Intensa-mente: Sinopsis, personajes, ficha, elenco, critica: Inside out | El Bazar del Espectáculo Cine

SINOPSIS

Con sede en el Cuartel General -el centro de operaciones dentro de la mente de Riley, de 11 años de edad- cinco Emociones trabajan a toda marcha, lideradas por la optimista Alegría, cuya misión es asegurarse de que Riley sea siempre feliz.

Temor encabeza la seguridad, Furia se asegura de que todo sea justo y Desagrado impide que Riley se intoxique, tanto física como socialmente. Tristeza no está exactamente segura de cuál es su rol y, francamente, tampoco el resto lo sabe.

"Las Emociones son algo así como las voces en nuestras cabezas", dice el director del film, Pete Docter. "Cuando estábamos comenzando esta película, miramos a nuestro alrededor -a nuestros hijos, amigos, compañeros de trabajo- y nos dimos cuenta de que todo el mundo tiene un temperamento por defecto. Todos atravesamos períodos felices o tristes, pero algunas personas son mayormente felices, o están enojadas, o lo que sea. Riley es una de esas niñas felices. Así que Alegría debía ser la primera Emoción en aparecer, y ella tiene un lazo muy especial con Riley".

"Alegría cuenta con 33 hermosos segundos como la única emoción allí", dice Amy Poehler, quien presta su voz a Alegría en la versión original del film, en inglés. "Luego Riley comienza a llorar, y Tristeza aparece. Alegría comprende que tendrá que compartir a Riley con otros sentimientos y emociones".

Cuando la familia de Riley se traslada a una atemorizante nueva ciudad, las Emociones comienzan su trabajo, dispuestas a guiarla a través de la difícil transición. Pero cuando Alegría y Tristeza son involuntariamente arrastradas a los confines de la mente de Riley -llevándose consigo algunos de sus recuerdos clave-, Temor, Furia y Desagrado quedan a cargo, muy a su pesar. "Pensemos en esto", dice el productor ejecutivo John Lasseter. "Una niña de 11 años se queda sin Alegría y sin Tristeza; sólo con Furia, Temor y Desagrado. ¿Les recuerda a algún preadolescente que conozcan?".

Alegría y Tristeza deben aventurarse por lugares desconocidos -Memoria a Largo Plazo, Imaginalandia, Pensamiento Abstracto y Producciones de Ensueño- en un desesperado esfuerzo por volver al Cuartel General y a Riley. En el camino, conocerán a algunos personajes coloridos; desde los Olvidadores, quienes son Mentaleros a cargo de clasificar los recuerdos de Riley, hasta el amigo imaginario de Riley, llamado Bing Bong, quien busca la manera de hacer que Riley lo recuerde. "Él era uno de los favoritos cuando Riley era una niña con una imaginación activa", dice Docter. "Pero, en estos días, es como un actor sin trabajo que trata desesperadamente de regresar a lo suyo".

Cargada con el clásico encanto de Pixar, INTENSA-MENTE presenta una lista de personajes memorables, conmovedores momentos y mucho humor.

CRÍTICA

Intensa-Mente es una película fabulosa, no sólo considerando su exquisita y realmente original premisa, sino que también por su maravillosa presentación de las emociones y de todo lo que tiene que ver con la construcción de la personalidad del ser humano.

En este caso lo importante es el relato, por eso no es necesaria una animación visualmente espectacular y repleta de efectos, aunque sí lo está de imaginación y buenas ideas.

El desenlace te deja con ganas de ver inmediatamente una próxima entrega, ya que termina con los 12 años de la protagonista y con una nueva consola de control para las emociones donde aparece la pubertad, así que imagínense la larguísima saga que puede llegar a hacer Disney con esta brillante idea, ya que pueden seguir los pasos de la protagonista durante toda su vida. Y una pequeña muestra de esto la tenemos en las divertidas escenas donde se las ven "trabajando" a las emociones de la madre, del padre, y hasta las de un preadolescente.

Walt Disney ya había incursionado en esto de mostrar el interior de la mente, bajo el mismo concepto, en el año 1943 en un corto de ocho minutos de duración nominado para los Oscar, que fácilmente pueden encontrar en la red, llamado Reason and Emotion que trata sobre la Guerra Mundial y el modo en que funcionaba la mente de Hitler.

Una pelíula excelente, maravillosa, divertida, emocionante, ingeniosa… y todos los adjetivos positivos que se te puedan ocurrir. Entretenimiento garantizado tengas la edad que tengas

Cintia Alviti

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En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

EL COMIENZO DE LA ALEGRÍA

Pete Docter, Director Ganador del Oscar®, Encuentra la Inspiración en Casa

"Nuestro objetivo primordial fue hacer algo divertido", asegura el productor Jonas Rivera. "Mis hijos la han visto y se la pasan hablando de Furia. Para ellos, esa Emoción es realmente divertida. Y el viaje que emprenden Alegría y Tristeza es realmente una gran y genial aventura".

"Creo que los adultos -los padres- la verán de una forma totalmente diferente", continúa Rivera. "Para ellos también será divertida, pero además hallarán algo más profundo en el film. Eso es algo que Walt Disney siempre quiso hacer".

"Sencillamente me encanta la gran cantidad de emoción que hay en esta película", añade Poehler. "En minutos pasan del llanto a la risa. Y todo luce increíblemente hermoso. Es como un mundo que nos parece muy familiar y realmente mágico a la vez".

Quienes ayudan a dar vida a los personajes son los miembros de su creativo y humorístico elenco vocal, que en la versión original del film incluye a Poehler ("Parks and Recreation") como Alegría; a Bill Hader ("Saturday Night Live") en el papel de Temor; Mindy Kaling ("The Mindy Project") como Desagrado; Lewis Black (de la gira The Rant is Due: Part Deux) como Furia y Phyllis Smith ("The Office") como Tristeza. Riley cuenta con la voz de Kaitlyn Dias (The Shifting), y quienes aportan las voces de Mamá y Papá son Diane Lane (de la obra The Mystery of Love and Sex) y Kyle MacLachlan (de "Agentes de S.H.I.E.L.D.", de Marvel). "Tenemos un elenco soñado", dice Docter. "Podíamos traer material, describir qué era lo que queríamos de una escena, y luego trabajar con ellos acerca de cómo podían decirlo. Ellos nos devolvían lo que habíamos escrito junto con un montón de líneas alternativas improvisadas. Ha sido divertido".

INTENSA-MENTE fue dirigida por Docter (UP: UNA AVENTURA DE ALTURA; MONSTERS, INC.), producida por Rivera (UP: UNA AVENTURA DE ALTURA), codirigida por Ronnie Del Carmen (LA MISIÓN ESPECIAL DE DUG) y con la producción ejecutiva de Lasseter (TOY STORY, CARS) y Andrew Stanton (BUSCANDO A NEMO, WALL•E). El guión fue escrito por Docter, Meg LeFauve y Josh Cooley, a partir de una historia original de Docter y Del Carmen. El compositor ganador del Oscar® Michael Giacchino (LOS INCREÍBLES, RATATOUILLE, UP: UNA AVENTURA DE ALTURA) fue convocado para crear la música incidental.

¿En qué estará pensando?

Ésta es una pregunta que ha pasado por la mente de los padres de todo el mundo en su intento por criar hijos adolescentes, y es precisamente la que se hacía el director Pete Docter, ganador del Oscar®, mientras veía crecer a su propia hija, Elie.

"Mi hija hizo la voz de la joven Ellie en UP: UNA AVENTURA DE ALTURA -esa niña alegre, valiente y con el cabello despeinado-, y ella realmente se parecía a ese personaje en ese momento", dice Docter. "Pero en el momento en que comenzamos a trabajar en INTENSA-MENTE, Elie era un poco mayor -cerca de los 11 años de edad- y se había convertido en una chica callada y retraída. Eso me hizo pensar: '¿Qué está ocurriendo en su mente y por qué está cambiando?'".

Pero entonces, Docter recordó esa etapa en su propia vida. "No es poca cosa", dice. "La inocente burbuja de la infancia estalla y te sientes como empujado al mundo adulto, donde eres juzgado y donde se espera que te comportes de cierta manera. Tú quieres ser genial, pero ni siquiera estás muy seguro de lo que eso significa".

Bienvenidas las emociones.

Desde el principio, a Docter le encantó la idea de zambullirse dentro de la mente, desafiando la imaginación de muchos de los mismos cineastas que llevaron al público a Monstrópolis y luego hasta el cielo en una casa voladora de la mano de un ramillete de globos. "Sentí que sería divertido", asegura el director. "Quería explorar la versión abstracta; no el cerebro, sino la mente. Pensé que sería perfecto para la animación. Y si ésta iba a ser una historia acerca de las emociones realizada por el mismo equipo que creó UP: UNA AVENTURA DE ALTURA, entonces debía ser emotiva".

En última instancia, la idea de las emociones como personajes desató la historia de INTENSA-MENTE, con la hija, Elie, convertida en inspiración para Riley, una niña de 11 años, amante del hockey y nativa del Medio Oeste de los Estados Unidos, cuya vida es mayormente feliz hasta que su familia se muda a la gran y amenazante ciudad de San Francisco. Sus emociones, lideradas por la enérgica Alegría, se ponen en marcha, ansiosas por ayudar y guiar a Riley a través de esta difícil transición. Pero, pese a que la vida de Riley es lo que da propósito a sus emociones, los realizadores afirman que INTENSA-MENTE no es realmente la historia de Riley.

"Es una historia muy personal acerca de qué significa ser padre", afirma el productor Jonas Rivera. "Como padre, hay muchísimos momentos perfectos en los que deseo que el tiempo se detenga para siempre. Pero eso no es correcto. Ese no es nuestro trabajo. Nuestra función es la de ser guías".

"A medida que nuestros hijos crecen, tendemos a extrañar esos días en los que eran pequeños y se sentaban en nuestro regazo y nos abrazaban", agrega Docter. "Y pese a que todos los padres desean que sus hijos salgan al mundo -estoy feliz por mis hijos y no quiero nada diferente de cómo están hoy en día-, siento que es agridulce y algo triste cuando la infancia pasa. Ese es un elemento clave en esta película".

Así que los realizadores convocaron a Alegría -quien vibra y brilla (literalmente), rebosante de optimismo- para afrontar la siempre compleja tarea de criar a Riley, metafóricamente hablando, junto con otras cuatro emociones que contribuyen con sus especiales perspectivas. "Alegría ha estado allí por más tiempo; Riley nació siendo feliz", dice Rivera. "Pero la mudanza a otra ciudad realmente pone molesta a Riley y Alegría descubre que ella tiene ahora 'menos tiempo al volante', por así decirlo. No puede permitir que Tristeza estropee todo el arduo trabajo que ella ha hecho en los últimos años".

El viaje que Alegría emprende con Tristeza es esclarecedor. "Alegría comprende que Tristeza tiene un propósito en la vida de Riley, después de todo", cuenta Docter.

Según el director, la clave de la felicidad -en la película y más allá de ella- reside posiblemente en cómo se la defina. "Alegría es capaz de aprender y crecer; reconsiderar lo que ella piensa que es la felicidad", dice. "Al comienzo, son todas risas y helados, y no hay nada malo en ello. Pero la vida nos muestra que es mucho más profunda".

"Mientras trabajaba en esta película, comprendí que la familia y los amigos cercanos son lo que me hace feliz", continúa el director. "Sin dudas, esas son las personas con quienes comparto momentos de diversión, pero también las personas con quienes me he enojado, he sentido miedo y he estado triste. La profundidad y complejidad de todas esas emociones es verdaderamente lo que genera una conexión real entre la gente".

HACER LA TAREA

Los realizadores de Pixar son reconocidos por la investigación que realizan antes de cada película, ya sea para convertirse en expertos en diseño automotriz para CARS o recorrer Escocia para conocer el impactante escenario de VALIENTE. Los artistas y narradores responsables de INTENSA-MENTE buscaban sumergirse en la mente, estudiando recuerdos, emociones humanas y cómo éstas evolucionan durante la adolescencia.

Así, trabajaron con científicos, neurólogos, psicólogos y otros expertos para entender mejor cómo funciona la mente. El doctor Dacher Keltner, codirector del Centro Científico Greater Good, es profesor de Psicología en la Universidad de California-Berkeley, donde dirige el Laboratorio de Interacción Social. "He pasado 25 años de mi carrera estudiando las emociones humanas", dice. "Estoy interesado en cómo expresamos las emociones a través de nuestros rostros, voces y estando en contacto".

Entre otras cosas, el conocimiento de Keltner ayudó a los realizadores a elegir las Emociones para representar. "Los investigadores tienen distintas ideas acerca de cuántas emociones tenemos. Éstas existen en un rango de 4 a 27, dependiendo a quién se consulte", dice Docter. "El trabajo del Dr. Keltner sugiere que hay 21 emociones, entre ellas el aburrimiento, el desprecio y la vergüenza. Había tantas posibilidades en términos de carácter... Fue divertido explorarlo. En última instancia, acordamos tener cinco Emociones que aparecen en las listas de todos los investigadores".

Keltner también ayudó a definir el Mundo Mental en términos de cómo las Emociones trabajaron juntas para ayudar a Riley a hacer frente a los cambios en su vida. "Acabo de ver la película y me fascinó", asegura el especialista. "Es extremadamente difícil poner en palabras cómo las emociones en la mente afectan nuestro comportamiento y la manera en que vemos el mundo. La película logra eso estupendamente bien. Me encantó la tensión dinámica entre lo que ocurre dentro de la psique y lo que ocurre afuera, en el mundo".

Los realizadores estudiaron la adolescencia y cómo los preadolescentes pueden hacer frente a eventos traumáticos. Por lo tanto, no fue una casualidad que Alegría y Tristeza sean las dos Emociones perdidas en la trama de la película. "Todo se alinea con ser adolescente", dice el codirector, Ronnie Del Carmen. "Riley cambia y ya no se siente feliz; por lo tanto, no puede expresar empatía. Así se convierte en la típica adolescente hosca".

Según Keltner, quien es padre de dos hijas que ya han sobrevivido sus años preadolescentes, "parte de la adolescencia, parte de crecer, es la pérdida. La pérdida de los amigos, la pérdida de la niñez. Es necesaria para el desarrollo humano. La forma en que INTENSA-MENTE lucha con los sentimientos de pérdida de Riley y cómo su familia -en última instancia- la rodea en esa experiencia, es realmente poderosa".

Según Keltner, la aceptación es una importante conclusión, tanto de la película como de una serie de estudios científicos acerca de las emociones. "Yo creo que nuestras emociones oscilan", dice. "Habrá un momento en que tu mente esté llena de temor -un segundo o dos- antes de pasar a la furia. La película retrata esa lucha sobre el panel de control, que yo creo que es científicamente verdadero. Pero una de las lecciones clave es que debemos abrazar todas las emociones que tenemos. Debemos entender que son parte de nuestra mente normal y cotidiana y que eso está bien".

QUIÉN ES QUIÉN EN INTENSA-MENTE

Una Historia Emotiva Contada a Través de los Ojos de Cinco Emociones

INTENSA-MENTE cuenta con un equipo de cinco Emociones que guían a Riley, de 11 años de edad, a través de un inquietante cambio en su vida. Pero a medida que se desarrollaba la historia, los realizadores no estaban seguros de qué emociones serían las elegidas. "Algunos psicólogos afirman que hay un máximo de 27 emociones", afirma el director Pete Docter. "Nosotros pensábamos agregar a Orgullo. O Schadenfreude, quien se regocijaba con el dolor ajeno. Pero comenzábamos a sentir que era demasiado. Finalmente, optamos por cinco".

Los realizadores pasaron, después, a definir cada Emoción, asignándoles un propósito en la mente de Riley y haciendo frente al difícil proceso de hallar el aspecto adecuado para cada una de ellas. "El aspecto y diseño de las Emociones debía recordarle a la gente que éstas son personificaciones de sentimientos", dice Docter. "No son seres pequeños; son emociones. Están hechas de energía -creadas a partir de miles de partículas, que lucen como energía-. Nosotros queríamos capturar cómo se sienten esas emociones -las formas, los colores-, además de sus personalidades".

Pero hallar el aspecto de las Emociones no fue fácil. Sajan Skaria, supervisor de personajes, comenta: "Es probablemente lo más complejo que hemos hecho en el departamento de personajes. Cuando comenzamos, no estaba claro hacia dónde íbamos. Pete [Docter] dijo: "Hagan algo que mi mamá no haya visto nunca". Eso fue todo. Eso fue todo lo que teníamos al inicio".

"Mientras comenzábamos a lograr algunos diseños realmente geniales y divertidos", continúa Skaria, "debíamos descubrir cómo llevarlos a la práctica. Debíamos asegurarnos de que teníamos la tecnología para lograr lo que habíamos creado".

Cuando llegó el turno de Alegría y el resto de las Emociones, el equipo de producción estaba comprometido a hacer las cosas bien, apelando a recursos, tecnología, imaginación e investigación para ello. "Todo se trata de las Emociones; todo depende de ellas", dice Docter. "Podemos controlar cómo actuamos, pero no podemos elegir cómo nos sentimos".

"Nos encanta la idea de que ellas van a trabajar a diario", dice el productor Jonas Rivera. "Esto es un trabajo y ellas harán lo mejor posible porque aman a esa niña. La clave, desde luego, es que cada una tiene una tarea diferente, y cada tarea es igualmente importante".

"Uno de mis aspectos preferidos de la animación es cuán expresiva es", asegura Docter. "Puedes hacer que un personaje se mueva de maneras físicamente imposibles para que realmente muestre cómo te sientes. Pudimos impulsar los movimientos, en esta película, en formas que nunca antes habíamos hecho".

Tony Fucile, cuyos créditos incluyen EL REY LEÓN yALADDÍN, de Disney, trabajó como artista de animación de bocetos para la película. Él fue el encargado de convertir lo mejor de la animación tradicional a mano, en una película generada por computadora. Fucile estaba atento a la producción diaria de animaciones y a menudo brindaba sus anotaciones como nuevos dibujos realizados sobre los anteriores, que podían ser capturados y entregados al animador. "Trabajé con el equipo de animación para enriquecer un poco las poses", dice Fucile. "Me gusta llevar las expresiones o posturas un paso más allá; raramente sugiero replegarlas".

"Todas las Emociones son los personajes más caricaturizados y estilizados que jamás hayamos intentado en un largometraje aquí en Pixar", dice el supervisor de animación Victor Navone. "Ellas son personajes que pueden fácilmente dibujarse en papel, pero que son realmente difíciles de obtener en tres dimensiones. Estos personajes son tan especiales, tan únicos... creo que queríamos lograrlos exitosamente".

LA FORMACIÓN

El objetivo de ALEGRÍA siempre ha sido asegurarse de que Riley sea feliz. "En el preciso momento en que Riley nace, aparece Alegría; ella es la primera en llegar", dice Docter. "Ella tiene una conexión especial con Riley y atesora ese vínculo".

Según Docter, se eligió a Alegría como la emoción principal de Riley porque todos sintieron que Riley era el tipo de persona que es naturalmente feliz -excepto durante unos pocos baches en el camino-. También sintieron que eso reflejaba el verdadero deseo de todo padre para con sus hijos. "Todos queremos que nuestros hijos sean felices, que disfruten de la vida, que abracen todo", afirma. "La vida no siempre funciona de esa forma y debemos adaptarnos, lo cual es una lección para todos, incluyendo a Alegría".

Con un tono soleado, Alegría es feliz, optimista y decidida a encontrar la diversión en cada situación. Ella ve los retos en la vida de Riley como oportunidades, y los momentos menos felices como un tropiezo en el camino hacia algo grande. Mientras Riley esté feliz, Alegría también lo es.

La actriz Amy Poehler fue convocada para darle vida a Alegría, en la versión original del film en inglés. "Ella es el motor de la película: brazos y ojos abiertos, de cara hacia lo que viene", dice Poehler acerca de su personaje. "Es muy hermosa y de veras realiza un viaje emocional. Ella experimenta un cambio real, que fue un desafío emocionante y genial para interpretar como actriz".

Según el supervisor de animación Shawn Krause, la presentación de Poehler como la voz de Alegría ayudó al equipo de animación a terminar de concretar el personaje. "Pete [Docter] quería que Alegría estuviese bien asentada, que fuera atlética y activa. No queríamos que estuviera endulzada o se viera como una porrista. Las opciones de actuación de Amy realmente nos proveyeron información para el trabajo de animación".

Krause continúa: "Alegría es tan energética, tan amante de la diversión; está como excedida en cafeína. Ella rebota en las paredes. Su actitud es contagiosa; es una gran bola de energía. Una vez que elegimos a Amy para el elenco vocal, supimos cómo encausar la animación para ella".

Albert Lozano, director de arte de personajes, se inspiró en los primeros trabajos del diseñador de producción Ralph Eggleston. "La forma en que la tiza salpicaba los tonos pasteles de Ralph me recordó a las burbujas. Alegría es efervescente. Abrir una botella de champán para una celebración: así era Alegría para mí. Yo trabajo mucho con collages, así que tomé la imagen de una luz de bengala, agregué un rostro, piernas y brazos, y también así era Alegría para mí. Yo sabía que ella debía emanar felicidad".

"Alegría es muy vivaz, casi como una estrella", dice el productor Jonas Rivera. "Ella está llena de vida y energía, lo cual nos llevó a la constitución física de las Emociones. Decidimos que estarían todas hechas de energía".

Los realizadores contaron con el supervisor de efectos Gary Bruins y su equipo para encontrar la manera de mostrar esa energía. "Pete quería que Alegría tuviese partículas que irradian fuera de su piel durante toda la película", cuenta Bruins. "Eso significaba crear un efecto que aparecería en cientos y cientos de tomas. Nunca antes había hecho algo así".

Como el personaje estrella de la película, Alegría no sólo tiene muchas escenas sino que sus actividades recorren toda la gama -camina, corre, gesticula ampliamente y de forma entusiasta-. El equipo de efectos debió desarrollar una solución que funcionara bien en cada situación. "Yo estaba listo para cualquier falla", dice Bruin. "Pero en cada toma que intentamos funcionó tan bien, que nos dimos cuenta de que estábamos en lo cierto".

La plataforma que desarrollaron, que emplea el cambio de color y la opacidad para representar los movimientos de partículas, superaron sus expectativas. "Realmente apoyó la idea de que ella es tan alegre; de que su energía no puede ser contenida", señala Bruins. "Luego, además de ello, colocamos partículas aéreas que rompen su silueta y dejan rastro mientras ella camina o hace un movimiento rápido".

Alegría, cuyos ojos tienen al menos el doble de controles que cualquier otro personaje anterior de Pixar, también sirve como fuente de luz, proyectando un resplandor amarillo-azulado en su entorno. Según el experto en tecnología global Bill Reeves, era preciso construir todo un sistema para lograr el aspecto que los realizadores buscaban. "Intentamos decenas de formas de crear el brillo de Alegría y terminamos con una solución volumétrica. Pero como ella está en tantas escenas, debíamos configurar el software para poder calcularlo".

El trabajo principal de TEMOR es proteger a Riley y mantenerla a salvo. Él está constantemente a la búsqueda de posibles desastres y pasa tiempo evaluando los posibles daños, dificultades y riesgos involucrados en las actividades diarias de Riley. Hay muy pocas actividades que Temor no encuentra peligrosas y posiblemente fatales.

Según el realizador Josh Cooley, el equipo se sintió instantáneamente conectado con Temor. "Fue uno de los personajes más fáciles de escribir porque todo está impulsado por el temor en algún momento del día", dice Cooley. "No tuvimos problema imaginando cómo Temor reaccionaría ante una situación dada: él reacciona siempre de forma exagerada".

Los cineastas hallaron mucha comedia física en la figura púrpura y nerviosa de Temor. El artista de personajes Chris Sasaki comenta que el aspecto fue una idea muy sencilla: "Al comienzo, nos preguntamos: '¿Qué tal si él es sólo una línea con dos ojos?'", dice. "Nos remitimos a lo más extremista posible, y a partir de allí todo se fue armando como una bola de nieve".

Finalmente, Temor evolucionó para permitir una mayor actuación, pero su forma no cambió mucho. "Él es como un nervio frenético, exhausto, retorcido", dice Docter.

Navone agrega: "Él tiene una silueta delgada y agradable con su larga y flaca columna vertebral que podíamos aplastar, estirar, doblar y arquear. Su personalidad nos permitía actuaciones generales. Él se aplana y se desploma. Es un miedoso; sin embargo, también tiene algo de arrogante. Él es el alivio cómico del film.

"Temor tiene un cabello espiralado que puede adoptar un millón de poses diferentes según su actitud", continúa Navone. "Podemos tratarlo como la cola de un perro: si está triste, se cae; si se siente mal, se comporta como un rayo".

"Para mí, él siempre será un tipo raro de color púrpura con corbata de lazo", dice Bill Hader, quien presta su voz al personaje en la versión en inglés. "Lo imagino como un empleado sobrecargado de trabajo, quien está desesperado por estar ocho pasos por delante de todo. Él tiene que evaluar muy bien cada situación para proteger a Riley".

"Lo que es tan brillante de esta película", continúa el actor, "es que el diálogo que tenemos las Emociones es muy similar a las conversaciones que todos tenemos en nuestras cabezas".

FURIA es muy apasionado acerca de hacer que las cosas sean justas para Riley. Él tiene un espíritu ardiente y tiende a explotar (literalmente) cuando las cosas no salen según lo planeado. Se apresura a reaccionar de forma exagerada y tiene poca paciencia ante las imperfecciones de la vida. "Desde el principio pude imaginar a Furia, tanto desde el guión como desde el diseño", cuenta Docter. "Sabíamos lo que queríamos de él y lo gracioso que podía ser".

"El rojo parecía correcto", dice el productor ejecutivo John Lasseter. "Él estalla de enojo todo el tiempo, así que decidimos que sería divertido que salieran llamas de su cabeza cuando se enoja mucho".

"Furia funcionó desde el comienzo", explica Navone. "Una vez que tuvimos su forma rectangular, esas cejas y ojos enojados, supimos quién era él. Tiene brazos regordetes y piernas rechonchas, y no puede realmente girar la cabeza porque no tiene cuello. Así que le dimos energía constante para sacudirse y quejarse. Él da pisadas fuertes, muy a lo Lewis Black. Y el hecho de que eligiéramos a Lewis Black para darle voz (en la versión en inglés) realmente nos llevó hacia otro nivel".

Las primeras conversaciones de la película nombraban al comediante para ilustrar cómo una voz emblemática, como la de Black, podía dar vida a un personaje como Furia. "Lo usé como ejemplo de la diversión que podíamos tener eligiendo al actor", dice Docter.

Black, que es fan de todo lo de Pixar, llama a la oportunidad un "rol decisivo" de su carrera. "Supe desde el comienzo que esto sería especial", dice. "Seré recordado como este pequeño muchachito rojo que grita y a quien se le incendia la cabeza".

El aspecto de ese fuego, comenta Bruins, se creó luego de que las primeras pruebas revelaran aquello que no iba a funcionar. "Comenzamos con un fuego muy tradicional y realista que salía de la cabeza de Furia. Pero el personaje tiene mucho estilo; está hecho de partículas. Él vive en el Cuartel General, que también es muy colorido y con mucho estilo. El fuego realista era realmente discordante. Así que decidimos ir hacia una dirección diferente".

En un guiño a las partículas que conforman las Emociones, el equipo de efectos agregó partículas al fuego de Furia, mezclando el color del personaje con el del fuego. "El fuego en sí tiene mucho estilo", dice Bruins. "No tiene los detalles tradicionales que uno vería en una película de acción real".

DESAGRADO es muy crítica, extremadamente honesta, e impide que Riley se intoxique, tanto física como socialmente. Ella está siempre atenta a la gente, los lugares y las cosas con las que Riley entra en contacto, ya sea brócoli o la tendencia de moda del año pasado. "Ella quiere asegurarse de que la gente no contagie a Riley con sus comportamientos tóxicos o sus malos consejos de ropa, así como mantener una dirección clara acerca de las combinaciones de alimentos no probados", explica el codirector del film, Ronnie Del Carmen.

Desagrado siempre tiene la mejor de las intenciones y rechaza bajar sus estándares. "Ella es muy testaruda y no tiene miedo de compartirlo", agrega Del Carmen.

Los realizadores decidieron que el verde era el color perfecto para Desagrado, el cual no fue el único visto bueno para el vegetal que tenían en mente para su creación. "Ella tiene la forma de un brócoli", dice Docter, quien convocó a su equipo de expertos en emociones para concretar la personalidad de Desagrado. "Ella proviene de lo amargo", agrega. "Cuando uno le da a un bebé un alimento amargo, ellos hacen caras y sacan la lengua y escupen la comida. Ésa es la raíz de Desagrado".

Mindy Kaling cuenta que estuvo lista de inmediato para ponerle voz al personaje. "Creo que es verdad para la mayoría de los actores: si recibes un llamado de Pixar, ya te sientes emocionado. Las películas que Pixar crea están increíblemente bien hechas, así que me entusiasmó. Lo que me sorprende de ésta es lo divertida que es, aun cuando en su esencia es un film muy conmovedor".

Kaling entendió rápidamente la motivación de su personaje. "Desagrado sólo quiere proteger a Riley", explica. "Ella desea mantenerla a salvo de cualquier situación insegura o no muy buena".

Los realizadores se inspiraron en la interpretación de Kaling de este personaje. Krause señala: "Desagrado es fastidiosa y algo discreta en sus movimientos. Ella es la última en llegar. Es fuerte y segura de sí misma. Si estuviera en la escuela secundaria, sería la líder de las porristas".

Navone agrega: "Sus movimientos son delicados. Su andar es más estricto, con mucho balanceo de cadera. De todos los personajes, Desagrado es la única que terminó la escuela. Ella camina con una pila de libros en su cabeza".

Ninguna de las otras Emociones realmente entiende cuál es la función de TRISTEZA. "Tristeza cuestiona su propia función", dice Del Carmen. "¿Para qué sirve? Es un personaje inseguro, que quiere ayudar pero se enfrenta con la noción de que podría en realidad ser algo malo para Riley".

Rivera añade: "Ella no quiere ver a Riley infeliz, pero Tristeza tiene sus propios instintos. Ella siente cuando debería intervenir, incluso si ella es la única que se da cuenta de ello".

Los realizadores tuvieron afinidad por esta Emoción, aun cuando ésta está a menudo muy decaída. "Tristeza es indecisa y vacilante, pero también muy dulce y adorable", dice Docter. "Ella adora a Riley y sólo quiere lo mejor para ella".

Phyllis Smith fue convocada para dar voz a Tristeza (en la versión original del film, en inglés). "Nunca antes había hecho una película animada, así que al comienzo sólo traté de estar triste", dice Smith. "Pero hacia el final de la primera sesión, encontré su voz. Sólo salió naturalmente. Ella no tiene mucha energía. Alegría, literalmente, debe arrastrarla por todos lados".

Tristeza tiene una cierta cualidad infantil en ella y, según Krause, el equipo de animación bajó el ritmo cuando llegó al personaje. "Ella está definitivamente más aletargada y restringida; no muy motivada. Con Tristeza, 'menos es más'".

Su tonalidad azul y en forma de lágrima invertida es muy apropiada para ella. Y mientras que a Tristeza le encantaría ser más optimista y ayudar a mantener a Riley feliz, realmente le cuesta ser positiva. A veces parece que lo mejor que puede hacer es tirarse al piso y echarse un buen llanto.

BING BONG es el amigo imaginario de Riley (hay que recordar que, cuando Riley tenía tres años, los animales estaban muy de moda). Desafortunadamente, Bing Bong ha estado sin trabajo desde que Riley cumplió cuatro años, y está desesperado por no quedarse atrás a medida que Riley crece.

Richard Kind fue convocado como la voz de Bing Bong. "Antes de que sus mentes estén totalmente desarrolladas, muchos chicos inventan amigos con quienes pueden charlar cuando se sienten solos o asustados", dice Kind. "Y estos se sienten honestamente reales; son verdaderos amigos. ¿Hay alguna razón de ser para ellos? Por supuesto que no, pero un amigo imaginario puede ser tranquilizador y siempre está ahí cuando lo necesitas".

Bing Bong ha estado vagando largamente en la mente de Riley cuando Alegría y Tristeza lo encuentran. "Él es una especie de vagabundo en la actualidad", dice Kind. "Así que está más que feliz de encontrarlas".

Como todos los buenos amigos imaginarios, éste es, sin duda, creativo. "Bing Bong está hecho de algodón de azúcar", dice Docter. "Él tiene un centro de turrón, que en realidad nosotros nunca vemos. En cuanto a su forma, tiene una parte de gato, otra de elefante, y -según él- otra de delfín, que es un poco rara. Es básicamente una mezcla de todas las cosas que nos encantan cuando somos niños".

Los artistas se inspiraron inicialmente por el propio amigo imaginario del director cuando era niño, que era al menos mitad elefante, según cuenta Sasaki. "Cuando yo era niño, adoraba las galletas de animales. Uno podía tomar una cabeza y combinarla con el cuerpo de otro animal. Eso era lindo. Esa idea evolucionó a '¿Por qué no puede tener bigotes de gato?' y a 'Démosle orejas de perro y una cola de mapache'.

"Todos queríamos trabajar en Bing Bong", dice Navone. "Él era mucha diversión, amplio, un personaje casi de vodevil. Él es alguien con quien todos queríamos jugar. La idea era mantener su atractivo infantil".

El equipo de animación utilizó referencias de Oliver Hardy, Jackie Gleason y John Candy para delinear el personaje. "Lo difícil con Bing Bong, a nivel técnico, era pensar su boca", dice Navone. "Su boca debía ser realmente grande y sus labios debían ir alrededor como un gran trozo de regaliz; es como un pequeño Art de MONSTERS UNIVERSITY. Fue un desafío en términos de mantenerlo simple, pero luego, agregar la trompa, fue mucho más difícil todavía".

El equipo tomó prestada una versión inicial de la tecnología que se estaba construyendo para un pulpo en BUSCANDO A DORY, para hacer frente a la trompa de Bing Bong.

RILEY Andersen es una niña eternamente feliz, al menos hasta que cumple 11 años y su padre consigue un empleo en otra parte del país, lo cual obliga a la familia a trasladarse a San Francisco. Mientras lucha para acomodarse a su nuevo hogar y escuela, Riley experimenta una mezcla de emociones desconocidas.

"Si miras a tus propios hijos, amigos y familiares, parece que todo el mundo tiene un temperamento 'por defecto'", dice Docter. "Algunas personas están básicamente tristes o enojadas, pero Riley es feliz. Así que este gran cambio de su edad resulta ser algo importante".

Según Lozano, el aspecto de Riley estuvo muy inspirado en su lugar en la vida. "Ella está en esa edad en la cual está empezando a crecer", dice. "Ella no se siente cómoda en su cuerpo todavía. Es un poco larguirucha y desgarbada; un poco rara".

Kaitlyn Dias es la voz de Riley (en la versión del film en inglés). Inicialmente contratada para grabar una pista temporal, el rendimiento de Dias resultó tan conmovedor que los cineastas decidieron convocarla para realizar el papel. "Ella fue realmente perfecta para el rol", dice Rivera. "Su voz tiene una honestidad desgarradora. Ella es genial".

MAMÁ podría hacer cualquier cosa por su familia, así que cuando ellos se trasladan a San Francisco, ella pone lo mejor de sí para ayudarlos a ajustarse a este nuevo mundo.

Lozano comenta que los artistas querían infundir algo de chispa en el aspecto de la madre. "Sabíamos que ella era el tipo de persona que puede enamorarse de un piloto de helicóptero brasileño, o de un tipo nerd con pantalones pinzados. Queríamos dar a entender que, pese a estar establecida con una familia, ella conserva algo de su espíritu libre".

El público puede echar un vistazo dentro de la mente de Mamá, donde sus Emociones llevan gafas rojas. Los realizadores también diseñaron un increíble plató para el Cuartel General de Mamá.

Diane Lane presta su voz a este personaje. "Como mamá, lo entiendo. Invariablemente, cuando estás criando a tus hijos, en realidad revives ciertas etapas de tu propia infancia. Tus propios recuerdos entran en juego mientras los niños luchan por superarlos. Riley es hija única, tal como mi experiencia como madre y como niña, así que puedo identificarme con ella en muchos sentidos".

PAPÁ es un fan de la familia, el hockey y las nuevas aventuras. Así que, cuando la oportunidad llama, él está listo -aun si esto significa mudarse al otro lado del país-. Es cierto que él no siempre puede entender qué están pensando las mujeres de su vida, pero las ama con todo su corazón.

Dentro de la mente de Papá, sus Emociones son -tal como él- propensas a la distracción, particularmente si hay un juego de hockey. También llevan, como él, un bigote distintivo.

El bigote comenzó como una pequeña barba, pero los realizadores querían enfatizar que Papá no encaja exactamente en su nueva ciudad. "Queríamos resaltarlos como una familia conservadora, que recién llega a San Francisco", dice Sasaki, quien agrega que los personajes 'reales' de dicha ciudad son bastante elegantes. "Uno podría fácilmente identificar a nuestra familia de Minnesota entre una multitud de San Francisco, sin dudas".

La voz del Papá pertenece a Kyle MacLachlan, quien es padre de un niño de seis años en la vida real. "Aún no he llegado a esa instancia como padre; creo que tengo un poco de tiempo aún antes del golpe de los años de la preadolescencia", dice el actor. "Pero será interesante maniobrar a través de ellos para tratar de apoyar a mi hijo y, quizás, hasta influenciarlo un poco en cómo maneja las cosas. Como padre, uno realmente quiere que ellos encuentren su camino, pero a la vez quieres estar allí para apoyarlos".

Los OLVIDADORES están a cargo de -oh, bueno...- olvidar. Mentaleros de la Memoria a Largo Plazo, ellos recorren los recuerdos de Riley y eliminan aquellos que estiman de poca importancia, como por ejemplo la mayoría de los Presidentes de EE.UU. que ella memorizó en la escuela o gran parte de lo que aprendió en sus clases de piano (excepto "Heart and Soul" y "Chopsticks").

Paula Poundstone y Bobby Moynihan son las voces -en inglés- de los Olvidadores.

UBICACIÓN, UBICACIÓN, UBICACIÓN

Los Realizadores se Aventuran Dentro de la Imaginación para Crear el Complejo Nuevo Mundo

Fue a la vez una bendición y una maldición que el mundo de INTENSA-MENTE fuera algo que nadie había visto antes. "Reducir nuestras decisiones acerca de cómo visualizar este mundo, cómo visualizar estas emociones, fue realmente divertido", dice el productor ejecutivo John Lasseter. "Pero también tan difícil".

Si bien las posibilidades eran infinitas, los realizadores fueron capaces de acotarse con bastante rapidez. "La película tiene lugar en la mente, no en el cerebro", dice el director Pete Docter. "Fuimos muy específicos, desde el inicio, con eso. No queríamos ver vasos sanguíneos y dendritas. La mente es metafórica. Nos imaginamos procesos de pensamiento, recuerdos, sentimientos".

Pero según Daniel Holland, director de arte de los sets, el equipo usó la fisiología como referencia. "Nos inspiramos en las formas -el hipotálamo, la glándula pituitaria, células bajo el microscopio-", dice. "Todo fue muy caricaturizado, pero queríamos comenzar a partir de algo que tuviera sentido".

Los cineastas tenían dos mundos enfrentados: el mundo real, en el cual Riley experimenta grandes cambios de vida, y el mundo dentro de su mente, donde viven las Emociones. "Fue como hacer dos películas", dice el diseñador de producción Ralph Eggleston. "Un pequeño cambio en el mundo real afecta todo en el Mundo Mental y viceversa".

El Mundo Mental presenta colores brillantes y saturados. "Miramos musicales de Broadway de los años 50", dice Docter. "Hay un gran sentido de la caricatura. El mundo humano es más real: la madera luce como madera, el cemento parece cemento. Y, en cuanto al color, no es saturado".

Los cineastas hicieron reglas separadas para cada mundo cuando llegó el plan de cámara. "Era importante crear dos estilos diferentes para las cámaras dentro de la mente y en el mundo real, para que la audiencia pudiera distinguir la diferencia al instante", explica Patrick Lin, director de fotografía y cámara. "En el Mundo Mental, todo es más perfecto. Nuestras lentes tienen menos distorsión, y los movimientos de cámara tienen reminiscencias de la cámara estilo estudio de los años 40, con grúa. Son más mecánicos. En el mundo humano, queríamos que se sintiera un poco más real, así que nuestras lentes tienen más distorsión y las cámaras son más de tipo steadicam o de mano".

El equipo empleó tecnología de captura de cámara para el mundo humano, de modo de obtener un aspecto más fotográfico y realista. Esta tecnología fue bien exhibida en el corto de Pixar Azulado. Lin explica: "Siempre nos acercamos a la fotografía con la trama en mente".

Docter comenta que el equipo de diseñadores y artistas presentó cientos de diferentes direcciones a través de miles de dibujos para desarrollar las ubicaciones dentro de la mente de Riley y más allá de ésta. "Nuestras opciones, al final, se basaron en algo menos científico y más en nuestra intuición. Optamos por lo que sentíamos correcto; lo que sentíamos verdadero".

DELINEANDO LOS MAPAS

EL CUARTEL GENERAL es el centro operativo de la mente de Riley, en donde las cinco Emociones viven y trabajan, monitoreando las experiencias cotidianas de Riley y guiándola en el camino.

"La idea del Cuartel General apareció muy al comienzo del proceso", dice Docter. "Sabíamos que iba a ser una sala de trabajo y que no sería una consola, pero recorrimos bastante hasta determinar exactamente qué cosas controlaría esa consola. Al final, decidimos mantenerlo muy simple, así queda claro que Riley aún está en control de su comportamiento".

Eggleston agrega: "Las formas dentro del Cuartel General se basan en el hipotálamo, que es el centro cognitivo de la mente, en teoría".

El director de arte y sombreado Bert Berry y su equipo se encargaron de asegurarse de que el Cuartel General luciera hogareño. "Ralph [Eggleston] y Pete [Docter] realmente deseaban que el Cuartel General fuera suave y atractivo", dice Berry. "Así que no hay muchas superficies reflectantes o ásperas. Hay alfombras, telas y materiales translúcidos. Algunas de las paredes están hechas de un material similar al neopreno".

El equipo de sombreado añadió algunos elementos brillantes y reflectantes para resaltar un poco las cosas. "Si lo hacíamos todo suave y mate, no iba a resaltar nada a la luz", dice Berry. "Necesitábamos alguna variación para que se viera dinámico".

Dentro del Cuartel General hay estantes que contienen recuerdos de Riley de ese mismo día. Los recuerdos son esferas delicadas que pueden reproducir memorias. Eggleston comenta: "En un principio, yo miraba las gotas de rocío. Imaginé la Memoria a Largo Plazo como telarañas y los recuerdos como las gotas de rocío sobre esa telaraña. Luego se volvieron esféricas, como la punta de la sinapsis. Y colocamos imágenes en el interior de cada una de ellas para representar un recuerdo, como un gran día en la nieve con Mamá y Papá".

Cada recuerdo lleva el color de la Emoción asignada a él. El gran día en la nieve, por ejemplo, podría ser amarillo gracias a Alegría, quien prefiere una pared de recuerdos amarillos al fin del día.

La MEMORIA A LARGO PLAZO es una gran instalación de almacenamiento, desde el piso al techo, que alberga los millones de recuerdos de Riley. Está llena de Mentaleros, entre ellos los Olvidadores, quienes evalúan la utilidad de cada recuerdo y eliminan los que ya no parecen relevantes.

"Durante el día", cuenta Lasseter, "todos tus recuerdos se recogen en la memoria a corto plazo. Pero a la noche, mientras duermes, tu memoria de corto plazo literalmente se vacía y sólo esos recuerdos que están cargados de emoción se salvan. Todo lo demás se tira al Basurero Mental. Eso es lo que hemos aprendido de los científicos".

Para obtener el aspecto de la Memoria a Largo Plazo, los realizadores investigaron instalaciones de fábricas. "Teníamos millones de recuerdos y no estábamos seguros de cómo almacenarlos y moverlos", dice el productor Jonas Rivera. "Queríamos que se sintiera legítimo y creíble, con el peso y el movimiento y la estructura, así que visitamos la fábrica de caramelos Jelly Belly y pasamos algún tiempo en una planta de procesamiento de huevos".

Holland cuenta que la visita a la fábrica Jelly Belly fue más que un simple recorrido. "Nos pusimos trajes y recorrimos la planta. Pudimos ver muchas cosas", dice. "Ellos tienen una interesante maquinaria de envasado automático. Me gustó mucho ver la forma en que los colores se movían a través de tubos. Fue muy inspirador".

Holland dice que la visita a la planta de procesamiento de huevos les proveyó referencias para transportar las esferas de recuerdos de un sitio a otro. "Los huevos son delicados, pero pueden ser desplazados fácilmente con un sistema adecuado".

Construido y atendido como todo un estudio de Hollywood, PRODUCCIONES DE ENSUEÑO es donde se crean los sueños de Riley (y sus pesadillas). Los guionistas allí no temen correr riesgos y a menudo bailan al borde de la lógica cuando se trata de crear sueños.

"Es un estudio gigante, con platós y utilería", dice Docter, quien fue invitado por Bill Hader a pasar una semana observando el detrás de la escena del programa de TV "Saturday Night Live". "Producciones de Ensueño puede generar cualquier cosa que los guionistas piensen. Nada es demasiado loco allí. Es un poco de "Saturday Night Live" mezclado con la magia de Hollywood".

Todo es diversión en IMAGINALANDIA. Al respecto, Lasseter dice: "Pete Docter y Jonas Rivera son dos de los mayores fanáticos de Disneyland que existen sobre la faz de la Tierra. Así que esto luce como un parque de diversiones".

Todo vale: ¿Te gustan tanto las patatas fritas que desearías construir todo un bosque entero de ellas? Hecho. ¿Desearías usar cojines del sofá para navegar un cuarto lleno de lava? Bienvenido a Lavalandia.

"Imaginalandia es donde todas las fantasías y sueños de Riley se construyen y hacen realidad", dice Docter. "Es un sitio donde vas a jugar".

Y como todos los buenos parques de diversiones, algunas atracciones duran toda la vida y otras son reemplazadas: las fantasías preescolares de princesas dejan lugar a generadores de novios imaginarios. "Desde el comienzo", dice Docter, "queríamos mostrar la idea del crecimiento. Así que, a medida que ella crece, ciertas fantasías y áreas de Imaginalandia son derribadas".

Encerrados dentro del SUBCONSCIENTE están todos los más oscuros miedos de Riley. Según Kim White, director de fotografía e iluminación, la iluminación del Subconsciente es un guiño a los films de terror. "Es oscuro y usamos muchos colores brillantes", cuenta White. "Es excesivamente teatral; la llevamos al extremo para que parezca un poco espeluznante. Es el tipo de secuencia que la gente recordará".

Uno de los lugares más singulares y audaces en la mente de Riley, PENSAMIENTO ABSTRACTO, es el área que convierte ideas, Emociones y amigos imaginarios en formas y líneas bidimensionales. Según Docter, es probablemente el área más nueva en la mente de Riley. "El pensamiento abstracto se desarrolla alrededor de los diez años de edad".

Aunque aún está en construcción, Pensamiento Abstracto muestra la transformación de Riley de una niña en una adulta joven, quien puede ver más allá de lo que está justo frente a ella.

TREN DEL PENSAMIENTO es un tren todo-terreno con una vía autogenerada que entrega sueños, ideas y otros pensamientos al Cuartel General. También se usa para transferir recuerdos a distintas regiones de la mente de Riley. Pero tomen nota: cuando Riley duerme, también lo hacen sus operadores.

Los diseñadores concurrieron a un museo de trenes para desarrollar el aspecto. También consultaron a Lasseter, entusiasta de los trenes, y sus colecciones personales.

Las ISLAS DE PERSONALIDAD de Riley son alimentadas por recuerdos centrales, que son recuerdos de momentos extremadamente importantes en la vida de la niña. Docter explica: "Las Islas físicamente representan la personalidad de Riley, que es lo que está en juego para Alegría en el film. Los recuerdos importantes son aquellas cosas que uno cree que recordará hasta el final de sus días. Son esos grandes momentos que todos tenemos y que nos llevaron a ser quienes somos".

Cada isla define un aspecto diferente de la personalidad de Riley:

· Isla de Hockey

· Isla de Amistad

· Isla de Familia

· Isla de Tonterías

· Isla de Honestidad

Según Eggleston, las islas se ubican un promedio de más de 11 kilómetros fuera del Cuartel General. "Cada isla tiene un puñado de estructuras emblemáticas que debían ser claras para la audiencia", explica. "No podían estar demasiado cerca porque parecerían muy grandes. Y tampoco podían estar demasiado lejos, o no se las vería. Teníamos muy poco tiempo para crear algo bueno visualmente".

Profundo y amplio, el BASURERO MENTAL es un vasto páramo de recuerdos olvidados y borrosos. ¿No puedes recordar la combinación del casillero para salvar tu vida? Seguramente allí es donde está.

MINNESOTA es el hogar de Riley, al menos antes de que ella y su familia se trasladen hacia el otro lado del país. Allí es donde ella se enamora del hockey y donde sus amigos viven.

Docter, quien creció en Minnesota, pensó que sería una buena representación de la infancia. "Aun ahora, cuando regreso allí, me sorprendo de pararme en algún sitio y no ver nada en el horizonte; no hay montañas ni edificios. Sin embargo, extrañamente, tengo la sensación de estar bajo una cúpula: me siento protegido y seguro".

La gran mudanza requería una serie de detallados platós diseñados para transportar a Riley -y al público- hacia un lugar muy distinto. El supervisor de platós Robert Moyer indica: "Cuando dejamos Minnesota vemos girasoles, campos de trigo y una toma de una intersección, seguido por tomas de montañas, desierto y el Condado de Marin. Mostramos el puente Golden Gate, el Embarcadero y una o dos tomas de Lombard Street. A medida que ellos se acercan a su nuevo hogar, vemos Hyde Street; básicamente un montaje de 13 tomas con una serie de locaciones realmente únicas".

Para Riley -y por lo tanto, también para sus Emociones- SAN FRANCISCO representa lo desconocido, lo cual genera grandes reacciones en Temor, Furia, Desagrado y Tristeza, mientras que Alegría intenta mantener a todos tranquilos.

Los realizadores eligieron dicha ciudad por sus cualidades particulares. "En lugar de hacerlo en cualquier sitio de EE.UU., queríamos algo específico", señala Docter. "San Francisco es muy pintoresca".

Pero ellos se dispusieron a retratar la ciudad -al menos en parte- desde el punto de vista de Riley. "San Francisco no es el hogar de Riley", dice Berry. "Se siente como una ciudad un poco sucia y deteriorada. No queríamos que se viera decrépita, pero queríamos darle a la ciudad una cualidad de suciedad y grunge".

Eggleston quería capturar el estilo áspero y superpuesto de pintura del film animado de Disney, 101 DÁLMATAS, con texturas de San Francisco. "No queríamos replicar la película", dice. "Pero lo utilizamos para hallar una forma simplificada de replicar lo que realmente vemos en la ciudad: ventanas tapadas, grafitis repintados y silenciados, colores borrosos que podrían realzarse con la luz vaga y neblinosa que pensábamos implementar".

¿CÓMO ILUMINAR UNA BOMBILLA ELÉCTRICA?

El Equipo de Iluminación Hace que Alegría Resalte y Ayuda a Definir los Dos Mundos

Los realizadores estaban ansiosos por llevar al público a la mente de Riley, de 11 años de edad, construyendo todo un nuevo mundo nunca antes imaginado. Pero el Mundo Mental sería presentado junto con el mundo exterior y "real", lo cual suponía algunos desafíos. "Debíamos encontrar la forma de ayudar a los espectadores a saber cuándo estábamos en cada mundo", dice Kim White, director de fotografía e iluminación. "Fuera de la mente, usamos contrastes y saturaciones bajas, mientras que el aspecto dentro de la mente es más teatral. Es muy saturado y tiene toneladas de contraste. Eso hace que sea posible reconocer, en un instante y a medida que el film avanza y retrocede, en qué mundo estamos".

Pero para apoyar la historia, White y su equipo jugaron con una regla general. Por ejemplo, desde el comienzo de la película, Riley está feliz. Los realizadores optaron por hacer el mundo humano más saturado para esas secuencias, casi alineado con el Mundo Mental. "Luego, ella se muda a San Francisco y las cosas cambian", dice White. "Las cosas no están del todo bien para Riley. Su mundo se vuelve menos saturado, mientras que el Mundo Mental permanece muy saturado. Así mostramos la desconexión intencional".

Según White, el equipo realiza ajustes a la iluminación en la Mente mientras Riley comienza a desmoronarse. El Mundo Mental comienza a adoptar la iluminación y los colores de una tormenta que se avecina. La sensación ominosa y melancólica de la iluminación pone de relieve la trama, mostrando cuán grave la situación es. "Desde luego, queremos que nuestros sets, personajes y mundos sean atractivos", dice White. "Pero nuestro objetivo número uno para cada espectáculo es apoyar la historia de una forma que el público perciba, aunque sin darse cuenta demasiado".

ELLA REALMENTE ILUMINA LA HABITACIÓN AL ENTRAR

Tal vez el mayor desafío, sin embargo, cuando se trató de la iluminación de INTENSA-MENTE, fue la optimista Alegría. Los cineastas sentían que una Emoción que representa la felicidad debía iluminar una habitación con su luz propia. Así que Alegría, que aparece en casi todas las secuencias ambientadas en el Mundo Mental, es realmente una fuente de luz. "El problema es que si uno toma una foto de una bombilla", cuenta White, "es sólo luz pura. No hay definición. Queríamos que el rostro de Alegría fuese redondo y atractivo".

Angelique Reisch, quien se desempeñó como una de las artistas técnicas principales, fue convocada al comienzo de la producción para hacer frente al desafío. Reisch tomó la iniciativa del diseñador de producción Ralph Eggleston y el departamento de arte. "Había un tono pastel que Ralph había hecho al comienzo, que era absolutamente impresionante", cuenta ella. "Él creó un resplandor interior realmente brillante, más brillante que su exterior, y coloreó con rosa de un lado y blanco del otro. Era hermoso".

El tono pastel inspiró el uso del equipo de tonalidad versus valor para lograr la forma deseada de las características de Alegría. El uso de color -de amarillos más tenues hasta naranjas intensos e incluso rojos- genera en Alegría lo mismo que los ajustes en los valores generan tradicionalmente en un personaje.

Alegría, como fuente de luz, presentaba algunos retos para la nueva tecnología. INTENSA-MENTE se convirtió en la primera película en usar una luz geométrica. Reisch comenta: "En lugar de usar una luz erguida o una serie de esferas, tomamos una pieza de geometría y la convertimos en una fuente de luz. Así que, en este caso, Alegría es una luz. Y, así, obtenemos una iluminación realmente natural: si ella toca el papel, éste se verá más brillante porque ella hace contacto".

Algo que resulta interesante es que Alegría no proyecta sombra. Reisch cuenta: "Se nos ocurrió un enfoque diferente para ella. Las otras Emociones reciben luz como cualquier otro personaje; luz maestra del plató, además de luces especiales para su brillo y sus volúmenes. Pero Alegría tiene su propia plataforma especial, así que ella emana luz en ellos. Y ella no recibe luz, por ejemplo, de la pantalla del Cuartel General. Otras fuentes de luz no la afectan porque ella es la fuente más brillante.

"Pero lo que realmente me gusta es cuando ella tiene una escena con otro personaje, por ejemplo Tristeza", continúa Reisch. "Uno puede pasar el resplandor de Alegría a Tristeza para decir algo acerca de esa relación".

Al igual que una buena copa de champán, Alegría es también efervescente. Debajo del volumen, esas partículas que conforman las Emociones, hay una superficie corporal. "Mezclamos su sombreado superficial para darle ese aspecto efervescente", cuenta Reisch. "También usamos herramientas e iluminación para que los iluminadores pudieran trabajar con la versión superficial de Alegría frente a la versión volumen. Eso permitió que fuera más rápido iluminarla".

MÁS DE LAS EMOCIONES

Alegría no es la única Emoción que brilla.

· Tristeza tiene su propio resplandor azul; no será tan brillante como el de Alegría, dice Reisch, pero es igualmente especial.

· Desagrado y Temor también brillan, pero en menor medida. Y el único cabello de Temor requirió su propia iluminación.

· Furia no tiene brillo, pero se ilumina con el fuego cada vez que se enoja realmente mucho.

CON MÚSICA INTENSA

Michael Giacchino Crea la Emocional Música Incidental del Film

INTENSA-MENTE necesitaba una banda de sonido que capturara el espíritu emotivo de la trama, y el director Pete Docter supo exactamente quién podía lograrlo. "Michael Giacchino tiene muchísimo talento y versatilidad; además, él es una persona muy colaboradora", asegura Docter.

Giacchino trabajó con Docter en UP: UNA AVENTURA DE ALTURA (que le valió un premio Oscar a la Mejor Música Original) y también en las películas de Disney•Pixar CARS 2, RATATOUILLE y LOS INCREÍBLES. Pero, según el compositor, INTENSA-MENTE fue distinta. "Pete [Docter] quería que la música viniera de adentro, de los pensamientos más internos", cuenta el compositor. "Queríamos algo atmosférico, algo que no fuese música tradicional de película".

Según el compositor, el objetivo de la música refleja el objetivo de la película. "Debía ser emotiva", dice Giacchino. "No estaba seguro de cómo sonaría, pero sabía cómo quería que se sintiera. Esta película es muy personal".

Giacchino, quien -al igual que Docter- es padre de una hija adolescente, preparó una suite de 12 minutos que capturó esa intimidad. Dentro de los 12 minutos hay una melodía sencilla pero eterna, que el compositor relaciona con Alegría. Para Tristeza, empleó instrumentos como el bajo, el clarinete y la tuba; o el piano, para momentos emotivos. "Ella no queda relegada a un único instrumento", dice Giacchino. "Ninguna de las emociones lo está. Los sentimientos no son cosa de una única nota; hay dimensión y profundidad".

La música fue grabada con una orquesta de 70 músicos, con órgano y sección rítmica que consistía en guitarras y un baterista. "Fue algo peculiar, en términos de orquestación, pero encajaba como un guante con este film", dice Giacchino.

El director y el compositor discutieron la música de la película en una obra en construcción donde Docter estaba construyendo una casa. "Había muchas piezas de metal allí y mi hijo preguntó si podía llevarlos a casa", dice Giacchino. "Comenzamos a golpearlos con distintas cosas y descubrimos que tenían un lindo sonido, así que los usamos en la música del film. Los percusionistas tocaron con ellos usando pequeñas pinzas de metal. Se lo puede escuchar en la primera pista, justo después de que cae la esfera de memoria".

Giacchino también jugó con moldes de hierro fundido, gigantes, empleados para tiestos. "Cuando los golpeas, hay una hermosa resonancia en ellos. Los grabamos y luego revertimos el sonido, así que se siente como recuerdos que vienen hacia ti. Probamos muchas cosas divertidas detrás de la escena para agregar textura a la música".

"Me divertí mucho componiendo la música", continúa Giacchino. "Hay una sección jazzera de los años 30 escrita para los Olvidadores, y tenemos terror clásico en el Subconsciente. La película realmente se mueve por todo el mapa musical, pero lo que más me gusta de ella es que nunca olvidamos que se trata de una historia emotiva".

DESCRIPCIÓN DE PERSONAJES

ALEGRÍA (voz original en inglés de Amy Poehler)

El objetivo de Alegría ha sido siempre asegurarse de que Riley sea feliz. Ella es alegre, optimista y está decidida a encontrar la diversión en cada situación. Para Alegría, los desafíos en la vida de Riley son oportunidades, y los momentos menos felices son como tropiezos en el camino de regreso a algo genial. Mientras Riley sea feliz, también lo es Alegría.

TEMOR (voz original en inglés de Bill Hader)

El trabajo principal de Temor es proteger a Riley y mantenerla a salvo. Él está constantemente en la búsqueda de posibles desastres y pasa tiempo evaluando los posibles peligros, dificultades y riesgos involucrados en las actividades diarias de Riley. Hay muy pocas actividades y eventos que Temor no considera peligrosos y potencialmente mortales.

FURIA (voz original en inglés de Black)

Furia es muy apasionado cuando se trata de asegurarse de que las cosas sean justas para Riley. Él tiene un espíritu ardiente y tiende a explotar (literalmente) cuando las cosas no marchan según lo planeado. Reacciona de forma exagerada y tiene poca paciencia ante las imperfecciones de la vida.

DESAGRADO (voz original en inglés de Mindy Kaling)

Desagrado es muy obstinada, extremadamente honesta y evita que Riley se intoxique, tanto física como socialmente. Ella está atenta a las personas, lugares y cosas con las cuales Riley entra en contacto, así sea algo de brócoli o la tendencia de moda del año pasado. Desagrado siempre tiene la mejor de las intenciones y se niega a bajar sus estándares.

TRISTEZA (voz original en inglés de Phyllis Smith)

Ninguna de las otras Emociones realmente comprende cuál es el papel de Tristeza. A ella le encantaría ser más optimista y útil para mantener a Riley feliz, pero le resulta difícil ser positiva. A veces parece que lo mejor que puede hacer es tumbarse en el suelo y soltar un gran llanto.

DATOS CURIOSOS

Fase 1

BAJO LA LUPA - Los recuerdos de fondo en los estantes dentro y fuera del Cuartel General son tomas de una escena de UP: UNA AVENTURA EN ALTURA llamada "Vida de casados".

VIAJE POR LA CARRETERA - Mientras Riley y sus padres se dirigen a San Francisco, se encuentran con pájaros sobre un cable de teléfono que provienen del cortometraje PARA LOS PÁJAROS, creado en 2000 por el diseñador de producción Ralph Eggleston.

DECORACIÓN GLOBAL - El globo terráqueo en el aula de Riley se ha utilizado en todas las películas de la saga TOY STORY.

MODA FAMILIAR - Uno de los compañeros de clase de Riley lleva una prenda con un patrón de camuflaje compuesto por personajes de TOY STORY.

PEGADO A TI - Algunos de los automóviles de fondo de la ciudad de San Francisco poseen en sus parachoques calcomanías con motivos alusivos a CARS.

EXPERTOS EN TECNOLOGÍA - La compañía del padre en la película, Brang, es una palabra sin sentido, creada con la única intención de sonar como una nueva empresa que encajaría perfectamente con la escena tecnológica de San Francisco.

LETRETOS - En un letrero ubicado en un parquímetro de San Francisco se lee: "Monedas de 25 centavos de dólar, o trueque durante Burning Man" [Nota: Burning Man es un famoso festival que tuvo sus orígenes en esa ciudad, en sus comienzos].

TODO SE TRATA DE LA UBICACIÓN - Como tributo al Walt Disney Family Museum, los realizadores establecieron la pista de hockey de Riley en el punto exacto donde se encuentra el museo, en San Francisco.

FICHA

Elenco vocal
(versión original, en inglés): Amy Poehler, Bill Hader, Lewis Black, Mindy Kaling, Phyllis Smith, Diane Lane,
Kyle MacLachlan, Kaitlyn Dias.
Director: Pete Docter.
Codirector: Ronnie del Carmen.
Productor: Jonas Rivera.
Guión de: Pete Docter, Meg LeFauve, Josh Cooley.