorsese y Shakespeare apasionado para John Madden. Además, ha obtenido otras siete nominaciones a los premios Oscar® por su trabajo en Orlando, Las alas de la paloma, Velvet Goldmine, Pandillas de Nueva York, Mrs. Henderson Presents, La tempestad y La invención de Hugo Cabret.
Powell recibió dos premios BAFTA, por La joven Victoria y Velvet Goldmine y fue nominada otras nueve veces. En 2011, Powell fue nombrada Dama de la Orden del Imperio Británico por sus servicios a la industria del cine.
El trabajo de Powell en la película de Martin Scorsese, El lobo de Wall Street, marcó su sexta colaboración con el director, con quien había previamente trabajado en La isla siniestra, Los infiltrados, El aviador, Pandillas de Nueva York, y La invención de Hugo Cabret. Además, ha colaborado numerosas veces con el director Neil Jordan (El juego de las lágrimas, Entrevista con el vampiro, Michael Collins, The Butcher Boy y El ocaso de un amor) y con el director Derek Jarman (Carvaggio, The Last of England, Edward II y Wittgenstein).
Su trabajo también se puede ver en The Other Boleyn Girl, Sylvia,Far from Heaven, Miss Julie y Hilary & Jackie. Powell recientemente finalizó su trabajo en Carol, su tercera película con el director Todd Haynes.
PATRICK DOYLE (Compositor) es un compositor de formación clásica. Se graduó en la Royal Scottish Academy of Music en 1975 y fue nombrado miembro de la Royal Scottish Academy of Music en 2001.
Tras varios años componiendo música para teatro, radio y televisión, Doyle se unió a la compañía de teatro Renaissance Theatre Company como compositor y director musical en 1987. En 1989, el director Kenneth Branagh encargó a Doyle componer la banda sonora de la película Enrique V, con la dirección de orquesta de Simon Rattle, y desde entonces han colaborado en numerosas películas, entre las que se incluyen: Mucho ruido y pocas nueces, Hamlet, As You Like It y THOR.
Doyle ha estado a cargo de la banda sonora de más de 50 películas internacionales, como: Harry Potter y el cáliz de fuego, Gosford Park, Sensatez y sentimientos, Indochina, Carlito's Way y La princesita. Su trabajo lo ha consagrado como colaborador de algunos de los directores más aclamados del mundo tales como Regis Wargnier, Brian De Palma, Alfonso Cuarón, Ang Lee, Chen Kaige, Mike Newell y Robert Altman.
En octubre de 2007, el concierto de Doyle "Music From the Movies", a beneficio de la Fundación para la Investigación de la Leucemia, se presentó en el Royal Albert Hall. Fue dirigido por Branagh y contó con un gran número de estrellas internacionales incluidas Emma Thompson, Derek Jacobi, Judi Dench y Alan Rickman, entre muchos otros. En diciembre de 2013, para su 60° cumpleaños, la London Symphony Orchestra celebró un concierto con una selección de las obras de Doyle que tuvo lugar en el teatro Barbican, y en el cual participaron Jacobi, Thompson y la soprano Janis Kelly.
Doyle ha recibido nominaciones a dos premios Oscar®, dos Globos de Oro® y dos César y obtuvo el premio Ivor Novello de 1989 al Mejor Tema Musical de una Película Cinematográfica por Enrique V. Además, fue honrado con un premio Scottish BAFTA a la Trayectoria de toda una vida. Doyle compuso varias piezas de concierto, incluida "Tam O' Shanter", encargada por el Scottish Schools Orchestra Trust; Corarsik, que compuso para el cumpleaños de Emma Thompson; y The Thistle and the Rose, encargada por el príncipe Carlos en honor del 90° aniversario de la Reina Madre. Su suite para concierto Impressions of America tuvo su estreno mundial en julio de 2012 con la National Schools Symphony Orchestra, que Doyle patrocina.
Doyle compuso la banda sonora de las películas El planeta de los simios: (R)Evolución para Fox y VALIENTE para Disney Pixar, que le valió el premio Mejor composición original para cine en los premios International Music and Sound.
Compuso la música de la película Código sombra: Jack Ryan, dirigida por Branagh, y completó la banda sonora para la película muda It protagonizada por Clara Bow, encargada por el Festival de Cine de Siracusa, que tuvo su estreno mundial en el histórico Landmark Theatre de Siracusa en octubre de 2013.
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