SINOPSIS
El luchador Mark Schultz (Channing Tatum), ganador de una Medalla de Oro Olímpica, se encuentra lidiando con la oscuridad y la pobreza en Wisconsin, cuando recibe la invitación del acaudalado heredero John du Pont (Steve Carell) para mudarse a su lujosa propiedad y formar un equipo con el fin de entrenar para los Juegos Olímpicos de Seúl 1988.
Schultz aprovecha la oportunidad, ansioso de salir de la sombra de su querido hermano mayor Dave (Mark Ruffalo), un prominente entrenador de lucha y también Medallista Olímpico de Oro.
Con sus enormes recursos financieros e instalaciones de entrenamiento con tecnología de punta en la Granja Foxcatcher, du Pont se nombra a sí mismo entrenador en jefe del equipo, ansioso de ganarse el respeto de sus colegas y la aprobación de su acusadora madre (Vanessa Redgrave).
La dinámica entre Schultz y du Pont se profundiza a medida que Mark adopta a su benefactor como una figura paterna. Pero la voluble personalidad y entresijos psicológicos de du Pont empiezan a pesar terriblemente sobre la débil autoestima de Mark y socavan su habilidad en la competencia. 
Cuando el favoritismo de du Pont se dirige hacia su hermano Dave, que tiene la autoridad y la confianza que les faltan tanto a du Pont como a Mark, el trío es propulsado hacia una tragedia que nadie podría prever.
Del director nominado a un Premio de la Academia® Bennett Miller (CAPOTE, MONEYBALL) proviene esta intensa narración de la vida real de tres hombres que representan versiones muy distintas del sueño americano.
CRÍTICA
Foxcatcher es una inquietante y apasionante película no sólo por su bien construido guión sino que por sus magníficas interpretaciones y caracterizaciones.
La historia basada en hechos reales ya es interesante en sí misma como para que el espectador se sienta atraído desde el primer fotograma, pero a partir del momento en que un irreconocible Steve Carrell aparece en pantalla con una construcción de personaje maravillosa, la producción toca uno de sus puntos más altos. Atrás le sigue Mark Ruffalo con otro trabajo para el recuerdo y Channing Tatum con una interpretación de gran carga emocional.
Una imperdible película que ya de sólo ver el afiche te dan ganas y curiosidad de verla, aunque más no sea para poder disfrutar del trabajo impresionante de estos excelentes actores.Cintia Alviti
En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .
Acerca de la producción
Basada en eventos reales, FOXCATCHER es una historia rica y conmovedora de amor fraternal, lealtad equivocada y la quiebra emocional que puede acompañar a una gran riqueza y poder. Al examinar la peligrosa relación entre un excéntrico multimillonario y dos campeones de lucha, la cuarta película de Bennett Miller, director nominado a un Premio de la Academia®, se centra de nuevo en complejos personajes vívidos que navegan en circunstancias inusuales. Como en sus cintas anteriores, CAPOTE y MONEYBALL, emergen temas profundos y a menudo alegóricos de la sociedad a través de retratos de gente verdadera imaginada meticulosamente por Miller.
La amplia investigación efectuada durante los años de preparación para FOXCATCHER reveló interesantes hechos con los que se creó el drama y la historia se transformó en una encarnación totalmente nueva. "Se trata de mezclar la realidad y la ficción como un vehículo para descubrir la verdad", dice Miller. "Algunos meses después de que se estrenó CAPOTE, recibí una carta de Harper Lee. Decía que la película era una demostración de la ficción como un medio para llegar a la verdad. Había en la trama, señaló ella, una gran parte que inventamos, pero 'La cinta narraba la verdad acerca de Truman'. FOXCATCHER tiene un objetivo similar".
Miller escuchó por primera vez la historia del excéntrico multimillonario John Eleuthère du Pont (Steve Carell) y un par de hermanos luchadores campeones del mundo, Mark (Channing Tatum) y Dave Schultz (Mark Ruffalo), cuando los productores ejecutivos Michael Coleman y Tom Heller le mostraron un artículo de un periódico acerca de la historia. "Las circunstancias parecían cómicas y absurdas, pero el resultado fue horrible y real", dice Miller. "Este evento tan raro que ocurrió en la mansión du Pont era distinto a cualquier cosa que yo haya experimentado en lo personal, sin embargo lo sentía muy familiar. Había algo en la historia, o quizá subyacente a ella, que no era extraño en absoluto. En realidad era lo opuesto".
En el corazón de FOXCATCHER está una dinámica triangular entre du Pont y los hermanos Schultz que a Miller le pareció muy interesante, tan atractiva como para comprometerse a realizar su siguiente película. Pero aunque su impulso inicial para emprender el proyecto fue inmediato, el tiempo y la energía requeridos para su desarrollo posterior fueron mayores. "Necesitaba investigar lo que no se había difundido acerca de la historia y eso requiere tiempo", dice Miller. "Lo que me atrajo era claro y convincente; sabía que esta historia era para mí. Pero el proceso de integrar la película requirió años, implicó muchas indagaciones y descubrimientos que van más allá de la trama central. Mi primera tarea fue escribir y orquestar los momentos y secuencias que se convertirían en la película, un trabajo que permite a la historia revelarse a sí misma a todo lo largo del proceso hasta llegar a los últimos detalles en la post-producción".
Miller viajó por todo el país, a Iowa, California, Colorado, Missouri y Pensilvania, recopilando materiales entre los cuales se incluye pietaje de video tanto de du Pont como de los hermanos Schultz, además de entrevistar a docenas de personas, incluyendo a Mark Schultz, a Nancy, la viuda de Dave, a sus amigos y colegas luchadores, a gente que trabajó para du Pont, a oficiales de policía y a cualquiera que pudo experimentar alguna parte de los eventos. "Esta historia se generó sobre verdades incómodas", dice Miller. "Todas las personas con las que hablé parecían ocultar algún aspecto de lo que ocurrió".
Los hechos básicos de la historia revelaron lo siguiente: Aunque Dave era ligeramente mayor que Mark, los hermanos no tenían una típica relación fraternal mientras crecían. Después de que sus padres se separaron cuando eran pequeños, Dave asumió un papel paternal hacia su hermano menor mientras se mudaban entre las casas de sus padres y a menudo se tenían que defender ellos solos. Con el tiempo Mark desarrolló una necesidad por su hermano como compañero de lucha o entrenador, así como para respaldo emocional. Al mismo tiempo estaba celoso del éxito de Dave. Esta turbulencia interna aumentó a medida que los años pasaban. "Mark siempre era el hermano pequeño que no podía destacar o descubrir cómo triunfar por sí mismo", dice Tatum. "Siempre dependía de Dave y esto lo alejaba de tener su propia vida, su propia carrera y lo que él más deseaba: su propio respeto por parte de las personas". La confusa vulnerabilidad de Mark a menudo hacía que tornara su furia acumulada sobre sí mismo o sobre sus oponentes luchadores". "No creo que nadie pudiera castigar a Mark más de lo que él lo hacía y creo que se endureció contra el mundo a través de estos castigos que se infringía a sí mismo", dice Tatum.
En el verano de 2006 Miller se acercó al veterano productor Jon Kilik y le mostró su visión inicial para el proyecto. Kilik (THE DIVING BELL AND THE BUTTERFLY, BABEL, DEAD MAN WALKING) recordaba la historia de Schultz por las noticias del periódico y respondió en seguida a la meticulosa claridad de la visión del director, aunque FOXCATCHER estaba en sus etapas iniciales. "Bennett describió las primeras escenas detalladamente y me impactaron al instante", afirma Kilik. "El conflicto fundamental resonó en mí desde el comienzo, la noción de que Mark pudiera lograr lo que logró y después regresar a casa sólo para sufrir la soledad, tener un sueldo de asistente de entrenador y prácticamente ningún reconocimiento por haber ganado la Medalla de Oro Olímpica, hasta el conmovedor final de la historia. Desde el inicio fue claro que Bennett tenía un impulso irrenunciable y gran pasión para hacer realidad su singular visión. De hecho invertí mucho tiempo con él para elaborar el guión y lograr que se realizara la película".
Miller desarrolló el proyecto con distintos escritores a través del tiempo. "Tuve la buena fortuna de trabajar con dos escritores extremadamente inteligentes y talentosos", dice Miller. "Aunque trabajaron por separado en el curso de la elaboración, su labor fue compatible y formaba parte de lo que yo visualicé para la película. Éste no fue uno de esos casos en los que un escritor deshace el trabajo del otro, aquí ambos escritores hicieron profundos avances hacia el mismo fin". Así pues, se efectuó la investigación y se hizo un boceto general antes de llegar al guionista E. Max Frye (SOMETHING WILD), que ayudó a enfocar los hechos salvajemente disparatados de la historia. "No ocurre a menudo que un escritor pueda colaborar con un director que tiene una visión tan singular", comenta Frye. "La creación de una narrativa detallada y compleja basada en personajes, en oposición a la simple escritura de una trama, es lo que convierte el enfoque de Bennett en una narración tan atractiva. Desde el momento en que lo conocí me impresionó su incomparable visión sobre las personas y la razón que las impulsa a hacer lo que hacen. Durante todo este proceso largo y difícil, él nunca perdió de vista la historia que deseaba narrar, aun si parecía ser una montaña demasiado escabrosa para trepar. El hecho de que le llevara ocho años realizar esta película es un testimonio de su valor y resolución, así que me siento orgulloso de haber desempeñado una parte en esto".
Miller acudió luego a su anterior colaborador Dan Futterman, cuyo guión para CAPOTE resultó en una nominación como Mejor Guión Adaptado en los Premios de la Academia en 2006, para que trabajara en aspectos adicionales del proyecto. "Dan tiene una mente analítica y una gran clarividencia para lo que importa en una historia", dice Miller. "Después de la contribución de Max, buscaba una experiencia similar a la que compartimos en CAPOTE, en la cual recorrió metódicamente cada latido de la trama, además de desafiar y evaluar cada decisión". Futterman se sumergió en la investigación existente, observó un torneo de lucha, además de entrevistar a Mark Schultz y a Nancy Schultz, la viuda de Dave. Trabajando de cerca con Miller, el guionista produjo varias revisiones que, entre otras cosas, cristalizaron la dinámica de energía triangular entre los tres personajes principales. "Además de sus talentos más obvios, la atención de Bennett a los detalles es incomparable. Cuestiona y escudriña cada momento del guión, cada matiz de la interpretación, cada cuadro de la edición", afirma Futterman. "FOXCATCHER es su película, la historia que esperó contar los últimos ocho años. Me siento bendecido de que Bennett diera vida en la pantalla a dos guiones que escribí o coescribí, CAPOTE y ahora FOXCATCHER".
Mientras esperaba que llegara el financiamiento para la cinta, Miller seleccionó a sus tres actores protagónicos mucho antes de que FOXCATCHER iniciara su producción. Esto permitió que Tatum, Ruffalo y Carell tuvieran suficiente tiempo para profundizar en la vida de los hombres reales que encarnarían, una tarea que tomaron muy en serio. "Tienes una responsabilidad al interpretar a una persona verdadera y deseaba honrar a Dave con mis mejores capacidades", dice Ruffalo. "La única forma de lograrlo era explorar su mundo y descubrir la mayor cantidad de información acerca de él. No hay un reportaje que consideres pequeño para esta labor, en cierta forma actúas como detective". Ruffalo se comunicó con Nancy, la esposa de Dave, así como otras personas que lo conocieron bien, incluyendo a John Giura, entrenador de Dave y uno de sus mejores amigos, que posteriormente fue contratado como coordinador de lucha y entrenamiento en la película.
Ni Tatum ni Ruffalo eran luchadores hábiles cuando firmaron el contrato para interpretar a Mark y Dave Schultz. Ambos tuvieron que aprender los gestos característicos de los hermanos, así como sus movimientos y estilos, que Giura conocía muy bien y están documentados en video. Los actores empezaron a entrenar por separado con el coreógrafo de lucha Jesse Jantzen en junio de 2012 y después entrenaron juntos durante programas regulares cuando comenzó la filmación en octubre. Ruffalo practicó lucha en la escuela preparatoria, pero aun así esto fue un reto debido a que Dave Schultz era zurdo; así pues, un tipo de 45 años de edad debía olvidar todo lo que sabía para hacer ahora las cosas con la mano izquierda e interpretar convincentemente a un hombre de 33 años considerado por muchos el mejor luchador que ha existido. Las sesiones de entrenamiento eran agotadoras y a menudo continuaban por la noche después de largos días de filmación a las afueras de Pittsburgh. "Reto a cualquiera que piense que su deporte es más duro para que venga y entrene éste", dice Tatum. "Fue la película más ardua que he hecho. No deseo volver a luchar de nuevo".
La intrincada dinámica física y emocional entre los Schultz se ilustra vívidamente en una de las escenas más memorables de FOXCATCHER, una maniobra de práctica inicial que se convierte en una inesperada violencia. Comienza como una danza, con Dave que dirige a Mark a través de algunos movimientos, mientras corrige e instruye levemente a su hermano menor. "Hay una verdadera ternura entre ellos y gran comunicación sin hablar", dice Ruffalo. "Es lo más íntimo que dos hombres pueden tener sin que sean amantes". Gradualmente los complejos sentimientos de Mark hacia Dave se desbordan y aumentan el deseo de agredir y lastimar al hermano que idolatra. "Mark es más grande, fuerte y agresivo, puedes ver que está excepcionalmente dotado para la competencia", dice Miller. "Pero Dave tiene aún el mando psicológico sobre él". Añade Miller: "En esta escena puedes ver la resolución, la justicia y el amor de Dave, pero a la vez percibes su actitud. Es el Alfa. No es un Alfa insensible o frío, pero es un Alfa".
Para preparar esta escena crucial, la única vez en que Tatum y Ruffalo luchan juntos en la cinta, los actores trabajaron por separado y en conjunto con el coordinador de lucha John Giura, un luchador de categoría Olímpica por su propio derecho que realmente vivió en la mansión du Pont como parte del Equipo Foxcatcher en la época del asesinato de Dave. "Cada movimiento en esa escena fue coreografiado", explica Giura. "Lograr que hicieran eso sin que se lastimaran uno a otro fue difícil y podía llegar un punto en que ellos se sintieran frustrados. Puedes ver eso en la película. Pero fue maravilloso observar cómo ambos actores superaron sus frustraciones frente a las cámaras. Un luchador que ha entrenado diez años y tiene 100 competencias en su historia es capaz de hacer las cosas por instinto. Pero un actor que entrenó sólo cuatro meses no tiene estas conductas en su ADN. Debe pensar constantemente en lo que hace. La dedicación que Channing y Mark pusieron en su entrenamiento de verdad se refleja en la pantalla".
La compleja relación de los hermanos, ejemplificada en esta secuencia de práctica parecida a una danza, llega a su ebullición cuando Mark se da cuenta de que Dave avanza en su vida, forma su propia familia y da un giro en su carrera más allá de la gloria Olímpica. "Hay una profunda conexión entre ellos, lo que algunas personas llamarían codependencia, la cual se convierte en algo enfermizo cuando se integran en el mundo", dice Ruffalo. "Cuando Dave comienza su vida adulta, Mark lo siente como una traición. Y se convierte en una situación imposible pues Dave sabe que Mark no tiene otras cosas en su vida además de la lucha y su relación fraternal".
Justamente en ese momento, cuando Mark se encuentra en su punto más bajo, ocurre que John du Pont lo invita a una reunión que le cambiará la vida en la Granja Foxcatcher, donde lo adula con palabras de alabanza y respeto que él añoró mucho tiempo de una figura paterna. "Mark tiene muchas dudas y problemas de confianza, pero aquí se encuentra a alguien que los considera a él y a su hermano de una forma que él considera que se merecen", comenta Tatum. "Du Pont dice que los Schultz son héroes que pelearon por su país. Logra que Mark crea que nadie lo va a respaldar o cuidar en la forma en que du Pont lo hará. Mark empieza a creer que ésta es la mejor oportunidad que ha tenido. Finalmente tendrá la atención, el respeto y los reconocimientos que siempre deseó; incluso considera que se podría separar de Dave".
Du Pont mismo también tiene la carga de un legado familiar que le es casi imposible soportar pues se remonta a muchas generaciones y culmina con una madre fría y poco cariñosa que dedica toda su atención a sus galardonados caballos. "La lucha se convierte en algo muy importante para John debido a que fue una vocación de su propia elección y no se relaciona con otras partes de su crianza", dice Carell. "Su madre no apreciaba ese deporte y pensaba que era de bárbaros. Él se aleja de la sombra materna de ese modo". Du Pont se esforzó por dejar su marca en el mundo en numerosas formas: como ornitólogo, conchólogo, filatelista, filántropo, aprendiz del pentatlón Olímpico y benefactor de toda clase de deportes. En vez de eso se convirtió en el salvador de la comunidad de lucha Olímpica de Estados Unidos, construyó las instalaciones de entrenamiento Foxcatcher y fue el principal patrocinador del deporte. "Era altamente competitivo y ansiaba obtener respeto", dice Carell. "Creo que deseaba que la gente lo viera a él de la forma en que él veía a Dave Schultz. En cierta forma quería ser uno de los chicos, pero a la vez también quería mantenerse en una posición más alta que los otros. A la larga fue incapaz de conseguir esa clase de estima y respeto".
Los admiradores de Steve Carell quedarán sorprendidos de verlo en un papel tan oscuro y arduo como John du Pont, un hombre de inmensa riqueza y poder cuya espiral descendente culmina en el asesinato y la cárcel. Miller supo desde el inicio que el actor podría interpretar a un personaje extraño, excéntrico e incluso violento. También sabía que era inútil tratar de incluir en el elenco a un actor convencional para encarnar a un hombre cuya naturaleza era tan inesperada. "Nadie pensaba que du Pont fuera capaz de eso" dice Miller. "Pero cuando conocí a Carell me di cuenta de cuántas capas tiene en su interior, es un actor con un ente público y un ente privado. Y nunca ves el ente privado, jamás. Pensé que esas áreas resguardadas le podrían ayudar a relacionarse con este personaje en cierta forma". Carell mismo consideró que la transformación era un reto, pero también es renuente a pensar que se puede juzgar fácilmente a du Pont. "No lo veo como un monstruo", afirma. "Es un hombre que sufría una enfermedad mental e hizo algo terrible. Era un ser humano muy triste y dañado".
Para preparar con exactitud el papel, Carell estudió las posturas y la forma de hablar de du Pont observando durante horas el pietaje de video del Equipo Foxcatcher que Miller proporcionó a su elenco. "Escuché su cadencia, no sólo al hablar sino también físicamente, así como las palabras que elegía para expresarse", dice Carell. "Bennett a veces debía improvisar, así que nos permitía espacio para ello también. Había cierta afectación específica en mi personaje y pensé que era importante seguir con eso". Sus colegas actores no estaban preparados para la transformación total de Carell cuando llegó al set ya caracterizado. "Cuando Steve entró por primera vez personificando a du Pont, me dio un escalofrío", dice Ruffalo. "En las miles de horas de pietaje de video que observé para prepararme, como 200 horas incluían a Dave interactuando con du Pont en su papel de entrenador. Así que conocía íntimamente a ese hombre, quién era él, cómo sonaba, cómo se movía. La capacidad de Steve para captar las cualidades físicas de du Pont fue espeluznante y misteriosa". Algunos pensaron que la apariencia de Carell era muy perturbadora. "Era incómodo estar junto a Steve cuando encarnaba a John du Pont", dice Nancy Schultz, la viuda de Dave, que fue una presencia frecuente en el set durante la filmación. "Él permanecía caracterizado como su personaje la mayoría del tiempo y era perturbador darle un vistazo con la orilla de mi ojo".
Una de las más grandes actrices del mundo, Vanessa Redgrave, se unió al elenco como Jean, la formidable madre de John du Pont. Miller quedó impresionado por la disposición de Redgrave para improvisar, pero no acepta crédito alguno por modelar su trabajo. "Trabajar con Vanessa se trató más de observar lo que ocurría", dice Miller. "En realidad no hice gran cosa. Teníamos distintas versiones de una escena, le pregunté si le parecía bien hacer las dos y ella aceptó. Simplemente comenzó su interpretación con un largo monólogo y muchas cosas que no estaban escritas". Tanto Carell como Redgrave quedaron encantados de trabajar juntos en algo que fue un material formidable para ambos actores. "Vanessa improvisó mucho, pero en cada toma expresó la tremenda fuerza de su personaje", dice Carell. "Es interesante pues Jean du Pont era físicamente frágil y sin embargo Vanessa ayudó aportando enorme fuerza y poder a su relación con mi personaje" concluye. Redgrave añade: "Fue maravilloso trabajar con Steve debido a que su concentración es total. De verdad disfruté mis escenas con él".
Cuando llegó el momento de elegir el elenco del Equipo Foxcatcher y otros luchadores en la película, la producción necesitaba asegurar el respaldo de la comunidad de lucha de Estados Unidos, un grupo notoriamente unido que estaba bastante preocupado acerca del tono de la película considerando la naturaleza amarillista de la historia. Algunos luchadores no tuvieron reparo en decir a Ruffalo que él difícilmente era el ideal para personificar a Dave Schultz. Ruffalo tuvo su primera gran audición que incluyó a algunos de los principales luchadores en el país, así como amigos cercanos de Dave. "Llegué ahí sólo para saludar, pero Bennett me puso un informe y me mandó a luchar con los muchachos", dice Ruffalo, "En realidad era una audición para que yo luchara con ellos y sabía que no podía arruinarlo". Además de la presión que ya tenía, el primer oponente de Ruffalo fue un famoso luchador Olímpico. "Dave solía iniciar con fuerza, así que lancé uno de sus movimientos característicos, uno de los más espectaculares", dice Ruffalo. "Y cuando miré hacia Tadaaki Happa, uno de los mejores entrenadores de lucha Olímpica, él asintió con la cabeza y mostró su apoyo". La "audición" de Ruffalo fue fundamental para obtener el apoyo de la comunidad de lucha para la película. "Después de eso la situación era 'cualquier cosa que necesiten amigos, cuenten con ella', para eso estamos aquí, creemos en este proyecto'", dice Ruffalo. "Sentí como si tuviera la bendición de las personas a las que quería complacer y eso significó mucho para mí".
Channing Tatum fue el único de los tres protagonistas que debió interpretar frente a la persona real a la que encarnaba debido a que Mark Schultz, hoy en día un entrenador de lucha que vive en Oregon, siempre fue bienvenido y a menudo era una presencia indispensable en el set durante la filmación. "Tenerlo aquí fue increíblemente útil en ciertos momentos gracias a la información que nos podía dar", comenta Tatum. "Pero también fue difícil separar las emociones de la vida real de Mark de las mías propias mientras lo personificaba en la película. Creo que era complejo para Mark observar mi trabajo". (El verdadero Mark Schultz aparece en la película en un papel como invitado en la escena en la que pesan a Mark para el Campeonato del Mundo después de haber adelgazado).
Sienna Miller, que interpreta a Nancy, la esposa de Dave, también se benefició de tener a su personaje de la vida real en el set para cualquier consulta. "Fue increíble tenerla cerca pero al mismo tiempo era surrealista, pues me vestían como ella", dice Miller. "Fue abierta y dispuesta a compartir sus pensamientos y recuerdos, incluso los dolorosos. Me respaldó tanto como pudo, pero también era un poco atemorizante, pues cuando interpretas a alguien que no sólo existió, sino que está vivo, es una enorme responsabilidad". Miller quedó particularmente impresionada por la firmeza de Nancy en el set, en especial durante las escenas que le traían tristes recuerdos del asesinato de su esposo, del cual Nancy fue testigo. "Es obvio que vivió algo muy traumático, puedes ver en sus ojos que pasó grandes dificultades y salió fortalecida al superarlas", comenta Miller. "Esto es hermoso dentro de su historia pues Nancy y Dave vivieron la experiencia de formar una familia. Son la antítesis de la dinámica de John du Pont y Mark Schultz".
A pesar de lo mucho que los actores investigaron para sus papeles, ya fuera con el pietaje de video o con sus contrapartes de la vida real para integrar sus personajes, ninguna preparación se compara al momento mágico en el set cuando deben improvisar, algo que Miller alentó en los miembros de su elenco. "Nuestro trabajo era investigar a nuestros personajes lo mejor posible, pero inevitablemente surge algo más cuando estás filmando", dice Carell. "Hubo escenas que habíamos ensayado y analizado, pero cambiaban completamente cuando las hacíamos realidad". A Tatum le resultó difícil salirse del guión por órdenes de Miller. "De pronto en el set Bennett me decía 'Haz cualquier cosa que pienses que Mark haría'", dice Tatum. "Fue divertido, pero al mismo tiempo fue difícil pues no sabes lo que va a terminar dentro de la película, así que debes mantenerte concentrado". Por su lado Anthony Michael Hall, que interpreta a Jack, el asistente de du Pont, comenta acerca del proceso: "Bennett modelaba las interpretaciones de los actores, los presionaba y al mismo tiempo los liberaba. Debían hacer su tarea y luego, de modo sutil y deliberado, los impulsaba para que dieran vida a estas personas reales".
Miller fue capaz de trabajar con un enfoque tan libre debido a que tenía el completo respaldo de su productora, Megan Ellison y Annapurna Pictures. La gran reputación de Annapurna se ha labrado con películas tan aclamadas como THE MASTER, ZERO DARK THIRTY, HER y AMERICAN HUSTLE; de hecho FOXCATCHER fue uno de los primeros proyectos que emprendió la compañía. "Realizar una película como ésta, que no es una labor predeterminada consistente en conectar los puntos o colorear las líneas, requiere un acto de fe por parte de los productores y los actores", dice Miller. "Es algo parecido a la realización de un documental, en el cual no sabes exactamente la forma que tendrá cuando esté terminado. El único modo de que una película se convierta en lo que se necesitas es filmarla con cuestionamientos constantes".
De la misma forma en que los miembros del elenco aportaron veracidad a sus papeles como personas verdaderas, Miller y su equipo buscaron mostrar el deporte de la lucha en la pantalla de una forma que fuera tanto auténtica como visceral. "Bennett quería hacer la película de lucha más genuina jamás realizada pues esto daría autenticidad a todo lo demás", afirma Giura, el coordinador de lucha de la cinta, cuyo trabajo fue contratar a los luchadores reales que aparecen junto a Tatum y Ruffalo en las secuencias de lucha. "Investigamos innumerables competencias con el pietaje de video y recreamos cada movimiento de las contiendas reales que mostramos en la película. Gracias a que el director de fotografía Greig Fraser captó todo el pietaje apropiado durante la filmación, fuimos capaces de conjuntar las competencias eficazmente en el proceso de edición".
Por su lado, Giura contribuyó con gran cantidad de pietaje de archivo de lucha a la investigación que ya tenía Miller y gran parte de eso era de las competencias que filmó mientras competía con los Schultz alrededor de Estados Unidos y en el extranjero durante la década de 1980, un pietaje que no había podido ver en dos décadas debido a su cercanía con los dos hermanos Schultz. "En la sala de entrenamiento había una computadora con una pantalla gigante, así que teníamos a la mano todo el pietaje necesario durante la filmación", dice Giura. "Ambos actores realmente lo apreciaron. Se sentían más cómodos mirando gente real mientras luchaba, en algunos casos Mark y Dave mismos. Mark Ruffalo hizo un gran trabajo al ejecutar las técnicas como Dave realmente las hacía, llegó a dominarlas sin esfuerzo. Tuvo que aprender todo el interior de la técnica de Dave y su exterior. Con la ayuda del pietaje de video la perfeccionó".
Para la labor de Fraser, la lucha era un deporte nuevo, algo que nunca había estudiado o siquiera visto, pero le agradó la hermosa danza entre dos intérpretes dotados y talentosos. "Mi falta de familiaridad con el deporte me dio una ventaja sobre alguien que ya lo conocía por adentro y por afuera", dice Fraser, que vio horas de pietaje de video con el fin de crear una estrategia para los visuales de lucha en la película. "Si ves una buena cobertura de lucha pronto te das cuenta si un editor cortó demasiado a menudo o demasiado rápido, así que puedes perder la perspectiva. Por ello traté de enfocarme en un lugar clave para cada movimiento. Trabajamos de cerca con los entrenadores y después filmamos la coreografía. Posteriormente analizamos como equipo los mejores ángulos de cada toma. La idea era que los editores cortaran la menor cantidad posible y ser capaces de mostrar la mayor parte de danza que podíamos".
La fotografía principal para FOXCATCHER comenzó en octubre de 2012 en Pittsburgh y sus alrededores. Varios lugares en las cercanías se emplearon para captar distintos aspectos de la propiedad du Pont original, la Granja Foxcatcher, que cambió de manos varias veces en estos años desde el encarcelamiento y muerte de John du Pont; actualmente funciona como el campus de la Escuela Preparatoria Episcopal Academy. Una casa privada en Newton, Pensilvania, con 500 acres de terreno que incluía un establo de caballos, aportó muchas locaciones interiores y exteriores, excepto la dramática fachada de inspiración griega de la suntuosa residencia du Pont, que se filmó en una mansión en el Norte de Virginia. "En Pittsburgh no encontramos un exterior tan grande que se irguiera orgulloso en mitad de un extenso campo, con columnas y estructura de fortaleza", dice Jess Gonchor, el diseñador de producción de la película. "Así que filmamos las secuencias exteriores en Virginia y las mezclamos con los interiores en Pittsburgh". Por su lado, Fraser añade: "Tratamos de mantener un hilo común en términos de ambiente y sensación a lo largo de la película a pesar de las diversas locaciones en propiedades distintas. Todo se trató de conjuntar las tomas de diferentes lugares para crear una imagen visual consistente de la mansión Foxcatcher".
Para Fraser, que filmó FOXCATCHER con cinta usando una serie de cámaras Panasonic XL, el aspecto cambiaba dependiendo de la locación, por lo cual debió utilizar lentes de distintas épocas para transmitir la constricción y el amplio alcance durante los momentos cruciales de la trama. "Decididamente es una historia oscura, pero los visuales no debían ser necesariamente oscuros, sólo debían ser honestos en términos del drama", dice Fraser. "Eras una historia que debíamos narrar visualmente en términos de la progresión de estos personajes y logramos esto en su mayor parte con avances de lentes e iluminación para impulsar el viaje de Mark a lo largo de la trama". Por ejemplo, para las primeras escenas en el húmedo y abarrotado departamento de Mark encima de un garaje en Wisconsin, Fraser eligió lentes que registraran fielmente la imagen de un hombre solo comiendo fideos en la oscuridad. "Pero cuando él se abre a ese mundo más amplio de la mansión du Pont, decidimos revertir levemente en términos de los lentes", dice Fraser. "Usamos lentes con 30 años de antigüedad que dieron a las escenas una calidad más suave sin requerir de filtros que podrían degradar la imagen. Deseaba que los espectadores vieran el mundo como lo hizo Mark cuando llegó por primera vez a la mansión, a través de lentes color rosa que ayudan a impulsar esta subtrama".
También fue crucial para Fraser crear una sensación de que el mundo se abre cuando Mark vuela por primera vez sobre la mansión en helicóptero, en contraste con la claustrofobia y malestar que él experimentaba durante su vida post-Olímpica en Wisconsin. La colocación de las cámaras también desempeñó un papel fundamental para crear una especie de suspenso psicológico que aumenta a medida que la historia se desarrolla. "Quisimos ampliar nuestro alcance a ese respecto pues también es el momento en que el nudo comienzo a apretarse alrededor del cuello de Mark", dice Fraser. "Para apretar aún más el nudo lo pusimos en instalaciones de lucha con techos bajos e iluminadas con lámparas fluorescentes. Si colocas la cámara cerca del piso el lugar se siente imponente y grande, estás más en el nivel de los luchadores. Pero si pones la cámara más alta, como hicimos en las escenas clave, se empieza a sentir un entorno claustrofóbico, como si el nudo en el cuello estuviera a punto de ahorcarte".
Debido a que la película se ubica sobre todo en las décadas de 1980 y 1990, la arquitectura, los tonos y el guardarropa debían transferir cierto aspecto sin recurrir a caricaturas o clichés de la época. Para Gonchor un reto importante fue crear los interiores de FOXCATCHER de tal forma que reflejaran la naturaleza solitaria tanto de Mark Schultz como de John du Pont a medida que empiezan a tratarse con su compleja relación en el interior de la Granja Foxcatcher. "Me interesó la noción de un entorno desnudo para los personajes, mostrar apenas lo esencial para transmitir la sensación de soledad", dice Gonchor. "Para mí du Pont era un ermitaño, esta figura solitaria en su gran oficina. En el trasfondo de mi mente era como la Oficina Oval y él era el comandante en jefe, pero no tenía a nadie para mandar. En contraste la habitación de su madre se sentía sin personalidad, sólo había fotografías de sus cosas favoritas, entre ellas sus caballos. Mark llega a vivir en su cuarto de huéspedes lujosamente amueblado, lo opuesto de su pequeño departamento en Wisconsin. Ambos lugares están inmersos en la quietud y la soledad. Únicamente sobresale la sala de trofeos de la mansión debido a que la madre estaba muy orgullosa de ella".
En lo que se refiere a la diseñadora de vestuario Kasia Walicka Maimone, cuyo trabajo incluye películas como MOONRISE KINGDOM de Wes Anderson y A MOST VIOLENT YEAR de J.C. Chandor, el vestuario de FOXCATCHER se basó en su propia investigación, la cual abarcó fotografías y videos de la época, libros sobre la familia du Pont, largas charlas con la comunidad de lucha y un extenso trabajo de preparación con Miller, con quien ella colaboró previamente en CAPOTE y MONEYBALL. Giura le proporcionó auténticas prendas de lucha de la época que ella duplicó para el equipo Foxcatcher. Otros artículos se crearon con base en su investigación. A pesar de que técnicamente es una obra de época, el diseño de vestuario en FOXCATCHER no refleja algunos de los aspectos más llamativos de finales de la década de 1980, periodo en el cual se ubica básicamente la película. Sin duda gran parte del vestuario es sutil y serio para mantener las texturas ligeras y los esquemas de color que se trabajaron en el diseño de producción. "La historia es bastante sólida y no necesita distracciones derivadas del vestuario", dice Walicka Maimone. "Mi trabajo fue encontrar el diseño subyacente de la película y elaborar prendas que coincidieran perfectamente con el ambiente y los otros elementos. Una vez que encontré cómo transmitir las múltiples capas de los personajes fue fácil para mí elaborar el vestuario".
La sensación de inmovilidad que se cierne sobre FOXCATCHER en todos sus componentes, desde la realización cinematográfica y la dirección artística, hasta las interpretaciones e incluso el vestuario, es algo que el elenco y los miembros del equipo atribuyen a la predilección de Miller por la cinematografía de ritmo lento. "Las películas de Bennett se construyen despacio, él no usa muchas partes en movimiento", dice Gonchor. "Excepto ciertas elecciones audaces que realizamos con la arquitectura, o cuando Mark entra al gimnasio de Foxcatcher por primera vez con una explosión de color, mi trabajo fue respaldar las interpretaciones y el guión. El tono de la película es sutilmente esperanzador y se eleva durante las secuencias de lucha, pero las cosas se vuelven más inertes e inmóviles a medida que la historia avanza, hasta que no hay signo alguno de esperanza. En ocasiones incluso el paisaje se siente muerto". Añade Fraser: "Esencialmente permitimos que la historia creara sus propios elementos visuales. Buscamos ser honestos y claros con el drama sin profundizar demasiado para lograr un aspecto específico de una época".
A lo largo de la filmación y posteriormente durante la edición, Miller se esforzó en destilar los significados de las escenas hasta su esencia y enfatizó los visuales siempre que lo consideró necesario. Por ello una gran porción de FOXCATCHER se interpreta sin palabras. "Bennett está convencido de que los personajes y la historia son suficientes para expresarse a través de largos periodos de silencio", dice Ruffalo. "No teme permitir que una película respire de esta forma". Tatum añade: "Él observa las pequeñas cosas. Le obsesionan los instantes imperceptibles. Lo que la mayoría de la gente aprecia cuando hay escenas de lucha son los grandes movimientos, los fuertes golpes, la actividad, pero Bennett en realidad se enfoca en los momentos callados, como si alguien entrara a la cabeza del personaje cuando no se mueve".
Ruffalo compara el exclusivo proceso de realización cinematográfica de Miller con la metáfora de un jardín de rocas Zen. "Ves una roca que sobresale de la tierra, pero es apenas un pequeño porcentaje de lo que está enterrado y fuera de la vista", dice Ruffalo. "La mirada meditativa de la historia que tienes en esta cinta es profunda y al mismo tiempo tienes la sensación de una trama subyacente mucho más honda. Él no presenta todo fácilmente para nosotros. Por el contrario, nos deja en el mismo lugar en el que se encuentran la mayoría de las personas que experimentan esta clase de tragedias. Nos preguntamos ¿Cómo ocurrió esto y por qué pudo pasar?"
Miller mismo describe su proceso como arrojar un poco de luz en lugares a los que no se puede acceder por ningún otro medio. "El lenguaje de una película no se debe basar únicamente en hechos, lo ideal es que integre toda la verdad", dice Miller. "Lo que se puede exponer en pocos instantes y comunicarse sin palabras es la razón por la cual ésta es una película y no un artículo o una historia noticiosa".
La Familia du Pont
Como una vasta dinastía de empresas industriales y riqueza, la familia du Pont tiene uno de los legados más antiguos y prestigiosos en la historia estadounidense.
Los orígenes de la familia se remontan a Francia, a finales del Siglo XVIII. Pierre du Pont, uno de los miembros más antiguos de la familia de los que se tiene noticia, fue confidente del Rey Luis XVI; su hijo Eleuthère Irénée du Pont fue aprendiz de Antoine-Laurent de Lavoisier, un hombre considerado como el padre de la química moderna. En un periodo en el que los franceses eran conocidos como los fabricantes de la mejor pólvora en el mundo, Eleuthère Irénée fue capaz de aprender las habilidades de su fabricación. Tristemente la Revolución Francesa interrumpió el corto aprendizaje de Eleuthère Irénée, pues huyó de Francia a Estados Unidos con Pierre y el resto de la familia du Pont en octubre de 1799.
Poco después de la llegada de Eleuthère Irénée a Estados Unidos, él se dio cuenta de la deficiente calidad de la pólvora que se fabricaba ahí. Aprovechó esta oportunidad y abrió su propio molino de pólvora negra en Wilmington, Delaware, junto a Brandywine Creek, en 1802. Aplicando su sofisticado conocimiento del proceso de elaboración, Eleuthère Irénée du Pont fabricó un producto que impactaría el curso de la historia de Estados Unidos durante casi 200 años.
Eleuthère Irénée tuvo gran éxito con la Compañía DuPont (aunque el nombre familiar es du Pont, la empresa se conoció como DuPont) durante su vida, pero también experimentó tragedias cuando unas explosiones mataron a numerosos trabajadores en la fábrica en 1818. Las deudas se acumularon rápidamente y pusieron en riesgo el futuro de DuPont, así que Alfred Victor, el hijo de Eleuthère Irénée, tomó las riendas de la compañía. Desafortunadamente Alfred carecía de la habilidad necesaria para salvar la empresa y después de una década de su gestión, DuPont tenía una deuda superior a medio millón de dólares. En ese momento crucial Henry du Pont, hermano pequeño de Alfred y el hijo más joven de Eleuthère Irénée, se hizo cargo del negocio.
Henry era graduado de West Point e inmediatamente aplicó la disciplina y aptitud de liderazgo que aprendió para aportar estabilidad fiscal a la empresa. A medida que la Compañía DuPont se equilibraba bajo su dirección, el sobrino de Henry e hijo de Alfred, Lammot du Pont, emergió como una nueva fuerza. Lammot era un talentoso químico con un impresionante don para los negocios y a los 27 años elaboró una nueva forma de polvo explosivo. Con trabajo conjunto Henry y Lammot fueron responsables del gran éxito de la empresa al terminar la década de 1800 y capitalizaron la enorme demanda de municiones que resultó de la Guerra Civil, así como de la expansión del ferrocarril en el oeste estadounidense. DuPont se convirtió en el proveedor de explosivos militares más grande de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y más adelante fue el creador de Nylon, Teflon, Mylar, Kevlar y Lycra.
El sólido compromiso de la familia du Pont con el trabajo duro resultó en una dinastía y una fortuna sin paralelo en la historia estadounidense. A la fecha el nombre du Pont representa una compañía global que ha sido líder en la innovación tecnológica durante más de dos siglos. En la actualidad la Compañía DuPont está valorada en 50,000 millones de dólares y provee productos a más de 70 países alrededor del mundo.
John Eleuthère du Pont fue el tataranieto de Eleuthère Irénée du Pont.
Acerca del elenco
STEVE CARELL (John du Pont) obtuvo por primera vez reconocimiento por su contribución como corresponsal en el programa ganador de un Emmy Award, "The Daily Show with Jon Stewart", de Comedy Central, antes de continuar exitosamente en el mundo de la televisión y llegar a un nivel privilegiado en el cine con igual aplomo. Demostrando que su talento va más allá de la actuación y la escritura, Carell también dirige su propia compañía de producción, Carousel Productions.
Carell estrenó su primera película con un papel protagónico, The 40-Year-Old Virgin, que coescribió con el director Judd Apatow, en el lugar #1 y permaneció ahí durante dos fines de semana consecutivos. Como el éxito sorpresa de 2005, la cinta fue honrada con un AFI Award y nombrada como una de las 10 Películas Más Destacadas del Año, además de obtener el Premio a la Mejor Película de Comedia en el 11 Evento Anual de los Critics' Choice Awards. La película también aportó a Carell y Apatow una co-nominación como Mejor Guión Original por parte de la Writers Guild Association.
En el verano de 2011 Carell protagonizó Crazy, Stupid, Love, el éxito taquillero aclamado por la crítica, al lado de Julianne Moore, Ryan Gosling y Emma Stone. La película fue producida por Carousel Productions.
Previamente en 2010 Carell prestó su talento vocal al papel protagónico de Gru en la película animada Despicable Me, que se estrenó en el lugar #1 de las taquillas y recaudó más de US$500 millones alrededor del mundo. En junio de 2008, Carell protagonizó el papel de Maxwell Smart en Get Smart, al lado de Anne Hathaway y Alan Arkin. También prestó su voz como el Alcalde de Whoville en la cinta animada Dr. Seuss' Horton Hears a Who! Dirigida por Jimmy Hayward (Finding Nemo, Monsters, Inc.), Carell trabajó junto a Jim Carrey y ayudó a lanzar la película como un éxito internacional. En 2006, como parte de un elenco coral, protagonizó Little Miss Sunshine, que obtuvo una nominación a un Premio de la Academia como Mejor Película y ganó el SAG Award® como Interpretación Destacada por un Elenco coral en un Largometraje.
En 2012 Carell coprotagonizó SEEKING A FRIEND FOR THE END OF THE WORLD, al lado de Keira Knightly. Más adelante ese año Carell participó en la exitosa comedia dramática Hope Springs, junto a Meryl Streep y Tommy Lee Jones.
A principios de 2013 Carell protagonizó The Incredible Burt Wonderstone, de Warner Brothers, donde personificó a un desgastado mago que trata de mantenerse en un nivel importante, junto a Jim Carrey y Steve Buscemi. En julio Carell volvió a prestar la voz a "Gru" en la cinta animada Despicable Me 2, que recaudó más de US$668 millones globalmente y es la película más rentable en la historia de Universal Pictures. Carell trabajó recientemente en The Way, Way bacK, escrita y dirigida por los ganadores del Premio de la Academia Nat Faxon y Jim Rash. En diciembre de 2013 retomó el papel de Brick Tamland en Anchorman 2: The Legend Continues, junto a Will Ferrell y Paul Rudd, la secuela de la exitosa comedia Anchorman: The Legend of Ron Burgundy.
Los créditos cinematográficos previos de Carell incluyen Bruce Almighty, Bewitched y Dan in Real Life. En 2011 también terminó su papel nominado a un Emmy en "The Office, la adaptación estadounidense de la aclamada serie de la televisión británica de Ricky Gervais. En 2006 Carell obtuvo un Golden Globe Award como Mejor Interpretación por un Actor en una Serie de Televisión - Musical o Comedia, seguido por dos nominaciones más por su papel de Michael Scott, el tramposo jefe de una compañía de papel en Pensilvania. También fue nominado a seis Emmy Awards como Mejor Actor Protagónico en una Serie de Comedia. En años anteriores el programa ganó el Screen Actors Guild Award como Interpretación Destacada por un Elenco Coral en una Serie de Comedia.
Nacido en Massachusetts, Carell reside actualmente en Los Ángeles con su esposa, la actriz Nancy Carell ("Saturday Night Live") a quien conoció mientras estaban en Second City Theater Group en Chicago, compañía a la que ambos pertenecían. Es el orgulloso padre de una hija y un hijo.
Carell será visto en octubre de 2014 en ALEXANDER AND THE TERRIBLE, HORRIBLE, NO GOOD, VERY BAD DAY, de Disney, donde interpreta al padre de Alexander (Ed Oxenbould), un niño de 11 años que despierta una mañana con goma de mascar en su cabello, seguido por una calamidad tras otra. Basado en el libro infantil best seller de Judith Viorst, la película es dirigida por Miguel Arteta y coprotagonizada por Jennifer Garner como la madre de Alexander.
CHANNING TATUM (Mark Schultz) se ha consolidado como uno de los actores protagónicos y productores más solicitados.
En 2014 Tatum protagonizó dos películas: 22 Jump Street, la secuela de la exitosa 21 Jump Street, en la que volvió a hacer equipo con Jonah Hill y los directores Phil Lord y Christopher Miller, así como la cinta animada BOOK OF LIFE, producida por Guillermo del Toro, con Zoe Saldaña, Diego Luna, Christina Applegate e Ice Cube. El próximo año protagonizará JUPITER ASCENDING, escrita y dirigida por Andy y Lana Wachowski, y coprotagonizada por Mila Kunis. También comenzará a filmar pronto magic mike XXL, la secuela de MAGIC MIKE.
Tatum protagonizó White House Down, de Roland Emmerich, con Jamie Foxx, Maggie Gyllenhaal, James Woods y Richard Jenkins, así como SIDE EFFECTS, de Steven Soderbergh, con Rooney Mara, Jude Law y Catherine Zeta-Jones.
Asimismo protagonizó cuatro películas en 2012: HAYWIRE, de Soderbergh, con Gina Carano, Ewan McGregor, Michael Fassbender y Michael Douglas; The Vow, de Michael Sucsy, junto a Rachel McAdams; 21 Jump Street, con Jonah Hill (Tatum y Hill fueron productores ejecutivos también); así como el éxito taquillero Magic Mike, de Soderbergh, con Matthew McConaughey y Joe Manganiello. MAGIC MIKE fue financiada y producida de manera independiente por Tatum y su socio de producción, Reid Carolin, que también escribió el guión. Tatum hizo equipo por primera vez con Carolin para producir 10 YEARS, de Jamie Linden, que Tatum protagonizó junto a Jenna Dewan, Rosario Dawson, Lynn Collins, Kate Mara, Anna Faris, Brian Geraghty, Justin Long y Chris Pratt. 10 YEARS se proyectó en el Festival de Cine de Toronto ese año y fue estrenada por Anchor Bay
En 2011 Tatum protagonizó la película de suspenso criminal The Son of No One, al lado de Al Pacino y Katie Holmes, así como la aventura épica romana THE EAGLE, junto a Jamie Bell y Donald Sutherland. El año anterior protagonizó junto a Amanda Seyfried la cinta DEAR JOHN, de Lasse Hallstrom, adaptación del libro best seller de Nicolas Sparks (The Notebook).
En agosto de 2009 Tatum trabajó en el éxito de taquilla G.I. JOE, dirigida por Stephen Sommers. La película contó con Sienna Miller, su coestrella en FOXCATCHER, además de Marlon Wayans y Dennis Quaid. También participó en la secuela G.I Joe 2: Retaliation en 2013. También en 2009 Tatum trabajó junto a Terrence Howard en Fighting, dirigida por Dito Montiel, quien dirigió antes la aclamada cinta A Guide to Recognizing Your Saints. En 2008 Tatum protagonizó el drama Stop/Loss, de Paramount Pictures, la primera película de Kimberly Peirce después de su galardonada cinta Boys Don't Cry.
En 2006 Tatum recibió nominaciones a un Independent Spirit y a un Gotham Award por su papel en A Guide to Recognizing Your Saints. La película fue escrita y dirigida por Dito Montiel y se basó en sus memorias del mismo título editadas en 2003; fue coprotagonizada por Shia LaBeouf, Robert Downey Jr. y Chazz Palminteri. La película obtuvo el Premio Especial del Jurado como Mejor Interpretación de un Elenco Coral, además del Premio a la Mejor Dirección Dramática para Montiel en el Festival de Cine de Sundance en 2006. Ese año Tatum también protagonizó SHE'S THE MAN, de Andy Fickman, al lado de Amanda Bynes, así como el éxito taquillero STEP UP, dirigida por Anne Fletcher.
Tatum nació en Alabama y creció en Florida. Actualmente reside en Los Ángeles con su esposa, Jenna Dewan, y su hija.
El actor nominado a un Premio de la Academia MARK RUFFALO (Dave Schultz) es uno de los actores más buscados de Hollywood y se mueve fácilmente entre el teatro y el cine, además de trabajar con directores que incluyen a Ang Lee, Martin Scorsese, Michael Mann, Spike Jonze, David Fincher, Fernando Meirelles y Michel Gondry.
Este verano Ruffalo participó en la película "The Normal Heart", de HBO, basada en la obra del mismo nombre escrita por Larry Kramer. Dirigida por Ryan Murphy, la cinta es coprotagonizada por Julia Roberts y Matt Bomer. "The Normal Heart" narra la historia de un activista gay que intenta generar consciencia sobre el VIH/SIDA cuando comenzó la crisis de ese padecimiento en la Ciudad de Nueva York en la década de 1980. La cinta televisiva se proyectó en mayo en HBO. También podrá ser visto este año en BEGIN AGAIN, que coprotagonizó con Keira Knightley y Hailee Steinfeld. La película trata de una chica aspirante a cantante en la Ciudad de Nueva York (Knightley) cuyo mundo da un giro para mejorar cuando la descubre un productor de discos venido a menos (Ruffalo). La cinta se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2013 y fue la película que se proyectó en la clausura del Festival de Cine de Tribeca en 2014.
Parece que en 2015 se estrenará la cinta de Ruffalo aclamada por la crítica en el Festival de Cine de Sundance 2014: Infinitely Polar Bear, al lado de Zoe Saldaña, dirigida por Maya Forbes. La película trata acerca de un esposo y padre bipolar, interpretado por Ruffalo, que deja de tomar su medicina y en consecuencia pierde tanto su trabajo como su cordura, mientras lucha para mantener su matrimonio.
Entre sus próximas películas se incluye la secuela de THE AVENGERS, titulada THE AVENGERS: AGE OF ULTRON, donde retomará su papel como Bruce Banner/The Hulk. Dirigida por Joss Whedon, la cinta también vuelve a reunir a las coestrellas Scarlett Johansson, Chris Hemsworth, Chris Evans y Robert Downey Jr.
Ruffalo obtuvo nominaciones a un Premio de la Academia, un Screen Actors Guild Award, un BAFTA Award y un Independent Spirit Award por su interpretación en The Kids Are All Right, de Lisa Cholodenko. También fue honrado con el Premio como Mejor Actor de Reparto por parte del New York Film Critics Circle. La película se proyectó en el Festival de Cine de Sundance en 2010 y se estrenó con buenas críticas posteriormente ese año.
En 2011 Ruffalo debutó como director con Sympathy for Delicious, que se proyectó en el Festival de Cine de Sundance en 2010 y siguió adelante para ganar el Premio Especial del Jurado como película dramática. La cinta es protagonizada por Orlando Bloom, Laura Linney, Juliette Lewis y Ruffalo, en una historia acerca de un DJ de Los Ángeles que descubre que tiene el poder de sanar.
En 2006 Ruffalo debutó en Broadway con un papel que le aportó una nominación al Tony Award en la nueva versión de "Awake and Sing!" de Clifford Odets, en Lincoln Center Theater. El elenco original incluyó a Ben Gazzara, Zoe Wanamaker y Lauren Ambrose.
En 2000 Ruffalo recibió reconocimiento de la crítica por su papel en You Can Count on Me, de Kenneth Lonergan, al lado de Laura Linney y Matthew Broderick. La cinta, producida por Martin Scorsese, obtuvo el codiciado Premio del Gran Jurado como Mejor Película en la Competencia Dramática y el Waldo Salt Screenwriting Award en el Festival de Cine de Sundance en 2000.
Sus otros créditos cinematográficos incluyen THANKS FOR SHARING, NOW YOU SEE ME, SHUTTER ISLAND, WE DON'T LIVE HERE ANYMORE, ZODIAC, The Brothers Bloom, collateral, 13 going on 30, eternal sunshine of the spotless mind, in the cut, Margaret, Blindness, Just Like Heaven, Reservation Road, All the King's Men, What Doesn't Kill You, My Life Without Me, The Last Castle, WINDTALKERS, XX/XY, Committed, Ride With the Devil, Studio 54, Safe Men, The Last Big Thing, Fish in the Bathtub y Life/Drawing.
Las raíces actorales de Ruffalo se encuentran en el teatro, donde obtuvo atención por primera vez cuando protagonizó la producción fuera de Broadway de "This is Our Youth", escrita y dirigida por Kenneth Lonergan, por el cual ganó un Lucillel Ortel Award como Mejor Actor. Ruffalo también obtuvo diversos premios por otras interpretaciones, incluyendo un Dramalogue Award y el Theater World Award. En 2000 Ruffalo participó en la producción fuera de Broadway de "The Moment When", una obra del escritor James Lapine, ganador del Premio Pulitzer y de un Tony Award . Realizó su debut teatral en "Avenue A" en The Cast Theater. Como escritor, director y productor, Ruffalo coescribió el guión para la cinta independiente THE DESTINY OF MARTY FINE. En 2000 dirigió la obra original de Timothy McNeil: "Margaret", en el Hudson Backstage Theatre en Los Ángeles.
Ruffalo también es un promotor para resolver el problema del cambio climático y la energía renovable. En marzo de 2011 Mark cofundó Water Defense con objeto de generar conciencia acerca del impacto de la extracción de energía sobre el agua y la salud pública. Colaborador regular para The Guardian y Huffington Post, Mark es receptor del Global Green Millennium Award por Liderazgo Ambiental, el Meera Gandhi Giving Back Foundation Award, así como el Riverkeeper's Big Fish Award. También fue incluido en la lista "People Who Mattered" de la Revista Time en 2012.
Ruffalo reside con su familia en Nueva York.
Llamada por Tennessee Williams "la actriz más grandiosa de nuestra época", VANESSA REDGRAVE (Jean du Pont) proviene de una legendaria familia teatral. Su padre, Sir Michael Redgrave, fue uno de los actores más populares y respetados de Gran Bretaña. Su madre, Rachel Kempson, fue una notable actriz teatral. Su hermana, Lynn Redgrave, también fue actriz de cine y teatro; por último su hermano, Corin Redgrave, fue un exitoso director y actor teatral. Ella tuvo su debut profesional en la obra "A Touch of the Sun" (1957), la cual coprotagonizó con su padre. Aunque participó en su primera película, Behind the Mask, en 1958, se concentró mayoritariamente en el trabajo teatral a lo largo de la década de 1950 y principios de la década de 1960. Durante la temporada de 1959-1960 fue miembro del Royal Shakespeare Theatre en Stratford-upon-Avon. Su carrera cinematográfica comenzó propiamente en 1966 y en un periodo de dos años participó en cuatro cintas que consolidaron su reputación como una actriz inteligente con una presencia imponente: Morgan! de Karel Reisz. (1966, nominación a un Premio de la Academia®); A MAN FOR ALL SEASONS, de Fred Zinneman; Blow-Up, de Michelangelo Antonioni (1966); así como Camelot , de Joshua Logan (1967). Su papel de Guinevere en CAMELOT consolidó aún más su estatus como una de las actrices más populares y respetadas del momento. A finales de la década de 1960 y principios de los años 70, Redgrave demostró su maestría tanto en obras clásicas como comerciales. En 1968 interpretó el papel de Nina en la adaptación de Sidney Lumet de la obra The Sea Gull, de Anton Chekhov, y personificó a la bailarina Isadora Duncan en Isadora, por lo cual obtuvo un National Society of Film Critics Award como Mejor Actriz, un segundo Premio como Mejor Interpretación Femenina en el Festival de Cine de Cannes, además de un Golden Globe y una nominación al Oscar®. En 1971 Redgrave interpretó a Andrómaca en The Trojan Woman y asimismo recibió su tercera nominación al Oscar® por su trabajo como el personaje principal en Mary, Queen of Scots. En 1977 obtuvo un Oscar como Mejor Actriz de Reparto por su interpretación en Julia (1977.) Durante las siguientes dos décadas, Redgrave evitó las películas populares y comerciales para trabajar en cintas más pequeñas. En 1980 su controversial papel de una víctima en un campo de concentración Nazi, en la adaptación televisiva de "Playing for Time", de Arthur Miller, le aportó un premio Emmy.
Redgrave recibió su quinta nominación al Oscar® en 1985 por su papel en THE BOSTONIANS, de James Ivory, y después la sexta nominación en 1992 por su interpretación como Mrs. Wilcox en Howards End. Redgrave continuó recibiendo reconocimientos a lo largo de las décadas de 1990 y 2000. En 2000 su interpretación como una lesbiana que sufre la pérdida de su pareja de largo tiempo en la serie "If These Walls Could Talk 2" de HBO, le aportó los Premios Golden Globe® Award y Emmy® Award como Mejor Actriz de Reparto, así como el Excellence in Media Award por parte del Gay & Lesbian Alliance Against Defamation. En 2005 Redgrave se unió al elenco de la serie "Nip/Tuck" de FX, en la cual encarno a la Dr. Erica Noughton, la madre de Julia McNamara, interpretada por Joely Richardson, su hija en la vida real. En 2006 Redgrave protagonizó junto a Peter O'Toole la cinta Venus, de Roger Michell; un año después trabajó en las aclamadas Evening, dirigida por Lajos Koltai, y ATONEMENT, dirigida por Joe Wright, por la cual obtuvo una nominación a un Broadcast Film Critics Association Award por su interpretación, a pesar de que consistió únicamente en siete minutos. En 2010 Redgrave protagonizó Miral, de Julian Schnabel, así como Letters to Juliet, de Gary Winick.
Sus recientes películas incluyen Coriolanus, de Ralph Fiennes; Anonymous, de Roland Emmerich; UNFINISHED SONG, the last will and testament of rosalind lee (papel principal), así como THE BUTLER, de LEE DANIELS.
SIENNA MILLER (Nancy Schultz) nació en Nueva York, se educó en Inglaterra y estudió actuación en el Lee Strasberg Institute en Nueva York. Debutó en el cine como la enamorada de Daniel Craig en Layer Cake, de Matthew Vaughn.Posteriormente trabajó en películas tales como FACTORY Girl, Casanova, The Edge of Love, Interviewy GI Joe: Rise of Cobra, que fue un enorme éxito taquillero internacional en 2009. Sienna interpretó el papel de 'The Baroness', por la cual obtuvo el premio como 'Mejor Actriz de Reparto' en el evento de ShoWest Awards en Las Vegas.
Miller ha recibido numerosos reconocimientos por su trabajo en cine, entre ellos una nominación al British Independent Film Award como Mejor Actriz de Reparto por su papel en The Edge of Love. Ese mismo año fue nominada al BAFTA Orange Rising Star Award y en 2006 fue nominada a un Independent Spirit Award por su papel como "Katya" en Interview.
En 2012 Miller interpretó el papel de Tippi Hedren en "The Girl", de HBO, dirigida por Julian Jarrold.La película explora la relación entre Hedren y Alfred Hitchcock (Toby Jones) durante la realización de la película THE BIRDS. La cinta recibió críticas favorables, especialmente por las interpretaciones de Miller y Jones. Ésta se proyectó en la BBC en diciembre de 2012. Por su papel en "The Girl", Miller también fue nominada a un Golden Globe en la categoría de Mejor Actriz y a un TV BAFTA en la misma categoría.
Sus películas recientes incluyen Yellow, de Nick Cassavetes, que se estrenó en el Festival de Cine SXSW, así como Just Like a Woman,dirigida por el mundialmente famoso director Rachid Bouchareb (DAYS OF GLORY); A CASE OF YOU, así como las próximas HIPPIE HIPPIE SHAKE, BUSINESS OR PLEASURE y MISSISSIPI GRIND.
En teatro, Sienna debutó en el West End en 2005 interpretando a "Celia" en la producción del Young Vic de "As You Like It", de William Shakespeare, en el Wyndham's Theatre de Londres, donde colaboró con Helen McCrory y Dominic West. Después Miller trabajó en Broadway en "After Miss Julie", de Patrick Marber, basada en la obra "Miss Julie", de Strindberg, dirigida por Mark Brokaw. Protagonizó "Flare Path", de Terrence Rattigan, en el Theatre Royal Haymarket, dirigida por Trevor Nunn, que fue un éxito de taquilla y recibió buenas críticas.
Miller tiene un firme compromiso y pasión por el trabajo filantrópico. Entre las organizaciones con las que ha trabajado se encuentran: Global Cool Foundation, una organización sin fines de lucro que se especializa en informar y generar conciencia sobre problemas ecológicos; Starlight Foundation, que tiene la misión de mejorar la vida y salud de los niños y sus familias alrededor del mundo; así como la organización de ayuda Global International Medical Corps.
ANTHONY MICHAEL HALL (Jack) es un actor, productor de cine y director que llamó la atención mundial protagonizando una serie de películas con el director-guionista John Hughes, entre ellas NATIONAL LAMPOON'S VACATION (1983), SIXTEEN CANDLES (1983) THE BREAKFAST CLUB (1985) y WEIRD SCIENCE (1985).
Hall se ocupó de diversificar sus papeles para evitar que lo encasillaran como su primer personaje cuando se unió al elenco de "Saturday Night Live" en la temporada de 1985-1986, por lo cual protagonizó películas tales como OUT OF BOUNDS, JOHNNY BE GOOD, de Richard Tuggle; EDWARD SCISSORHANDS, de Tim Burton, y SIX DEGREES OF SEPARATION, de Fred Schepisi. Interpretó a Bill Gates, de Microsoft, en la cinta televisiva de 1999: "Pirates of Silicon Valley" y tuvo el rol principal en la serie "Stephen King's Dead Zone", de USA Network, de 2002 a 2007. Durante esa temporada el programa se clasificó como una de las series de televisión por cable con más alta audiencia. Hall trabajó como coproductor (Temporadas 1-3); productor (Temporada 5) y coproductor ejecutivo (Temporada 6) en el programa, además de dirigir un episodio en la temporada 3, "The Cold Hard Truth", que presentó a Richard Lewis. También dirigió y protagonizó en 1994 la comedia "Hail Caesar" para Showtime, que presentó canciones escritas e interpretadas por Hall. El elenco de la película incluyó a Samuel L. Jackson, Robert Downey, Jr. y Judd Nelson.
En 2008 Hall interpretó al reportero de televisión de Ciudad Gótica "Mike Engel" en THE DARK KNIGHT, de Christopher Nolan. Otras películas incluyen HAPPY ACCIDENTS, THE CAVEMAN'S VALENTINE, ALL ABOUT THE BENJAMINS, FUNNY VALENTINE (también productor), AFTERMATH, y la próxima SOMETHING ABOUT HER. Sus cintas televisivas incluyen "61*", de Billy Crystal (en el papel de Whitey Ford); "Hitched", "Hysteria: The Def Leppard Story"; "LA Blues" y "Final Approach". Sus numerosos créditos televisivos incluyen papeles recurrentes en "Community", "Warehouse 13", "Awkward" y "Psych".
Acerca de los realizadores cinematográficos
BENNETT MILLER (Productor/Director) es un director de cine nominado a un Premio de la Academia® mejor conocido por sus dos películas narrativas, MONEYBALL (2011) y CAPOTE (2005).
MONEYBALL es la crónica del periodo que vivió el equipo de béisbol Oakland Athletics en 2002 y su gerente general Billy Beane. La película recibió críticas favorables y después recibió seis nominaciones a un Premio de la Academia®, incluyendo el de Mejor Película; cuatro nominaciones a un Golden Globe®, así como dos nominaciones al Screen Actors Guild Awards®, además de nominaciones a los premios AFI, BAFTA, PGA y WGA.
Miller obtuvo una nominación al Premio de la Academia® como Mejor Director por CAPOTE, protagonizada por Philip Seymour Hoffman en su papel ganador del Oscar® como Truman Capote durante la investigación de su estremecedora novela sobre un crimen real, In Cold Blood. Por CAPOTE, Miller también obtuvo una nominación al David Lean Award por parte de los BAFTA por su Dirección, un Premio como Mejor Primera Película por parte del New York Film Critics Circle y una nominación al Directors Guild of America como Logro Destacado de Dirección en una Película.
Miller debutó en el cine en 1998 con el documental THE CRUISE, un retrato del guía turístico de la Ciudad de Nueva York, Timothy "Speed" Levitch. La película obtuvo muy buenas críticas y notables reconocimientos, incluyendo el premio principal del Foro Internacional en el Festival de Cine de Berlín.
Miller también es un aclamado director de comerciales de televisión y videos musicales.
E. MAX FRYE (Guión) nació y creció en Oregon y actualmente vive con su esposa en la Ciudad de Nueva York. Obtuvo un Edgar Award por parte de Mystery Writers of America por su primer guión, SOMETHING WILD, dirigido por Jonathan Demme. Como escritor de "Band of Brothers", de HBO, recibió un Christopher Award, un Peabody Award y fue nominado a un premio Emmy.
DAN FUTTERMAN (Guión) fue nominado en 2005 a un Premio de la Academia®, un BAFTA Film Award, así como un Writers Guild of America Award por su guión para la cinta CAPOTE. Obtuvo los premios al Mejor Guión por CAPOTE por parte del Boston Society of Film Critics, Los Ángeles Film Critics Association y el Washington DC Area Film Critics. También obtuvo un Independent Spirit Award y compartió el USC Scripter Award con Gerald Clarke, el biógrafo de Capote.
Dan y su esposa Anya Epstein, su frecuente socia de escritura, fueron show runners en la tercera temporada de "In Treatment" de HBO; actualmente escriben y producen una nueva serie para Fox TV, "Gracepoint". También desarrollan otra serie, "T", con Ira Glass, así como "This American Life".
Dan trabajó como actor en Broadway ("Angels in America") y fuera de Broadway, en el Lincoln Center y el Manhattan Theatre Club ("The Lights", "A Fair Country", "Dealer's Choice"). Sus créditos cinematográficos incluyen A Mighty Heart, The Birdcage, Urbania y la próxima Kill the Messenger.
MEGAN ELLISON (Productora) es la fundadora y Presidente de Annapurna Pictures, una compañía de producción y financiamiento cinematográfico enfocada en crear cintas sofisticadas de alta calidad que destaquen entre las que producen los tradicionales estudios de Hollywood.
Como directora de Annapurna Pictures, Ellison mantiene exitosamente la visión de la compañía para producir películas con conciencia crítica y potencial comercial. Con su pasión para crear cintas de primer nivel, los proyectos de Ellison atraen a un público creciente y diverso, pues realiza películas de todos los géneros y presupuestos, al tiempo que conservan su originalidad. Este entusiasmo innato y original estilo de realización cinematográfica rápidamente convirtió a Ellison en una de las principales productoras de Hollywood entre la nueva ola de autores y narradores de historias de élite de la industria.
Los recientes proyectos de Annapurna incluyen AMERICAN HUSTLE, de David O. Russell, protagonizada por Christian Bale, Bradley Cooper, Jeremy Renner, Amy Adams y Jennifer Lawrence, que fue estrenada por Sony en diciembre. La película obtuvo tres Golden Globe Awards, incluyendo el de Mejor Película, Musical o Comedia y fue nominada a 10 Premios de la Academia, entre ellos el de Mejor Película. Además, Annapurna produjo HER, de Spike Jonze, protagonizada por Joaquin Phoenix, Amy Adams y Rooney Mara, que también fue estrenada a través de Warner Bros. HER obtuvo múltiples reconocimientos de la crítica, entre ellos un Golden Globe como Mejor Guión y el Premio de la Academia como Mejor Guión Original.
Bajo la guía de Ellison, Annapurna ha producido una gran cantidad de dramas maduros en los últimos años. Los estrenos de Annapurna incluyen la película ZERO DARK THIRTY, de Kathryn Bigelow, nominada a múltiples premios Golden Globe y Premios de la Academia®; la obra maestra de Paul Thomas Anderson: THE MASTER, también nominada a diversos premios Golden Globe y Premios de la Academia®; KILLING THEM SOFTLY, de Andrew Dominik, protagonizada por Brad Pitt, así como LAWLESS, de John Hillcoat. La película SPRING BREAKERS, de Annapurna, dirigida por Harmony Korine y protagonizada por Selena Gómez, Vanessa Hudgens y James Franco, rompió récords en taquilla el fin de semana de su estreno en 2013 para una cinta que se estrenó de forma limitada; además THE GRANDMASTER, de Wong Kar Wai, que es la historia del maestro en artes marciales y entrenador de Bruce Lee, Ip Man, fue estrenada en agosto de 2013 por The Weinstein Company y recibió nominaciones a dos Premios de la Academia.
Adicionalmente la compañía se asoció con Color Force, de Nina Jacobson, en la nueva comedia best seller WHERE'D YOU GO, BERNADETTE?, escrita por Maria Semple; también se asoció con Denver & Delilah y CJ Entertainment para la nueva versión de SYMPATHY FOR LADY VENGEANCE, escrita por William Monahan y protagonizada por Charlize Theron. Annapurna anunció que producirá un Proyecto de televisión actualmente sin título sobre Garbo/Dietrich de los escritores Angela Robinson y Alex Kondracke, enfocado en la intersección de las vidas de Greta Garbo y Marlene Dietrich.
JON KILIK (Productor) cuenta entre sus logros películas que han ganado numerosos premios, entre ellos el Golden Globe® como Mejor Película por BABEL, de Alejandro González Iñárritu, así como THE DIVING BELL AND THE BUTTERFLY, de Julian Schnabel, además de varias nominaciones a un Premio de la Academia®.
Kilik produjo el éxito taquillero THE HUNGER GAMES, así como su secuela, THE HUNGER GAMES: CATCHING FIRE. Trabaja ahora en THE HUNGER GAMES: MOCKINGJAY, que será estrenada en dos partes.
En 1988 Kilik inició una sociedad con Spike Lee para la innovadora DO THE RIGHT THING y siguió adelante para producir otras 13 películas más de Lee: MO' BETTER BLUES, JUNGLE FEVER, MALCOLM X, CROOKLYN, CLOCKERS, GIRL 6, HE GOT GAME, SUMMER OF SAM, BAMBOOZLED, 25TH FLOOR, Inside Man, MIRACLE AT ST. ANNA, así como la cinta televisiva "Mike Tyson: Undisputed Truth". Produjo cinco películas de Julian Schnabel: BASQUIAT, BEFORE NIGHT FALLS, THE DIVING BELL AND THE BUTTERFLY (Golden Globe® como Mejor Película Dramática, cuato nominaciones a un Premio de la Academia®), MIRAL, así como el documental LOU REED'S BERLIN.
Otros créditos cinematográficos de Kilik como productor incluyen A BRONX TALE, de Robert de Niro; DEAD MAN WALKING, de Tim Robbins (Premio de la Academia® como Mejor Actriz); PLEASANTVILLE, de Gary Ross; POLLOCK, de Ed Harris (Premio de la Academia® como Mejor Actriz de Reparto); SKINS, de Chris Eyre; ALEXANDER y W., de Oliver Stone; BROKEN FLOWERS y THE LIMITS OF CONTROL, de Jim Jarmusch; BABEL, de Alejandro González Iñárritu (Mejor Director, Cannes; Golden Globe® como Mejor Película Dramática, siete nominaciones a Premio de la Academia®, incluyendo el de Mejor Película), así como BIUTIFUL, del mismo director.
Kilik nació en Newark, Nueva Jersey y creció en Millburn. Se graduó de la Universidad de Vermont y se mudó a Nueva York en 1979 para hacer realidad una carrera en la industria del cine. Retornó a su alma máter Vermont para recibir un doctorado honorario y dar la conferencia de bienvenida a la generación de 2003.
ANTHONY BREGMAN (Productor) tiene una amplia lista de créditos cinematográficos que incluyen la ganadora de un Premio de la Academia®, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Friends With Money, Our Idiot Brother, Synecdoche, New York, Please Give, The Tao of Steve, Lovely & Amazing, Human Nature, The Extra Man, Thumbsucker, The Savages, The Ice Storm, The Brothers McMULlen, Trick, Darling Companion, Lay the Favorite, The Oranges y Enough Said.
Las próximas películas de Bregman incluyen: Begin Again, de John Carney (con Keira Knightley y Mark Ruffalo); así como Every Secret Thing, de Amy Berg (protagonizada por Diane Lane, Elizabeth Banks, Dakota Fanning y Danielle Macdonald), American Ultra, de Nima Nourizadeh (con Jesse Eisenberg y Kristen Stewart), así como Sing Street, de John Carney.
En 2006 Bregman fundó Likely Story, una compañía de producción ubicada en Nueva York, la cual dirige actualmente con Stefanie Azpiazu. Antes de Likely Story, Bregman fue socio en This is That durante cuatro años e invirtió diez años como jefe de producción en Good Machine, donde supervisó la producción y post-producción de más de 30 películas, entre ellas Sense and Sensibility, Eat Drink, Man Woman, Walking & Talking, What Happened Was…, The Wedding Banquet y Safe. Bregman da clases de producción en la Graduate Film School de la Universidad de Columbia y es Presidente del Consejo de la IFP, la asociación de realizadores cinematográficos independientes más antigua y más grande de la industria, que también patrocina el evento anual de los Gotham Awards.
Las películas de Bregman han obtenido numerosos premios en los eventos del Oscar®, Golden Globes®, BAFTA, Gotham, Indie Spirits y los Festivales de Cine de Cannes, Berlín y Sundance, entre otros. En 2010 Roger Ebert nombró a Synecdoche, New York la Mejor Película de la Década.
GREIG FRASER (Director de Fotografía) nació en Melbourne, Australia y se graduó del Royal Melbourne Institute of Technology en 1996 con un Diplomado en Fotografía.
Los créditos cinematográficos recientes de Fraser incluyen ZERO DARK THIRTY, dirigida por Kathryn Bigelow; Killing Them Softly, dirigida por Andrew Dominik; Snow White and The Huntsman, dirigida por Rupert Sanders; Let Me In, dirigida por Matt Reeves, así como Bright Star, dirigida por Jane Campion.
Por Bright Star, Fraser fue galardonado con un Australian Film Institute Award como Mejor Dirección de Fotografía en 2010, además de obtener un British Independent Film Award como Mejor Logro Técnico en 2009; un IF Award como Mejor Dirección de Fotografía en 2009 y, lo más importante, el prestigioso Milli Award como Director de Fotografía Australiano del Año en 2011.
Otros créditos cinematográficos incluyen Out of The Blue, Last Ride, Boys are Back y Cracker Bag, que ganó la Palma de Oro en Cannes 2003 y un Australian Film Institute Award como Mejor Dirección de Fotografía en 2003. También filmó el cortometraje "The Water Diary", de Jane Campion, que formó parte del 2008 Omnibus Movie 8, que también incluyó cortos de Wim Wenders, Gasper Noe, Gus Van Sant y otros reconocidos realizadores cinematográficos.
JESS GONCHOR (Diseñador de Producción) colaboró previamente con el director Bennett Miller en CAPOTE y MONEYBALL.
Sus otros créditos incluyen el éxito taquillero The Devil Wears Prada; la cinta de los Hermanos Coen ganadora de un Premio de la Academia®: No Country for Old Men, por la cual ganó el Art Directors Guild Award, así como Burn After ReadingyA Serious Man, cada una de las cuales le aportó una nominación al Art Directors Guild por Excelencia en Diseño de Producción. Por TRUE GRIT, de los Hermanos Coen, fue nominado a un Premio de la Academia y obtuvo una nominación al Art Directors Guild, una nominación al Critics' Choice Awards y una nominación al BAFTA Award. Trabajó también con los hermanos Coen en INSIDE LLEWYN DAVIS. Gonchor fue diseñador de producción en Away We Go, de Sam Mendes, asi como en Fair Game, de Doug Liman.
Nativo de Nueva York, perfeccionó su oficio en producciones teatrales fuera de Broadway. Incursionó en el mundo del cine y trabajó en los departamentos de arte de películas como The Crucible, de Nicholas Hytner; A Perfect World, de Clint Eastwood; así como The American President, de Rob Reiner. Gonchor fue asistente del director de arte en The Siege, de Edward Zwick; posteriormente fue director de arte en THE Last Samurai, del mismo realizador cinematográfico, compartiendo una nominación al Art Directors Guild Award con el equipo de diseño.
STUART LEVY (Editor) editó la película de suspenso SAVAGES, de Oliver Stone. Antes colaboró con Stone en WALL STREET: MONEY NEVER SLEEPS y ANY GIVEN SUNDAY.
Otros créditos notables de Levy incluyen IMMORTALS, de Tarsem, una película de acción sobre la antigua Grecia; THE RESIDENT, con Hilary Swank; la cinta de aventuras fantásticas NIM'S ISLAND; el drama familiar THE NATIVITY STORY, de Catherine Hardwicke; así como la cinta de suspenso RED EYE, de Wes Craven.
Además de películas, Levy ha editado diversos documentales aclamados por la crítica, entre ellos CROSSFIRE HURRICANE, por la cual recibió una nominación a un Emmy Award, así como CHICAGO 10, que le aportó una nominación a un A.C.E. Eddie Award en 2008.
CONOR O' NEILL (Editor) trabajó con Bennett Miller en MONEYBALL y vuelve a hacer equipo con el director enFOXCATCHER. Igual que Miller, Conor comenzó su carrera con documentales y editó aclamados documentales como Word WARS; Capitalism: A Love Story, de Michael Moore, así como Murderball, nominada a un Premio de la Academia, por la cual también recibió un premio Especial del Jurado por Edición en el Festival de Cine de Sundance. Recibió una nominación al Emmy por su trabajo en el documental sobre los Rolling Stones de HBO: Crossfire Hurricane.
JAY CASSIDY, A.C.E (Editor) comenzó su carrera como editor de cine en la década de 1970 trabajando en documentales y anuncios políticos. En el curso de su carrera profesional Cassidy ha editado más de 30 películas. Colaboró con Sean Penn en todas las cintas que Penn dirigió, notablemente Into the Wild (2007), por la cual Cassidy fue nominado a un Premio de la Academia® por Edición de Cine. Fue nominado de nuevo al Oscar® por su trabajo en Silver Linings Playbook(2012) y American Hustle (2013), de David O. Russell. Otros créditos incluyen An Inconvenient Truth (2006), por la cual obtuvo el Premio de la Academia® como Mejor Documental en 2007; Brothers (2009), Conviction (2010) y Waiting for Superman (2010).
Cassidy es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y del American Cinema Editors.
KASIA WALICKA MAIMONE (Diseñadora de Vestuario) colaboró previamente con el director Bennett Miller en las multigalardonadas MONEYBALL y CAPOTE. Ella recibió una nominación a un Costume Designers Guild Award por su trabajo en CAPOTE, así como una segunda nominación por su aclamado vestuario para el éxito MOONRISE KINGDOM, de Wes Anderson.
Con sus creaciones para una gran variedad de distintas décadas en la pantalla, sus créditos cinematográficos como diseñadora de vestuario también incluyen The Adjustment Bureau, de George Nolfi, protagonizado por Matt Damon y Emily Blunt; TheSwitch, de Josh Gordon y Will Speck, con Jennifer Aniston y Jason Bateman; el corto ganador de un Premio de la Academia The New Tenants, de Joachim Back; el corto Chosen, de Ang Lee, protagonizado por Clive Owen; Jesus' Son, de Alison Maclean, protagonizado por Billy Crudup; Thirteen Conversations About One Thing, de Jill y Karen Sprecher; The Business of Strangers, de Patrick Stettner, protagonizado por Stockard Channing y Julia Stiles; Amelia, de Mira Nair; "Hysterical Blindness", así como el segmento "India" dentro de omnibus feature 11'09"01; así como Songcatcher, de Maggie Greenwald, protagonizado por Janet McTeer y Emmy Rossum.
En lo que se refiere al teatro, Walicka Maimone contribuyó en obras experimentales montadas por Robert Woodruff ("Oedipus Rex") y Richard Foreman ("Maria del Bosco" y "King Cowboy Rufus Rules the Universe"). También colaboró con los coreógrafos Susan Marshall, Twyla Tharp, Donald Byrd y David Dorfman. Sus proyectos de ópera incluyen "Les Enfants Terribles" y "The Sound of a Voice", de Philip Glass. También colaboró en la puesta en escena de "Book of Longing", en la cual Glass interpretó a Leonard Cohen, en cuanto a poesía, música e imagen.
Los próximos proyectos de Walicka Maimone son INFINITELY POLAR BEAR, de Maya Forbes, con Mark Ruffalo y Zoe Saldaña, así como ST. VINCENT, de Theodore Melfi, con Bill Murray, Naomi Watts, Melissa McCarthy y Terrence Howard.
ROB SIMONSEN (Música) es un compositor, músico y productor musical estadounidense.
Colaborador durante mucho tiempo de Mychael Danna, trabajaron juntos para crear la banda sonora de numerosas películas, incluyendo el éxito independiente (500) Days of Summer. También aportó la música adicional para otras películas de Danna, entre ellas Moneyball, de Bennett Miller, y Life of Pi, de Ang Lee, por la cual obtuvo el Premio de la Academia® como Mejor Banda Sonora en 2013.
Con su trabajo independiente Simonsen obtuvo dos nominaciones al 2013 World Soundtrack Award por The Spectacular NOW, de James Ponsoldt, así como The Way, Way Back, de Nat Fax y Jim Rash. Ese mismo año musicalizó el lanzamiento publicitario global para iPhone 5 de Apple y compuso la música de piano para su memorable campaña "Everyday". Además de FOXCATCHER, este año Simonsen compuso la música para la segunda película de Zach Braff: Wish I Was Here.
Simonsen cofundó The Echo Society, un colectivo que presenta una serie continua de conciertos en Los Ángeles, la cual reúne a compositores músicos y artistas para crear e interpretar trabajos musicales nuevos y progresivos.
WEST DYLAN THORDSON (Música adicional) es un compositor ubicado en el vecindario Red Hook de Brooklyn. Originario del remoto poblado de Hanska en Minnesota, desarrolló sus técnicas musicales sobre todo en aislamiento. Notablemente fue residente y trabajó algunos años en su antigua escuela de educación elemental. A través de su proyecto de bandas, A Whisper in the Noise, Thordson ha estrenado múltiples grabaciones y realizado giras internacionales. En los últimos años comenzó a crear música para películas y documentales, como The Art of the Steal y The Atomic States of America.
MYCHAEL DANNA (Tema de Valley Forge) colaboró antes con Bennett Miller en CAPOTE y MONEYBALL. Danna es un compositor de cine ganador de un Premio de la Academia; es reconocido por su evocativa mezcla de tradiciones no occidentales con orquesta y música electrónica. En 2013 compuso la banda sonora ganadora del Oscar® y el Golden Globe® para Life of Pi, de Ang Lee, además de crear galardonadas bandas sonoras para su colaborador de mucho tiempo, Atom Egoyan. Danna compuso la música para todas las cintas de Egoyan, desde Family Viewing en 1987; obtuvo el premio Genie por Exotica, Felicia's Journey, Ararat y The Sweet Hereafter. Otros créditos notables incluyen películas ganadoras del Oscar® y nominadas al Oscar® como: The Imaginarium of Doctor Parnassus, Monsoon Wedding, Shattered Glass, Little Miss Sunshine, (500) Days of Summer, Surf's Up, Water, Antwone Fisher, Being Julia y Girl, Interrupted.
JEANNE McCARTHY (Directora de Elenco) trabaja en cine y televisión hace más de 20 años. Comenzó su carrera como actriz en Nueva York bajo el tutelaje de Sandy Dennis, un renombrado intérprete de Broadway, y siguió adelante para trabajar con aclamados actores como Horton Foote y Matthew Broderick. A la larga, la carrera de McCarthy se dirigió a Los Ángeles y a la industria de elencos. Desde mediados de los años 90 ha conformado el elenco para series y películas tan notables como:The League, "The Mindy Project", Eternal Sunshine of the Spotless Mind, ZOOLANDER, Anchorman, Friends with Money, The Savages, Forgetting Sarah Marshall y 21 Jump Street.
McCarthy recibió una nominación al premio Emmy por la película "Door to Door", de TNT; un Gotham Award y un Independent Spirit (The Robert Altman) Award por Synechdoche, New York, de Charlie Kaufman; de nuevo obtuvo The Robert Altman Award en 2011 por Please Give. El próximo año su trabajo podrá ser visto en Enough Said, Big Eyes, Can a Song Save Your Life?, así como en Bad Words, que marca el debut como director de Jason Bateman.
BILL CORSO (Diseñador de Maquillaje) comenzó su carrera trabajando con leyendas tales comoRick Baker(en GREMLINS 2, LIFE, HOW THE GRINCH STOLE CHRISTMAS y otras películas) y Ve Neill (en BATMAN and ROBIN, GALAXY QUEST y otras). Posteriormente comenzó una colaboración de ocho años con el diseñador de efectos especiales Steve Johnson en proyectos que incluyen SPECIES, así como dos miniseries televisivas basadas en las novelas de Stephen King, "The Stand" y "The Shining", las cuales aportaron premios Emmys para Corso y Johnson como Maquillaje Destacado en una Miniserie o un Especial.
Después Corso dejó el estudio de Johnson y dedicó sus energías exclusivamente al trabajo de maquillista en el set. Desde entonces su talento ha colaborado con directores tales como Steven Spielberg (AMISTAD, A.I. ARTIFICIAL INTELLIGENCE, MUNICH), Steven Soderbergh (OUT OF SIGHT), Tim Burton (PLANET OF THE APES) y Milos Forman (MAN ON THE MOON). También obtuvo su tercer Emmy por un Logro Destacado en Maquillaje por "Grey Gardens", de HBO.
Después de conocer a Jim Carrey en MAN ON THE MOON, Corso comenzó una asociación creativa con él que abarca ocho películas, entre ellas THE MAJESTIC, BRUCE ALMIGHTY, FUN WITH DICK AND JANE y LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS, por la cual Corso ganó el Premio de la Academia® como Logro Destacado en Maquillaje. También fue nominado al Oscar® por CLICK, protagonizado por Adam Sandler. Comenzó una asociación con Harrison Ford después de INDIANA JONES AND THE KINGDOM OF THE CRYSTAL SKULL, que incluyó "42", la historia de la leyenda del béisbol Jackie Robinson. Otros créditos suyos incluyen X-MEN: THE LAST STAND, ENCHANTED y THE AMAZING SPIDER-MAN.
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