Ceguera: Sinopsis, elenco, ficha: Blindness | El Bazar del Espectáculo Cine

SINOPSIS

El ganador del Premio Nobel de literatura, José Saramago y el aclamado director Fernando Meirelles (El Jardinero Fiel, Ciudad de Dios) nos traen una conmovedora historia sobre la humanidad en medio de una epidemia de una ceguera misteriosa.

Es una investigación valiente de la naturaleza, tanto buena como mala - de los sentimientos humanos como el egoísmo, oportunismo y la indiferencia, pero también de la capacidad de compadecer, de amar y de perseverar.

La película comienza con un ritmo acelerado, con un hombre que pierde la vista de un instante al otro mientras se dirige de su casa hacia el trabajo y que se ve envuelto en una especie de aterradora niebla lechosa.

Una por una, cada persona con la que se encuentra - su esposa, su doctor, incluso un aparentemente buen samaritano que le ofrece un aventón para llegar a su casa sufrirá el mismo destino. A medida que la enfermedad se esparce, el pánico y la paranoia contagian a la ciudad.

Las nuevas víctimas de la "ceguera blanca" son cercadas y colocadas en cuarentena en un hospicio que se está cayendo a pedazos, donde cualquier semejanza con la vida cotidiana comienza a desaparecer.

Dentro del hospital aislado, entretanto, hay una testigo ocular secreta: (JULIANNE MOORE, cuatro veces nominada al Óscar) que no fue contagiada, pero finge estar ciega para permanecer al lado de su marido (MARK RUFFALO). Armada de un valor cada vez mayor, ella será la líder de una improvisada familia de siete personas que salen en una travesía, a través del horror y el amor, la depravación y la incertidumbre, con el objeto de huir del hospital y seguir por la ciudad devastada, donde ellos buscan una esperanza.

La travesía de la familia resalta tanto la peligrosa fragilidad de la sociedad como también el exasperante espíritu de la humanidad. El reparto incluye a: Julianne Moore (Lejos del Cielo, Las Horas), Mark Ruffalo (Zodíaco, Como Si Fuera Cierto), Alice Braga (Soy Leyenda, Ciudad de Dios), Yusuke Iseya (Sukiyaki Western Django, Kakuto) Yoshino Kimura (Sukiyaki Western Django, Semishigure), Don McKellar (Monkey Warfare, Childstar), Maury Chaykin (Julia, Una Mujer Seductora), Danny Glover (Soñadoras: Dreamgirls, El Color Púrpura) y Gael García Bernal (Babel, Diarios de Motocicleta, Y Tu Mamá También).

SOBRE LA PRODUCCIÓN

En 1995, el aclamado escritor portugués José Saramago publicó la novela Ensayo Sobre La Ceguera, una fábula apocalíptica sobre una plaga de ceguera que ataca, primeramente, únicamente a un hombre, después a una ciudad entera, y después a todo el planeta, con una furia y velocidad devastadoras. A pesar de que la historia narra la espeluznante pérdida de la vista, el libro abre los ojos de sus lectores a un nuevo y sorprendente punto de vista sobre el mundo.

El libro fue aclamado por los críticos como un clásico, una magnífica parábola sobre nuestros tiempos tan propensos a los desastres y sobre la metáfora de nuestra ceguera en el trato con los demás. Entró en todas las listas de los libros más vendidos y contribuyó para que Saramago ganara el Premio Nobel de Literatura en 1998.

A medida que la novela ganaba millones de fans alrededor del mundo a una velocidad impresionante, muchos realizadores de cine se interesaron por su complejo mundo de fantasía, nunca antes visto en la pantalla grande. A final de cuentas, ¿cómo lograr una estética conmovedora un una película en la cual casi nadie puede ver? Era necesaria una gran visión. Fernando Meirelles, en esa época un desconocido candidato a director, trató de comprar los derechos del libro. Pero, en aquella ocasión, Saramago rechazó a todos los pretendientes, alegando no estar interesado en una versión cinematográfica de Ensayo Sobre La Ceguera. Meirelles se embarcó, entonces, en la filmación de otra película conmovedora: la innovadora, electrizante y, aún así lírica, historia de dos jóvenes en medio de la criminalidad de las favelas brasileñas, Ciudad de Dios.

Entretanto, el multi-talentoso guionista canadiense, actor y director Don McKellar también intentaba adquirir los derechos de Ensayo Sobre La Ceguera. McKellar, cuyas películas incluyen el drama apocalíptico Last Night, se sintió atraído por las historias de Saramago así como la versión en inglés de Ensayo Sobre La Ceguera, y sabía que no estaría en paz hasta no escribir su visión de la adaptación. Buscó al productor Niv Fichman, de Rhombus Media - con quien ya había trabajado, tanto en Last Night, como en el libreto ganador del Óscar El Violín Rojo - para discutir la idea de la película y asegurar los derechos del libro. Después de leer la obra, Fichman quedó igualmente encantado con la historia, pero sólo restaba vencer un gran obstáculo: convencer a Saramago.

"Siempre me resistí [a liberar los derechos de Ensayo Sobre La Ceguera] porque es un libro violento sobre la degradación social y yo no quería que la historia cayese en las manos erróneas", Saramago platicó al periódico New York Times, en 2007.

Fichman y McKellar, mientras tanto, no desistirían tan fácilmente. Todo lo que querían era una oportunidad de encontrarse con Saramago y presentarle su proyecto. Después de meses de insistentes llamadas, de tentativas de persuasión, finalmente recibieron la respuesta de Saramago. Estaba de acuerdo en encontrarse con ellos, mientras estuvieran dispuestos a viajar a su residencia en Lanzarote, una de las Islas Canarias, en España. La respuesta inmediata de Fichman fue: "Excelente. Claro. ¿Dónde queda Lanzarote?"

En el camino a la visita con el octogenario escritor, desarrollaron una estrategia. No discutirían del libro o de su visión para la película, sino que tratarían de impresionar a Saramago con la libertad creativa que el equipo, con sede en Canadá, tendría en la película. "Creo que Saramago estaba receloso de que un estudio transformara la historia en una película de zombis y perdiera el fondo político que contiene el libro", dice Fichman. "Entonces le explicamos que el control quedaría en las manos de los directores y que nuestros ensayos no tendrían que ser vistos por terceros. Explicamos también que tendríamos la libertad de escoger al elenco que quisiéramos, de filmar como quisiéramos, y de hacer lo que creyéramos bueno para la película".

La estrategia tuvo éxito. "Creo que Saramago se impresionó con nuestra seriedad en relación al proyecto. Se dio cuenta que nos apegábamos a la integridad que buscaba y que no comprometeríamos el libro", recuerda McKellar.

Por fin, Saramago acabó otorgando su consentimiento y McKellar dio inicio a los dos mayores desafíos de su carrera. McKellar explica: "Sabía que el tono del libro de Saramago sería muy difícil de capturar en una película, ya que ninguno de los personajes tiene nombre o historia, y que no entraba en los patrones de las historias típicas de Hollywood. La película, de la misma forma que la novela, nos motiva a ver las cosas desde una perspectiva distinta. Yo, como guionista, veo eso como algo liberador".

McKellar también entendía que la película debía diferir del libro en varios puntos importantes. En primer lugar, tenía que considerar la idea de que, en una sala de cine, el público desarrollaría una relación de voyerismo poco común con aquellos personajes que pueden ser vistos, pero que ellos mismos no pueden ver. Únicamente la Mujer del Médico puede percibir los acontecimientos angustiantes que comienzan a perturbar la ciudad. En el libro, el lector se une a ella como testigo de toda la historia. La línea de la visión estaba dividida entre el personaje y los lectores. Se trataba de una situación delicada en la cual McKellar tenía que navegar con cuidado.

"Igual que la Mujer del Médico, el público ayuda a aquella gente y la situación recae en una verdadera cuestión ética de humanidad, que observa y no actúa frente al drama ajeno, y que se vuelve el tema principal de la película", observa McKellar. "En algunas escenas, principalmente en la escena del estupro, vemos cosas que no necesariamente queremos ver."

"Queremos tener la libertad de desviar la mirada, de voltear el rostro, pero no nos es permitido. Yo quería que el público compartiera el punto de vista de la Mujer del Médico, toda vez que el campo de responsabilidad de ellos coincide".

La Mujer del Médico ayudó a McKellar a ir formando una historia. Continúa: "Hasta le llegué a preguntar a Saramago porqué la Mujer del Médico tardó tanto tiempo para tomar alguna postura en relación al hospital. ¿Por qué no actuó más rápidamente? ¿Por qué, cuando vio lo que estaba pasando, no tomó unas tijeras y mató al verdugo? Era una responsabilidad que ella no sabía que tenía que asumir. Se concientiza por medio de las acciones y circunstancias, y hace algo que tenía que sentirse de manera fuerte en la película."

A fin de cuentas, el poder del libreto fascinó a todos los que lo leyeron y también atrajo a tres productoras: Andrea Barata Ribeiro y Bel Berlinck, de O2 Filmes, que produjeron Ciudad de Dios, una versión cinematográfica de la serie Cidade dos Homens; y Sonoko Sakai, fundadora de la productora Bee Vine Pictures, con sede en Los Ángeles y en Japón, que produjo recientemente la adaptación de François Girard de Pasión Prohibida.

SOBRE LA PRODUCCIÓN

VUELO A CIEGAS: FERNANDO MEIRELLES TOMA LA DIRECCIÓN

Una vez que Niv Fichman leyó que Don McKellar escribiría para Ensayo Sobre La Ceguera, sabía que los dos necesitarían un director con un profundo interés en el espectro de la naturaleza humana. Esto los llevó directamente a Fernando Meirelles, cuya película Ciudad de Dios, fue nominada a cuatro Óscares, incluyendo en la categoría de Mejor Director. Meirelles dirigió la sensible adaptación para el cine del thriller político escrito por John Le Carré, El Jardinero Fiel, estelarizada por Ralph Fiennes y Rachel Weisz, ganadora del Óscar como Mejor Actriz.

Su habilidad de llevar al público a conocer mundos nuevos, capaces de cambiar nuestra perspectiva con un sentido estético ambicioso, fue un factor decisivo para la elección de Meirelles. "Cuando yo soñaba sobre lo que sería perfecto para Ensayo Sobre la Ceguera, pensaba en una energía cinética y en las actuaciones naturales de Ciudad de Dios, combinadas con la elegancia y el sutil carácter político presente en El Jardinero Fiel, entonces supe que Meirelles sería la elección correcta", dice Fichman. "Comenzamos con un libro escrito por un ganador del Premio Nobel, encomendamos una adaptación a uno de los mejores libretistas del mundo, y ahora con uno de los más innovadores directores, creamos un paquete que nos dio una fuerza increíble".

"Cinco minutos de conversación fue todo lo que necesitamos para convencer a Meirelles de aceptar la dirección de Ensayo Sobre la Ceguera", recuerda la productora Andrea Barata Ribeiro. "Fernando tiene la capacidad de filmar cualquier tipo de película, pero todos los que han trabajado con él saben de su preocupación por transformar al mundo en un lugar mejor, además del cariño especial que siente por esta historia".

Meirelles leyó y releyó el libro seis o siete veces, dejando que la compleja representación que Saramago hace de la humanidad en un estado excepcional invadiera su vida.

Él entendía que la historia podría ser interpretada de innumerables formas - como una metáfora sobre las relaciones personales y políticas en los recientes desastres naturales; una alegoría sobre los peligros del futuro; un comentario sobre la elección de no querer ver lo que acontece a nuestro alrededor; una reflexión sobre nuestros instintos más primarios; una prueba de la consciencia humana y de todas sus flaquezas desesperadoras y fuerzas sorprendentes. Quería que la película fuera todas esas cosas aunque no lo hiciera explícitamente.

"Esta historia no exige una sola lectura, y todas las diferentes interpretaciones tienen sentido", dice. Y continúa: "Hay muchos dilemas morales y creo que la película va más en esta dirección que el propio libro, donde las cosas son un poco más negro sobre blanco. Añadí un puñado de grises. Ésta es una historia que debe inspirar diversas preguntas, pero que no nos da respuesta alguna. Levanta cuestionamientos sobre la evolución humana, nos hace reflexionar críticamente, pero no apunta hacia una dirección específica. Así como en la historia, cada uno tendrá que descubrir su propio camino a seguir".

Pero, en cuanto al estilo visual de la película, Meirelles evitó el gris. Quería enfatizar la inesperada ceguera especificada por Saramago, pero no una oscuridad total, sino una neblina que fuese impermeable, radiante y oscura, y que no cubriese al mundo. "Mi primer instinto fue transformar esa historia sombría en una película radiante, casi con una luminosidad excesiva", comenta. A pesar de todo, aún con el fin de la vista, de la civilidad y de las estructuras sociales para los personajes, la película mantiene una luminosidad vibrante que sugiere justamente una luz del otro lado de la oscuridad.

Meirelles, junto con su socio y cinematógrafo César Charlone, es conocido por hacer películas visualmente arrebatadoras, vigorosas, con temas desafiantes y en lugares amenazadores, pero con Ensayo Sobre la Ceguera se enfrentó al mayor desafío de todos: ¿cómo filmar una historia en la cual ninguno de los personajes, con la excepción de uno, tiene un punto de vista?

Para resolver la cuestión, Meirelles arriesgó una alternancia entre puntos de vista diferentes a lo largo de la película. Ésta comienza con un ventajoso punto de vista del director omnisciente, dentro del hospital usado como una especie de prisión, después cambia a la visión de la Mujer del Médico, puesto que ella es la única que puede percibir.

El resultado es una especie de multiplicidad de voces y perspectivas, que hace eco al estilo de la prosa de Saramago e indica un modo diferente de percibir. Para enfatizar este aspecto, Meirelles dividió la historia en lo que el entendió como tres secciones estilísticamente distintas. "El primer acto es cuando todos se quedan ciegos y todo acontece de manera muy acelerada. Es casi como si fuera una película de acción", explica. "Sentía que era importante para el público experimentar la opresión de no saber lo que estaba pasando al principio", observa.

Enseguida, nuevamente, todo cambia. "Para el segundo acto, cuando el médico y su esposa llegan hasta el asilo y experimentan la ceguera, usamos imágenes abstractas para encajar con la sensación de realmente estar perdido. La historia sigue una dirección diferente con luchas entre los grupos en una especie de guerra entre pandillas. Después del incendio en el asilo, se abre una nueva puerta, las personas se van y es como si, nuevamente, comenzara otra película", nos adelanta.

A pesar de la complejidad a abordar, una vez en el set de filmación Meirelles se distinguió por su sensibilidad abierta, permitiendo la improvisación y los accidentes creativos. El director también incluyó en la mezcla el aspecto global que la producción cargaba. "Fernando tiene el don de desarmar a todos. No hay límites para él. En el set, oíamos portugués, inglés, francés, español y japonés, y aún así, todos hablábamos el mismo lenguaje - el lenguaje de hacer una bella historia" resume la productora Sonoko Sakai.

EL MÉDICO Y SU ESPOSA: JULIANNE MOORE Y MARK RUFFALO

En el centro de Ensayo Sobre la Ceguera , están el Médico y la Mujer del Médico, dos personas comunes que son retiradas de sus vidas cotidianas y arrojadas a un caos de desorientación y confusión. La Mujer del Médico, la única persona en la historia, que por azares del destino, es inmune a la infección y que logra percibir (a pesar de fingir que se ha quedado ciega), transformándose de cierta forma en los ojos del público. Ella es la guía del público en el atemorizante y amenazador mundo del sanatorio abandonado adonde son llevados. Para interpretar a la Mujer del Médico, el director eligió a Julianne Moore, cuatro veces nominada al Óscar, conocida por Lejos de Casa, Las Horas, El Ocaso de un Amor y, más recientemente, Niños del Hombre, la visión pesimista del futuro de Alfonso Cuarón. Moore sintió una afinidad instantánea con el personaje, a quien ella no atribuye el título de heroína, sino que la ve como alguien en busca de sobrevivencia, igual que todos nosotros, una búsqueda que la lleva a lugares oscuros, pero también a una fuerza interior que no imaginaba poseer.

"La Mujer del Médico es un ser humano normal y creo que ésta es una de las mejores cosas de la novela. Ella es falible y mucho de lo que hace, en un primer momento, es apenas un indicio de lo que podría hacer, manteniendo las cosas en orden y funcionando. Su mayor preocupación, al comienzo, es su marido. Pero la habilidad que tiene para percibir, termina aislándola y transformándola en líder", comenta Moore. Y sigue: "Creo que, con ese personaje, Saramago hizo alusión a la idea de la responsabilidad. Ella se pregunta quiénes somos y qué tan responsables somos por los demás, por el mundo en que vivimos y por lo que hacemos en él. Tenemos que considerar cuan conscientes estamos de las consecuencias de nuestros actos, lo que realmente es la cuestión básica para la Mujer del Médico".

Hace tiempo que la actriz tenía el deseo de trabajar con Meirelles, cuando por fin, recibió el libreto de Ensayo Sobre la Ceguera. "Cuando supe que él iba a hacer esta película, me sentí con muchas ganas de participar. Es un director brillante, con una visión deslumbrante", nos dice. "Entonces, después de leer el libreto, percibí que Ensayo Sobre la Ceguera sería muy importante y una historia muy necesaria en la actualidad."

Julianne Moore sorprendió a los realizadores al llegar al set con el cabello rubio. Meirelles había pedido a la actriz cortar su cabello para la película, pero Moore fue un poco más allá en la transformación, una idea que se le ocurrió en cuanto leyó el libreto. "Simplemente tuve el instinto de que era lo correcto para el personaje", explica. "Ser pelirroja hace que llames mucho la atención, porque somos una minoría. Yo quería que la esposa fuera alguien común, que perteneciera a la mayoría".

En el set, Meirelles se sorprendió con la combinación que Moore tenía de talento y delicadeza emocional. "Técnicamente, es como una máquina; decimos algo y reacciona inmediatamente, entiende la historia perfectamente, el momento, la trama y sabe precisamente a qué distancia posicionarse de la cámara. Al mismo tiempo, ella es cine puro. Tiene algo que no sé bien cómo definir. ¿Carisma? ¿Expresividad? Sea lo que sea, todos los días me sentí asombrado con su actuación", elogia.

Contrastando con el creciente valor de la Mujer del Médico, la bravura del Médico disminuye cada vez más. Él comienza la historia como un líder comunitario fuerte y responsable que, una vez ciego y atrapado en el hospital, tiene que luchar contra una creciente sensación de impotencia y desesperación que lo lleva a la sumisión. Para interpretar al Médico, los directores eligieron a Mark Ruffalo, cuya carrera despegó con el encantador y vulnerable papel que interpretó en el éxito independiente Puedes Contar Conmigo, y siguió con memorables papeles en una serie de películas que incluyen Eterno Resplandor de Una Mente Sin Recuerdos, Colateral, Como Si Fuera Cierto, Zodiaco y más recientemente, Camino a la Redención, con Joaquin Phoenix. Ruffalo fue la elección perfecta para este pilar de la comunidad que navega en esta incomprensible pesadilla.

Inmediatamente después de leer el guión, Ruffalo no consiguió resistirse a explorar la intensa experiencia del Médico en el terreno desconocido que es la vida de una persona que acaba de quedar ciega. "Lo que sentí interesante es que el Médico acaba descubriendo que no es la persona en la que se termina convirtiendo y entonces, en un momento conmovedor, descubre que su esposa tampoco es quien él pensaba. El punto central y más interesante de la cuestión es que su esposa presenta una faceta que él mismo esperaba presentar en tales circunstancias. Él es justamente el tipo de persona que imaginaba que era su esposa. Éste es un momento difícil para todos: que tus percepciones sean completamente destruidas", dice. "Pero creo que el Médico finalmente acepta pacíficamente sus flaquezas y su caída, y admite sentir admiración por la fortaleza de la esposa".

Ruffalo se encontró por primera vez con Meirelles en el Festival de Cine de Cannes de 2007, para discutir el personaje del Médico, pero las filmaciones iban a coincidir con la fecha prevista para el nacimiento del tercer hijo del actor. A pesar de querer mucho el papel, Ruffalo dejó claro que necesitaba estar con su esposa para el nacimiento de su hijo. Meirelles, mientras tanto, estaba convencido de que Ruffalo era el actor adecuado para el papel y en consecuencia, adelantó un poco la fecha de la finalización de la filmación de Ensayo Sobre la Ceguera para liberar a Ruffalo a tiempo y, felizmente, el bebé también cooperó.

Meirelles resume el trabajo de Ruffalo: "Mark tiene una honestidad cruda, no únicamente en los personajes que interpreta, sino en su vida privada. Aporta ternura al Médico y creo que su actuación en la película fue brillante".

EL VIEJO DEL PARCHE NEGRO: DANNY GLOVER

Si la Mujer del Médico volviera la mirada de Ensayo Sobre la Ceguera al personaje conocido como el Viejo del Parche Negro daría un acceso directo al alma de la película. Un inveterado contador de historias que también sirve de narrador a la película, fue visto por Fernando Meirelles como una manifestación del autor José Saramago en la pantalla. "Para mí, fue como tener al novelista en el elenco", observa Meirelles.

Paciente del Médico y ya ciego de uno de los dos ojos cuando la "niebla blanca" ataca, el Viejo del Parche Negro está en una posición privilegiada para navegar en el mundo de los ciegos, por estar ya a mitad del camino. El público lo conoce cuando trae la noticia - ¿o será un rumor? - de lo que ocurrió en el mundo exterior en los días siguientes a la llegada de los primeros ciegos internados en el hospital contando historias de autobuses destruidos, de aviones haciéndose pedazos unos a otros y de la disolución del gobierno. Pero, a medida que va avanzando la película, se convierte en la voz interior de la historia, y por fin acaba como si se hubiera desencarnado y estuviera sobrevolando los acontecimientos.

El personaje exigía un actor maduro, lleno de alma y gracia, lo que llevó a la producción al actor Danny Glover, experimentado actor que ha interpretado una cantidad impresionante de papeles diversos, desde acción cómica en la serie de Arma Mortal, que coprotagonizó con Mel Gibson, hasta la interpretación de Nelson Mandela en el telefilme Mandela; pasando por el personaje de Paul Garner, en la adaptación que hizo Jonathan Demme de Amada Hija, de Toni Morrison, el personaje de Albert en la adaptación cinematográfica de Steven Spielberg de la historia El Color Púrpura, hasta su reciente papel en el exitoso musical Soñadoras: Dreamgirls.

"El Viejo del Parche Negro entra a este mundo de ceguera ya ciego de un ojo, entonces creo que entiende dónde se encuentra, tiene su propia verdad interior. Creo también que este personaje tiene un parecido con Saramago, porque es completamente implacable; él es igual y acepta quien es", explica Glover.

Por encima de todo, Glover se sintió atraído por la profundidad de Ensayo Sobre la Ceguera y por todas las distintas ideas provocadas por el libro. "Nuestra estética humana está basada en nuestra capacidad de percepción", resalta. "Y creo que Saramago dice que cuando esa habilidad se nos retira, el tipo de relaciones que establecemos a partir de eso y la travesía para establecer esas relaciones, debe trascender a todo eso y sustentarse a pesar de todo. La manera en que las personas salen de este tipo de experiencias es fundamental, y creo que todo se relaciona con la idea de que si no entramos a los siglos 21 y 22 con una nueva ética, estaremos perdidos".

LA MUJER DE LOS LENTES OSCUROS: ALICE BRAGA

Uno de los personajes más misteriosos en Ensayo Sobre la Ceguera es la Mujer de los Lentes Oscuros, interpretada por Alice Braga, que trabajó por primera vez con Fernando Meirelles dando vida al personaje de Angélica en Ciudad de Dios, y que estelarizó recientemente la historia apocalíptica Soy Leyenda, alternando con Will Smith. Meirelles siempre pensó en ella para el papel. "Alice es una excelente actriz y una íntima amiga, siempre quise un actor brasileño en Ensayo Sobre la Ceguera", dice. "Primeramente, tenía algunas preocupaciones porque tenía que actuar en inglés, un idioma que aprendió tan sólo hace tres o cuatro años - pero me arriesgué y valió la pena. Creo que tiene el tipo de carisma que ya nace con la persona".

Alice Braga hizo del personaje alguien que comienza lleno de secretos y que es bastante enigmático, pero que revela un ser humano rico y abierto, principalmente cuando comienza a acercarse al huérfano Niño Estrábico, que necesita su ayuda para sobrevivir a los peligros del "campo" de cuarentena. "La Mujer de los Lentes Oscuros es misteriosa", dice Braga. "A pesar de que se acuesta con hombres para ganar dinero fácil, no quería tratarla únicamente como prostituta. Ella empieza con una actitud bien dura, pero acaba desarrollando sentimientos maternales muy fuertes".

Meirelles quedó impresionado con la manera en como Braga condujo la evolución del personaje: "Cuando ella llega por primera vez al hospital, con sus lentes oscuros y su cabello rizado, el público no sabe inmediatamente quién es, no entienden la relación que ella tiene con el Niño. Parece fría, sin afecto. Pero, entonces, ella comienza a percibir con otros ojos, los de adentro. Escena a escena, comienza a parecer más afectuosa, más parecida a un ser humano. Ése es el trayecto de Alice. Gracias a su ceguera, la Mujer de los Lentes Oscuros aprende a percibir".

EL LADRÓN Y EL REY DEL ALA 3: DON MCKELLAR Y GAEL GARCÍA BERNAL

Para interpretar al hombre conocido como Ladrón, que comienza la película como un buen samaritano que le da un aventón al Primer Hombre Ciego a su casa, los directores se voltearon a una fuente inesperada: el guionista de la película, Don McKellar, que también tiene una bien recibida carrera como actor. McKellar cuenta: "Yo no escribí el papel de Ladrón para mí, pero siempre me interesé mucho por él. Primero, el público cree que Ladrón es un buen samaritano que lleva al Primer Hombre Ciego hasta su casa, pero más tarde queda demostrado que sólo se quiere aprovechar de la situación porque acaba robándolo. Su gusto por los trucos, por los engaños, hace pensar que Ladrón es el bandido de la historia. Es un personaje patético que en un inicio tomamos como el villano, pero que después nos damos cuenta que dista de serlo. Hay un cierto encanto un su desesperación porque, después de un momento, conocemos al Rey del Ala 3 y vemos lo que es efectivamente la desesperación".

El Rey del Ala 3 es presentado, inicialmente, como el Barman, su ocupación en la vida antes de que atacara la "niebla blanca". Pero, dentro del hospital en cuarentena, el Barman se auto nombra el dictador real del Ala 3 y después del resto del hospital, a medida que comienza a controlar los escasos recursos que el gobierno provee - principalmente comida - y a exigir a cambio joyas, bienes y al final, hasta mujeres.

El papel fue para uno de los más electrizantes actores del cine actualmente, Gael García Bernal, que se hizo famoso por las bien recibidas películas Y Tu Mamá También y Amores Perros. Ganó la aclamación de la crítica e innumerables premios por su interpretación del Che Guevara de joven en Diarios de Motocicleta, de Walter Salles.

Bernal es un antiguo fan de la novela. Comenta: "Siempre creí que la historia era extraordinaria. Es sobre la incapacidad de las personas de vivir juntas, sobre lo que pasa cuando no consiguen percibirse unas a otras. La historia crea una situación que pone a prueba todas las estructuras morales y sociales que aprendemos. Las alas de un hospital que se vuelven caóticas y corrompidas, igual que el propio mundo. Pero, al final es una historia sobre la esperanza porque lo único que nos puede salvar somos nosotros mismos".

El actor sabía que se estaba comprometiendo con un papel muy exigente que iba a requerir la interpretación de un poderoso corruptor que, con todo, tenía que mantener un sentido muy particular de la humanidad y debía ser al mismo tiempo cómico, salvaje y verdadero. "Creo que el Rey es sólo muy práctico, muy pragmático. Parece una persona fría, porque está desprovisto de idealismo y no vislumbra una esperanza, pero es un sobreviviente, de la misma forma que los demás", observa Bernal. "Decir que el Rey es malo es ir contra el objetivo de la historia. Elige soluciones prácticas por el bien de su ala. Y lo que es muy poderoso en él es que sus acciones acaban resultando en debates acalorados sobre la moral".

EL PRIMER HOMBRE CIEGO Y SU ESPOSA: YUSUKE ISEYA Y YOSHINO KIMURA

El primer hombre que queda ciego en Ensayo Sobre la Ceguera, el Paciente Cero como se le llama, lleva la batuta que hace avanzar a la historia. El público lo acompaña en el suspenso cuando repentinamente pierde la vista al esperar en un semáforo a que cambie la luz y se adentra en un mundo ahora hostil al tratar de entender lo que le está ocurriendo y el motivo. Al aceptar un aventón de un desconocido (después conocido como Ladrón) hasta su casa, después contamina a su irritada e inconsolable esposa con la enfermedad, desatando una reacción en cadena que rápidamente se sale de control.

El Primer Hombre Ciego y su mujer son, tal vez, los personajes que más cambian en la adaptación que hizo Don McKellar de la novela de Saramago. Para empezar, McKellar añadió una pelea conyugal que da a la secuencia inicial aún más tensión emocional y que acaba resaltando un tema por sí mismo - a partir de la ceguera, un abismo se abre entre la pareja que está insegura de lo que la une más allá de la visión.

En segundo lugar, a pesar de que la etnia de los personajes no es un factor explícito en la novela, McKellar y Fernando Meirelles decidieron, después del inicio, integrar al elenco a dos actores asiáticos para completar la mezcla étnica de la película, algo típico en cualquier gran ciudad posmoderna. Pero, una vez tomada esta decisión, pasaron meses buscando a los dos actores apropiados. Por fin, escogieron a los atractivos Yusuke Iseya y Yoshimo Kimura, ambos estrellas del éxito japonés de Takashi Miike, Sukiyaki Western: Django, de 2007, una nueva versión del spaghetti western dirigida por Sergio Corbucci, de 1966, con Quentin Tarantino en el reparto.

Ambos hablaban el suficiente inglés para hacer que los papeles funcionaran y más importante aún, tenían una química esencial que les permitía actuar perfectamente en silencio. "Fernando llegó a la brillante conclusión de que, aún cuando los diálogos son en inglés, los dos podrían hablar en japonés entre ellos, y que nada los obligaba a ser fluidos en inglés", dice Sonoko Sakao. "Eso nos permitió buscar a actores óptimos, que encontramos en Iseya y Kimura".

CÓMO SER CIEGO: LOS LABORATORIOS PARA LA CEGUERA

Una vez escogido el elenco de Ensayo Sobre la Ceguera, una enorme tarea se impuso: colocarlos en la experiencia de volverse repentina, inexplicable e irreversiblemente ciegos. Para eso, los realizadores trajeron a bordo entrenadores de actores que se volvieron "entrenadores de ceguera", Christian Durrvoort y Barbara Willis Sweete, que después de intensas entrevistas con discapacitados visuales, desarrollaron un sistema creativo e inédito para enseñar a aquellos que pueden ver a físicamente moverse como si no pudieran percibir.

Comenzaron a trabajar con los actores en una serie de intensos "laboratorios de ceguera", que exploraban el espacio, experimentaban los olores y los sonidos y simulaban tareas físicas como encontrar comida, atizar el fuego y acercarse a las personas sin ver. Cada actor comenzó con una inmersión total, pasando horas con una venda, sólo para acostumbrarse a la sensación de no poder contar con la vista. En un momento dado, las vendas fueron removidas, gradualmente pasando a ojos cerrados y finalmente, a la actuación con los ojos abiertos. Los actores principales también tuvieron la opción de usar lentes que, efectivamente, los dejaban ciegos, para que pudieran transmitir más durante las escenas más intensas y que les permitiera concentrarse en la interpretación y no en la idea de que no estaban viendo. Alice Braga relata: "Al comienzo, pedí los lentes porque había muchas cosas a las que tenía que prestar atención: no ver, entrar en escena, sentir las emociones y hablar en un idioma diferente. Pero, después de 20 días de filmación, dejé de usarlos porque ya había entrado de lleno en el papel".

Con el tiempo, el elenco principal - así como centenas de figurantes, que ya estaban completamente cómodos en sus papeles de ciegos - comenzaron a adaptarse al trabajo sin la vista. "Tarda algún tiempo para enseñar no solamente cómo comportarse como ciegos, pero a ser 'recién atacado por la ceguera'", enfatiza Durrvoort. "Pero, con el tiempo, comenzamos a darnos cuenta de ciertas cosas. Para los ciegos, el espacio es lo que el cuerpo puede alcanzar. Además, las personas que pueden ver escuchan determinados sonidos a los que no prestan atención pero para los ciegos, cualquier tipo de ruido es de suma importancia".

Meirelles quedó tan impresionado con los laboratorios que, no solamente participó en ellos, sino que también motivó a todos, inclusive al director de fotografía César Charlone y a otros de los principales directores, a participar, y acabó influenciando cada arte y cada parte de la película. Meirelles dice: "Para mí, la mayor revelación fue en relación a los sonidos - cómo escuchamos las cosas, cómo los sonidos cambian a la gente, cómo cambian nuestras percepciones del mundo que está a nuestro alrededor. Entonces, en esta película, escucharemos todo potencializado. Usamos todos los sonidos limpios, para que el público preste atención a cada ruidito".

Todos los que participaron tuvieron sus experiencias personales en relación a los laboratorios para la ceguera. "Llegamos a una situación como ésta con cierta dosis de ansiedad", dice Danny Glover. "Pero Christian fortaleció mi sensibilidad en relación a la confianza y a la percepción que nuestro cuerpo tiene de las cosas. Aprendí cómo podemos notar, rápidamente, la energía de un lugar así como la temperatura. Esto me dio un nivel de confianza que me permitió actuar de manera diferente enfrente de las cámaras".

Mark Ruffalo descubrió que ser ciego le daba nuevas opciones inéditas. "Lo más importante sobre la ceguera fue la libertad que sentí como actor", cuenta. "Cuando no podía percibir, no me preocupaba por la forma en que mis manos se ocuparían o con mi apariencia durante una escena. Era como los niños acostumbran decir, 'Voy a cerrar los ojos y el mundo ya no me puede ver'. Aprendimos a confiar en que el director estuviera viendo más que nuestros propios ojos".

Continúa: "Experimentar la ceguera también nos ayudó a entender más la historia. En aquellos laboratorios, éramos lanzados, con los ojos vendados, a una calle de una gran ciudad con otros 20 extraños, con sólo un sonido de campana para guiarnos. Lo que pasa es que todo el mundo comienza a sujetarse, todos se apoyan unos en otros y se mueven en grupo. Inmediatamente se crea una confianza en la comunidad y creo que de eso trata, parcialmente, la historia de Saramago".

UNA CLARIDAD: LA PRODUCCIÓN

Desde el inicio, Fernando Meirelles sabía que, al transportar Ensayo Sobre la Ceguera a la pantalla grande, la película, irónicamente, exigiría un mundo imaginario realmente original. Para desarrollar el aspecto visual de la película, el director convocó a gran parte del equipo fiel y talentoso con el que trabajó en Ciudad de Dios, incluyendo al director de fotografía nominado al Óscar, César Charlone, que usó sus experiencias en los "laboratorios de ceguera" para ayudar a forjar las simulaciones visuales de una "niebla blanca", el editor nominado al Óscar, Daniel Rezende, que trabajó de cerca con Meirelles para estructurar los puntos de vista mutables y sinuosos; y el diseñador de producción Tulé Peake, que transformó la prisión en un asombroso campo de batalla de internos, que los críticos de la novela de Saramago comparan al Infierno de Dante, y transformó la ciudad, otrora cosmopolita, en un gran terreno baldío repleto de adversidades para Ensayo Sobre la Ceguera.

Respetando el deseo de Saramago de que la película, así como la novela, transcurriera en una ciudad no identificada, lo que le da una universalidad común a la trama, la producción de Ensayo Sobre la Ceguera decidió filmar en tres países diferentes. Así y todo, ninguna señal que pudiera identificarlos fue utilizada. La mayor parte de las escenas en exterior fueron filmadas en Sao Paulo, ciudad en la que vive Meirelles; las escenas, ambientadas en el asilo transformado en campos de cuarentena, fueron filmadas en una prisión abandonada en Guelph, Canadá; y el clímax de la película, que tiene lugar frente al paisaje destruido de una ciudad arruinada, fue filmado tanto en Sao Paulo como en Montevideo, en Uruguay (ciudad sugerida por el director de fotografía César Charlone, de origen uruguayo).

A lo largo de las filmaciones, Meirelles fue guiado principalmente por la cita en la cubierta de la novela de José Saramago (del antiguo Libro de las Exhortaciones): "Si eres capaz de ver, mira. Si eres capaz de mirar, observa". A final de cuentas, esta historia sobre ceguera, Meirelles resume, "es realmente sobre aprender a ver".

SOBRE EL ELENCO

JULIANNE MOORE (Mujer del Médico); una actriz excepcionalmente versátil, ha participado en notables éxitos de taquilla y largometrajes independientes. Recientemente, actuó al lado de Jonathan Rhys-Meyers, en Shelter, thriller sobrenatural dirigido por el dúo sueco Mans Marlind y Bjorn Stein. Estelarizó el largometraje independiente Savage Grace, que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 2007, en la muestra Quincena de los Realizadores, sobre los asesinatos de Baekeland, ocurridos en Londres en los años 1970, y sus trabajos más recientes incluyen Mi Historia Sin Mí, película de Todd Haynes en la cual siete personajes caracterizan un aspecto distinto de la obra de Bob Dylan y Niños del Hombre, dirigida por Alfonso Cuarón, con Clive Owen en el reparto.

Moore es la única persona en la historia de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas a recibir dos nominaciones al Óscar de mejor actuación en el mismo año por sus actuaciones en Lejos de Casa (nominada para Mejor Actriz) y en Las Horas (nominada para Mejor Actriz Secundaria). Lejos de Casa, película de Focus Features aclamada por la crítica y dirigida por Todd Haynes, también cuenta en el elenco con Dennis Quaid y Dennis Haysbert. Ganó muy buenas críticas por su actuación en esta película, incluyendo premios del National Board of Review, Los Angeles Film Critics y Broadcast Film Critics, entre otros. También ganó el Premio Independent Spirit como Mejor Actriz por su actuación en esta película, además de nominaciones al Globo de Oro y al Premio Screen Actors Guild en la misma categoría. Las Horas (Paramount Pictures), fue dirigida por Stephen Daldry, y estuvo basada en la novela homónima ganadora del Premio Pulitzer, escrita por Michael Cunningham, en la cual también actuaron Nicole Kidman y Meryl Streep. Por su actuación en esta película, además de una nominación al Óscar, fue nominada para un Premio Screen Actors Guild en la categoría de Mejor Actriz Secundaria.

Los créditos de Moore en el cine incluyen: El Color del Crimen, de Joe Roth, con Samuel L. Jackson; Misteriosa Obsesión, de Joe Ruben, con Dominic West; la comedia romántica Las Leyes de la Atracción con Pierce Brosnan; The Prizewinner of Defiance, Ohio, de Jane Anderson; Atando Cabos, de Lasse Hallström, con Kevin Spacey, Cate Blanchett y Judi Dench; Trust the Man, World Traveler y The Myth of Fingerprints, de Bart Freundlich; Hannibal, en la que interpretó a Clarice Starling y alternó con Anthony Hopkins; Evolución, con David Duchovny; El Ocaso de un Amor, de Neil Jordan, con Ralph Fiennes (nominada al Óscar, al Globo de Oro y al Premio SAG como Mejor Actriz); Boogie Nights - Juegos de Placer (nominada al Óscar, al Globo de Oro y al Premio SAG como Mejor Actriz Secundaria) y Magnolia (nominada al Premio SAG como Mejor Actriz Secundaria), ambas de Paul Thomas Anderson; ¿Quién Mató a Cookie?, con Glenn Close y Liv Tyler, y Short Cuts - Escenas de la Vida (nominada al Premio Independent Spirit como Mejor Actriz Secundaria); la nueva versión de Psicosis, de Gus Van Sant, con Vince Vaughn; Un Esposo Ideal (nominada al Globo de Oro como Mejor Actriz), con Rupert Everett; El Mapa de la Vida, con Sigourney Weaver; El Mundo Perdido - Parque Jurásico, de Steven Spielberg; Identidad Peligrosa, protagonizada por Jeff Bridges y dirigida por los Hermanos Coen; Safe (nominada al Premio Independent Spirit como Mejor Actriz); Vanya on 42nd Street, de Louis Malle; Sobreviviendo a Picasso, de James Ivory; La Mano Que Mece la Cuna; Benny & Joon - Corazones en Conflicto; El Fugitivo; Nueve Meses: Papá Sorpresa; y Asesinos.

También ganó un Premio Excellence in Media en los Premios de GLAAD Media de 2004, un Premio Actor en los Premios Gotham de 2002 y un "Tributo a la Visión Independiente" en el Festival de Cine de Sundance de 2001.

MARK RUFFALO (Médico); con una extensa lista de filmes en su currículum, Mark Ruffalo es uno de los actores más disputados de Hollywood, actuando con facilidad en los escenarios y en la pantalla grande, habiendo trabajado con directores como Ang Lee, Michael Mann, David Fincher, Michael Gondry, Kenneth Lonnergan y Spike Jonze. Antes de Ensayo Sobre la Ceguera, Ruffalo filmó el largometraje The Brothers Bloom, dirigido porRian Johnson. El reparto incluye a Adrien Brody, Rachel Weisz y Rinko Kikuchi. Ruffalo interpreta al hermano mayor de un equipo de timadores.

Ruffalo también puede ser visto en la película de Focus Features Camino a la Redención, coprotagonizando con Joaquin Phoenix. La película, basada en la novela best seller, cuenta la historia de dos padres en lados opuestos de un accidente automovilístico en el que el conductor huye. Camino a la Redención se exhibió en el Festival Internacional de Cine de Toronto y tuvo una plataforma de lanzamiento que comenzó el 19 de octubre de 2007. Ruffalo actuó, recientemente, en Where the Wild Things Are, dirigida por Spike Jonze, y en Margaret, filme de Kenneth Lonergan, con Anna Paquin y Matt Damon.

En 2006, Ruffalo apareció en la película de Phoenix Pictures, Zodíaco, alternando con Jake Gyllenhaal y Robert Downey Jr. Basada en una historia verídica, la película gira en torno al hombre que persiguió al asesino en serie conocido como Zodíaco, que aterrorizó a San Francisco durante 25 años. Ruffalo interpreta al inspector de homicidios encargado del caso. Phoenix Pictures anunció la compra de los derechos de The Brass Wall, a ser protagonizada por Ruffalo. Interpretará a un policía trabajando de incógnito que se infiltra en la familia criminal Lucchesi en Nueva York, para solucionar el asesinato de un bombero de la ciudad.

El año pasado, Ruffalo tuvo su debut en Broadway en la nueva versión de Awake and Sing! de Clifford Odets en el Teatro Lincoln Center. Recibió una nominación al Premio Tony por su actuación en la categoría de Mejor Actor de Cine en una Obra de Teatro. Un drama sobre la Gran Depresión, dirigido por Bartlett Sher (The Light in the Piazza), Ruffalo representó a un veterano de la Primera Guerra Mundial, que perdió una pierna durante la guerra. El elenco también incluía a Ben Gazzara, Zoe Wanamaker y Lauren Ambrose.

En 2006, participó en Todos los Hombres del Rey, de Columbia Pictures, conjuntamente con Sean Penn, Kate Winslet y Jude Law. Esta película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto. En 2005, actuó como pareja romántica de Reese Witherspoon en Como Si Fuera Cierto, de Dreamworks. Antes de ese papel, fue visto en Colateral, también de Dreamworks, estrenada en 2004, alternando con Tom Cruise y Jamie Foxx. En Colateral, Ruffalo interpretó al oficial de policía de Los Ángeles que perseguía al asesino por alquiler interpretado por Tom Cruise. También apareció en La Tentación, de Warner Independents. La película fue aclamada por la crítica en el Festival de Cine de Sundance de 2004. Ruffalo actuó con Naomi Watts, Peter Krause y Laura Dern y también trabajó como productor ejecutivo en este drama, que examina las consecuencias de un adulterio que destruye dos matrimonios.

En 2003, Ruffalo protagonizó junto con Meg Ryan la película de Jane Campion En Carne Viva. En aquel mismo año, apareció en la película independiente llamada La Vida Sin Mí, escrita y dirigida por Isabel Coixet y estelarizada por Sarah Polley y Scott Speedman. En 2004, fue visto en la comedia romántica de Columbia/Tristar Si Yo Tuviera 30, junto con Jennifer Garner. En marzo de 2004, fue visto en la película de Focus Features Eterno Resplandor de Una Mente Sin Recuerdos, actuando con Jim Carrey, Kirsten Dunst, Kate Winslet, Elijah Wood y Tom Wilkinson, con un guión escrito por Charlie Kaufman.

Ruffalo consiguió el reconocimiento de la crítica en 2000 por su papel en Puedes Contar Conmigo, de Kenneth Lonergan, alternando con Laura Linney y Matthew Broderick. Por esa actuación, ganó el Premio como Mejor Actor en el Festival de Cine de Montreal de 2000 y un Premio New Generation de Los Angeles Film Critics Association. La película fue producida por Martin Scorsese, aclamada por la crítica nacional, y fue especialmente bien recibida en el Festival de Cine de Sundance de 2000, ganando dos de los principales premios: el codiciado Gran Premio del Jurado de Mejor Película, y el Premio Waldo Salt por Mejor Guión.

En los dos años siguientes, Ruffalo interpretó papeles en las películas de acción El Último Castillo, actuando al lado de Robert Redford y James Gandolfini, y Códigos de Guerra, alternando con Nicolas Cage y Christian Slater. También trabajó en la primera producción de Nylon Films, XX/XY, escrita y dirigida por Austin Chick. Otras películas en las que Ruffalo participó incluyen Committed de Miramax, coprotagonizada por Heather Graham y presentada en el Festival de Cine de Sundance de 2000; Paseo con el Diablo, dirigida por Ang Lee y coprotagonizada por Tobey Maguire y Skeet Ulrich; Studio 54 de Miramax, con Mike Meyers; Safe Men, con Sam Rockwell y Steve Zahn; The Last Big Thing, dirigida por Dan Zupovich; A Fish in the Bathtub, de Joan Micklin Silver, con Jerry Stiller, y Apartment 12, de Dan Bootzin. Las raíces de actuación de Ruffalo están en el teatro, donde llamó la atención por primera vez en el estelar de la producción This is Our Youth, escrita e dirigida por Kenneth Lonergan, por la cual ganó el Premio Lucille como Mejor Actor. La revista Variety dice sobre su actuación: "Mark Ruffalo es un verdadero descubrimiento... es una actuación impresionante, divertida y conmovedora al mismo tiempo." Ruffalo se ha llevado diversos premios por otras interpretaciones, incluyendo el Premio Dramalogue y el Premio Theater World. En 2000, fue visto en una producción off - Broadway The Moment When, una pieza de teatro del ganador del Premio Pulitzer y del Premio Tony James Lapine. Ruffalo formó parte de un excelente elenco que incluía a Illeana Douglas, Kieran Caulking y Arija Bareikis.

Habiendo estudiado con Joanne Linville en el distinguido Conservatorio Stella Adler, Ruffalo hizo su estreno en teatro en Avenue A en el Teatro The Cast. Dio continuidad a su relación con el Teatro The Cast, actuando en varias obras premiadas de Justin Tanner, incluyendo Still Life With Vacuum Salesman y Tent Show. Siendo también escritor, director y productor, Ruffalo coescribió el libreto para la película independiente The Destiny of Marty Fine, segundo lugar en el Festival de Cine Slamdance de 1995 en Park City, Utah. También dirigió diversas obras y piezas de un acto. En 2000, dirigió la obra de Timothy McNeil Margaret, en el Teatro Hudson Backstage, en Los Ángeles.

ALICE BRAGA (Mujer de los Lentes Oscuros); la actriz brasileña Alice Braga ha sido aclamada por la crítica y ha obtenido reconocimiento internacional, desde que su excepcional actuación en Ciudad de Dios catapultó la película a nominaciones al Globo de Oro y al Óscar. Participando aproximadamente en 12 filmes en cinco años, Braga, que ya gozaba de fama en el cine brasileño, llamó la atención de Hollywood con una gran cantidad de proyectos prometedores en el horizonte.

Recientemente, la actriz alternó con Will Smith en el gran éxito de taquilla Soy Leyenda. Basada en la novela de Richard Matheson, lanzada por Warner Bros y dirigida por Francis Lawrence a partir del libreto adaptado por Akiva Goldsman y Mark Protosevich.

Braga, actualmente, puede ser vista en Redbelt, de David Mamet, que narra la vida de un maestro de Jiu-jitsu, interpretado por Chiwetel Ejiofor, que debe entrar al ring para recuperar su honra después de ser difamado por estrellas de cine y promotores. Tim Allen y Emily Mortimer también participan en la producción; Sony Pictures Classics estrenó la película el 2 de mayo de 2008.

Después de las filmaciones de Redbelt, Braga se unió al elenco, que incluye a Sean Penn y Harrison Ford, para la película Crossing Over, de Wayne Kramer, que se enfoca en la vida de los inmigrantes en Los Ángeles y sus esfuerzos para obtener la ciudadanía estadounidense. Weinstein Company estrenará la película el 22 de agosto de 2008.

Recientemente, Braga participó en la filmación de Repossession Mambo de Universal, alternando con Jude Law y Forest Whitaker. Escrita por Eric García y adaptada de su propia novela, esa película de ficción científica cuenta la historia de un hombre que lucha para pagar su trasplante de corazón. La película está prevista para su estreno en 2009.

Las actuaciones anteriores de Braga incluyen a la alegre estudiante de artes de Sólo Dios Sabe, película en la que actuó con Diego Luna, que fue estrenada en el Festival de Cine de Sundance; Journey to the End of the Night, película independiente sobre los bastidores de la industria brasileña de operaciones de cambio de sexo, con Mos Def y Brendan Fraser; el drama sobre los peligros de un triángulo amoroso, Cidade Baixa, y la comedia original O Cheiro do Ralo.

Alice habla fluidamente portugués, español e inglés.

YUSUKE ISEYA (Primer Hombre Ciego); nacido en Tokio, Yusuke Iseya comenzó su carrera como modelo cuando estudiaba en la Tokyo Geijutsu Daigaku (Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio). Continuó los estudios en la Universidad de Nueva York, donde estudió cine. Su debut actuando fue en Wandafuru Raifu, seguido de Kinpatsu no sougen (por la cual ganó el Premio Japanese Professional Movie en 2001), Distance, Gaichu y Yomigaeri. En 2003, debutó como director con Kakuto (por la cual recibió una nominación al Premio Tiger), pero después regresó a la actuación. Sus películas incluyen: Dead End Run, dirigida por Sogo Ishii y, en 2005, The Passenger, dirigida por François Rotger. Recientemente, Iseya trabajó con el renombrado director Takashi Miike en Sukiyaki Western Django, y finalizó su trabajo en Closed Note, dirigida por Isao Yukisada.

YOSHINO KIMURA (Mujer del Primer Hombre Ciego); nació el 10 de abril de 1976, en el Reino Unido, y vivió en Londres y Nueva York antes de volver a Japón para continuar sus estudios. En 1996, debutó como actriz en el drama NHK Genki wo ageru (I´ll Cheer You Up), en el cual fue la protagonista. En 1997, interpretó el papel de la hija de la heroína en el filme Shitsurakuen (Paradise Lost) y ganó el Premio de Debutante del Año de Japan Academy. Eso marcó su salto al estrellato.

En julio de 2000, hizo su debut en los escenarios, interpretando a la protagonista en Horobikaketa jinrui, sono ai no honshitsu to wa (Perishing Humankind, What is the Essence of its Love?), dirigida por Amon Miyamoto. En 2003, formó parte del elenco de un musical por la primera vez en Me & My Girl. En Nueva York, tomó clases de actuación y baile. En marzo de 2005, actuó en un drama en el teatro, Maboroshi ni kokoro mo sozoro kuruoshi no warera Masakado (The Saga of Shogun Masakado Taira) dirigido por Yukio Ninagawa, interpretando el papel de la esposa de Masakado Taira, Kikyo, que le valió premios. En agosto de 2005, interpretó el papel de la esposa de Mozart, Constanza, en el musical Mozart!. Diez años después de su debut, su actuación en Semi shigure (2006) le hizo ganar el Premio de Mejor Actriz de Japanese Academy. En 2007, actuó en la producción de Hollywood Dream Cruise (SHOWTIME), su primer papel completamente hablado en inglés. Su última película Sukiyaki Western Django (toda en inglés) fue estrenada en 2007.

Ha aparecido en más de 50 dramas de televisión, cine y de teatro, así como en comerciales. Además de ser una actriz muy activa, Yoshino debutó como cantante en 1998 con la canción Iruka no natsu (Summer of a Dolphin) y lanzó cinco sencillos y tres discos.

En 2004, fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad para la Campaña Visit Japan por el Secretario de Tierra, Infraestructura y Transporte. También asumió el papel de Embajadora de Buena Voluntad para Japan-Korea Visit Year 2005 con la actriz sudcoreana Cho Ji Woo. En 2006, sirvió como Embajadora de Buena Voluntad del Turismo para 2006 Japan-Australia Year of Exchange. Ha logrado una excelente reputación por sus habilidades para hablar inglés con el objetivo de ser una actriz internacional.

MAURY CHAYKIN (Contador); es uno de los más versátiles y productivos actores en el mundo del cine. Conocido en el medio como un actor de actores, Chaykin ha aparecido en más de 140 filmes. Danza con Lobos sirvió de vitrina a su enorme talento ante un enorme público en una participación merecedora de atención, como un general suicida. Otros largometrajes en los que Chaykin ha participado son: Mi Primo Vinny, La Emboscada, Gemelos, Juegos de Guerra, Alaska Ardiente, yJulia, Una Mujer Seductora, entre otras. Chaykin ha hecho cinco películas con el director canadiense Atom Egoyan y ha trabajado con Diane Keaton en seis proyectos a lo largo del tiempo.

Chaykin también ha trabajado en diversas ocasiones en programas para la televisión como Boston Legal, CSI, Stargate e interpretó durante tres años al titular brillante detective que sufre de agorafobia Nero Wolfe en la serie de A&E. Más recientemente, ganó un Premio Gemini por su actuación en la extraordinaria serie At The Hotel, de Ken Finkelman, y ha divertido a muchos con su graciosa interpretación de Harvey Weingard en la popular serie de HBO Entourage.

DANNY GLOVER (Viejo del Parche Negro); el actor, productor y humanitario Danny Glover ha sido una presencia inspiradora en el cine, en los escenarios y en la televisión por más de 25 años. Como actor, ha estelarizado éxitos de taquilla, como Arma Mortal y una variedad de largometrajes, algunos de los cuales él mismo produjo. Más recientemente, actuó en la película aclamada por la crítica Soñadoras: Dreamgirls, dirigida por Bill Condon, y en Poor Boy's Game, dirigida por Clement Virgo. Aparece en la exitosa película Tirador del director Antoine Fuqua, y será visto en Be Kind, Rewind dirigida por Michael Gondry. También fue elegido para un papel en el reparto de la premiada serie de televisión Brothers and Sisters.

Glover también ganó respeto por su activismo constante en la comunidad y por sus esfuerzos filantrópicos, principalmente de abogar a favor de la justicia económica y del acceso a los servicios de salud, y a los programas de educación en Estados Unidos y África. Por esos esfuerzos, Glover recibió el DGA Honor de 2006. Internacionalmente, fue nombrado Embajador de Buena Voluntad para el Programa de Desarrollo de Naciones Unidas de 1998 hasta 2004, concentrándose en los problemas de pobreza, enfermedad y desarrollo económico en África, América Latina y el Caribe, y actualmente es Embajador de la UNICEF.

En 2004, Glover co-fundó Louverture Films dedicada al desarrollo y producción de películas con relevancia histórica, propósito social, valor comercial e integridad artística. La empresa, basada en Nueva York, tiene el propósito de producir largometrajes y documentales progresivos, como el recién estrenado Bamako, que recibió óptimas críticas en su estreno en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

Nacido en San Francisco, Glover estudió en Black Actors' Workshop, del Teatro American Conservatory. Hizo su debut en Broadway, en Master Harold…and Boys, que le obtuvo reconocimiento nacional y llevó al director Robert Benton a darle a Glover su primer papel protagónico en la producción nominada al Óscar como Mejor Película de 1984, En un Lugar del Corazón. El siguiente año, Glover actuó en otros dos largometrajes nominados al Óscar como Mejor Película: Testigo en Peligro, de Peter Weir, y El Color Púrpura, de Steven Spielberg. En 1987, Glover se unió a Mel Gibson en la primera película de la serie Arma Mortal y siguió estelarizando las tres continuaciones de esta franquicia de gran éxito. Glover también invirtió su talento en proyectos más personales, incluyendo Bopha!; Manderlay; Cicatrices de Guerra y la versión cinematográfica de la obra de Athol Fugard Boesman y Lena.

En televisión, Glover ganó un Premio Image y un Premio Cable ACE y fue nominado para un Emmy por su actuación en la película de HBO Mandela. También recibió nominaciones al Emmy por su trabajo en la aclamada miniserie Los Pistoleros del Oeste y por el telefilme Freedom Song. Como director, fue nominado para un Daytime Emmy por Just a Dream de Showtime.

GAEL GARCÍA BERNAL (Barman/Rey del Ala 3 del Hospital); Actor prácticamente desde que nació, Gael García Bernal comenzó a actuar en los escenarios con sus papás en México, después estudió en la Central School for Speech and Drama, en Londres. Bernal actuó en diversas obras y cortometrajes antes de que saliera su largometraje Amores Perros, de Alejandro González Iñarritu, nominado como Mejor Película Extranjera para el Óscar de 2000. Se hizo todavía más famoso después de Y Tu Mamá También, de Alfonso Cuarón, en la cual actuó con su gran amigo Diego Luna.

Después, interpretó al protagonista de la película nominada al Óscar El Crimen del Padre Amaro, de Carlos Carrera. Más tarde, Bernal fue seleccionado para interpretar al líder revolucionario Che Guevara en Diarios de Motocicleta, de Walter Salles. Gael García Bernal también actuó en La Mala Educación, de Pedro Almodóvar. Enseguida, trabajó en la película independiente de James Marsh The King y en La Ciencia del Sueño. También actuó en Babel, de Alejandro González Iñarritu, en El Pasado y en Rudo y Cursi, ambas de Héctor Babenco.

Bernal fundó la productora de cine Canana con Diego Luna y Pablo Cruz en 2005. Desde entonces, han producido JC Chavez, Déficit, Cochochi y, actualmente en etapa de producción, Voy a Explotar. Juntos, también realizan el Ambulante, festival de películas y documentales, que viaja por diversas ciudades de México.

García Bernal hizo su debut como director en Déficit, un largometraje de bajo presupuesto rodado en México.

SOBRE LOS REALIZADORES

FERNANDO MEIRELLES (Director); Nominado al Óscar por Ciudad de Dios, Fernando Meirelles estudió Arquitectura. Cuando estudiaba en la facultad en Brasil, hizo sus primeras producciones experimentales usando equipo U-Matic y formando un equipo de amigos. Las películas resultantes ganaron diversos premios en los festivales de cine independiente del país.

El mismo grupo de amigos fundó la productora Olhar Eletrônico, presente en la televisión brasileña en los años 1980. Durante una década, el grupo produjo programas para una gran variedad de canales de televisión. En 1989/1990, Meirelles creó y dirigió la popular serie para niños Rá-Tim-Bum, para TV Cultura. Los 190 episodios de Rá-Tim-Bum recibieron la Medalla de Oro en el Festival New York Film and TV, además de varios otros premios.

Para la televisión, Meirelles siguió dirigiendo comerciales y programas de TV. Su productora independiente, O2 Filmes, que se volvió la más importante de Brasil, recibió los más prestigiosos premios nacionales e internacionales, incluyendo cinco Leones de Cannes, diversos Clios y trece veces el premio Profesional del Año. En 1997, Meirelles dirigió su primer largometraje, O Menino Maluquinho, con Fabrizia Pinto.

Meirelles participó en el proyecto televisivo Brava Gente Brasileira (2000) dirigiendo el episodio Palace II, en sociedad con Kátia Lund, como una especie de ensayo para Ciudad de Dios. Palace II fue reeditado como un cortometraje y ganó el Premio de Mejor Cortometraje en la Panorama Section del Festival de Cine de Berlín de 2002, además de diversos otros premios internacionales. En 2000, Meirelles hizo su segundo largometraje, Domésticas, con el director Nando Olival, seleccionado para competir en el Festival Internacional de Cine de Roterdam. En 2002, terminó su tercera película, la adaptación para un largometraje de la novela de Paulo Lins, Cidade de Deus. La película fue coproducida por Video Filmes, de Walter Salles ( Central do Brasil). Ciudad de Dios ganó más de 52 premios alrededor del mundo y recibió cuatro nominaciones al Óscar de 2004, incluyendo: Mejor Director (Fernando Meirelles); Mejor Fotografía (César Charlone); Mejor Edición (Daniel Rezende) y Mejor Libreto Adaptado (Bráulio Mantovani).

Desde 2002, siguiendo el éxito de Ciudad de Dios, O2 Filmes, en colaboración con Rede Globo de Televisão, produjo cinco episodios por año de la serie de televisión Cidade dos Homens. Meirelles produjo todos los episodios y dirigió varios de ellos. Actualmente está involucrado en el proyecto de la serie Som e Fúria para TV Globo.

En 2004, Meirelles dirigió el largometraje El Jardinero Fiel, basado en la novela de John Le Carré, que recibió 4 nominaciones al Óscar y ganó el Óscar de Mejor Actriz para Rachel Weisz.

DON McKELLAR (Guionista/Ladrón); Para los entendidos en cine canadiense, Don McKellar es sobre todo conocido por sus colaboraciones con Bruce McDonald. McKellar escribió Roadkill y Highway 61, y actuó en Roadkill y Highway 61. También coescribió (con François Girard), el ganador del Genie, Thirty Two Short Films About Glenn Gould, El Violín Rojo, y escribió, dirigió y actuó en su más reciente largometraje, Childstar. McKellar es un dramaturgo (ganó un Premio Tony 2006 con The Drowsy Chaperone, Mejor Libro de un Musical) y para la televisión ( Twitch City). Su papel en Exótica, de Atom Egoyan, le valió un Premio Genie en la categoría de Mejor Actor Secundario y, por su debut como director de Last Night, ganó el Prix de la Jeunesse, en Cannes. También actuó en Where the Truth Lies, de Atom Egoyan, Clean de Olivier Assayas, en la serie aclamada por la crítica Slings & Arrows, Prairie Giant: The Story of Tommy Douglas de John N. Smith, Waydowntown, de Gary Burns y eXistenZ, de David Cronenberg, así como Joe Versus Josephine, de Peter Wellington y When Night is Falling, de Patrícia Rozema.

NIV FICHMAN (Productor); es uno de los socios fundadores de Rhombus Media, reconocido como uno de los más respetados productores de largometrajes, series de televisión y otros tipos de entretenimiento de alta calidad.

Fichman produjo la mayoría de los proyectos de Rhombus, que ahora cuenta con alrededor de 200 películas hechas en los últimos 30 años. Es responsable de diversos largometrajes de renombre, siendo el más reciente, la épica canadiense sobre la Primera Guerra Mundial Passchendaele, escrito, dirigido y estelarizado por Paul Gross. Fichman produjo, anteriormente, para directores como François Girard, Olivier Assayas, Guy Maddin, Don McKellar, Peter Mettler, David Wellington, Peter Wellington, Kevin McMahon, Marc Evans, así como sus socios en Rhombus, Larry Weinstein y Bárbara Willis Sweete. Algunas de las producciones recientes de Fichman incluyen una adaptación de la apreciada novela Seda, del autor italiano Alessandro Baricco, con el director de El Violín Rojo François Girard, y con la actuación de Michael Pitt y Keira Knightley; Snow Cake, de Marc Evan, estelarizada por Alan Rickman, Sigourney Weaver y Carrie-Anne Moss; así como Childstar, de Don McKellar, y Clean, de Olivier Assayas, con Maggie Cheung, Nick Nolte y Beatrice Dalle, por la cual Cheung ganó la Palma de Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes de 2004.

Fichman también produjo la ganadora del Óscar El Violín Rojo, The Saddest Music in the World, Thirty Two Short Films About Glenn Gould, Last Night y September Songs. Para la televisión, produjo Slings & Arrows, una miniserie de 18 episodios ganadora de varios premios, transmitida por el Canal Sundance, en Estados Unidos, y por diversos canales alrededor del mundo, y Yo-Yo Ma: Inspired By Bach, una serie en seis partes que obtuvo un notable éxito internacional en la televisión y en DVD. Durante los últimos 30 años, las producciones de Rhombus han recibido literalmente centenas de premios incluyendo un Óscar, diversos International Emmy, Primetime Emmy, varios Gemini, Genie y algunos Golden Prague y Golden Rose.

Además de sus contribuciones como productor, Niv Fichman ha dirigido algunas de las producciones de Rhombus, incluyendo Crossing Bridges, Bach Cello Suite #5: Struggle for Hope, y World Drums.

Fuera de Rhombus, terminó recientemente un encargo de ocho años en el consejo del Festival Internacional de Cine de Toronto. También recibió su diploma de Doctor en Letras de la Universidad York, en junio de 1998. Recientemente, Niv Fichman fue nombrado el Productor Canadiense del Año de 2007 por la CFTPA.

ANDREA BARATA RIBEIRO (Productora); considerada por la revista Variety como una de las 50 mujeres más influyentes en la industria del entretenimiento mundial. Socia de O2 Filmes, produjo el premiado largometraje Ciudad de Dios (2002) y también Domésticas (2001), de Fernando Meirelles y Nando Olival; Viva Voz (2002) de Paulo Morelli, Não Por Acaso (2007), de Philippe Barcinski; Cidade dos Homens (2007), de Paulo Morelli; El Baño del Papa (2007), de César Charlone y Enrique Fernández. Para la TV, produjo la serie Cidade dos Homens (2002/2003/2004/2005), para Globo, Filhos do Carnaval (2006), para HBO y Antônia (2007) para Globo. Filhos do Carnaval y Antônia fueron nominadas al Emmy Internacional. Actualmente produce el largometraje À Deriva, de Heitor Dhalia; la serie Som e Fúria, para TV Globo, con la dirección general de Fernando Meirelles; y la 2ª temporada de Filhos do Carnaval para HBO, con la dirección general de Cao Hamburger.

SONOKO SAKAI (Productora); Nacida en Nueva York, Sakai creció en Japón, en los Estados Unidos y en México.

Sakai es fundadora de Bee Vine Pictures, una productora de cine ubicada en Los Ángeles y en Japón que desarrolla y produce películas de calidad. Produjo Seda, estelarizada por Keira Knightley, Michael Pitt y Koji Yakusho y dirigida por François Girard. Antes de producir, Sakai compraba películas hasta que fundó Gaga América, subsidiaria de Gaga Communications, distribuidora de filmes japoneses. En 1990, Sakai dejó a Gaga con destino al escritorio de Nippon Herald Films, en los Estados Unidos. Durante sus 20 años como compradora de películas, Sakai ha acumulado diversos éxitos de taquilla como la trilogía de El Señor de los Anillos, Elizabeth: La Edad de Oro, Diarios de Motocicleta, Alas de Sobrevivencia, Billy Elliot, Tráfico, Fuego Contra Fuego, Como Agua Para Chocolate, La Pasión de Cristo y Mentiras Verdaderas.

Sakai trabajó en el consejo ejecutivo de Film Independent (IFP), en Los Ángeles, el patrocinador de los Premios Independent Spirit. Estudió en UC Davis y pretendía obtener un doctorado en educación en UCLA, cuando decidió cambiar el curso de su vida y trabajar en el cine.

BEL BERLINCK (Coproductora); al lado de Fernando Meirelles, Andrea Barata Ribeiro y Paulo Morelli, implantó y desarrolló el departamento de películas y televisión en O2 Filmes, del cual es socia. Produjo los largometrajes Cidade dos Homens (2007), El Baño del Papa (2007), Não Por Acaso (2007), Antônia (2007) y Contra Todos (2004); las series de televisión Cidade dos Homens y Antônia, ambas transmitidas por TV Globo, y Filhos do Carnaval, para HBO - todas estas series finalistas del Emmy Internacional. Trabajó como productora ejecutiva en los largometrajes Viva Voz (2003), Ciudad de Dios (2002) y Domésticas (2001). Actualmente trabaja en la producción de À Deriva, de Heitor Dhalia, en post-producción; en la serie Som e Fúria, con la dirección general de Fernando Meirelles, para TV Globo; en la 2ª temporada de Filhos do Carnaval, de Cao Hamburger, para el canal de paga HBO.

SARI FRIEDLAND (Coproductora); ha sido parte integral de varias de las mejores recibidas series de televisión canadienses en las últimas tres décadas, incluyendo la original Degrassi (90 episodios de media hora), Liberty Street (26 episodios de media hora) y Riverdale (42 episodios de una hora). Posteriormente, Friedland produjo la serie ganadora de diversos Gemini Slings & Arrows (18 episodios de una hora) para Rhombus Media, que va a transmitirse por Showcase, The Movie Network y Movie Central, en Canadá, y en Sundance Channel, en Estados Unidos. Friedland completó recientemente la primera fase de producción del reality de entretenimiento Triple Sensation para CBC. Red Green´s Duct Tape Forever fue el debut de Friedland como productora de largometrajes. Para Rhombus Media, produjo la película Clean, escrita y dirigida por el francés Olivier Assayas, protagonizada por Maggie Cheung y Nick Nolte. Clean fue estrenada en el Festival de Cine de Cannes de 2004, donde Maggie Cheung recibió el premio de Mejor Actriz.

Durante los últimos 20 años, Friedland dedicó gran parte de su tiempo a la Canadian Film and Television Producers Association (CFTPA), representando los intereses de productores independientes, y actualmente ocupa el cargo de directora del Comité de Relaciones Industriales en el Consejo de Directores de la CFTPA. Participó activamente en las fructuosas negociaciones de los últimos cuatro acuerdos de DGC, ACTRA y WGC. En reconocimiento a su trabajo voluntario, Friedland recibió el Premio Kodak/CFTPA 2006 Lifetime Achievement.

GAIL EGAN (Productora Ejecutiva); es una abogada calificada y practicó derecho corporativo en Lincoln's Inn antes de unirse a Price Waterhouse Corporate Finance. Entonces trabajó para International Media Group Carlton Communications.

En 2000, fundó la productora de películas independientes Potboiler Productions con Simon Channing Williams. Juntos, produjeron siete largometrajes, incluyendo la clásica adaptación de Nicholas Nickleby, dirigida por Douglas McGrath, la épica Brothers of the Head dirigida por Lou Pepe y Keith Fulton, además de la ganadora del Óscar El Jardinero Fiel, dirigida por Fernando Meirelles.

Gail actualmente trabaja como productora ejecutiva de Happy-Go-Lucky, de Mike Leigh, y Lecture 21, de Alessandro Baricco, así como de Distant Thunder, un largometraje sobre la vida salvaje, con la dirección de Mark Deeble y Victoria Stone, el cual será filmado en África en 2008. Potboiler adquirió los derechos de la última novela de John Le Carré, The Mission Song, y está desarrollando el libreto.

SIMON CHANNING WILLIAMS (Productor Ejecutivo); la carrera de Simon Channing Williams comenzó en la BBC, donde trabajó con Stephen Frears, James MacTaggart, Mike Newell, Michael Apted y Mike Leigh, entre otros.

Como resultado del trabajo con Mike Leigh, formaron Thin Man Films en 1988, produciendo diversos filmes aclamados por la crítica, como el ganador de la Palma de Oro Sexo, Mentiras y Lujuria, y los nominados al Óscar Topsy-Turvy y El Secreto de Vera Drake, que también ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia.

Fuera de su relación con Mike Leigh y Thin Man Films, Simon Channing Williams produjo otras películas, incluyendo Puccini, para el director Tony Palmer, When the Whales Came,dirigida por Clive Rees y Jack & Sarah, dirigida por Tim Sullivan, que fue un enorme éxito de taquilla en el Reino Unido, así como la película del debut de Nick Love, Goodbye Charlie Bright.

En 2000, fundó la productora de filmes independientes Potboiler Productions con Gail Egan. Juntos, han producido siete largometrajes, incluyendo la clásica adaptación de Nicholas Nickleby dirigida por Douglas McGrath, la épica Brothers of the Head dirigida por Lou Pepe y Keith Fulton, y la ganadora del Óscar El Jardinero Fiel, dirigida por Fernando Meirelles.

Simon y Mike Leigh terminaron recientemente su decimoprimera película juntos, Happy-Go-Lucky. La película se estrenará mundialmente en 2008. Potboiler también adquirió los derechos de la más reciente novela de John Le Carré, The Mission Song.

Como resultado de haber filmado El Jardinero Fiel, Simon creó The Constant Gardner Trust, que está construyendo una escuela secundaria en la desértica ciudad de Loiyangalani, aproximadamente 600 kilómetros al norte de Nairobi. La escuela estará lista a finales de 2009. La fundación también está construyendo regaderas y baños en un barrio de Nairobi llamado Kibera, e instalando torres de agua de 10 mil litros.

Recibió el título de ciudadano honorario de Loiyangalani y, en diciembre del año pasado, fue condecorado con la Orden del Gran Guerrero por el presidente Kabaki, en reconocimiento a su trabajo, tanto en la película El Jardinero Fiel como en The Constant Gardner Trust.

CÉSAR CHARLONE, ABC (Cinematografía); nació en Uruguay. En 1970 se mudó a Brasil, dejando atrás sus estudios de veterinaria. Vivió en Sao Paulo, donde estudió cine y comenzó a trabajar en publicidad. En 1975, se fue a Europa, donde se quedó por tres años y medio trabajando en diferentes países. Pasó por varios empleos diferentes, inclusive como director de fotografía en Suecia. De regreso en Brasil, César hizo algunos documentales sobre el movimiento operario, resultando que uno de ellos incluía una participación de Lula, que se convertiría en presidente de Brasil.

César trabajó como director de fotografía en diversos largometrajes, entre ellos O Homem da Capa Preta (1984); Feliz Ano Velho (1986) y Como Nascem os Anjos (1995). En 1994, dirigió y supervisó a veintidós camarógrafos en Dois Bilhões de Corações, la película oficial de la Copa del Mundo de la FIFA. También filmó el documental Pierre Verger - Mensageiro Entre Dois Mundos. Pasó tres años y medio en Cuba, donde enseñó fotografía y ayudó a crear la famosa Escuela Internacional de Cine de Cuba. En 2003, trabajó en la cámara en Hombre en Llamas, de Tony Scott y fue el director de fotografía de Sucker Free City, dirigida por Spike Lee.

Habiendo trabajado en O2 filmes, se unió a Fernando Meirelles en varios proyectos, incluyendo el cortometraje Palace II y los largometrajes Ciudad de Dios, por el cual ganó un Golden Frog (Cameraimage - Polonia) y fue nominado al Óscar de Mejor Fotografía; y El Jardinero Fiel (2005), que le valió un Premio Satellite y una nominación al BAFTA. César también encontró tiempo para dirigir episodios de la serie de televisión brasileña Cidade dos Homens. Desde 1975, dirige comerciales de televisión siempre que puede, sumando más de 700 hasta la fecha. En 2007, lanzó El Baño del Papa, su debut como director de largometrajes, que participó en varios Festivales Internacionales y Nacionales, dentro de ellos en la Muestra A Certain Regard en el Festival de Cannes y la Muestra Internacional de SP, donde fue elegida como Mejor Película, ambos en 2007.

TULÉ PEAKE (Diseñador de Producción; Diseñador de producción y escenógrafo nacido en Sao Paulo en 1957. Con experiencia en publicidad y televisión, Tulé comenzó su carrera en el cine con Os Matadores (1997), de Beto Brant. También trabajó como director de arte en las comedias Alô?! (1998), de Mara Mourão, y Por Trás do Pano (1999), de Luiz Villaça. Trabajó con Fernando Meirelles en las películas Menino Maluquinho II - A Aventura, codirigida por Fabrizia Alves Pinto, Domésticas (2001), codirigida por Nando Olival, y Ciudad de Dios (2002). Se formó en arquitectura en la Universidad Brás Cubas, en Sao Paulo, y comenzó a trabajar en la publicidad en los años 1970. Trabajó como escenógrafo y director de arte en más de mil comerciales y estuvo activo en varios canales de televisión. Trabajó como director de arte en las películas Redentor (2003), de Cláudio Torres, Acquaria (2004), de Flávia Moraes, Casa de Areia (2005), de Andrucha Waddington, por la cual ganó un Premio ABC en su categoría, y O Maior Amor do Mundo (2006), de Carlos Diegues. En 2007, fue director de arte de la película Tropa de Elite, de José Padilha.

RENÉE APRIL (Vestuario); recientemente diseñó el vestuario para 10.000 A.C., de Ronald Emmerich, Una Noche en el Museo, de Shawn Levy, la épica fantasiosa sobre vikingos e indios americanos de Marcus Nispel, Conquistadores, y para la historia de viajes en el tiempo de Darren Aranofsky, La Fuente de la Vida. Trabajó con el director Roland Emmerich en el éxito de Fox El Día Después de Mañana, con Dennis Quaid y Jake Gyllenhaal. También diseñó los vestuarios para el premiado drama Confesiones de Una Mente Peligrosa, estelarizada por George Clooney, Sam Rockwell y Drew Barrymore; y, siguiendo una línea más leve, April trabajó con el director Bill Paxton en el drama deportivo El Juego Que Hizo Historia.

Anteriormente, April colaboró con el director Alan Rudolph en los aclamados dramas de época The Moderns y Mrs. Parker and the Vicious Circle, con Jennifer Jason Leigh y Matthew Broderick. Otras de sus películas son Te Amaré en Silencio, protagonizada por William Hurt y Marlee Matlin; Agnes de Dios, dirigida por Norman Jewison y protagonizada por Jane Fonda y Meg Tilly; Black Robe, dirigida por Bruce Beresford y la película independiente aclamada por la crítica Mapa del Corazón Humano, de Working Title Films.

April nació en Montreal, y las películas canadienses en las cuales participó incluyen a la aclamada por la crítica El Violín Rojo, con Samuel Jackson y Greta Scacchi; y La Leyenda del Búho Gris, estelarizada por Pierce Brosnan, que le valió el Premio Genie (Óscar canadiense) por Realización en Diseño de Vestuario. April también recibió un Genie por su trabajo en Testigo De Un Crimen, con Liv Ullman y Kiefer Sutherland, y fue nominada al Genie por El Beso Mortal, de Pen Densham, estelarizada por Joanna Pacula.

DANIEL REZENDE (Edición); nació en Sao Paulo, Brasil, y comenzó editando comerciales y videoclips en 1997. Su primer largometraje fue Ciudad de Dios, dirigido por Fernando Meirelles, seguido por otro largometraje brasileño, Narradores de Javé, dirigido por Elliane Caffé. Su primera película fuera de Brasil fue Diarios de Motocicleta, dirigida por Walter Salles, una adaptación en español de un libro de Ernesto "Che" Guevara. Agua Turbia fue su primera película en inglés, nuevamente dirigida por Walter Salles. Otros trabajos de Daniel incluyen tres largometrajes brasileños, O Ano Em que Meus Pais Saíram de Férias, dirigido por Cao Hamburger, Cidade dos Homens, dirigido por Paulo Morelli y Tropa de Elite, dirigido por José Padilha. Rezende también editó dos episodios de la serie de HBO llamada Filhos do Carnaval.