SINOPSIS
LA LLEGADA es el provocador thriller de ciencia-ficción del aclamado director Denis Villeneuve (SICARIO, PRISONERS).
Cuando unas misteriosas naves espaciales aterrizan a lo largo y ancho del planeta, un equipo de expertos- dirigidos por la lingüista Louise Banks (Amy Adams)- es convocado a fin de investigar el fenómeno.
Mientras que la humanidad se encuentra al borde una guerra mundial, Banks emprenden una carrera contra el tiempo, buscando respuestas- pero para hallarlas, ella asumirá un riesgo que podría costarle la vida, y quizás la prevalencia de la humanidad.
"Desde los diez años soñé con hacer ciencia-ficción", explica el director Denis Villeneuve, quien se enamoró profundamente del cuento en el cual está basada LA LLEGADA, 'Story of Your Life', de Ted Chiang. "Se trata de un género sumamente poderoso, que posee las herramientas para explorar nuestra realidad de manera harto dinámica". 
"Luego de que Dan Levine y Dan Cohen me contactaran para invitarme a hacer una película", dice Chiang, "me enviaron un DVD de la película de Denis, Incendies (2010), a fin de darme una idea de lo que tenían en mente. Ellos mismos se encargaron, en gran medida, de que yo les tomara en serio. Si me hubiesen enviado una copia de una película convencional de ciencia-ficción, probablemente las habría ignorado. No fue sino hasta unos días más tarde cuando Denis fue designado oficialmente como director, pero se trataba del director que desde el principio priorizaron".
CRÍTICA
La llegada es un film de ciencia ficción con un encanto muy particular, pero con una complejidad en su narración que despertará una gran variedad de sentimientos, según el gusto del espectador, que van desde la fascinación al aburrimiento total.
Varios en el momento del desenlace (espero que la gran mayoría) captarán y entenderán rápidamente el real significado de todas las escenas que estuvieron viendo durante toda la proyección relacionadas con los "recuerdos" de la protagonista, y por lo tanto la película les parecerá muy buena.
Pero aquellos que en ese momento se hayan distraído un ratito o no hayan alcanzado a leer bien el subtitulado, es posible que no entiendan por donde pasó la historia, entiendan cualquier cosa, o quizás acierten, pero se queden con la duda si realmente es "eso" lo que se quiso contar.
En definitiva, una buena película en su conjunto, pero con algunas escenas demasiado extensas o densas, sobre todo en el ritmo.Cintia Alviti
En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .
EL COMIENZO
Villeneuve abordó diferentemente LA LLEGADA, por varias razones. A pesar de que, en su opinión, 'Story of Your Life', constituía un material fantástico, sencillamente no contaba con el tiempo para escribir el guion porque se encontraba filmando Prisoners (2013). "No disponía de tiempo", dice Villeneuve, "y, honestamente, no sabría cómo reestructurar ese cuento, es demasiado intelectual, de una manera fuerte y hermosa, pero desde una óptica dramática es difícil de articular porque todo gira en torno a un proceso".
Villeneuve dejó esta tarea en manos de los productores, incluyendo al productor ejecutivo y creador de guiones Eric Heisserer, quien ya se encontraba sumergido en la adaptación de la historia desde el principio del proceso de producción. "Unos meses después me visitaron con un guion de Eric Heisserer sorprendentemente bueno", dice el director. "Digo 'sorprendentemente' porque Eric fue capaz de descifrar y reestructurar la historia, generando una sensación de drama y tensión al interior de ese proceso de traducción". Villeneuve se sumó al proyecto enseguida.
A pesar de que Villeneuve fue siempre la primera opción como director para los productores, el viaje de LA LLEGADA comenzó cuando Heisserer, su compañero Productor Den Levine y el Productor Ejecutivo Dan Cohen, ambos de 21 Laps (la compañía productora de su camarada productor Shawn Levy y justamente la que está detrás de la actual sensación televisiva Stranger Things) comenzaron a buscar un proyecto que les permitiera colaborar. Levine y Cohen eran grandes admiradores de la escritura de Heisserer. Por ello, los tres se reunieron para charlar acerca de proyectos potenciales. Tras dos horas de discusión no habían llegado a ningún acuerdo. Cuando Levine le preguntó a Heisserer si algo le emocionaba en aquel momento, Heisserer le regaló la compilación de cuentos de Chiang, 'Stories of Your Life and Others' (2012, Tor Books).
"Recibí el libro, lo leí y, cuando llegué a 'Story of Your Life', mi quijada se fue al suelo con ciertos giros", explica Levine. "Tanta maravilla me pareció difícil de creer. Mi mente se obsesionó con un pensamiento, 'no he leído nada más asombroso en toda mi vida… por favor, por favor, que los derechos estén disponibles'. Lo leí con excesiva ansiedad y, al termina, tuve que acechar a Ted Chiang".
Heisserer se sintió tan conmovido como Levine con la historia de Chiang. "La historia de Ted me atrapó como pocas lo han conseguido", rememora Heisserer. "En realidad, no sentí que las cualidades de la historia fueran inherentemente cinemáticas, pero sí me ofrecieron algo de lo que no había disfrutado en mucho tiempo. Nutrió mi cerebro, nutrió mi corazón. Me hizo pensar y sentir y me trató con mucho respecto, como el lector inteligente que soy. Al final del día, me pareció que su mensaje era optimista en lo tocante a la humanidad y, por ende, en lo concerniente a mí mismo". 
"Eric y yo no hablamos del guion durante su redacción", explica Chiang. "Desde el comienzo, él me esbozó su idea a fin de obtener mi permiso. Debo señalar que cuando escribí la historia, jamás imaginé que se convertiría en película y por ello me costó pensar cómo podría lucir una adaptación cinematográfica. Cuando escuché a Eric pude visualizar la película que él tenía en mente, así que le di luz verde para el guion. Cuando lo terminó, lo leí y e hice unas cuantas observaciones. En estos años, el guion ha sufrido uno que otro cambio, pero en general mantiene viva la idea original de Eric".
·Este guion llegó a mis manos, y a las de mi compañía, FilmNation Entertainment, a través de nuestros amigos en 21 Laps", comenta el productor Aaron Ryder, quien asimismo señala que SilmNation se centra en la creación de cintas para un público maduro, entre ellas Under the Skin, The Imitation Game, The King's Speech y Nebraska. "Esta cinta es atípica para nosotros, porque Eric la escribió como borrador, y la gente de 21 Laps, Shawn Levy, Dan Levine y Dan Cohen, decidió desarrollarla con él. Hay algo muy realista en el guion, y cuando uno aplica este realismo a la ciencia-ficción, los resultados son fascinantes".
"Lo que más me gusta de esta historia son sus numerosas capas", explica Vielleneuve. "Una de éstas, quizá la más conmovedora en mi caso, es la idea de que alguien pueda estar en contacto con la muerte. ¿Qué pasaría si supieras cómo y cuándo vas a morir? ¿Cómo sería tu relación con la vida, el amor, tu familia y amigos, con la sociedad? Un mayor contacto con la muerte, de manera íntima con la naturaleza de la vida y sus bemoles, nos brindaría una humildad acrecentada. La humanidad requiere hoy día de una humildad así. Vivimos en una era extremadamente narcisista. Nos peligramos peligrosamente a un límite que nos desconectará de la naturaleza. Esto es lo que esta bella historia encierra para mí- una manera de regresar a una relación con la muerte y la naturaleza, y el misterio de la vida". 
EL DISEÑO Y LA ESTÉTICA CINEMATOGRÁFICA
"De pronto caí en la cuenta de que no contaba con un fotógrafo de cine para este proyecto porque Roger Deakins se encontraba inmerso en otro rodaje", comenta Vielleneuve, quien tenía que hallar a otra persona igualmente capaz de crear la cinta que imaginaba. "Necesitaba de un ojo sólido, alguien que pudiera conferir sensualidad, que fuera capaz de capturar la vida. La película tiene dos partes: tenemos la relación que Louise mantiene con su hija, esto constituye el corazón de la cinta, pero asimismo tenemos la ciencia-ficción. Yo necesitaba un fotógrafo que pudiera acoger con sensibilidad y delicadeza la relación entre madre e hija así como la manera como me interesaba abordarla, pero que a la vez fuera capaz de brindar frescura a los elementos de la ciencia-ficción. Bradford Young supuso un enorme descubrimiento. Como realizador, el trabajo que pude emprender con él me hizo sentir como si estuviera presenciando el nacimiento de un genio".
"El trabajo de Denis me ha fascinado desde Polytechnique (2009)", explica Young. "Hace unos meses alguien me preguntó el nombre de aquél o aquélla con quien me gustaría trabajar a continuación- Denis encabezaba la lista. Conocemos a algunas personas en común y todos ellos nos aseguraron que podríamos congeniar. Su llamada fue una gran sorpresa pero al mismo algo aparentemente fortuito. Leí el guion, me gustó el material y decidí basarme en todo ello".
"Este chico es verdaderamente hipersensible", comenta Villeneuve a propósito de Young. "Creamos juntos un abordaje que denominamos "ciencia-ficción sucia"- lo que significa que nos interesaba generar la sensación de que esto estaba ocurriendo un martes aciago y negativo, por la mañana. Deseábamos crear una película de ciencia-ficción que te hiciera sentir como cuando eras niño e ibas en el autobús de tu escuela, mirando la lluvia por los cristales, y te daba por soñar mientras observabas las nubes- esa clase de atmósfera, un alejamiento de las películas de amplias dimensiones. Un alejamiento del mero espectáculo. Intentamos crear algo suave y delicado. Bradford aportó mucha humanidad y belleza a esta cinta".
"Denis sabe cómo aterrizar sus cintas", dice Young. "Son cinemáticas y sin embargo capaces de insertarte en el presente. A pesar de que están engarzadas en un drama estrecho y muy humano, su rango y alcance no dejan de ser sensacionales. Esto es lo que desde siempre me ha atraído de su trabajo. He explorado numerosas posibilidades para centrarnos en el dilema humano, pero al mismo tiempo me parece que las películas deben tener escala. Deben tener tamaño y perspectiva. Estoy creciendo como fotógrafo de cine y, por ello, busco con ahínco todo lo que me permita fotografiar las cintas que pueden irradiar una cierta ética".
"Cuando Denis y yo comenzamos a hablar acerca de la película", rememora el fotógrafo, "una de las cosas que realmente nos preocupaba era el hecho de que, como realizadores, muchas veces inyectamos nuestros propios prejuicios en el proyecto, sobre todo en lo tocante a los atributos de cierto género. Este género es ciencia-ficción, pero lo que deseábamos era sentirnos tan sorprendidos como el público o los personajes durante el arribo de los alienígenas. Queríamos mostrarnos tan ingenuos como los personajes en lo tocante a la interacción con inteligencia alienígena. Esto nos permitió dar un paso atrás durante el proceso y concluir que la película tenía que ser cruda. Requería de veracidad. Cuando los alienígenas y la nave arriban, todos nos sorprendemos, y todos sentimos el mismo temor y la misma compulsión a establecer contacto".
La retención de un halo de misterio alrededor de los alienígenas, la preservación de su otredad radical, resultó punto menos que crucial. "Con frecuencia, en las cintas de ciencia-ficción, los humanos influyen mucho en la manera como interpretamos la inteligencia alienígena", explica Young a propósito de sus intenciones de ir más allá de los prejuicios. "Esto tiene todo que ver con marcar una distancia. ¿Qué tal si los seres humanos nunca hubiesen tenido contacto con estos seres del espacio? ¿Tendrán aleaciones, tendrán metales? ¿Arribarían con todas las cosas que nosotros asumimos porque, como seres inteligentes, tenemos acceso a estas mismas cosas? Esto supone una visión muy fresca acerca de lo sencilla y cruda que la vida puede ser para los humanos en la Tierra, y lo sencilla y cruda que puede ser para los alienígenas inteligentes. Quisimos reducir la escala y volverla muy personal- así ha sido nuestro enfoque desde el principio: crear una película muy inocente e íntima, pero con cierta escala".
A fin de diseñar y concretar la estética de la película, Villeneuve colaboró estrechamente con su fotógrafo en la preproducción y durante el rodaje; con su editor, Joe Walker, en posproducción; y con su diseñador de producción, Patrice Vermette, quien le ayudó a diseñar la nave espacial; con el supervisor de Efectos Especiales Louis Morin, quien realizó diseños para la nave y los alienígenas; los artistas Carlos Huante, quien ayudó en el diseño de los alienígenas, y Maurice Bertrand, quien diseñó el lenguaje escrito de los alienígenas; el diseñador de sonido Dave Whitehead, quien ayudó a crear los rechinidos y el golpeteo del lenguaje "hablado" de los alienígenas; el Supervisor de la Edición de Sonido, Sylvian Bellemare, quien creó el sonido que las naves hacen al moverse; y el compositor Johan Johannsson, creador de la banda sonora.
"Todo comenzó con Patrice Vermette, mi diseñador de producción y estimado amigo", dice Villeneuve. "Hemos hecho muchas películas juntos y Patrice fue siempre mi primera opción, por la sencilla razón de que es brillante. Es culto, apasionado y nunca antes había participado en una película de ciencia-ficción. Poseía todas las cualidades que yo buscaba y me pareció que su abordaje sería sumamente fresco para nuestra película. Inicialmente, las naves espaciales lucirían redondas, como esferas, pero me pareció que esto ya había sido realizado en el pasado. No era lo suficientemente ominoso ni extraño. Se me ocurrió que las naves debían tener la forma de un pedrusco, ovoides. Me basé en un asteroide, en un planeta pequeño, llamado Eunomia (el asteroide 15), que orbita en el sistema solar. Su figura es demencial, como la de un huevo muy extraño. Esta forma extraña y perfecta irradiaba algo ominoso, misteriosos y temible, en mi opinión".
Morin, quien ya había trabajado con Villeneuve en su cinta anterior, Sicario (2015), menciona que añadió poca cosa al proceso de diseño. "Mi trabajo consiste, al final del día, en realzar y hacer de la toma algo hermoso", dice Morin. "El abordaje de Denis le conduce a lo misterioso. Los alienígenas no se restregarán contra ti. Todo esto demora bastante- el público verá fragmentos del extraterrestre y así construirá en su imaginación su figura- pero al final será una gran sorpresa".
"Spielberg y Close Encounters son probablemente una gran inspiración para lo que estamos haciendo", explica Ryder acerca del punto de partida de los realizadores. "Para empezar, lo que aquí tenemos es una película sobre LA LLEGADA de los alienígenas, tú no has salido a buscarles, ellos han llegado a nosotros. En segundo lugar, tuvimos la oportunidad de diseñar algo que podemos ver a través de los ojos prístinos de nuestro personaje, así que el acceso a esa nave alienígena nos impacta de la misma forma. Patrice y Denise han ideado algo fuera de lo común".
La nave, apodada "la concha" en el guion, ocupó asimismo un espacio simbólico. "Existía una relación con la vida, con el nacimiento, que encajaba perfectamente con el concepto básico de la nave espacial", explica Villeneuve. "A Patrice y a mí se nos ocurrió que la nave tenía que estar hecha con materiales ajenos a los que hallamos en la Tierra. No es una nave lustrosa. No es blanca, no está hecha de metal, tampoco de plástico. Ha sido fabricada con piedras extrañas. No sabemos qué cosa puede ser. No podríamos siquiera adivinarlo".
"Intentamos abordar esta perspectiva harto ingenua dentro del género y también mediante la fotografía", explica Young. "La manera como fotografiamos la cinta es de una proximidad poco usual en la mayoría de la películas de ciencia-ficción. Hemos dicho que nuestra cinta es tremendamente cruda, pero a la vez sumamente naturalista. Lo que no impide una exploración de la oscuridad. No de la oscuridad como algo temible, sino como lo desconocido en sí. Cuando nos adentramos en la nave, a final de cuentas un verdadero templo, caemos en la cuenta de que se trata de un lugar con una cierta verdad, y esta verdad le es revelada a la humanidad. No sentimos miedo ahí dentro. Nos sentimos iluminados. A lo largo de la cinta trabajamos con la oscuridad en todos los lugares que la humanidad ocupa, pero, cuando nos adentramos en el espacio ocupado por los alienígenas, trabajamos con ciertos niveles de brillantez".
"Cada vez que los personajes se adentran en la nave espacial", explica Young, "nosotros, es decir, el público, queremos acompañarles, sobre todo porque es el único espacio en la cinta en donde podemos ver toda clase de cosas, en donde puedes entender lo que significa observar la evolución de los humanos. El espacio restante es más oscuro- o más sucio, como a Denis y a mí nos parecía. Existe una trayectoria visual cuando decides comenzar en un sitio oscuro, esto es, en lo desconocido, y pretendes alcanzar un lugar un poco más elevado, y todo ello tiene que ver con una auto-iluminación existencial, con el descubrimiento de lo que somos como seres humanos". 
EL CASTING
"El proceso de selección del elenco para LA LLEGADA fue de lo más sencillo", comenta Villeneuve, "porque todos y cada uno de los participantes se enamoraron del guion. Amy Adams era la actriz con la que yo soñaba para este papel; yo sabía que el público creería en esta cinta si la actriz lograba transmitirles su propia creencia en esta misa cinta- todo lo que vemos ocurre a través de sus ojos".
"Nos encontramos con esta civilización, con seres provenientes del espacio exterior, a través de los ojos de esta mujer", prosigue Villeneuve, explicando la importancia del personaje principal. "Yo requería de una actriz lo suficientemente fuerte como para hacernos creer esto- alguien con la vulnerabilidad, la sensibilidad, la inteligencia y la amplitud necesarias para llevar precisamente esto a la pantalla. En última instancia, su personaje debe atravesar un extraño duelo que yo anhelaba ver reflejado en la cinta entera. Tenía que ser una actriz fuerte. Amy quedó fascinada con el guion y por ello, para mi sorpresa, se sumó al proyecto de inmediato. Me emocioné tremendamente".
Adams no deseaba aceptar proyectos nuevos, pero en este caso no pudo rehusarse por la sencilla razón de que se enamoró instantáneamente de la historia. "Se lo debo al mismísimo corazón de la historia", comenta la actriz. "Yo no sabía qué rumbo tomaría mi carrera, pero esto se dio en una época en la que anhelaba tomarme un descanso, ser mamá por un tiempo. Entonces leí el guion, que apuntó y dio en el blanco de lo que más profundamente soy, así que me pareció que debía intentarlo. Me siente completamente cautivada por esta historia".
"Denis es otra de las razones por las cuales me sentí tan atraída por este proyecto", prosigue Adams. "Tras haber leído el guion y haberme enamorado del personaje, me reuní con él. Su manera de ver a mi personaje era tal y como yo lo entendí durante la lectura, cosa que no siempre ocurre. Denis deseaba que yo acentuara el carácter íntimo de la historia de esta mujer, a la que le ocurren cosas en un asombro universo de ciencia-ficción. Sabía que esto tendría un corazón profundo- un punto sumamente importante para mí- sin por ello dejar de ser interesante visualmente. Me describió a las mil maravillas tanto la apariencia de los alienígenas como los métodos necesarios para expresar el lenguaje- él es un director muy especial, un hombre muy especial".
Villeneuve comenta que el papel de Ian Donnelly resultó ligeramente distinto a los papeles que Renner suele desempeñar. "Fue realmente inusual haber elegido a Jeremy Renner, un actor muy apto para encarnar a hombres de acción tipo James Bond o Jason Bourne, a fin de que se desempeñara como un intelectual", comenta el director. "Creo que este desafío le ha agradado. Es gracioso, de cuando en cuando, en el set, él tenía que ponerse a saltar por todos lados como conejo, porque el ambiente la parecía muy restringido. Pero, hablando en serio, Jeremy se sumó a nuestro proyecto porque anhelaba trabajar con Amy Adams una vez más. Se adoran".
"Jeremy y yo queríamos trabajar juntos de nuevo, y entonces se presentó esta oportunidad", dice Villeneuve. "Él llegó rebosando generosidad, porque deseaba apoyar a Amy, y a mí me sorprendieron tanto su talento como sus sólidos instintos. Fue muy capaz de aportar esa dimensión del científico dinámica e incluso graciosamente. Nuestra película le debe mucho".
"No fue el personaje quien me compelió a hacer esto", comenta Renner, para quien la motivación principal fue la posibilidad de trabajar con Adams. "Su papel me pareció fenomenal, un papel excelente para una mujer. Mi papel me gustó, pero me interesaba mucho brindarle mi apoyo. La cinta es narrada a través de su mirada, así que ésta sería siempre su película. Además, amo el guion. Me pareció asombroso. Una historia realmente hermosa".
Esta misma historia fue lo que atrajo a su vez a Forrest Whitaker. "Lo más destacado, en mi opinión, y he visto muchas películas acerca de extraterrestres y cosas por el estilo, es que esta cinta lidia con un par de nociones sumamente interesante: la existencia del tiempo y la posibilidad de que el tiempo sea circular, por un lado", explica el actor. "Y, en segundo lugar, el hecho de que todo gire alrededor de la comunicación y de su importancia a la hora de eludir conflictos".
"El guion está escrito en un estilo realmente bello", prosigue Whitaker. "Es una historia poderosa e importante. Es una carrera por la comunicación. Son alienígenas, pero todos estamos intentando comunicarnos con ellos alrededor del mundo, y sin comunicación el caos puede desatarse. Hay algo muy interesante en esto y en la posibilidad de ser el hombre capaz de reunir al equipo que intentará comunicarse con ellos. Mi personaje toma estas decisiones e intenta elegir sabiamente en aras del país y del mundo entero. Esto constituyó una oportunidad realmente excitante".
Michael Stuhlbarg, quien interpreta al Agente Halpern, se sintió igualmente emocionado. "Cuando leí el guion me intrigó la combinación de géneros que esta película al parecer es capaz de balancear y combinar tan hermosamente", dice Stuhlbarg. "Tenemos romance, ciencia-ficción, drama, pero asimismo es una aventura irresistible. Participar de una u otra manera hubiese sido sumamente divertido. Soy ferviente admirador de Denis, y el elenco es maravilloso".
"El otro gran atractivo de este proyecto fue la posibilidad de trabajar con toda esta gente, Forrest, Jeremy y Amy", dice Stuhlbarg. "Todos ellos son artistas consumados y el solo hecho de poder estar dentro de una sala con ellos ha constituido un tremendo aprendizaje para mí: contemplé todo lo que con tanta soltura pueden realizar. Pero sobre todo su manera de cuestionar todo lo que guarda relación con un fragmento u otro del guion. El guion está vivo en el set día tras día, y muta constantemente gracias a la inteligencia de estos artistas. No es una cosa estancada, muerta y preparada. Lo reinventan a cada instante y esto es realmente emocionante". 
LOS PERSONAJES
LA DOCTORA LOUISE BANKS (Amy Adams)
"La historia de LA LLEGADA es acerca de Louise Banks, una lingüista que trabaja en una universidad del noreste de Estados Unidos", dice Villeneuve. "Ella ha sido contratada por el gobierno de Estados Unidos para adentrarse en una de estas naves, contactar a los alienígenas e intentar traducir y comprender el propósito de su visita. Es acerca de una relación con otra civilización".
"Conocemos a Louise a través de la relación que mantiene con su hija, y ésta es una de mis partes favoritas de la película", dice Villeneuve. "Amy Adams aportó mucha humanidad, profundidad e incluso una hermosa vulnerabilidad a su personaje, una melancolía idéntica a la que yo anhelaba. Vemos a una mujer en duelo, que ha perdido a su hija. Esto nos da la sensación de que no tiene nada que perder. Es algo digno de verse, hermoso y triste al mismo tiempo. Ella no tiene nada que perder, por ello está lista para esta aventura".
La pérdida de Hannah, la hija de Louise, resulta medular para entender a Louise y por supuesto constituye uno de los resortes esenciales de la historia- de hecho, esta historia es narrada como si Louise le contara a Hannah la historia de su vida. "Hannah es la hija de Louise y por tanto es una persona muy especial para la protagonista", explica Adams. "Cuando el público conoce a Louise, ésta está lidiando con la pérdida de su hija- lidiando con el amor y la pérdida y lo que todo esto puede significar".
"Ella es una intelectual, vive en la universidad, no tiene nada que la pueda equipar para contactar a seres de otro planeta", explica Villeneuve. "No tiene idea acerca de lo que podría hacer, pero encara el desafío con osadía. Es un personaje muy valiente, más que dispuesto a arriesgar su vida en aras de lo que, para la doctora, bien podría ser una relación con algo más hermoso y más profundo".
"Esta historia aborda muchas cosas, pero una de ellas es lo que conocemos como la hipótesis de Sapir-Whorf, que sugiere que el lenguaje que empleas determina tu manera de percibir el mundo e incluso la clase de pensamientos que puedes tener", explica Chiang. "La protagonista de la historia es una lingüista que aprende paso a paso el lenguaje alienígena, lo que a la larga modifica la comprensión de su propia vida".
"El proceso en sí es lo más fascinante del cuento, el guion y la cinta", explica Levine. "Esperamos que todos puedan sentir la manera como ella absorbe este lenguaje. La teoría de Sapir-Whorf señala que si comienzas a aprender una lengua, pronto te pondrás a soñar y pensar implementándola. Hacia la mitad de la cinta descubrimos que estos seres escriben simultáneamente, creando oraciones con las dos manos. Conocen el final de la frase desde que comienzan a escribirla. Mientras Louise practica esta forma de escritura, las sinapsis de su cerebro comienzan a conectar con este estilo y con su manera de pensar. Ella mejora en el manejo de este lenguaje, pero, por ello, sus pensamientos se tornan un revoltijo. Comienza a ser asaltada no por episodios psicóticos, sino por vívidos recuerdos de su pasado. ¿Cómo es que este lenguaje consigue extraer todos estos recuerdos de su niña perdida, devolviéndoselos?"
Como preparación para el papel, y con el fin de comprender cabalmente el oficio de un lingüista, Adams se reunió con uno: "Hice cita con un lingüista y descubrí que resulta imposible aprender tosas y cada de las cosas que un lingüista conoce", dice Adams, añadiendo que existe una razón por la cual dicha profesión exige horas y horas de estudio. Ella descubrió que ser lingüista tiene muy poco que ver con ser traductor. "Lo que me ayudó y liberó fue saber que no hay una sola lingüística. El lingüista que me atendió sólo habla dos lenguas- eso me tranquilizó".
"A pesar de que mi personaje habla un par de lenguas", prosigue Adams, "en realidad se dedica a la significación antropológica del lenguaje y la cultura, a la manera como una persona se dirige a otra, se interesa por los orígenes del lenguaje. Leí mucho y caí en la cuenta de que yo no sería buena lingüista, pero me pareció fascinante y sumamente disfrutable, al menos estos aspectos. Honestamente, yo no entendía, desde una óptica sociológica, lo que los lingüistas hacían y lo que la lingüística podía ser, así que este aprendizaje me divirtió mucho. Ahora comprendo cómo le fue posible, a mi personaje, descifrar un lenguaje".
Pero el desciframiento de un lenguaje alienígena implica mucho más que la comprensión del lenguaje humano. A pesar de las enormes diferencias entre las tribus humanas en los planos de la comunicación y el pensamiento, nada puede compararse con la manera como una especia por completo distinta, proveniente de otro planeta, podría comunicarse. O la relación que pudiera existir entre la escritura y el habla en una cultura alienígena.
"Louise comprende que no existe relación alguna entre la manera como los alienígenas hablan y la manera como escriben sobre un tablón", explica Villeneuve. "Gracias a su experiencia, ella descubre, luego de varias sesiones, que no hay relación. Ella se centra en el proceso de escritura, porque la manera de hablar de estos seres le parece imposible de decodificar".
Asimismo, Villeneuve piensa que existe otra clase de comunicación entre Louise y los alienígenas, "Los alienígenas le ayudan telepáticamente, para que así consiga entenderles", explica el director. "Porque ha sido elegida. Los lingüistas que se adentran en las naves mantienen una relación con los alienígenas, y aquéllos que se muestran abiertos son influenciados por los seres de otro planeta, quienes así les ayudan a echar un primer vistazo y obtener la llave para decodificar el lenguaje. Existen patrones al interior de la escritura y, como ocurre con cualquier lenguaje, los lingüistas intentan hallar estos patrones, pero el proceso está plagado de errores. Y, a decir verdad, una buena porción del drama en esta película nos lo proporcionan estos mismos errores".
Adams reconoce que esta experiencia le ha permitido profundizar en el mundo que le rodea, además de que cambió su manera de concebir la comunicación. Asimismo comenta que aprendió muchas cosas observando a su propia hija. "Observando a mi hija y a otros niños- a veces la llevo conmigo cuando tengo que salir de trabajo a otros países- quienes no pueden hablar el mismo idioma pero que, con todo y todo, terminan comunicándose, descubriendo las palabras que podrían tener naturalmente en común, yo misma comencé a entender que la comunicación y el lenguaje se basan en muchas cosas, más allá de las palabras que pronunciamos. Comencé a ver todo desde ese punto de vista. Simplemente genial".
IAN DONNELLY (Jeremy Renner)
"Es una historia insular, contada a través de los ojos del personaje de Amy Adams, una lingüista que ha sido contratada para intentar comunicarse con los alienígenas", dice Renner. "Yo represento el otro lado de su equipo, un físico que debe lidiar con la comunicación a través de las matemáticas. En gran medida, el personaje me pareció muy interesante porque tiene muy poco que ver con las cosas que he hecho en mi vida. Todo en él proviene del lado izquierdo del cerebro, todo en él es matemático y científico".
Renner comenta que ciertos expertos le ayudaron para poder sumergirse en su papel y así encarnar convincentemente a un científico, pero su comprensión de la programación, el lenguaje cibernético y el código binario le ayudaron a, por lo menos, salpicarse de un poco de física. El actor comenta que, además, Villeneuve quiso que la ciencia que la película presenta fuera accesible al público, nada pedante ni abstruso.
Él y Viellneuve charlaron acerca del personaje. "Me dijo lo que no quería", dice Renner. "No quería a un tipo endeble y blando, siempre en su escritorio, frente a la computadora. Quería a una persona vivaz y briosa. Con mucha personalidad. Y así era como yo mismo imaginaba a mi científico. La imagen que apareció instantáneamente en mi mente era la de Richard Dreyfuss en Tiburón".
"Nos aportó mucho humor, en el buen sentido, y toda esa energía hermosa. La película clamaba por ello", dice Villeneuve. "Porque Amy tenía que ser más melancólica, un personaje que atraviesa un proceso perturbador. Ella comienza a comportarse raramente, el contacto con los alienígenas ha comenzado a modificar su manera de ver el mundo, y ahora está perdida y confundida. Necesitaba una persona más aterrizada, que le confiriera dinamismo y humor a la cinta. Y Renner realizó un trabajo fantástico".
La relación entre Louise e Ian evoluciona a lo largo de la cinta. "Sus filosofías son disímiles", dice Renner, "pero a lo largo del tiempo aprenden a aceptar los pensamientos del otro, especialmente cuando comienzan a hablar con Abboy y Costello (los alienígenas). Ambos aprenden algo bastante hermoso".
"Tenemos una química fabulosa porque somos grandes amigos. Nos queremos, y confiamos plenamente uno en el otro", dice Renner acerca del trabajo realizado junto a Adams. "Incluso podemos discutir si es que esto contribuye a resolver alguna cosa. Por lo general todo esto ocurre saludablemente. Casi siempre vemos las cosas de la misma manera cuando la meta consiste en conferirle autenticidad al trabajo. La posibilidad de trabajar con alguien que destaca en lo que hace facilita mucho las cosas".
Algunas de las escenas favoritas de Renner son justamente las más tranquilas, todas ellas realizadas junto a Adams. "El desarrollo de los personajes, como la escena en la parte trasera del camión- qué escena tan íntima y hermosa", comenta el actor. "Esto gira alrededor de los personajes, no del caos general. Es como la calma antes de la tormenta".
Asimismo logran vincularse estrechamente gracias a la experiencia que supone intentar hablar con alienígenas, además de su muy particular reacción ante algo tan extraño. "Es pura sorpresa, pura maravilla, una estimulación desbordante", dice Renner. "Y por ello mi personaje vomita. No puede procesar lo que está viendo ahí dentro. Es difícil describirlo con palabras". Levine añade que, "A lo largo de la historia puedes notar los vínculos que generan, sobre todo a través de la apreciación de sus mutuos abordajes. Asimismo saben que se encuentran inmersos y juntos en esta cosa imposible", dice el productor. "Mientras que la tensión incrementa alrededor del mundo, ellos saben que pueden confiar el uno en el otro para resolver este problema colectivo".
"Jeremy es un gran colaborador", asegura Whitaker. "Esa una persona transparente y confiada. Su personaje es muy interesante por toda esa emoción enloquecedora que irradia a causa de lo que está ocurriendo. Jeremy es capaz de mostrar esto sin por ello perder pie. No estoy seguro de que otros actores puedan soportar tal presión. Él puede hacer algo que, a final de cuentas, resulta sumamente complicado- interpretar ese entusiasmo infantil sin por ello olvidar que se trata de un adulto y de un profesional. Aun así es fácil sentirse contagiado por su deleite".
EL CORONEL WEBER (Forest Whitaker)
"El Coronel Whitaker pertenece a la Inteligencia Militar cuando lo vemos por primera vez, está intentando hallar un reemplazo para un lingüista que no fue capaz de lidiar con tanta presión", explica Whitaker. "Mi personaje visita a Louise para averiguar si ella podría ser capaz de realizar este trabajo. Ahí los vemos por primera vez. Está reuniendo un equipo, un lingüista que pueda atravesar la barrera del lenguaje y un físico para indagar si es posible comunicarse mediante cifras, para así contar con las herramientas apropiadas, aquéllas que le ayudarán a comprender a los alienígenas".
Renner había trabajado previamente con Whitaker. "Lo conozco desde hace muchísimo tiempo; nuestra primera colaboración ocurrió en 2005", dice Renner. "Es un alma silenciosa y sumamente generosa. Como actor se entrega de lleno, da todo lo que tiene. Ha conferido una humanidad y una inteligencia a un papel que, en manos menos capaces, hubiese sido demasiado unidemensional. Esto lo convierte en una persona muy inteligente".
"Todos sabemos que él es uno de los mejores actores con vida", explica Villeneuve, visiblemente entusiasmado. "Forest Whitaker es un maestro, y yo puede notar esto porque su papel es quizás el más difícil de toda la cinta. El coronel Weber es un personaje escrito dificultosamente, porque en ciertas escenas constituye un obstáculo- su actitud es muy abrasiva. En el guion no parecía particularmente profundo, pero Forest fue capaz de conferirle gravidez, sabiduría e una dimensión impresionante. No fue un proceso sencillo para nuestro actor, el trabajo en el set fue punto menos que extenuante, pero le estoy muy agradecido. Ha sido muy generoso".
Villneuve y Whitaker se reunieron a fin de charlar sobre este personaje. "Cuando Denis me habló acerca del Coronel Weber, mencionó una y otra vez que se trataba de una figura paterna, de diversas maneras, para los demás personajes de la película", dice Whitaker. "Les cuida, supervisa e incentiva, les ayuda a abandonar sus temores y comprender su propio potencial".
El desafío, para Whitaker, no fue otro que poder encarnar a un personaje que él mismo describe como "poseedor de una seguridad y de una autoridad silenciosas". Además, "Tuve que esforzarme a fin de desempeñar una autoridad paterna capaz de reprender con fuerza silente y calma".
"Él representa una figura dudosa, algo así como el sentido común bajo presión", añade Villeneuve. "Es quien debe lidiar con la presión que tanto el gobierno como la sociedad ejercen. Intenta protegerles y ser un buen líder. Creo que irradia la dignidad que yo esperaba de él".
Whitaker realizó algunas investigaciones para este papel. "Estudié algunos elementos de lingüística con el fin de comprender algunos asuntos técnicos; pasé un tiempo similar observando entrenamientos in situ y todas esas cosas; conversé con militares e hice preguntas realmente específicas, sobre todo atinentes a lo que una escena u otra me hacían pensar. Uno de los personajes, el agente de la CIA, saca de pronto una pistola, y yo quería saber cómo debíamos reaccionar ante un acto así. Pensé que esto me haría responder de cierta manera, así que me explicó algunas de las cosas que alguien como mi personaje probablemente proferiría cuando, por ejemplo, el Agente Halpern nos acompaña y de pronto amenaza a Amy con una pistola. Le está diciendo que cuelgue, que no debe seguir hablando por teléfono con alguna persona en China. Todos sacan sus pistolas y apuntan al agente, y si él se rehúsa a obedecerme, todos dispararán. Este pequeño detalle me pareció de lo más interesante".
Sin embargo, el papel del Coronel Weber no es enteramente benigno y, de hecho, decide presionar a Banks y a Donnelly para que transiten por caminos que a solas jamás habrían elegido. "No cesa de espolearles", dice Whitaker, "y, finalmente, cuando les obliga a comunicar la palabra 'arma' a los alienígenas, el acto dispara toda una cadena de eventos".
EL AGENTE HALPERN (Michael Stuhlbarg)
"Michael es un actor que me fascinó desde que le vi en A Serious Man, de los hermanos Cohen", explica Villeneuve. "Me mostré tan entusiasta que él aceptó de inmediato. Harper, el agente, resultaba un tanto monótono por escrito- sólo tenía un color. Michael le brindó muchas capas y una cierta inteligencia al personaje, una chispa de ingenio y una evidente densidad, elementos definitivamente ausentes en el guion".
"Parte de lo que me atrajo de este ofrecimiento fue la posibilidad de desentrañar a este tipo tan críptico", comenta Stuhlbarg. "Seguí las pistas que Denis me proporcionaba. Aporté ideas- ideas físicas en torno a su apariencia, a los posibles personajes en los que está basado- pero, a final de cuentas, esto lo desarrollamos escena por escena. Tengo curiosidad por el resultado final, porque a veces comienzas a trabajar con una idea muy firme de lo que crees que deseas hacer. En esta ocasión quise colaborar con el director para satisfacer su visión sin por ello sacrificar la visión general del contexto y el personaje. Me divertí como nunca".
Realizó sus propias investigaciones. "Me reuní con un antiguo miembro de la CIA y le hice unas cuantas preguntas acerca de las responsabilidades de mi personaje", explica Stuhlbarg. "Esta persona me sugirió la lectura del libro 'Fair Play', de James Olson, que habla acerca de las implicaciones morales del espionaje, algo muy interesante desde el punto de vista de la vida interior del personaje. Rompió algunos de los mitos en torno a la clase de personas que trabajan para la agencia. En realidad, hay una gran diversidad y no existe un comportamiento definido al interior de la CIA. Esto me sirvió: un intento en aras de la desmitificación, una búsqueda en pos de la humanidad detrás de una persona que hace muchas preguntas y que se interesa sobre todo por lo que realmente está ocurriendo en una situación específica".
"Él representa al gobierno. En este sentido, nuestro agente encarna los ojos y oídos del presidente y del Departamento de Estado", explica Stuhlbarg. "En lo concerniente a la comprensión de los demás personajes, Halpern no hace sino fungir como un obstáculo. Y por ello me pareció que interpretarle resultaría divertido. Está tan sorprendido como todos los demás por lo que está ocurriendo o está a punto de ocurrir, pero, al mismo tiempo, su trabajo consuetudinario consiste en acumular información e intentar evaluarla. En este caso, esta información se deriva de los visitantes del espacio exterior. Más allá de lo que pueda ocurrirle, nuestro puede filtrarlo todo a través de lo que tiene que hacer e incluso tomar decisiones lógicas a pesar del estrés. Esto es lo que está acostumbrado a hacer".
Su relación con el Coronel Weber es de negocios. "Con Weber, bueno, él es el encargado y yo soy un invitado en su territorio", dice Stuhlbarg, "pero, al mismo tiempo, cuento con la CIA. ¿Quién detenta el poder en determinado momento? ¿Quién es más fuerte?¿Qué debemos saber, qué información requerimos, para alcanzar nuestra meta?"
"Una de las partes más interesantes de la historia es el hecho de que las naves flotan por encima de doce puntos alrededor del planeta", dice Stuhlbarg. "Una de las cosas más complicadas en la vida diaria es la comunicación en nuestras propias lenguas. La necesidad de comunicarse con otros países, con otras costumbres, culturas, creencias y supersticiones así como los intentos que realizamos a fin de comprender mejor a los países que pudieran ser nuestros enemigos políticos, presentan un desafío harto interesante".
"Justamente ayer filmamos una escena que en el guion no está conformada por más de ocho líneas garabateadas por el guionista, pero que nosotros hemos convertido en una fragmento de acción. Algo que quizás te saltaste durante la lectura se ha vuelto, súbitamente, un asunto monumental", explica Stuhlbarg, quien se sintió impresionado con el alcance de la cinta durante la realización. "Tienes a 150 hombres y mujeres, todos ellos en traje de faena y cargando sendas cajas de aquí para allá, se trata, en general, de la evacuación del espacio que hemos requisado en mitad de esta pradera porque pensamos que podemos ser atacados de un momento a otro. Así que lo que en la página era muy poca cosa, durante la producción cobró una vida muy particular".
EL CAPITÁN MARKS (Mark O'Brien)
"Yo interpreto al Capitán Marks", dice Mike O'Brien. "Lo vemos por primera vez cuando se reúne con los personajes de Jeremy y Amy. Debe guiarlos a través de este proceso y llevarlos a ver a los alienígenas. Los conduce a un mundo que ellos desconocen. No saben a dónde van, nunca antes habían visto algo así y ni siquiera pertenecen al ejército. Tampoco se conocen entre ellos y ahora han sido conducidos a esta situación. Para ellos, todo es confuso, todo es nuevo".
"Siempre he interpretado a grandullones testarudos", dice O'Brien. "Esta vez se trata de una persona correcta y reservada pero asimismo muy fuerte y esto es realmente diferente para mí, un divertido desafío. Hay muchos momentos en esta cinta en los que sólo tengo que estar ahí, en los momentos silenciosos, apoyando a los otros como una presencia. A veces no tienes que proferir una sola palabra, sólo quédate ahí y experiméntalo junto con ellos".
O'Brien comenta que Villeneuve comparó al Capitán Marks con un tiburón en un tanque. "Su reacción suele caracterizarse por una calma reservada, pero en su interior está listo para cualquier cosa", dice O'Brien. "No sabemos qué puede ocurrir en ese lugar. Por ello, la contención puede resultar mucho más interesante que una expresividad explosiva".
De muchas maneras, el Capitán Marks representa el terror, a pesar de su aparente calma. "La reacción natural de mucha gente alrededor del mundo, incluyendo a los civiles y los medios masivos, tiene que ver con el peligro. Todo mundo teme siempre lo novedoso", comenta O'Brien a propósito de la reacción general ante las naves que han llegado a la Tierra. "Imagina algo proveniente de otro planeta y lo que este hecho puede generar. Todo esto pone de manifiesto la animosidad que tenemos al interior de nuestro propio mundo. Podrás ver lo que las distintas partes del mundo intentan hacer a fin de no perder el control de la situación y cómo, si una zona mundial lo maneja de manera opuesta a otra, las desavenencias no se hacen esperar".
"Puede que esto no pase de ser una teoría personal", dice Ryder, "pero en lo más profundo de los cerebros de las personas, todos estamos casi esperando que esto acontezca, que podamos sintonizar las noticias y descubrir que hemos sido abordados por una especie alienígena. Me parece que las cosas son así. Creo que esto es posible. Si ocurriera, claro que toparíamos con miedo y pánico, pero también con una curiosidad enorme. Cuando decidimos desarrollar esta cinta nos dijimos que debíamos capturar este terror, esa curiosidad y sin duda el pánico que la presencia de estas cosas ocasionaría". 
EL VESTUARIO
"Renée es una artista muy sensible, a la que le interesa sobremanera la creación de personajes", explica Villeneuve acerca de la Diseñadora de Vestuario Renée April. "Ella es quien ha aportado a los personajes una gran porción de humanidad y dimensión. Decidimos espontáneamente que Louis Banks arribaría a la base del campamento pensando que no pasaría ahí más de dos o tres días, sin saber que permanecería allí meses, y por ello pasa de ropas civiles a militares".
La misma lógica nutre el vestuario de Ian Donhelly. "Hicimos lo mismo con el personaje de Jeremy Renner", prosigue Villeneuve. "Adoro a Renée porque no tiene concesiones con los uniformes, ya está harta de crear uniformes para películas, pero LA LLEGADA está repleta de militares, así que pude contar con una experta inigualable. Y luego tuvimos que crear los trajes para residuos tóxicos y confrontar los desafíos de los trajes requeridos para ir dentro de la nave- trajes que lucirán modernos, pero que asimismo permiten ver las caras de mis actores. Este traje es similar a los que existen en la vida real. La única diferencia es que, normalmente, tendrías algo puesto en el rostro, así que tuve que crear un modelo que nos permitiera ver la cara del actor. Es la única concesión que permití en el caso de dichos trajes".
"Cuando realizas ciencia-ficción debes alejarte bastante de la realidad, y esto fue lo que ocurrió con los trajes para material tóxico, que se convirtieron en algo rarísimo", explica April. "Lucen horriblemente- tal y como deseábamos. Teníamos que decidir, y elegimos quedarnos con algo que no fuera hermoso. Son difíciles de maniobrar, pero lo conseguimos. En cierto momento sí que intentamos decorarlos con otras cosas, pero los resultados nos parecieron demasiado hermosos. Denis y yo dijimos, 'No funciona, es un exceso'. Y así anulamos todo eso".
En última instancia, los trajes para material tóxico son los favoritos de April. "Son tan horrendos que algo en ellos me resulta hermoso", dice April. "Su manera de encenderse es muy interesante, con todos esos reflejos. Todo lo que no deseas ver en una película está ahí. Tienes un millón de reflejos en un sitio u otro, un espectáculo bellísimo. Me muero de ganas por ver cómo queda todo después de la edición".
En cierto sentido, esto significa que el diseño de vestuarios resultó menos trabajoso de lo acostumbrado. "Esta vez no utilicé paletas de colores", explica April. "Trabajo con actores, no soy pintora. Mi trabajo consiste en ayudarle a Denis a contar una historia, haciendo mi mejor esfuerzo. Los actores son los que sostienen la historia, así que colaboro con ellos a fin de hallar lo más conveniente para cada uno de ellos. Por ejemplo, Amy no lleva muchos colores durante el día, todo lo que porta es muy apagado, pero durante sus recuerdos recurrentes todo es colorido. Eso fue lo único que hicimos en el plano del color, para generar cambios. Nada más".
"Siendo un realizador que se inició con documentales, me parece que no existe nada más impresionante que la realidad", explica Villeneuve, "y por lo general la realidad le lleva la delantera a tu imaginación. Intenté apegarme a la realidad tanto como me fuera posible con el propósito de crear una cinta de ciencia-ficción sucia, basada en esta misma realidad. Esto puede ser poco impresionante, de una u otra manera. Y Renée desempeñó un papel crucial en este proceso". 
LOS ALIENÍGENAS - ABBOTT Y COSTELLO/EFECTOS VISUALES
Villeneuve pensó mucho acerca de Abbott y Costello, los dos alienígenas que conoceremos gracias a LA LLEGADA. "Abbott y Costello son dos de los personajes principales", explica el director. "Son los dos alienígenas que Louise Banks e Ian Donnelly conocen en la cámara ubicada al interior de la nave espacial. Fui humilde a la hora de diseñar a los extraterrestres. La creación de algo nunca antes visto constituye un gran desafío. Quería que su presencia fuera férrea y enorme, como una ballena".
"Quería generar una sensación parecida a la que nos provoca acercarnos a una gran bestia debajo del agua", prosigue Villeneuve, "cuando es inevitable sentir junto a ti una presencia enorme o una fuerte inteligencia. Quizás con los elefantes podamos sentir algo similar. Si ves un elefante en estado salvaje, de inmediato sentirás su fuerte presencia, una presencia instintiva y una profunda presencia. Por esta razón, para mí era importante que los alienígenas irradiaran su presencia, a pesar de su falta de ojos o de una falta, sobre todo al principio, de un contacto estrecho con ellos".
A pesar de que nadie fuera de Banks, Donnelly y los militares consigue ver a los alienígenas, su sola presencia en la Tierra genera una crisis existencial generalizada. "La idea era que un aterrizaje de naves especiales provocaría un desquiciamiento social en todo el mundo", explica el director.
"Porque, antes que nada, se trata de una crisis existencial para la gente religiosa que piensa que somos el centro del universo. Yo creo en la naturaleza, así que me sentiría asombrado si los alienígenas aterrizaran. Tenemos un contraste que me apasiona- su presencia es muy tranquila, no hacen nada, pero su sola presencia crea caos en el mundo exterior. En donde podemos sentir el silencio y la contrición es dentro de la concha. A fin de establecer contacto con los extraterrestres, nuestros héroes deben adentrarse en la nave espacial y situarse en una cámara específica. Dentro de ésta, el intercambio con los alienígenas se efectúa mediante una pantalla. No pueden tocarlos. Ni oleros. Apenas si logran verlos a través de nieblas extrañas, es decir, la extraña atmósfera que impera al otro lado. Son como elefantes en la niebla".
El misterio central de la historia, el rompecabezas que Banks y Donnelly desean resolver, implica enterarse de los planes que los alienígenas tienen en la Tierra. "Su aterrizaje no es político", explica Villeneuve refiriéndose a los sitios donde han realizado aterrizajes. "Los lugares fueron elegidos por la sencilla razón de que se ajustaban a las características de sus naves. Para mí era importante aportar un abordaje más fresco a los alienígenas, no una invasión, sino un mero aterrizaje en nuestro planeta. Al final de la cinta atestiguaremos un momento colaborativo, porque los personajes descubren que los alienígenas les han compartido su cultura y su lenguaje pieza por pieza. Una vez que todo esto ha sido reunido, el resultado equivale a una enciclopedia de su cultura y su lenguaje".
Villeneuve llamó al artista Carlos Huante para que éste le ayudase a crear la apariencia de los alienígenas. "En el rubor de la creación de los alienígenas trabajé con artista que admiro sobremanera", explica el director. "Eché un vistazo a numerosas carpetas artísticas, pero entonces di con la de Carlos Huante, quien ha trabajado con Ridley Scott en Prometheus y otras películas. Me pareció que, a través de esta criatura, yo estaba buscando algo casi idéntico: un alma, una presencia, un misterio y mucha originalidad. Figuras y formas novedosas, nunca antes vistas. Eché a andar un proceso con Carlos con el propósito de explorar un sinnúmero de ideas. Lo más difícil en toda mi carrera ha sido intentar crear una nueva forma de vida".
La experiencia de Adams con los Efectos Visuales contribuyó mucho, así como la utilización de otros humanos en la mayoría de las escenas. "Me fui muy útil haber trabajado con efectos especiales en el pasado", dice Adams. "Sólo una vez estuve sola así que pude contar casi siempre con el componente humano, todos nosotros ahí juntos, creando esa energía. Los actores pueden contribuir a crear la energía juntos, pero mi trabajo como actor consiste en dar vida a lo que en realidad no tengo frente a mí- si creas una relación, ésta debe irradiar autenticidad- y, por tanto, es la misma cosa".
Villeneuve comenta que la inspiración para los alienígenas proviene de las ballenas, los pulpos, las arañas y los elefantes. "Anhelaba una criatura surrealista, proveniente del mundo de los sueños, de las pesadillas. En esto sentido, mi apuesta ha sido todo un éxito". Los extraterrestres son ambivalentes- ¿amigables u hostiles? Asimismo, tanto sus movimientos como sus cuerpos han sido dejados deliberadamente a la interpretación subjetiva; sus intenciones y motivos son revelados más tarde, conforme la historia se desarrolla".
"Es un estudio sobre el comportamiento", dice Villeneuve. "El alienígena es una representación de la muerte, y en algunas tomas decidí que el alienígena debía lucir como una representación clásica de la Muerte o la Parca. Desde ciertos ángulos, esto lo podremos sentir hacia el final de la cinta. Atravesamos un largo proceso de dibujo a fin de dar con la figura más rara y adecuada. Asimismo quise que el público pudiera descubrir a los alienígenas paso a paso a lo largo de la cinta, y no desde el primer vistazo, por ello vamos revelando una cantidad creciente de cualidades en al plano de su estructura y su cuerpo".
Whitaker comentó que se presentaron ciertos desafíos durante el rodaje, sobre todo a causa de la necesidad de tener que actuar sin los alienígenas de cuerpo presente y sin siquiera tener una idea de cómo acabarían sonando. "Una vez dentro de la nave espacial y comenzados los intentos comunicativos, ¿reaccionaría yo más escandalosamente si pudiera escuchar los chirridos y chasquidos de los que me hablaron?", pondera el actor. "Mi imaginación puede llevarme muy lejos dentro de la escena. Y el equipo de producción colocó un marionetista detrás de la escena a fin de que pudiéramos ver algo y sentir una cierta autenticidad".
Los suplentes físicos de los alienígenas proporcionaron asistencia a los actores, incluso a pesar de que no eran más que representaciones simbólicas de los extraterrestres. "Tuve que establecer una relación con estos palos con bolas en la punta, pero nuestros titiriteros lo hicieron excelentemente", explica Adams. "Tipos fabulosos que nos hacían el favor de correr por todos lados con los títeres. Siempre he apreciado a esta gente; no suelen llevarse el crédito que merecen a pesar de que nos acompañan día tras días y de que deben sostener un palo durante horas a fin de que podamos actuar. Realmente lo aprecio".
"No me gustan las pantallas verdes", dice Villeneuve a propósito de algunos de los desafíos que dejó en manos de los de diseño de producción y de cómo intentó minimizar la implementación de efectos visuales, creando así experiencias físicas para los actores, en la medida de lo posible. "No me gusta que los actores mantengan el contacto con lo inexistente, me gusta que se sientan rodeados por cosas reales". 
LA ESTÉTICA / LOS SETS Y EL RODAJE
Villeneuve, Patrice Vermette y Young trabajaron conjuntamente a fin de definir la estética del film. Una fuente de inspiración para Young fue la fotógrafa escandinaca Martina Ivanov, específicamente una serie intitulada "Speedway" que venía incluida en un libro que Young no cesaba de revisar. "Cuando obtuve el guion me pareció que esto podía ser la mejor referencia para la cinta", dice. "Las fotografías están estilizadas de varias maneras, pero jamás pierden su delicadeza y su naturalidad, su oscuridad misteriosa. No me refiero a la oscuridad como una ceguera, sino en el sentido de la patología. La oscuridad es profundamente psicológica. Las fotografías de esta mujer nos inspiraron mucho a la hora de abordar esa clase de oscuridad visualmente".
"Ella constituye una referencia importante", dice Young. "Les mostré estas fotografías a manera de una carpeta creativa a Denis y Patrice. Ellos echaron un vistazo y así acordamos que la cinta debía ser muy abierta, que debía ser lechosa. Asimismo, debía ser oscura y ligeramente perturbadora. Todo esto es lo que el público debería sentir al verla".
El color fue utilizado por contraste con esta sensación de oscuridad. "Nunca nos preocupamos por una paleta muy llamativa, jamás pensamos en todos los colores con los que trabajaríamos", explica Young, "pero uno de los colores principales en esta cinta, uno de los más destacados, es el naranja de los trajes de residuos tóxicos. Rodeamos estos trajes con colores que les permitirían convertirse en objetos por derecho propio. En vez de usar colores que polarizan el naranja o crean una dicotomía a través de lo que no es naranja, lo que hicimos fue utilizar esta idea de la oscuridad a fin de subrayar el naranja. Tomando en cuenta que los trajes son reflejantes, si los rodeas de una gran oscuridad, tu ojo se sentirá completamente atraído por la espectacularidad de aquéllos".
"Cuando la gente se desprende de sus trajes, todo nos conduce de vuelta a una imagen natural y orgánicamente engarzada", explica Young refiriéndose a la manera como el despojamiento de los trajes de Ian y Louis funciona estética y simbólicamente en la cinta. "Nada de esto tenía que ver realmente con una paleta per se, más allá de los objetos anaranjados, pero la película es monocromática adrede, ya que no queríamos desviar la atención hacia el colorido. Es un intento que realizamos a fin de centrar tu atención en el tono visual de la cinta".
La creación de sets físicos permitió que Young controlara el tono a través de la iluminación y de los lentes elegidos por él mismo. "Le pedí a Patrice que construyera el interior de la nave", explica Villeneuve. "Eso constituyó un regalo increíble para la producción porque así fuimos capaces de crear la cámara y el inmenso túnel. No usamos efectos visuales- todo eso es real- y los actores pudieron así sentir la extrañeza de esa sala. Nuestro fotógrafo de cine, Bradford Young, pudo filmar con luces y crear un efecto con luces, es decir, algo muy real y definido al interior de dicha sala".
"Los directores deberían implementar cosas reales para que los actores puedan interactuar", dice Morin. "Esto puede generar un ambiente y un cierto espíritu en los actores. El equipo decidió construir un túnel de 150 pies, con una sala de entrevistas, toda una pieza de tamaño natural en donde contamos con el elemento de fondo, una pantalla detrás de la cual están los alienígenas, inmersos en su atmósfera". Renner confirma que el set físico ayudó a los actores a interactuar con los alienígenas y su medio ambiente. "Tenemos un set realmente interesante y sumamente práctico", dice Renner. "Contamos con un elevador de tijera que se eleva a 40 o 50 pies y que puede adentrarse en un hueco rarísimo. Como actores, esto nos brinda una ayuda tremenda, porque se trata de toda una serie de elementos reales".
La presencia de sets físicos en vez de un rodaje frente a una pantalla verde permitió asimismo que Young esculpiera la apariencia del film sobre la marcha. El fotógrafo utilizó lentes más amplios que aquellos que ha implementado en otros rodajes. "Tuve que ser un poco más disciplinado y preciso en lo tocante a la colocación de la cámara, porque, ocasionalmente, en espacios pequeños, los lentes amplios pueden trabajar en tu contra", explica Young. "Por ello, la apuesta consistió en ser inteligente y saber escuchar, porque como fotógrafo no siempre sé de antemano en dónde colocar una cámara. A veces es un asunto de técnica contra sentimiento, porque para nosotros el punto de partida debe ser siempre la intuición. Y luego, si las cosas se sienten bien, podemos ser tan amplios o estrechos como nos dé la gana, incluso en los espacios más pequeños. En la cinta, esto ha añadido una cierta escala y rango, lo que nos permitió ser profundamente personales e internos, pero a la vez tremendamente analíticos o distantes".
Filmaron todo en digital y esto facilitó su habilidad para impulsar el género y esculpir la imagen sobre la marcha. "Elegimos un rodaje digital", dice Young. "Es muy útil, porque nos permite observar los resultados. En los momentos de penetración en la oscuridad, no tuvimos que preocuparnos excesivamente por los negativos y por el fracaso o éxito de nuestras imágenes. Lo que sí pudimos elegir fueron los distintos lentes implementados a lo largo de la película. A veces, incluso dentro de una escena podíamos cambiarlos. Cada lente tiene su propia personalidad. Podemos utilizar un lente creado a la medida por un fabricante para un acercamiento, y para una toma amplia un lento creado por otra empresa. Una vez más, esto le confiere una sensación naturalistamente imperfecta a la película, porque, desde el punto de vista de las perspectivas, nuestra producción se opone a la precisión. Generamos así un cierto nivel de ingenuidad que jamás hubiésemos obtenido de habernos quedado con una sola serie de lentes".
"El bordado a mano de los lentes te proporciona una realidad textural muy particular, algo prácticamente imposible con lo digital", dice Young. "Nos proporciona la habilidad para comenzar con una imagen mucho más fílmica que si estuviésemos utilizando una sola clase de lentes. Quisimos que la imagen fuera relativamente imperfecta y estos lentes nos ayudaron a cumplir con nuestro propósito".
"Todos los elementos de la nave me emocionaron sobremanera", dice Young. "El noventa por ciento de esta película ocurre fuera de la nave espacial, aunque sí nos podemos adentrar en ella numerosas veces. Fuera de la nave siento que exploro cosas que ya he explorado en otras películas, pero cuando nos adentramos en la nave todo se vuelve novedoso- nunca antes había realizado una filmación semejante. Y nuestro mismísimo abordaje me hace sentir también que nos adentramos en territorio virgen".
"La nave espacial es muy emocionante porque a la vez constituye un espacio de precisión desmesurada", dice Young. "Las líneas nos obligan a ser extraordinariamente precisos, porque no estamos en carpas ni en casas, ni en ninguno de esos territorios en los que conocemos cada recoveco, cada meandro. Aquí estamos en territorio ignoto, cada vez que estoy dentro de esa nave siento como si estuviera filmando por primea vez, por la sencilla razón de que es una obra de arquitectura. Es una obra de arte y a la vez un set, un pedazo de realidad. Nunca antes había trabajado en algo parecido. Tuve que suspender mis propias nociones de lo que es real y lo que no lo es a fin de poder evocar otra clase de sensaciones. Ha sido fascinante".
Pero, a causa de las restricciones impuestas por la realidad, algunas imágenes tuvieron que ser creadas por computadora. "Todo esto será procesado después por computadora, porque, por supuesto, tenemos que crear extraterrestres, viendo que nos fue imposible viajar a Júpiter a fin de realizar un casting. Sin embargo, utilizamos titiriteros y éstos hicieron movimientos detrás de una amplia pantalla. Y esto me pareció poético y conmovedor, porque, de alguna manera, guarda relación con el cine clásico. Poder ver a Amy Adams y a Jeremy Renner mientras éstos hablaban con una esfera enorme y flotante, además de todas esas presencias, constituyó un momento sumamente hermoso".
El trabajo que Morin realizó con los efectos visuales supuso no sólo la creación de las naves extraterrestres y de los seres que el equipo de Villeneuve había imaginado, sino asimismo el realce de la realidad humana y de los efectos de la atmósfera alienígena. "Los alienígenas controlan la gravedad", explica Morin. "Parte del ejército generado por computadora, justamente aquellos que portan los trajes anaranjados, suben en el elevador de tijera, luego saltan y caminan por la pared, y ésta es otra parte muy importante de los efectos visuales de esta película. La gravedad es un auténtico desafío y algunas escenas acrobáticas tienen que ver precisamente con la gravedad. Pero el elemento clave de la historia es el encuentro con el alienígena. Louise conoce al extraterrestre en lo que llamamos la sala central- un ambiente creado por computadora y que ostenta un alienígena creado igualmente por computadora".
Asimismo, Morin tuvo que crear las imágenes de las naves espaciales que flotan por encima de doce distintas locaciones alrededor del mundo. "Tenemos pinturas hechas con acabado mate y hemos recreado los ambientes así como diversos ángulos", explica Morin. "También cramos satélites espía y muchos elementos militares, helicópteros y drones, así que tuvimos que realizar una enorme cantidad de trabajo valiéndonos de las computadoras".
Young nunca antes había trabajado con CGI (siglas en inglés para las imágenes creadas por computadora). "Fue mi primera cinta de efectos visuales", dice. "Ha sido un enorme desafío tener que trabajar con esta enorme cantidad de efectos visuales. No había caído en la cuenta de que el auténtico desafío sería aceptar un trabajo en una película que pretende ser sumamente naturalista pero que requiere de una creación posterior de efectos visuales. Podría parecerse a esas cintas que nos sumergen en un naturalismo extremo, pero al mismo tiempo aportamos una buena cantidad de elementos abstractos. Cuando aportamos estas cosas abstractas y existenciales, a la vez tendemos un puente muy hermoso, conformado por los efectos visuales. Para mí, mi propia rendición ante la idea de que los efectos visuales pueden ayudarnos durante el proceso, en esta experiencia cinematográfica, ha constituido todo un desafío. Esta es una película en la que nosotros, en cierto momento, nos quedamos sin respuestas. Será muy refrescante ver más adelante lo que otro equipo hará con la visión completa".
Morin comenta que el esfuerzo depositado en el frente por él mismo, el cinematógrafo y el director, definirá sin lugar a dudas el triunfo o fracaso de los efectos visuales. "El director trabaja con un dibujante", explica Morin. "Con esto nosotros podemos comenzar con los pre-visuales, luego revisamos esto con el director y el diseñador de producción y nos dedicamos a involucrar a todo mundo. Todos ellos hacen observaciones y nosotros intentamos una adecuación. Después tenemos lo que algunos llaman la visión técnica- esto sirve para posicionar la cámara, el movimiento de los actores o los elementos de CGI ante la mirada del espectador. Estos elementos resultan medulares para una filmación sólida, porque la idea para los efectos visuales, durante el rodaje, consiste en capturar sólo los mejores elementos. Si comenzamos por ahí no tendremos que arreglar nada posteriormente, podemos realzarlo todo y conseguir así una toma fabulosa".
Villeneuve deseaba que la nave pareciera estar hecha de materiales imposibles de hallar en nuestro planeta, y completamente ajenos al conocimiento científico. Además, anhelaba que esta misma nave tornara caótico lo que sabemos de las leyes físicas. "La composición de la nave representa un misterio completo para los terrícolas", dice Villeneuve. "Su funcionamiento y la manera como viajan por el espacio guardará nula relación con todo lo visto anteriormente. Debo agradecer aquí a mi equipo de edición, Joe Walker y la gente de Frames Store, quienes realizaron un trabajo estupendo ayudándome a crear la salida de los alienígenas al final de la cinta".
Mientras que el director deseaba que tanto los alienígenas como la nave fuesen verdaderamente ajenos a nuestra Tierra, todo lo humano y lo atinente a nuestra tecnología debía ser tan realista como fuera posible. "El diseñador de producción trabajó muchísimo", explica Villeneuve. "Queríamos una película de apariencia realista, por ello, Patrice investigó muchísimo a fin de garantizar que todo el equipo utilizado por los militares fuese acertado, sencillo y en ningún momento espectacular. No quise que los humanos implementaran tecnología inexistente. Quise que utilizaran todo lo que hoy tendrían al alcance de la mano- las herramientas que podríamos utilizar para hablar con los alienígenas".
Villeneuve se sintió sorprendido cuando le señalaron que el método adecuado no requería de un gran despliegue tecnológico. "Fue todo un shock", comenta, "porque, si quieres charlar con un alienígena, puedes utilizar un pizarrón, un marcador y una palabra: 'hola'. No hay muchas maneras de aprender el lenguaje, ni de expresarlo. Al final del día es como enseñar a hablar o escribir a niños pequeños, y, en mi caso, la banalidad de este proceso me dejó pasmado (al interior del contexto de) un contacto con algo tan impresionante como una civilización extraterrestre. Patrice se preocupó por la autenticidad de cada uno de los detalles de esta película, desde los trajes para materiales tóxicos que muchos portan hasta el equipo que utilizan. Los objetos de la vida diaria entrarán en contacto con esta nueva civilización, y nuestro objetivo no era otro que abordar esto de la manera más humana y humilde posible". 
El LENGUAJE Y EL DISEÑO DE SONIDO
Tanto la comunicación como el lenguaje de los alienígenas son esenciales para la historia y para la estructura de la cinta, porque proveen y asimismo revelan la estructura narrativa de la misma. "La belleza de nuestra historia radica en el hecho de que gira alrededor del lenguaje", explica Villeneuve. "Quedé encantado con el cuento porque se atrevía a explorar el lenguaje poética y a la vez poderosamente. El problema es que la exploración intelectual del lenguaje puede resultar hipnótica dentro del cuento, o en una novela, sobre el papel, pero en una película yo requiero de algo que genere tensión. La presencia y el impacto de los alienígenas ocupa un lugar mucho más prominente en la cinta que en el cuento. Me hubiera gustado un mayor espacio para la exploración del lenguaje en esta película, pero su estructura no lo permitía. Eso es lo único que lamento; me hubiera gustado una mayor proximidad con el cuento en este plano".
Tanto el lenguaje "hablado" como la escritura de los alienígenas imponía riesgos sumamente específicos, y cómo olvidar el sonido de la nave espacial. "El diseñador de producción desempeña una labor monumental en este proyecto, y esta tarea consiste en la creación del interior de la nave espacial, pero, asimismo y de manera más importante, también tuvo que desarrollar el lenguaje", explica Villeneuve. "A Patrice se le ocurrió pedirle esto a una artista que ambos adoramos, Martine Bertrand. A ella se le ocurrió este abordaje abstracto. Yo quería que el lenguaje fuera impresionante y casi temible- no deseaba nada parecido a un lenguaje humano- yo buscaba un lenguaje que fuera producto de formas de pensamiento completamente distintas. A Martine se le ocurrieron esos círculos abstractos que tango se parecen a las manchas que el café deja sobre una mesa. Quizás la idea surgió de ese modo… Es uno de mis elementos favoritos en esta cinta, la manera como ella desarrolló este lenguaje".
Todos se esforzaron mucho en aras de la creación de un lenguaje verosímil. "Patrice creó un diccionario", explica Villeneuve. "Creó una estructura, un método para el desarrollo de palabras, una explicación para la construcción de frases. Tuve que revisar decenas de documentos a fin de darme una idea del mecanismo de este lenguaje. Fue muy hermoso, todo ese detalle, esa pasión con que Patrice insufló al proyecto, sencillamente demencial".
La invención del lenguaje hablado de los alienígenas constituyó un reto que Villeneuve no tuvo que encarar sino hasta la posproducción. "Durante la posproducción caí en la cuenta de que tenía frente a mí otro desafío, el desarrollo del habla de los alienígenas", dice el director. "Habíamos desarrollado el lenguaje escrito, pero ahora debíamos vérnoslas con el sonido. Joe Walker, mi editor, me habló de cierto hombre, Dave Whitehead, quien vive en Nueva Zelanda y que es mejor conocido por su trabajo en el Señor de los Anillos y en una cinta de Neil de Camp. Es un maestro del sonido, uno de esos tipos que lo saben todo acerca de las ondas sonoras y que es capaz de explorar y desarrollar lenguajes extraños. Él pensó que esta idea suponía un hermoso reto y, así, comenzó a desarrollar el lenguaje con Joe Walker. El proceso fue sumamente arduo y prolongado, pero él no cesó de desplegar su generosidad. Me siento orgulloso del habla de los alienígenas. De hecho, esto no es habla, es la expresión de emociones a través del sonido. Lo que me realmente me gustó fue que David le confirió una lógica basada en el diseño de los cuerpos de los extraterrestres.
"El punto es que el sonido más poderoso es el silencio", explica Villeneuve a propósito del diseño de sonido. "Intenté conferirle un ritmo respiratorio a la cinta. El abordaje es sumamente minimalista. Sylvian Bellemare, Supervisor de la Edición de Sonido, nos brindó una sonidos impresionantes. Los alienígenas son silenciosos, pero cuando se mueven o hacen algo, los sonidos resultantes son harto peculiares".
"Necesitaba de alguien que pudiera abordar el sonido demencialmente y hallé a un loco que diseña sonidos", comenta Villeneuve. "Un amigo mío, Sylvian Bellemare resultó ser el indicado. A Sylvian se le ocurrió la loca idea de ese sonido como de un terremoto con rocas para el movimiento de las naves espaciales- y éste es uno de los sonidos más poderosos que jamás haya podido escuchar en la historia del cine". 
EDICIÓN / POSPRODUCCIÓN
"Cada película presenta sus propios desafíos, y en la nuestra, lo más complejo y dificultoso fue la edición", explica Villeneuve. "LA LLEGADA se lo debe todo a Joe Walker. Cuando nos adentramos por primera vez en la sala de edición, el guion giraba en torno a un proceso que Eric (nuestro guionista) esculpió hasta conferirle una cierta estructura, pero nos dimos cuenta, ahí mismo, que la estructura no era lo suficientemente dinámica y que una sensación repetitiva se había instalado, tal y como yo temía, además de una cierta incongruencia en los comportamientos de los personajes".
"Al final, decidimos abordar esta cinta como si se tratase de un documental", explica el director. "y así reestructuramos lo que ya teníamos, trabajándolo de otra forma. La película dejó de ser lineal y este abordaje logró acoger muchos de los temas e ideas principales de la cinta. Joe realizó un trabajo formidable, le debo mucho. Estoy muy orgulloso de él".
Villeneuve comenta que él y Walker invirtieron muchísimas horas en el proceso de edición. "En toda película, este proceso es mi parte favorita", aclara el director. "Trabajamos arduamente en la sala de edición y cuando todo cobró vida, nos sentimos sumamente conmovidos".
"La cosa es que cuando uno lee los guiones, ciertas cosas te explican por escrito lo que está ocurriendo y, así, puedes darte una buena idea de todo el asunto", dice Villeneuve a propósito de cómo la estructura de la historia sólo se solidificó en la sala de edición a causa de los desafíos impuestos por la narración de una historia no-lineal. "Durante el proceso caímos en la cuenta de que no es fácil ir contracorriente de cien años de lenguaje cinematográfico. Algunas de las cosas dichas al inicio de la cinta eran tan poderosas que resultaba muy difícil lograr un cambio de percepción en el público. Pero esto era necesario; el público debe acompañarnos en una nueva dirección, enterándose de lo que realmente ocurre".
La estructura narrativa de la historia es crucial para su significado, y este significado nos es revelado por un giro inesperado en la trama. Se invirtió mucha energía en el transporte de la estructura desde las páginas del guion hasta el medio mucho más visual de la cinta. "Fue un desafío porque por escrito no había problema alguno", explica Villeneuve. "Pero, en la pantalla, la modificación eficaz de la percepción del público constituyó un auténtico reto. Fue un proceso muy largo, una especie de estire-y-afloje, en la sala de edición". 
CONCLUSIONES
"Las vibraciones en el set van siempre de arriba hacia abajo", dice Levine. "Si cuentas con un director brillante y fenomenal, que sin embargo te escucha y pide retroalimentación, seguramente tendrás asimismo un elenco relajado y un equipo poco problemático. Eso ocurrió aquí. Lo más destacado de Denis, en mi opinión, son esas visiones que siempre ha tenido, o los pensamientos con los que despierta, como si todo esto estuviera predestinado. Es certero y sumamente gentil y esto no hace sino transmitirte seguridad y confianza mientras dirige. Es un maestro del suspenso y la tensión, pero lo principal es que sabe cómo extraer el componente humano de un guion, la emoción más profunda, las honduras dramáticas de cada personaje. Su alma es sumamente profunda. Todo un artista. Cada vez que veo una de sus cintas pienso que la experiencia ha sido maravillosa".
"Durante los desarrollos que debo emprender como creador de imágenes, siempre busco las historias que me acercan a la experiencia humana", dice Young acerca de lo que más le atrajo de LA LLEGADA. "Esta cinta, con todos sus detalles, podría ser la suma perfecta de todas las cosas que he realizado anteriormente, porque hemos sido tremendamente experimentales pero a la vez increíblemente crudos. Todas esas películas en las que he experimentado con estas dos cualidades, a la vez o por separado, han hallado, al parecer, una cierta unificación gracias a esta película".
"Ser original sin perder pie y humildad supone un lastre tremendo, pero esta vez sí que nos hemos decantado por la originalidad", asegura Ryder. "Denis ha fungido como un gran socio para todos nosotros a lo largo del proceso de esta película, del desarrollo del guion al diseño de la cinta, se le ocurrieron cosas que nosotros jamás habríamos pensado. Nunca hubiera imaginado unas naves espaciales con ese aspecto, tampoco imaginaba que la cinta acabara luciendo así, pero todo esto ya estaba en su cabeza. Tenemos a un tipo extraordinario entre nuestras huestes".
Renner comenta lo siguiente acerca de los resultados. "Esto es de un rango que sobrepasa lo que esperaba, no en cuanto al tamaño sino en el plano emotivo, pero también por lo que respecta a las embarcaciones, el alcance de la película y la fotografía. Aquí notarás la mano de un director auténtico, o la de un fotógrafo tremendo. Esto se deriva de los efectos especiales- hay mucha gente involucrada en esta clase de cosas. Pero esta cinta lleva la estampa de Denis, gira en torno suyo. Él es muy paciente y pensativo, y su historia es contada a través de un maridaje de actores particularmente insular".
A pesar de que los Efectos Visuales son su medio de subsistencia, Morin desea que no destaquen mucho en LA LLEGADA. "No quiero que la gente hable de los efectos visuales, quiero que el público se sumerja en la historia", dice. "Ésta es una historia muy humana y, si lo hacemos correctamente, se olvidarán de nosotros, se sentirán implicados en la trama y disfrutarán enormemente".
"Esta película gira en torno a una comprensión creciente de nuestro lugar en el ciclo del universo", dice Whitaker, "Y, partiendo de ahí, explora asimismo la comunicación y el tiempo. Lo que el tiempo significa, si acaso existe, y si el momento presente es lo único con que podemos contar. Esta noción es realmente interesante y quizás algo que todos deberíamos investigar". Whitaker apreció asimismo tanto la habilidad como la emoción que Villeneuve desplegó a lo largo del proyecto. "Es un tipo muy entusiasta, con una idea muy clara de lo que desea ver plasmado. No hubo energía malgastada. Una vez que ve lo que desea sigue adelante. Su estilo es certero, y su emoción contagió al resto del equipo".
En el mismo tenor, Whitaker disfrutó mucho del trabajo realizado en colaboración con otros actores, particularmente Adams. "Ella es una artista extremadamente comprometida y centrada, con una cierta inmediatez en el plano de sus sentimientos", describe Whitaker. "Esto ha sido realmente especial. Cuando vives tanto un lenguaje que terminas soñando en ese mismo lenguaje y comienzas a cambiar tus patrones mentales… esto es precisamente lo que podremos verla hacer".
"Amy Adams no es sólo una de las mejores actrices con vida, sino también una humana maravillosa, muy solidaria y trabajadora", comenta entusiasmado Villeneuve. "Ella quiso darlo. No cuestiona decisiones, simplemente está ahí para dar generosamente. Su estilo es llevadero laboralmente, una seda para el director. Con Amy el sol salía todos los días en el set, incluso cuando debíamos filmar bajo la lluvia".
Whitaker piensa que el público se sentirá cautivado por la historia, o incluso preso de un dilema existencial. "La gente se embarcará en un interesante viaje emotivo y psicológico mientras acompañan el desarrollo de la película", dice Whitaker. "Se sentirán también muy emocionados porque, de alguna forma, tú ganas cuando el mundo se unifica y asimismo ganas cuando ella tiene un hijo".
"Es una cinta repleta de suspenso, algo en ella me recuerda a Hitchcock", dice O'Brien. "Porque no podemos saber qué va a ocurrir a continuación, o no del todo. Su planteamiento es, así, hitchcockiano. Es sumamente misteriosa y ultraterrena; estoy seguro de que el público quedará estupefacto ante la pantalla, de principio a fin".
"Tengo una apremiante necesidad de ver esta película en una sala repleta de gente", comenta Levine, visiblemente entusiasmado, "porque el suelo se caerá en dicha sala. La gente resollará y se sentirá completamente cautivada por la cinta. Creerás que ya entiendes los giros de la trama, pero no tardarás en caer en la cuenta de que se trataba de algo por completo distinto. Todo funciona perfectamente. El final es profundamente emotivo y poderoso, sencillamente no puedo esperar a experimentarlo a través de los ojos de otras personas". 
ACERCA DEL ELENCO
La cinco veces nominada para un Premio de la Academia y dos veces ganadora de un Globo de Oro AMY ADAMS (la Dra. LouiseBanks) ha creado una carpeta de trabajo verdaderamente sorprendente, desafiándose a sí misma con cada nuevo papel.
Adams fue vista muy recientemente en Batman vs. Superman: Dawn of Justice, lanzada por Warner Bros. el 25 de marzo de 2016. En la secuela a la tremendamente exitosa Man of Steel (2013), Adams volvió a encarnar a Lois Lane y compartió pantalla con Henry Cavill, quien hace las veces de Superman, y Ben Affleck en el papel de Batman.
Adams podrá ser vista a continuación en una cinta de Tom Ford, Nocturnal Animals, junto a Jake Gyllenhaal. Focus Features lanzará esta cinta, que a su vez está basada en la novela publicada en 1993 por Austin Wright, "Tony and Susan", el 18 de noviembre de 2016.
Recientemente, Adams concluyó su participación en Justice League Part One, en donde encarna una vez más a Lois Lane y comparte pantalla con Ben Affleck, Henry Cavill y Gal Gadot. Dirigida por Zack Snyder, la cinta de Marvel será lanzada por Warner en 2017.
Adams está a punto de sumergirse en la producción de la serie dramática de alto perfil Sharp Objects (HBO), que estelarizará pero también producirá, con Jean-Marc Vallée dirigiendo. Basada en el exitoso libro del mismo nombre, escrito por Gillian Flynn y elogiado por The New Yotrk Times, la serie se centra en una reportera (Adams) que confronta los demonios psicológicos de su pasado cuando regresa a su ciudad de origen a fin de escribir sobre un violento asesinato. La serie será estrenada en 2017.
Adams ha formado equipo con Trudie Stylr y Celine Rattray, de Marvel Pictures, a fin de producir Object of Beauty, que también estelarizará. La cinta está basada en la novela de Steve Martin y gira en torno a un joven empresario del mundo del arte que asciende de asistente en una galería a dueño de la misma.
Sus créditos cinematográficos incluyen asimismo un papel protagónico en Big Eyes, de Tim Burton, en donde comparte pantalla con Christoph Waltz. En este drama biográfico, Adams interpreta a Margaret Keane y Waltz encarna a su esposo, Walter Keane. La cinta cuenta la verdadera historia de una pareja icónica que se tornó inmensamente exitosa en los 50s y 60s vendiendo pinturas de niños de ojos grandes. Walter es quien se atribuye la creación de estas pinturas a causa de la timidez crónica de su esposa. Adams ganó un Globo de Oro a La Mejor Actriz en un Largometraje, un Musical o Comedia y fue nominada para un BAFTA gracias a su desempeño.
Adams desempeñó un papel estelar en American Hustle, una cinta de David O. Russell estelarizada por Christian Bale, Bradley Cooper y Jeremy Renner. Por su participación, Adams ganó un Globo de Oro a la Mejor Actriz y un SAG a la "Actuación Más Destacada por un Elenco en un Largometraje". El papel de Adams le granjeó asimismo su quinta nominación para un Premio de la Academia así como una nominación para un BAFTA. Adams fue vista recientemente en Her, una cinta de Spike Jonez coprotagonizada por Joaquin Phoenix y lanzada el 18 de diciembre de 2013 por Warner Bros.
Asimismo, Adams participó previamente en The Master, una película de Paul Thomas Anderson, estelarizada por Joaquin Phoenix y Philip Seymour Hoffman. Este drama desarrollado en la década de los 50s se centra en la relación entre un carismático intelectual conocido como "el Maestro", cuya organización religiosa comienza a popularizarse en EUA, y un vagabundo que no tarda en convertirse en su mano derecha. Adams interpreta a Peggy Dodd, la esposa de Seymour Hoffman. Este papel le granjeó nominaciones para un Globo de Oro y un premio BAFTA, además de su cuarta nominación para un Premio de la Academia.
Durante el verano de 2012, Adams interpretó a la esposa de Baker en Into the Woods, como parte del festival Shakespeare in the Park, efectuado en Delacorte.
Adamas estelarizó The Fighter, una cinta de David O. Russell protagonizada por Mark Wahlberg y Christian Bale. Adams interpreta a Charlene, una ríspida camarera de Massachusetts que comienza a salir con el boxeador Mickey Ward, "el Irlandés". La cinta gira alrededor de Ward y se hermano-entrenador Dickly Eklund (Bale), sirviendo como una crónica de sus días tempraneros y abordando los esfuerzos que Eklund realiza para dejar las drogas y el eventual triunfo mundial de Ward, en Londres. Por su desempeño, Adams fue nominada para un Globo de Oro, un SAG y un BAFTA. Además, este mismo trabajo le granjeó su tercera nominación para un Oscar en cinco años. Asimismo, Adams protagonizó Julie and Julia, reuniéndose así con la coestrella Meryl Streep, con quien ya había participado en Doubt, una cinta de John Patrick Shanley nominada al Oscar y coprotagonizada por Seymour Hoffman. Esta cinta le granjeó a Adams su segunda nominación para un Premio de la Academia.
Adams protagonizó Enchanted, una película dirigida por Kevin Lima y coestelarizada por Patrick Dempsey y Susan Sarandon. La cinta de Disney, un fábula romántica que combina la acción real con animación computarizada, fue estrenada el 21 de noviembre de 2007 y logró recaudar más de $300mdd alrededor del mundo. Gracias a su desempeño, Adams fue nominada para un Globo de Oro a la Mejor Actriz.
Adamas se granjeó su primera nominación para un Premio de la Academia y un SAG gracias a su trabajo en Junebug, una cinta de Phil Morrison estrenada en 2005. En este rubro ganó un Independent Spirit, un premio otorgado por la Broadcast Film Critics Association, uno National Society of Film Critics, otro otorgado por The San Francisco Film Critics Society así como un Breakthrough Gotham. También ganó el Premio Especial del Jurado a la Mejor Actuación durante la edición 2005 del Festival Sundance por su desempeño como la infantil y embarazada Ashley, quien se siente encandilada a causa de su glamurosa cuñada.
Sus créditos cinematográficos incluyen asimismo Trouble with the Curve, dirigida por Robert Lorenz y coprotagonizada por Clint Eastwood; la adaptación que Walter Salle hiciera de la novela seminal de la generación beat, On the Road, original de Jack Kerouac; The Muppets, de Disney y estelarizada por Jason Segal; Night at the Museum 2, de Shawn Levy y protagonizada por Ben Stiller; la aclamada por la crítica Sunshine Clinic, de Christine Jeffs y Karem Moncrieff y protagonizada por Emily Blunt y Alan Arkin; Charlie Wilson's War, dirigida por Mike Nichols y coprotagonizada por Tom Hanks, Julia Roberts y Phillip Seymour Hoffman; Miss Pettigrew Lives for a Day, de Bharat Nalluri y en donde comparte pantalla con Frances McDormand; y Catch Me If You Can, dirigida por Steven Spielberg, con la actuación de Leonardo DiCaprio.
Nominado en dos ocasiones para un Premio de la Academia, JEREMY RENNER (Ian Donnelly) protagonizó en 2010 The Hurt Locker, una cinta dirigida por Kathryn Bigelow que recibiera un Premio de la Academia a la Mejor Cinta. Ganadora de seis Premios de la Academia y basada en eventos de la vida real, The Hurt Locker es la historia de un grupo desactivador de bombas en Bagdad, conformado por voluntarios y dedicado a uno de los trabajos más peligrosos del mundo. Por su desempeño como el Sargento James, Renner ganó el premio al Actor Revelación durante la celebración del Festival de Cine en Hollywood, un premio Spotlight en el festival de cine en Savannah y nominaciones al Mejor Actor durante las ediciones 2008 de los Premios BAFTA e Independent Spirit. Asimismo fue nominado para premios al Actor Revelación y al Mejor Ensamble durante la celebración de los Premios Gotham, para un premio al Mejor Actor Principal y otro al Mejor Ensamble en los Premios SAG y, por supuesto, una nominación al Mejor Actor por parte de la Academia.
Un año más tarde Renner fue nominado para un Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto gracias a su desempeño en The Town, dirigida por Ben Affleck para Warner Bros. Adaptación de la novela "Prince of Thieves", escrita por Chuck Hogan, la cinta se centra en un ladrón (Affleck) y en su mejor amigo y camarada de la banda (Renner) y fue estrenada durante el otoño de 2010. Por su desempeño en esta cinta, Renner fue nominado para un premio al Mejor Actor de Reparto, tanto en los Globos de Oro como por The Screen Actors Guild.
En diciembre de 2011, Renner coprotagonizó Mission: Impossible - Ghost Protocol junto con Tom Cruise para Paramount y bajo la dirección de Brad Bird. Durante la primavera de 2012, Renner interpretó a Hawkeye en la cinta de Joss Whedon The Avengers, la tercera película más taquillera de todos los tiempos. Inmediatamente después, el actor protagonizó The Bourne Legacy, una nueva entrega de la popular franquicia Bourne. Más tarde participó en Hansel ad Gretel: Witch Hunter, un éxito global certificado que consiguió recaudar $220mdd.
En 2012, Renner y el cineasta Don Handfield formaron The Combine, una compañía productora que crea, desarrolla y produce contenidos de alta calidad y centrados en los personajes para públicos masivos. Comenzaron con The Throwaways para Crackle y lanzada por Focus Features. The Combine se encuentra inmersa en la producción de Knightfall, una historia sobre los Templares, para The History Channel, que muy probablemente verá la luz en 2017. La compañía fungió asimismo como productora ejecutiva de una cinta de próximo estreno, The Founder, para The Weinstein Company y con la actuación estelar de Michael Keaton- la historia sobre el fundador de McDonald's, Ray Kroc, ha hecho pensar a muchos desde ya que podría llevarse el Oscar y será lanzada en noviembre de 2016. Este mismo año Renner coprotagoniza La Llegada junto con Amy Adams, bajo la dirección de Denis Villeneuve; Paramount la lanzará también en noviembre de 2016. Y, por si fuera poco, Renner protagonizará Wind River, en donde compartirá pantalla con Elizabeth Olsen. The Weinstein Company tiene programado su lanzamiento para 2017.
En 2007, Renner fue visto en tres diferentes cintas, incluyendo Tha Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford para Warner Bros., dirigida por Andrew Dominik y coestelarizada por Renner, Brad Pitt y Casey Affleck. Renner interpreta aquí a uno de los integrantes principales de la banda de James, Wood Hide. También apareció en 28 Weeks Later, la muy anticipada secuela a 28 Days Later, y en Take, en donde comparte pantalla como Minnie Driver.
En 2006 desempeñó un papel protagónico en la aclamada e independiente 12 and Holding (nominada para un Independent Spirit y ganadora de un premio John Cassavetes), demostrando así su tremendo alcance dramática mediante la interpretación de Gus, un bombero que se muda a una ciudad nueva tras la traumática pérdida de una jovencita durante un incendio.
Sus créditos cinematográficos incluyen asimismo la cinta independiente Neo Ned, presentada por primera vez en 2005 en el Festival de Cine en Tribeca y primer lugar en la categoría de largometrajes durante la celebración de la onceava edición del Palm Beach International Festival, en 2006. Neo Ned ganó el premio a la Mejor Película durante la edición 2006 del Newport Beach Film Festival. Estos premios llegaron después de haberse hecho acreedora al Premio del Público en los Festivales de Slamdance, Sarasota y Ashland.
Renner compartió pantalla con Charlize Theron en North Country (Warner Bros.); junto a Julia Stiles protagonizó A Little Trip to Heaven y desempeñó papeles principales en The Heart is Deceitful Above all Things, Love Comes to the Executioner, Lors of Dogtown para la directora Catherine Hardwicke; y S.W.A.T., en donde colaboró con Colin Farrell y Samuel L. Jackson para Columbia Pictures.
El papel que volvió notorio a Renner e incluso le granjeó una nominación para un Independent Spirit fue su encarnación de Jeffrey Dahmer en la exitosa e independiente Dahmer, lanzada en 2002.
Con vasta experiencia teatral, Renner estelarizó y codirigió Search and Destroy, producida por Barry Levinson y aclamada unánimemente por la crítica.
FOREST WHITAKER (el Coronel Weber), uno de los actores, directores y productores más consumados de Hollywood, ha desplegado sus talentos a través de numerosos y diversos papeles, a cuál más exigente. En 2007 fue aclamado por la crítica gracias a su desempeño como el dictador de Uganda Idi Amin en The Last King of Scotland, recibiendo un Premio de la Academia, un BAFTA, un SAG y un Globo de Oro al Mejor Actor. Su trabajo intensivo con personajes en cintas como The Butler, The Crying Game, Ghost Dog:The Way of the Samurai y Bird, por la que fue nominado al Mejor Actor durante la edición 1988 del Festival de Cine en Cannes, lo ha convertido en uno de los actores más versátiles de todos los tiempos.
A lo largo del último año, Whitaker participó como actor de reparto en Southpaw, protagonizada por Jake Gyllenhaal. Recientemente puso punto final a su participación en el rodaje de La Llegada, una cinta de Denis Velleneuve con la actuación estelar de Amy Adams. Whitaker aparecerá también en Rogue One: A Star Wars Story, una cinta de Lucasfilm en la que compartirá pantalla con Felicity Jones, Riz Ahmed, Diego Luna y Ben Mendelsohn. Hace poco filmó una nueva versión de la miniserie de 1977, Roots, para A&E; aquí interpreta a Fiddler.
Además de todo lo que ha hecho en el mundo del cine, Whitaker debutó hace unos meses en Broadway con Hughie, obra de Eugene O'Neill dirigida por el ganador de un premio Tony, Michael Grandage.
Como presidente de Significant Prductions, Whitaker pretende apoyar a cineastas jóvenes y talentosos. En 2013, coprodujo el debut como director de Ryan Coogler, Fruitvale Station. Dicha cinta, ganador a del premio del Gran Jurado en Sundance y del Premio a la Mejor Película Debutante en el Festival en Cannes, fue distribuida por The Weinstein Company. Las dos cintas más recientes de Significant Productions, Dope y Songs My Brothers Taught Me fueron seleccionadas para competir en el Festival Sundance, en donde fueron alabadas por la crítica. Además, las dos cintas fueron elegidas para formar parte del programa que conformó la Quincena de los Directores en Cannes 2015.
Whitaker debutó como director en 1993 con la cinta Strapped, por la que ganó un International Critics en el Festival de Cine en Toronto. Desde entonces ha dirigido y fungido como productor ejecutivo de Waiting to Exhale, Hope Floats y First Daughter. Ha producido muchísimas cintas y documentales galardonados, incluyendo Break City, ganadora de un premio Peabody, y también se ha desempeñado como productor ejecutivo en algunas películas y miniseries televisivas.
Whitaker fue el creador y productor de DEWmocracy.com, un juego interactivo de video y una página que permitía a la gente seleccionar un sabor nuevo de Mountain Dew. A través de Frank Cooper, nuestro actor dirigió el corto que abría el juego. La campaña se convirtió en el lanzamiento más famoso en toda la historia de la soda Mountain Dew.
A lo largo de la última década, Whitaker invirtió mucho tiempo en su trabajo humanitario. Es fundador y CEO de The Whitaker Peace & Development Initiative, que actualmente cuenta con sucursales en Uganda, Sudán del Sur, Birmania, México y EUA. Asimismo es cofundador y presidente del Instituto Internacional para la Paz, enviado especial de la UNESCO para la Paz y la Reconciliación y miembro del Comité Presidencial para las Artes y Humanidades. Previamente desempeñó un cargo en el Comité Presidencial de Políticas Urbanas. Además, en 2014 comenzó a colaborar con el Departamento del Representante Especial del Secretario General de la ONU para los Niños y los Conflictos Armados fungiendo como Defensor de los Niños Afectados por la Guerra, un tema que le valió una invitación como ponente ante el Consejo de Seguridad de la ONU en septiembre de ese mismo año.
MICHAEL STUHLBARG (el Agente Halpern) ha sido un actor laudable desde hace bastante tiempo, sobre todo en los escenarios de Nueva York, pero no fue sino hasta que interpretó a Larry Gopnik, el papel protagónico en A Serious Man, de los hermanos Cohen, cuando la comunidad cinematográfica en general comenzó a reconocer su labor seriamente. Gracias a este desempeño fue incluso nominado para un Globo de Oro al Mejor Actor en un Largometraje.
Sus créditos cinematográficos incluyen asimismo: La Llegada, de Denis Villeneuve; Jobs, dirigida por Danny Boyle; Trumbo, con Bryan Cranston; Miles Ahead, con Don Cheadle; Pawn Sacrifice, una cinta de Edward Zwick; Lincoln, de Steven Spielberg; Blue Jasmine, dirigida por Woody Allen; Cut Bank; Hitchcock; Men in Black 3; Hugo, de Martin Scorsese; Body of Lies, de Ridley Scott; The Grey Zone, de Tim Blake Nelson; Cold Souls, dirigida por Sophie Barthes; y The Key to Reserva, un homenaje a Alfred Hitchcock, creado por Martin Scorsese.
Stuhlbarg encarnó al jefe de la mafia neoyorquina, Arnold Rothstein, en la galardonada serie Boardwalk Empire y ha aparecido recurrentemente en la serie de Amazon intitulada Transparent.
Sus proyectos venideros incluyen Miss Sloane, con Jessica Chastain, Call Me By Your Name, de Luca Guadagnino, y Dr. Strange, de Marvel.
En 2005, Stuhlbarg fue nominado para un Tony y se hizo acreedor de un Drama Desk gracias a su trabajo en The Pillowman, de Martin McDonagh. Asimismo ha sido honrado con un premio Charles Bowden y un Elliot Norton Boston Theatre, éste último por su desempeño en Long Day's Journey into Night. Sus créditos en Broadway incluyen asimismo Saint Joan, Three Men on a Horse, Timon of Athens y The Government Inspector: Taking Sides, de Ronald Harwood; la version de Sam Mendes de Cabaret; y The Invention of Love, de Tom Stoppard.
Stuhlbarg ha trabajado numerosas veces en el Festival New Yorl Shakespeare. Sus títulos más aclamados incluyen la encarnación de Sir Andrew Aguecheek en Twelfth Night, el papel principal en Ricardo II y Hamlet en la producción de la famosa tragedia que corrió a cargo de Oskar Eustis: por éste último desempeño se hizo acreedor de un Premio Drama League.
Otros créditos más allá de Broadway incluyen la puesta en escena realizada por David Warren de The Voysey Inheritance. Por este trabajo recibió un Obie y un Callaway, así como una nominación para un premio Lucille Lortel. Cymbeline, que le permitió repetir su papel en una versión inglesa; Old Wicked Songs, que le granjeó un Drama League; Measure for Pleasure (una nominación para un Lucille Lortel); y The Grey Zone.
Stuhlbarg se licenció en Bellas Artes. Estudió en Julliard. También estudió en la UCLA, en el Conservatorio de Vilnius al interior de la unidad de estudios de Chéjov, en la Academia Dramática Británico-Americana en Oxford y, completamente becado, con el actor y mimo Marcel Marceau.
El actor y realizador MARK O'BRIEN (el Capitán Marks) es mejor conocido entre el público canadiense por su encarnación de Des Courtney en la longeva y galardonada comedia dramática Republic of Doyle, transmitida por la cadena CBC. Ha sido nominado un par de veces para un premio Canadian Comedy al Mejor Desempeño Masculino.
En EUA, O'Brien fue elegido recientemente como parte del elenco para la segunda temporada del drama Halt and Catch Fire, de AMC. La serie se desarrolla a principios de los años ochenta, durante los primeros días de la revolución cibernética. El personaje de O'Brien, Tom Rendon, es un espabilado jefe de Tecnologías de la Información en un bufete de abogados, pero su auténtica pasión es el juego.
O'Brien ha aparecido en varias series exitosas, entre ellas Hannibal (NBC), en donde desempeñó el papel recurrente de 'Randall Tier', un asesino psicótico. Asimismo ha aparecido en algunos episodios de Saving Hope (CTV), Murdock Mysteries (CBC) y Warehouse 13 (Syfy), así como en la incipiente Killjoys (SyFy). En 2010, O'Brien protagonizó una selección del Festival Sundance, Grown Up Movie Star, en donde comparte pantalla con Tatiana Maslany (Orphan Black).
Sus créditos como director incluyen episodios selectos de Republic of Doyle, así como nueve cortos, incluyendo Better People, programado en diez festivales de cine tanto en EUA como en Canadá, y Sweetforce, corto visto en numerosos festivales a lo largo y ancho de Canadá. Ambas realizaciones fueron aclamadas por la crítica y ganaron una buena cantidad de premios, entre ellos uno al Mejor Corto durante las ediciones 2013 y 2014 del Festival de Cine WorldFest-Houston, uno al Mejor Realizador Incipiente durante la edición 2013 del Festival Internacional Lakeshorts y uno al Mejor Corto durante la edición 2013 del Atlantic Film Festival. Recientemente fue nominado para otro premio Canadian Comedy.
O'Brien estelarizó recientemente las cintas canadienses independientes The End of Days, Inc., una comedia negra con un giro sobrenatural que hace algunos meses debutó en el USA Film Festival en Dallas; Len & Company, dirigida por Tim Godsall; y The Dark Stranger, en donde comparte pantalla con Katie Findlay, Enrico Conatoni y Stephen McHattie.
O'Brien estudió Bellas Artes en la Memorial, una Universidad ubicada en Newfoundland. Su especialidad son las Letras Inglesas. En mayo de 2015, la Universidad le otorgó un premio Horizon Alumni a la Mejor Trayectoria de un alumno de treinta y cinco años de edad o menos. 
ACERCA DE LOS REALIZADORES
El aclamado realizador franco-canadiense DENIS VILLENEUVE (Director) llamó la atención del mundo entero tras ser nominado para un premio a la Mejor Película en Lengua Extranjera durante la edición número 83 de los Premios de la Academia gracias a su largometraje Incendies, un drama acerca del legado de la guerra civil en Líbano para una familia de inmigrantes originarios de Montreal. La cinta en lengua francesa ha sido llamada por The New York Times una de las mejores de 2011.
En 2015, el Festival de Cine en Cannes eligió Sicario, otra cinta de este director originario de Quebec, para competir por la codiciada Palma de Oro. Esta cinta sigue de cerca a una muy idealista agente del FBI, interpretada por la ganadora de un Globo de Oro Emily Blunt, cuya sed de justicia le lleva al oscuro núcleo de la anárquica frontera compartida por EUA y México, en donde las drogas, el terror, la inmigración ilegal y la corrupción cuestionan la brújula moral de la protagonista. Otros protagonistas son el ganador de un Oscar Benicio del Toro y el nominado para un Oscar Josh Brolin. La cinta fue nominada para tres Premios de la Academia al Mejor Logro en Cinematografía (Roger Deakins), el Mejor Logro en Música Compuesta para una Banda Sonora (Johann Jóhannsson) y el Mejor Logro en Edición de Sonido (Alan Robert Murray).
En 2012, Villeneuve dirigió su primera cinta en lengua inglesa, Enemy. Este escalofriante thriller está protagonizado por Jake Gyllenhaal, quien encarna a un maestro de historia que descubre, inesperadamente, la existencia de un alter ego. El hipnótico desempeño del actor le granjeó el apoyo entusiasta de la crítica especializada y selló la reputación del realizador como una de las nuevas voces cinematográficas más emocionantes. Basada en una novela de José Saramago y con Toronto como telón de fondo, Enemy se llevó, en 2015, el premio a la Mejor Cinta Canadiense otorgado por The Toronto Film Critics Association.
Villeneuve debutó en Hollywood con Prisoners, un drama sobre un justiciero suburbano. Los protagonistas son Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal. La cinta fue nominada en 2014 a un Oscar al Mejor Logro en Cinematografía y recibió premios otorgado por The National Board of Review al mejor ensamble. Además, fue considerada una de las Mejores Películas de ese año.
Tanto Cannes como otros festivales internacionales de cine han acogido desde siempre las creaciones de Villeneuve. En 2009 capitaneó su tercer largometraje, Polytechnique, una cinta en francés y en blanco y negro que dramatiza la infame masacre de catorce jovencitas en la facultad de Ingeniería de la Escuela Politécnica de Montreal, acaecida en 1989. La cinta gozó de un estreno mundial durante la Quincena de los Directores, en Cannes. En Canadá, la película fue nombrada la Mejor Cinta Canadiense de 2009 por The Toronto Film Critics Association y se llevó nueva premios Candian Screen y cinco Jutra (los premios cinematográficos en Quebec).
En 2008, un sabroso corto de Villeneuve, Next Floor, fue honrado con el premio Canal+, otorgado en Cannes durante la Semana de los Críticos. El corto fue asimismo presentado en más de 150 festivales alrededor del mundo, granjeándose alrededor de cincuenta premios.
En 1998 debutó como director con August 32 on Earth, cinta estelarizada por Pascale Bussiéres, estrenada durante la fase conocida como Un Certain Regard en Cannes y seleccionada por más de treinta y cinco festivales de cine, incluyendo las selecciones oficiales tanto en Telluride como en TIFF.
A esto le siguió Maelström, estelarizada por Maria-Josée Croze en el papel de una joven perturbada. La cinta ganó el prestigioso FIPRESCI durante la edición 2001 del Festival de Cine en Berlín. Además, el director se llevó a casa un SACD, otorgado por el Festival de Cine en Avignon.
Actualmente, Villeneuve se encuentra inmerso en la preproducción del proyecto más importante de su carrera, la muy anticipada secuela del clásico de culto Blade Runner, protagonizada por Harrison Ford y Ryan Gosling.
ERIC HEISSERER (Guionista) es autor y guionista. En 2016, este hombre escribió y produjo su largometraje Lights Out (New Line), basado en un corto de David F. Sandberg. Los coproductores del proyecto fueron Lawrence Grey y James Wan, la dirección corrió una vez más a cargo de David F. Sandberg.
Su debut como director ocurrió en 2013 con la cinta Hours, escrita por él mismo y dirigida por Paul Walker y Génesis Rodríguez. Otro proyecto suyo aún en preparación, pero asimismo ya incluido en la famosa Lista Negra, es Bird Box, que apenas comienza el proceso de selección del elenco. El director será Andy Muschietti, y Scott Stuber será el productor a través de su Bluegrass Films. La cinta será lanzada por Universal.
Heisserer trabaja actualmente en una reescritura de Bloodshot, el primer lanzamiento para pantalla grande que Sony hará para Valiant Comics. Chad Stahelski (John Wick) dirigirá. Asimismo se encuentra desarrollando Harbinger, otra creación de Valiant Comics, para Sony/Neal Mortiz.
Otro proyecto en desarrollo actualmente es Understand. El apoyo proviene de Fox y 21 Laps y la inspiración de un cuento de Ted Chiang. Además, Christine Boylan y UCP se encuentran adaptando un cuento suyo, "Lost Vegas" (Popcorn Fiction) para la televisión- Heisserer se ha comprometido a dirigir los dos primeros episodios.
Heisserer se encuentra escribiendo "Lone Wolf 2100 Chase the Setting Sun" para Dark Horse Comics,. Este proyecto está basado en las novelas gráficas "Shaper", que él mismo escribiera para Dark Horse.
Los libros de Heisserer incluyen el muy reciente "150 Screenwriting Challenges". Ha escrito varios cuentos para el sitio antológico Popcorn Fiction, entre ellos "Hours", que no tardó en volverse la plataforma para la cinta del mismo nombre. Además, ha puesto por escrito varios de los recuentos personales que recopiló entre los sobrevivientes del Huracán Katrina.
Su trabajo cinematográfico previo incluye Final Destination 5, The Thing (2011) y una nueva versión de Nightmare on Elm Street.
Heisserer creció en Oklahoma, en donde su padre era maestro de historia antigua en la Universidad del estado. Este hombre lo llevaba durante sus sabáticos a las locaciones europeas más extrañas y fascinantes. Proclamándose autodidacta, Heisserer comenzó a escribir a mediados de los años noventa para el mercado de los juegos de mesa, pero consiguió volverse guionista gracias a una historia epistolar creada en-línea, "The Dionaea House", una serie de cartas escritas por un personaje ficticio y dirigidas al autor. (Para conmemorar los diez años de esta obra, el autor lanzó una historia complementaria, "Exposure", en Reddit. Los derechos preferentes han sido vendidos a Neal Mortiz.) Warner Bros. compró los derechos de "The Dionaea House", lo que le permitió trabajar como guionista en Paramount, Warners, CBS y Jerry Bruckheimer Films.
SHAWN LEVY (Productor) es uno de los realizadores más prolíficos de la última década. A la fecha, sus películas han recaudado más de $3 billones de dólares alrededor del mundo. Su proyecto más reciente, la serie más comentada del verano, Stranger Things, se ha convertido en un triunfo comercial y en la favorita de la crítica.
A pesar de que Levy es mejor conocido como director de exitosas comedias y películas para toda la familia, su compañía productora, 21 Laps Entertainment, ha crecido notablemente gracias a un catálogo de cintas y proyectos televisivos que abarca múltiples géneros y fomenta la colaboración con los cineastas más destacados. Los últimos años han atestiguado el crecimiento de la compañía, que se ha vuelta única en su especie. Junto con Stranger Things, las producciones más recientes de Levy y 21 Laps incluyen la exitosa comedia para toda la familia Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day, estelarizada por Steve Carrell y Jennifer Garner, y el aclamado drama sobre la etapa de madurez, The Spectacular Now, protagonizada por Shailene Woodley y Miles Teller.
Levy es también productor de la serie cómica Last Man Standing (ABC), protagonizada por Tim Allen y actualmente en su sexta temporada, así como de la venidera Imaginary Mary (ABC), escrita por el creador de The Goldbergs, Adam Goldberg, suyo piloto fuera dirigido por Levy.
Las cintas de Levy incluyen la taquillera franquicia de Night at the Museum, en donde Levy fungió como director y productor de los tres episodios. Estas películas han recaudado más de $1.3bdd en las taquillas del mundo y han contado con la participación de estrellas de la talla de Ben Stiller, Robin Williams, Owen Wilson, Ricky Gervais, Hank Azaria, Amy Adams, Jonah Hill, Rebel Wilson, Dick Van Dyke y Mickey Rooney. This is Where I Leave You, una adaptación cinematográfica de la novela de Jonathan Tropper, debutó durante la edición 2014 del Tornto Film Festival, presentando un elenco estelar que incluía a Jason Bateman, Tina Fey, Jane Fonda, Adam Driver y Rose Byrne.
Otros de sus logros como director incluyen la exitosa comedia de acción Date Night, estelarizada por Steve Carrell, Tina Fey, James Franco, Mark Wahlberg, Kristen Wiig y Mark Ruffalo. Esta cinta recaudó más de $150mdd alrededor del mundo. El drama futurista, de boxeo y de padre-hijo, Real Steel, con Hugh Jackman, resonó asimismo con el público mundial y recaudó más de $300 millones de dólares. Sus primeros éxitos como director incluyen la exitosa comedia The Pink Panther, protagonizada por Steve Martin, Kevin Kline y Beyoncé Knowles, así como Cheaper by the Dozen, en la que también aparece Steve Martin, esta vez compartiendo pantalla con Bonnie Hunt y Ashton Kutcher; la película recaudó más de $200mdd alrededor del mundo.
21 Laps Entertainment lanzará una sorprendente cantidad de películas a lo largo de los próximos seis meses. Además de La Llegada, Levy tiene en puerta los siguientes lanzamientos: Table 19, con Anna Kendrick, para Fox Searchlight; Why Him?, con James Franco y Bryan Cranston, que será llevada a las salas de cine por 21st Century Fox el día de navidad; y First Fight, protagonizada por Charlie Day, Ice Cube, Jillian Bell y Tracey Morgan y a punto de ser lanzada a través de New Line.
DAN LEVINE (Productor) es presidente de 21 Laps Entertainment, la compañía productor de Shawn Levy, con sede en Fox. Recientemente, Levine produjo Why Him?, dirigida por John Hamburg y protagonizada por James Franco y Bryan Cranston. Esta cinta será estrenada en navidad. Poco antes produjo el éxito de Disney, Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day, estelarizado por Steve Carrell y Jennifer Garner. Poco antes, fungió como productor ejecutivo en The Internship, dirigida por Shawn Levy con las actuaciones de Vince Vaughn y Owen Wilson, así como en Night at the Museum: Secret of the Tomb.
Se sumó a la compañía de Levy en 2010, tras haberse desempeñado como Vicepresidente Ejecutivo de Producción en Paramount Pictures. Con Paramount trabajó en algunos proyectos de importancia, entre ellos la monstruosamente taquillera Cloverfield, de Matt Reeves; Stardust, de Matthew Vaughn; la mundialmente exitosa G.I. Joe: The Rise of Cobra; los nuevos lanzamientos de la franquicia de horror Friday the 13th; y la cinta de acción Shooter, protagonizada por Mark Wahlberg.
Levine ha alternado sus habilidades como productor y ejecutivo de estudio a lo largo de su carrera. Fue Vicepresidente Ejecutivo de Producción en Dimension, cargo que desempeñó durante dos años, supervisando cintas como The Amytiville Horror.
Fue productor ejecutivo de la exitosa comedia Along Came Polly, estelarizada por Ben Stiller y Jennifer Aniston, y de Freedom's Writers, de Richard LaGravenese. Coprodujo Camp, de Todd Graff, y se desempeñó como ejecutivo de producción de la exitosa cinta independiente Super Troopers (2001).
Previamente, Levine fue Vicepresidente en New Regency. Ahí trabajó en la ganadora de un Oscar L.A. Confidential, de Curtis Hanson; Fight Club, de David Fincher; el thriller de abogados A Time to Kill, de Joel Schumacher; y City of Angels.
AARON RYDER (Productor) es Copresidente de Producción y Adquisiciones en FilmNation Entertainment. Tras sumarse a esta compañía, en 2009, el veterano productor ha logrado establecerse como uno de los productores independientes más brillantes y prolíficos de la industria actual. Entre las cintas que ha producido con FilmNation podemos mencionar: la muy aclamada Mud, de Jeff Nichols, selección oficial de Cannes 2012, con Matthew McConaughey, Reese Witherspoon y Michael Shannon en los papeles principales; The Raven, con John Cusack; y House at the End of the Street, de Mark Tonderai y con la participación estelar de Jennifer Lawrence. Durante el verano de 2015, Ryder produjo The Founder, una película de John Lee Hancock estelarizada por Michael Keaton, así como la épica de ciencia-ficción La Llegada, dirigida por Denis Villeneuve y protagonizada por Amy Adams, Jeremy Renner y Forest Whitaker. Asimismo produjo Miss Sloane, con Jessica Chastain, y The Sense of an Ending, con Jim Broadbent. En FilmNation, Ryder trabaja también en diversos títulos en desarrollo, entre ellos The Tunnels, escrita por Tobias Lindholm para el director Paul Greengrass, y Train Man, que será estelarizada por Julia Roberts.
Otros cintas previamente producidas por Ryder incluyen su colaboración con el director Christopher Nolan, comenzando con Memento en 2000 y luego The Prestige en 2007, así como la cinta de acción y cienci-ficción Transcendance, con Johnny Depp y Morgan Freeman y dirigida por Wally Pfister. En 2008, Ryder produjo el éxito de Sundance Hamlet 2 y la aclamada TV Set, para el director Jake Kasdan. Otros créditos incluyen One and Only, con Renée Zellweger, The Mexican, estelarizada por Brad Pitt y Julia Roberts, y Donnie Darko, con Drew Barrymore y Jake Gyllenhaal.
A lo largo de sus veinte años como productor, ejecutivo y empresario, DAVID LINDE (Productor) ha sido responsable de toda una serie de cintas innovadoras y comercialmente exitosas, todas ellas creadas por algunos de los realizadores más talentosos del mundo. De cintas independientes y aclamadas por la crítica hasta taquilleros éxitos de estudio que han recaudado billones de dólares, la peculiar perspectiva de Linde mantiene un balance entre la creatividad y lo que resulta indispensable para llevar un largometraje desde sus comienzos hasta las salas del mundo. Propulsado por su talento creativo, ha trabajado con las voces más importantes, incluyendo a Pedro Almodóvar, J.A. Bayona, Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu, Ang Lee y Zhang Yimou.
En noviembre de 2015, Linde fue nombrado Ejecutivo en Jefe de Participant Media, la compañía mediáticaglobal fundada en 2004 por Jeff Skoll. Esta empresa promueve el entretenimiento que inspira y espolea cambios sociales.
En 2011, Lind fundó Lava Bear Films, una compañía productora y de financiamiento, con el apoyo de Reliance Entertainment. Este año, además de La Llegada, las producciones de Lava Bear incluyen Desierto, de Jonás Cuarón, el thriller Shut In, estelarizado por Naomi Watts, y The Forest, protagonizada por Natalie Dormer.
Previamente a la fundación de Lava Bear, Linde fungió como presidente de Universal Pictures, en donde defendió exitosamente una visión muy amplia en torno a las producciones internacionales, las animaciones y el entretenimiento familiar, y la distribución. Asimismo dirigió el aclamado estudio especializado Focus Features así como una subdivisión, Rogue Pictures, ambas formadas tras la adquisición, por parte de Universal, de la aclamada productora independiente Good Machine, del que él fue socio. Durante su estancia en Good Machine, Linde pastoreó algunos títulos icónicos, entre ellos Couching Tiger, Hidden Dragon e Y Tu mamá También. Una vez en Focus, los copresidentes Kinde Y James Schamus supervisaron un catálogo sumamente diverso, con cincuenta y tres nominaciones para un premio Oscar y once Premios de la Academia.
Linde pasó la porción más tempranera de su carrera en Miramax, fungiendo en el equipo de líderes tanto en Miramax Films como en Miramax International, en donde condujo la adquisición de Heavenly Creatures, de Peter Jackson, Buulets Over Broadway, de Woody Allen, y Farewell My Concubine, dirigida por Chen Kaige y ganadora de la Palma de Oro, así como la distribución internacional de Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, Scream, de Wes Craven, y la multipremiada The English Patient, de Anthonu Minghella.
Lind trabaja en la mesa directiva de FilmIndependent y es uno de los consejeros de la mesa de The New Roads School. A lo largo de su carrera, Linde ha sido reconocido por sus numerosos premios, entre ellos un Will Rogers al Pionero Cinematográfico del Año, un Premio del Presidente de General Electric al Desempeño, un Premio de Distinción en la Industria del Entretenimiento otorgado por la Liga Anti-Difamación, el Premio al Visionario otorgado durante la edición número veintiuno del Festival de Cine en Israel, un premio a los Mejores de la Industria otorgado por la New York Magazine, un Gotham a la Trayectoria Más Distinguida y un Raimondo Rezzonico, otorgado durante la celebración del Festival de Cine en Locarno.
A STAN WLODKOWSKI (Productor Ejecutivo) le apasiona producir largometrajes filmados fuera de EUA. Él es responsable de cintas como Focus, estelarizada por Will Smith y que fuera filmada en Buenos Aires, Argentina; Eat, Pray, Love, con Julia Robrts y filmada en Nueva York, Italia, India e Indonesia; Push, protagonizada por Dakota Fanning y filmada en Hong Kong; y Monte Carlo, filmada en Francia. Asimismo fungió como coproductor ejecutivo dela exitosa serie Rome, de HBO, filmada en los famosos Estudios Cinecittá, en Italia.
Sus créditos incluyen también Now You See Me, una película lanzada el año pasado y estelarizada por Morgan Freeman y Woody Harrelson; In the Valley; y Seraphin Falls.
Previamente, Wlodkowski fungió como coproductor en American Beauty, galardonada con un Premio de la Academia, y como productor en One Hour Photo, protagonizada por Robin Williams. Se desempeñó asimismo como productor en tres episodios de la aclamada serie 'American Playhouse' (PBS), apenas comenzada su carrera en el negocio del entretenimiento. Para American Playhouse produjo Longtime Companion, la primera cinta acerca del SIDA con buena distribución y buena atención mediática en toda la historia del cine- para la coestrella Bruce Davison esto significó un Globo de Oro y una nominación a un Oscar al Mejor Actor de Reparto. El crítico Roger Ebert ensalzó la película, asegurando que contenía "una de las escenas más emotivas jamás vistas en una película sobre la muerte".
Nacido y criado en San Diego y graduado de la Universidad de Cornell, DAN COHEN (Productor Ejecutivo) comenzó su carrera en 2005 como asistente en The Firm pero más tarde comenzó a trabajar para Sidney Kimmel Entertainment como ejecutivo creativo antes de sumarse a 21 Laps - de Shawn Levy- en 2010, en donde actualmente se desempeña como Vicepresidente Ejecutivo. Sus créditos en este rubro incluyen la exitosa e independiente The Spectacular Now (2013), Cut Back y la sensación de Netflix: la serie Stranger Things. Actualmente se encuentra inmerso en la posproducción de tres películas: La Llegada (Paramount; dirigida por Denis Villeneuve), Table 19 (Fox Searchlight, dirigida por Jeff Blitz), Fist Fight (New Line, dirigida por Richie Keen). En 2014 formó parte de la Próxima Generción, una lista de prospectos publicada por The Hollywood Reporter.
Como Vicepresidenta Ejecutiva de Producción en FilmNation Enteertainment, KAREN LUNDER (Productora Ejecutiva) se apoya en su monumental historial tanto en el plano de cintas independientes como en el de películas de estudio a fin de supervisar el desarrollo y producción de muchos de los títulos de FilmNation. Recientemente, Lunder produjo Gifted, un drama de próximo estreno dirigido por Marc Webb y protagonizado por Chris Evans, Octavia Spencer y Jenny Slate. Fungió como productora ejecutiva en La Llegada, una cinta épica y de ciencia-ficción dirigida por Denis Villeneuve, con las actuaciones de Amy Adams, Jeremy Renner y Forrest Whitaker, así como en The Founder, dirigida por John Lee Haancock y protagonizada por Michael Keaton, y el thriller político lanzado en 2016, Eye in the Sky, estelarizado por Helen Mirren. Sus próximos proyectos como supervisora para FilmNation incluyen The Good House, una adaptación de la exitosa novela del mismo nombre. La película será dirigida por Jill Soloway y contará con las actuaciones de Meryl Streep y Robert DeNiro. Otra cinta en este mismo rubro es The Robber, un thriller de acción que actualmente desarrolla JC Chandor.
Antes de sumarse a FilmNation, Lunder se desempeñó como Presidente de Producción en Gil Netter Productions, en donde desarrolló y supervisó un ambicioso catálogo de adaptaciones literarias, entre ellas Marley and Me y The Blind Side. Previamente encabezó los desarrollos de Landscape Entertainment, contribuyendo así a la creación de las empresas que la compañía ha puesto en marcha en el plano de la comedia y asimismo produciendo famosas comedias, entre ellas John Tucker Must Die, una cinta para adolescentes dirigida por Betty Thomas. Lunder comenzó su carrera en Nueva York, cuando trabajó para October Films desarrollando numerosas cintas independientes, entre ellas Happiness, de Todd Solondz, y The Apostle, de Robert Duvall.
TORY METZGER (Productor Ejecutivo) funge como Presidenta de Lava Bear Films, una compañía productora y de financiamiento cinematográfico. Antes de unirse a Lava Bear, en 2011, Tory fue Presidenta de Producción en MRC Studios, en donde trabajó con realizadores de la talla de M. Night Shyamalan, David Fincher, Ricky Gervais, Neill Blomkamp, Sacha Baron Cohen, Jay Roach y Robert Rodriguez. A lo largo de su estancia en MRC, ella supervisó la producción y los lanzamientos del catálogo de la compañía, que ostenta películas como Ted, aquél exitoso debut como director de Seth MacFarlane, y Elysium, la continuación de District 9 dirigida por Neill Blomkamp, además de The Night Chronicles, es decir, la antología cinematográfica de Shyamalan, y una serie de thrillers originales que serán producidos por David Fincher.
Previamente a los años que ha pasado como ejecutiva y productora, Metzger fungió como Agente en Creative Artists Agency (CAA). En dicha agencia, ella representó a artistas como Tom Cruise, Ang Lee, Cameron Crowe, Spike Jonze, John Wells, Edgar Wright, Nicole Holofcener, Callie Khouri, Danny DeVito, Michael Mann, Susanne Bier y Robert Benton. Durante su tiempo como agente profesional. Se implicó asimismo en el financiamiento y colocación de numerosas películas, entre ellas Brokeback Mountain, The Last Samurai, Jerry Maguire, Almost Famous, Being John Malkovich y Mission Impossible I, II, III. Asimismo ayudó a sus clientes con los lanzamientos de empresas multiformes, como por ejemplo las series televisivas y subsecuentes cintas conocidas como Jackass. Durante su último año en CAA, Tory ofreció un contrato a Shane Smith de Vice Magazine y contribuyó así a la creación del plan inicial de lo que hoy por hoy es Vice Media. Ella y sus socios en CAA realizaron una colaboración conjunta con Shane y su socio Eddy Moretti que poco después condujo a un trato con MTV, el primer paso en la expansión comercial de Vice.
Metzger es integrante de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y funge en la mesa de consejeros del UCSB Carsey-Wolf Center. Fue nombrada en la lista "100 Mujeres del Mundo del Entretenimiento", publicada en 2006 y 2007 por The Hollywood Reporter, y previamente reconocida el a revista Filmaker como una de las agentes más importantes de la industria cinematográfica independiente.
MILAN POPELKA (Productor Ejecutivo) es Jefe de Operaciones en la famosa compañía independiente FilmNation Entertainment. Sus responsabilidades incluyen la supervisión de las operaciones y finanzas cotidianas de la compañía.
FilmNation ostenta un catálogo inigualable en la industria del entretenimiento, conformado por títulos muy diversos y de alto perfil. Tanto por el lado de la representación de ventas como en el plano de la producción/financiamiento. En este último rubro, Popelka fungió como productor ejecutivo de la cinta épica y de ciencia-ficción La Llegada, estelarizada por Amy Adams y Jeremy Renner y producida y financiada por la compañía, así como de Sense of An Ending, una película de Ritesh Batra protagonizada por Jim Broadbent y financiada por FilmNation. Algunas producciones de próximo estreno de la compañía incluyen la cinta biográfica The Founder, acerca del fundador de McDonald's, Ray Kroc, una cinta de John Lee Hancock con Michael Keaton en el papel principal, la comedia de Judd Apatow: The Big Sick, y Gifted, una película de Marc Webb con Chris Evans en el papel principal.
Sus créditos en el plano de las ventas internacionales incluyen cintas como The King's Speech, galardonada con un Premio de la Academia a la Mejor Película: Nebraska, una película de Alexander Payne nominada para seis Premios de la Academia; The Imitation Game, estelarizada por Benedict Cumberbacht y ganadora de un Premio de la Academia; Looper, de Rian Johnson; y Room, de Lenny Abrahamson y protagonizada por Brie Larson.
Antes de sumarse a FilmNation, Popelka supervisó los departamentos de creatividad y de finanzas en Samuels Media (Michael Clayton), trabajó en Creative Artists Agency y fungió como consultor administrativo de entretenimiento en McKinsey & Company.
BRADFORD YOUNG (Director de Cinematografía) es un fotógrafo que estudió bajo la tutela del realizador Haile Gerima. Como fotógrafo de cine, Young se preocupa por hallar lo sublime en lo ordinario. Su ambición artística consiste en celebrar, fotográficamente, los pequeños sucesos locales.
Sus contribuciones cinematográficas más recientes incluyen Selma, por la que fue nominado para un premio al Mejor Fotógrafo de Cine durante la edición 2015 de los Independent Spirits Awards; Ain't Them Body Saints y Mother of George, por las que recibió un premio a la Excelencia Cinematográfica e un Drama Estadunidense durante la edición 2013 del Festival Sundance. Otras cintas incluyen Pariah, de Dee Rees y por la cual fue galardonado con un Premio a la Excelencia durante la edición 2011 de Sundance: Middle of Nowhere, de Ava Du Vernay; y Mississippi Damned, de Tina Mabry.
En 2014, Young filmó asimismo Pawn Sacrifice, de Edward Zwick, y A Most Violent Year, de J.C. Chandor. Asimismo, hace poco concluyó el rodaje de Beat-up Little Seagull, una cinta capitaneada por Andrew Dosonmu y estelarizada por Michelle Pfeiffer y Kiefer Sutherland.
En 2009, la revista Filmmaker selección a Young para su encuesta anual, intitulada "25 Rostros Nuevos del Cine Independiente". Y en 2010, la revista Variety seleccionó al talentoso fotógrafo a fin de incluirlo en su lista, "Lo que Sigue- 25 Maestros de su Oficio", un perfil de realizadores en ascenso.
En 2014, Young creó una instalación de video con tres canales intitulada Bynum Cutler. Inspirado por el difunto dramaturgo August Wilson, la cinta presentaba monumentos negros recortándose contra el telón de fondo conformado por la histórica iglesia Episcopalista Metodista Africana Bethel ubicada en Brooklyn Crown Heights, a manera de tributo a las mujeres, hombres y niños negros que se embarcaron en innumerables viajes en busca de refugio.
En 2014, Young fue nominado y considerado miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.
PATRICE VERMETTE (Diseñador de Producción) fue nominado a un Oscar gracias a su drama histórico, The Young Victoria, dirigido por Jean-Marc Vallée. Algunos elementos de sus diseños para esta película han sido exhibidos en la sección De Fil en Aguiles en Le Musée de l'Amerique Francais, ubicado en la Ciudad de Quebec. Canadá.
A lo largo de los últimos veintidós años, Vermette ha dirigido más de seiscientos comerciales en Canadá y el extranjero, y fungido como diseñador de producción en once largometrajes y más de cuarenta videos musicales.
La Llegada representa la cuarta colaboración sucesiva con Denis Villeneuve, tras haber diseñado Sicario en 2015 y, poca antes, Prisoners y Enemy.
El trabajo cinematográfico de Vermette incluye asimismo Café de Flore y C.R.A.Z.Y,para el director Jean-Marc Vallée. Gracias a su desempeño en la primera, Vermette recibió nominaciones para un Canadian Screen y un Directos Guild of Canada y ganó un premio Jutra. El trabajo derivado de la producción de C.R.A.Z.Y. ha sido mostrado en el Museo de la Civilización, celebrando cien años de cine en Quebec, incluyendo una reconstrucción a escala natural de la habitación utilizada en la cinta. El diseñador se hizo acreedor a los siguientes premios: un Canadian Screen otorgado por la Canadian Film Academy, un Jutra concedido por la Academia de Cine en Quebec y toda una serie de galardones otorgados durante el Festival de Cine en Gijón, España.
Diseñó dos películas para Ricardo Trogi: 1987 y 1981- ésta última le granjeó otra nominación para un Canadian Screen y un Directors Guild (Canadá). Asimismo diseñó para La Banda Picasso, de Fernando Colomo, y La Cité, de Kim Nugyen y gracias a la cual fuera nominado tanto para un premio Director Guild (Canadá) como para un Jutra.
Ésta es la segunda colaboración de JOE WALKER (Editor) con el director Denis Villeneuve, tras el thriller Prisoners, lanzado en 2013. Asimismo ha demostrado su formidable talento para la edición cinematográfica a través de una trilogía dirigida por Steve McQueen, incluyendo la ganadora del Premio de la Academia a la Mejor Cinta de 2014, 12 Years a Slave, por la cual Walker fue nominado a un Oscar.
Walker ha editado cintas tan renombradas como el ciber-thriller Blackhat (2015), dirigido por Michael Mann; The Escapist (2008), escrita y dirigida por Rupert Wyatt y protagonizada por Michael Cane, quien interpreta a un justiciero de los tiempos modernos; y Brighton Rock (2010), una interesante y novedosa versión del clásico de Graham Greene que implementa los disturbios de los Mods y los Rockers de 1964 como telón de fondo.
En 2010, Walker editó el innovador documental/largometraje Life in a Day para el director y ganador de un Premio de la Academia Kevin Macdonald y el productor Ridley Scott. Experimento cinematográfico particularísimo, el documental fue filmado por usuarios de YouTube en un solo día y se destila de más de 4,500 horas de imágenes proporcionadas. La cinta se estrenó en Sundance un año más tarde.
La asociación más celebrada de Walker ha sido con el artista y ahora director Steve McQueen. Su primera cinta, Hunger (2008), constituyó una impávida representación de las huelgas de hambre del IRA en Long Kesh y fue protagonizada por Michael Fassbender en el papel de Bobby Sands. Además, ganó la Cámara de Oro en Cannes. En 2011 se reunió con el equipo conformado por McQueen, Fassbender y el fotógrafo de cine Sean Bobbit a fin de editar Shame (2011), una cinta que narra la historia de un joven exitoso y atractivo, oriundo de Manhattan, que navega por las incansables y agitadas aguas de la obsesión sexual en un sendero hacia la autodestrucción. Su tercera colaboración fue 12 Years a Slave (2013), la verdadera historia de Solomon Northup, un hombre libre raptado y vendido más tarde como esclavo en la Luisiana de mediados del siglo XIX. La película está protagonizada por Chiwetel Ejiofor, Brad Pitt, Michael Fassbender, Lupita Nyong'o, Sarah Paulson, Paul Dano y Paul Giamatti, y ganó tres Premios de la Academia a la Mejor Película, Mejor Actriz de Reparto y Mejor Adaptación en un Guion (para John Ridley). Durante su discurso de aceptación, Nyong'o rindió tributo a Walker, describiéndole como "el ejecutante invisible del cuarto de edición". La cinta ganó un Globo de Oro a la Mejor Película/Drama, mientras que, en Gran Bretaña, Ejiofor fue galardonado con un premio BAFTA al Mejor Actor.
JÓHANN JÓHANNSSON (Compositor) es un compositor islandés que, hoy por hoy, radica en Berlín. Su variada y ecléctica producción incluye trabajos comisionados para Bang on a Can, el Teatro de las Voces y las Orquesta Sinfónica de Islandia, así como una colaboración con el cineasta experimental en la cinta The Miners' Hymns.
Jóhannsson recibió un Globo de Oro a la Mejor Banda Sonora por The Theory of Everything, dirigida por James Marsh. Su música para esta cinta le granjeó asimismo una nominación para un Oscar y otra para un BAFTA, pero asimismo fue nominado para un Grammy y un Critics Choice Award a la Mejor Banda Sonora Original. The Theory of Life se centra en la vida del famoso físico Stephen Hawking y está protagonizada por Eddie Redmayne, ganador de un Oscar por este trabajo, y Felicity Jones. Otras bandas sonoras recientes incluyen Prisoners, de Denis Villeneuve, Blind Massage, de Lou Ye, y For Ellen, de So Yong Kim.
El compositor fue nominado para un Oscar, un BAFTA y un Critics' Choice gracias a su trabajo en la muy aclamada Sicario, dirigida por Denis Villeneuve y estelarizada por Emily Blunt, Josh Brolin y Benicio del Toro.
Tras un periodo durante el cual se centró sobre todo en bandas sonoras, Jóhannsson lanzará este año una buena cantidad de proyectos musicales, de los cuales muchos han estado un buen rato en preparación. Asimismo, el compositor trabaja en su primer álbum de estudio en cuatro años, desde la salida de su "Miners' Hymns", en 2011. Una pieza nueva, "Drone Mass", fue estrenada en marzo de 2015 en el Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York, en colaboración con el ensamble vocal Roomful of Teeth (ganador de un Grammy en 2014) y el American Contemporary Music Ensemble. "Drone Mass" fue grabada en Dinamarca en junio de 2016 y lanzada a través del sello Sonos Luminous.
"Last and First Men", una nueva pieza audiovisual, está asimismo en proceso de elaboración, pero fue presentada en forma embrionaria durante la celebración del Festival Kortrijk en Bélgica, en mayo de 2015. En dicha ocasión, la música en vivo fue ejecutada por el Ensamble Spectra. La pieza combina imágenes cinematográficas filmadas por el mismo Jóhannsson y la fotógrafa Sturla Brandth Grovlen a lo largo de varias locaciones en las repúblicas de la antigua Yugoslavia con música creada por él mismo. El título fue tomado de la novela de ciencia-ficción que Olaf Stapledon escribiera y publicara en los años treinta del siglo pasado.
Jóhannsson comenzó estudiando piano y trombón a los once años de edad, pero detuvo sus estudios musicales formales durante la preparatoria, sintiéndose constreñido por los rigores de la música académica. Tras estudiar literatura e idiomas en la universidad, pasó diez años tocando en bandas de rock indie, centrándose en composiciones ruidosas, creadas con guitarras y capas de efectos.
La composición de música para obras de teatro y danza le llevó al mundo del cine. Así compuso la música para una docena de películas, incluyendo The Good Life (Eva Muldak, Dinamarca, 2010), Varminis (Marc Craste, Reino Unido, 2008) y For Ellen (So Yong Kim, EUA, 2012), antes de conocer al director Denis Villeneuve y crear la música para Prisoners y asimismo al director Josh C. Waller, para quien compuso la banda sonora de McCanick. Además, su música ha sido implementada en algunas película de arte, entre ellas Mystery (Canadá, 2011), de Lou Ye y el galardonado drama Le Grand Cahier (2013), de János Szász.
Jóhannsson ha colaborado con artistas pop de la talla de Marc Almond, Barry Adamson, la banda electro finlandesa Pan Sonic, The Hafler Trio, em compositor avant garde Andrew M. McKenzie, el baterista de Can, Jaki Liebezit y Stephen O'Mally, fundador del grupo de metal oscuro Sunn O))).
RENÉE APRIL (Diseñadora de Vestuario) trabajó recientemente con el director Denis Villeneuve en Sicario, estelarizada por Amy Blunt, Josh Brolin, Benicio del Toro y Victor Garber. Asimismo diseñó los vestuarios para otras dos películas de Villeneuve, Prisoners y Enemy. Ha vuelto a formar equipo con Villeneuve a fin de trabajar en el próximo proyecto sobre Blade Runner, aún sin título.
April diseñó el vestuario para Percy Jackson & The Olympians: The Lighting Thief y para la taquillera comedia Night at the Museum (2006). Previamente había sido nominada para un premio otorgado por The Costume Designers' Guild gracias a los diseños creados para The Fountain, de Aaron Aronofsky.
A lo largo de una carrera que engloba cuatro docenas de créditos como diseñadora, April ha colaborado con directores tan diversos como Edward Zwick en Pawn Sacrifice, Roland Emmerich en 10,000 B.C. y The Day After Tomorrow, George Clooney en Confessions of a Dangerous Mind; Alan Rudolph en The Moderns y Mrs. Parker; Norman Jewison en Agnes of God; Bruce Beresford en Black Rose (por la cual fue nominada al Mejor Diseño de Vestuario por el Instituto Cinematográfico de Australia); Randa Haines en Children of a Lesser God; David Mamet en Heist; Billy Ray en Shattered Glass; Sir Richard Attenborough en Grey Owl; y Vincent Ward en Map of the Human Heart.
Asimismo, April diseñó guardarropas para cintas como Pathfinder, de Marcus Nispel; Blindness, dirigida por Fernando Meirelles y nominada a la palma de Oro en Cannes; el drama deportivo The Greatest Game Ever Played, de Bill Paxton; Noel, una película en el género fantástico dirigida por Chazz Palminteri; el thriller Waking the Dead, de Keith Gordon, así como The Education of Little Tree y el galardonado telefilm Million Dollar Babies, la historia real de una mujer canadiense que, en los años treinta, parió cinco bebés y una película por la cual April compartió un Premio Gemini (los premios televisivos canadienses) a los Mejores Disfraces. Ha ganado otros Gemini gracias a sus diseños para la serie televisiva Tales From the Neverending Story y el film para TV The Hound of Baskervilles.
April nació en Montreal . Además de los premios Gemini, el trabajo realizado en su país natal le ha granjeado tres Canadian Screen por The Red Violin, la ya mencionada Grey Owl y The Bay Boy. Fue nominada a otros dos Canadian Screen por su desempeño en The Kiss, de Pen Densham, y Black Robe, de Beresford.
Además de su trabajo para cine y televisión, April diseñó el guardarropa para la última presentación del Cirque du Soleil en Japón.
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