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La Bella y La Bestia 3D: Sinopsis, elenco, ficha: Beauty And The Beast 3D

La Bella y La Bestia 3D: Sinopsis, elenco, ficha: Beauty And The Beast 3D

Una historia tan vieja como el tiempo

La mágica historia de Walt Disney Animation Studios La Bella y la Bestia regresa a la pantalla grande con tecnología Disney Digital 3D™, trayendo el clásico de Disney a toda una nueva generación de amantes del cine con imponentes visuales en 3D. La película narra el fantástico viaje de Bella (voz en inglés de Paige O'Hara), una hermosa e inteligente joven que es encerrada por una temible bestia (voz en inglés de Robby Benson) en su castillo. A pesar de su terrible situación, Bella entabla amistad con el personal encantado del castillo: una tetera, un candelabro y un reloj de sobremesa, entre otros; y con el tiempo, aprende a ver que más allá de la horrible apariencia de Bestia se esconde el corazón de un verdadero príncipe.

Con la inolvidable música de los galardonados con un premio de la Academia® Howard Ashman y Alan Menken, y un talentoso reparto vocal, La Bella y la Bestia fue el primer largometraje animado en obtener una nominación a la Mejor Película por parte de la Academia (Academy of Motion Picture Arts and Sciences).

LA BELLA Y LA BESTIA EN EL SIGLO XXI

El clásico largometraje animado de Walt Disney Pictures La Bella y la Bestia nació a partir de un conjunto de trazos sobre papel y la imaginación de numerosos artistas. Cuando se estrenó en 1991, fuertemente aclamada por la crítica y el público, la película fue elogiada no sólo por su maravilloso arte y la tradicional animación dibujada a mano, fotograma a fotograma, sino también por el innovador uso de la computadora como una herramienta que agregaba valor a la producción y lograba crear imponentes visuales nuevas. Si bien en aquél entonces el departamento de CGI (imágenes animadas por computadora) de Disney se hallaba recién en sus comienzos, ya se encontraba a la vanguardia de la nueva tecnología y los artistas y técnicos hallaron nuevas formas de realzar el aspecto de la película abriendo nuevos caminos en el campo de la animación.

En varias secuencias de la película, el uso de la computadora se hacía indudable, en particular en la creación de un salón de baile tridimensional de fondo para la secuencia de la canción de La Bella y la Bestia. La computadora permitió realizar espectaculares movimientos de cámara sobre los personajes dibujados a mano mientras bailaban y se enamoraban.

Según el supervisor artístico de CGI Jim Hillin, "La secuencia del salón de baile presentó el primer fondo de color generado por computadora en ser animado y dimensionalizado al mismo tiempo. Lo cual significa que el fondo, literalmente, se mueve. Ello genera la impresión de perspectivas y movimientos de cámara de barrido así como una iluminación teatral que de otra manera hubieran sido imposibles. Introduce técnicas de la acción real en el mundo animado. Aquí la cámara desempeña un papel muy importante que establece el clima de la escena y nos ayuda a experimentar casi en carne propia lo que están sintiendo los personajes".

La secuencia del baile es el momento de unión de la película, cuando ambos protagonistas finalmente se enamoran. "La computadora nos ofrecía una valiosa herramienta para realzar las emociones en la pantalla y crear un mayor dramatismo, que no hubiéramos podido lograr utilizando las técnicas tradicionales", señala el productor Don Hahn. "Nos permitía desplazar la cámara y adentrarnos en el salón de baile en lugar de únicamente contemplar una pieza de material gráfico plana. La tecnología, en su conjunto, es una extensión de nuestros dedos, manos y mente. Los gráficos generados por computadora nos permiten trascender las fronteras de lo que podemos lograr con un lápiz y un papel o pintura y un pincel".

Artistas, animadores y expertos en software especialmente capacitados, trabajaron con los equipos de diseño, dirección artística y fondos para crear el salón de baile en la computadora. A partir de los bocetos originales, la sala se construyó por secciones. Las dimensiones del salón son colosales con techos de 22 metros de alto y una superficie de 55 metros de largo por 40 metros de ancho. El salón posee 28 ventanales y una cúpula de 25 metros por 18 metros de ancho. El mural de la cúpula fue pintado a mano y luego, con la ayuda de la computadora, se mapearon las texturas sobre los fondos.

El equipo de animación por computadora también desempeñó un papel clave en la secuencia de la canción "Nuestro huésped" donde un extraordinario candelabro y tenedores que bailan can-can se crearon utilizando esta nueva tecnología. Además así se animaron cientos de platos, copas y burbujas danzantes. Estos elementos luego se combinaron con la animación tradicional de personajes dibujada a mano y la animación de efectos, que dio lugar a una pormenorizada secuencia repleta de diversión única. Otros objetos de la película en distintas secuencias -como un vagón de heno, varios carros, un gran piano barroco del siglo XVIII y las páginas de un libro- se animaron utilizando un proceso similar.

En un salto al siglo XXI. Lo que supuso una tecnología sumamente innovadora a fines de la década de 1980, hoy es apreciada como un paso artístico invaluable en el camino hacia los increíbles logros alcanzados en el uso de la animación generada por computadora de la actualidad. En las últimas décadas del siglo pasado, convertir La Bella y la Bestia en una película en 3D hubiera requerido que los artistas rediseñaran dos versiones separadas de los personajes, una desde la perspectiva del ojo derecho y otra, del ojo izquierdo.

Sin embargo, a través de la magia de Disney y los adelantos alcanzados en la tecnología de la animación por computadora desarrollada en Walt Disney Animation Studios, un equipo de artistas, bajo la tutela del estereógrafo Robert Neuman, halló la forma de dotar mayor dimensión a La Bella y la Bestia convirtiéndola en una experiencia 3D.

Neuman, un consagrado especialista en el campo de la animación cinematográfica y quien además cuenta con experiencia técnica como ingeniero eléctrico, era el candidato ideal para llevar La Bella y la Bestia a un nuevo nivel de 3D. "Cuando se me presentó el desafío de realzar la narración visual con el formato 3D, me pareció genial poder brindar una historia mucho más inmersiva al público", refiere Neuman sobre su interés en trabajar en este proyecto.

Sin embargo, numerosos y dramáticos retos aguardaban a Neuman y su equipo. Al referirse a las complejidades que presentó su conversión al 3D, Neuman subraya que, como no había una realidad dimensional a la cual añadir una segunda cámara, su equipo y él debieron inventar un nuevo conjunto de herramientas informáticas que permitiese a los realizadores dotar de profundidad a las imágenes existentes y de ese modo crear un segundo ojo para lograr el efecto 3D.

"Al realizar una película de acción real, el director podría sencillamente añadir una segunda cámara para lograr la visión del segundo ojo", cuenta Neuman sobre la tarea que debió enfrentar con su equipo. Neuman explica que la técnica de conversión al 3D que idearon -desplazamiento de píxeles- permite a los artistas tomar cada imagen y crear un "mapa de profundidad" correspondiente a cada imagen. "El mapa de profundidad es simplemente una imagen en escala de grises que permite a nuestros artistas trazar un mapa de relieve -el mapa de profundidad- de la imagen. El cual luego nos permite aplicarlo a la imagen original y desplazar los píxeles para crear la visión de un segundo ojo", apunta.

El productor, Don Hahn, agrega: "Creo que hemos sido los beneficiarios de que la película original se haya creado utilizando el sistema CAPS (Sistema de Producción de Animación por Computadora que Disney creó para producir sus películas animadas hacia fines de la década de 1980). Ello nos permitió guardar la película en distintas capas. Es decir, si tomábamos una escena en la que Bella y Bestia estaban sentados a la mesa en el castillo, podíamos guardar a los personajes en una primera capa, a la mesa en otra capa; y el fondo, en una tercera capa. Lo cual, a la hora de llevar nuevamente las escenas online, nos permitió contar con una buena separación entre objetos".

La computadora permite a los realizadores tener un control total sobre dicha ilusión. Los objetos que se encuentran en primer plano, como Bella y Bestia bailando, pueden generar un ambiente muy íntimo, como si el público estuviera sentado en medio de la escena. O si se requiere una toma más espectacular, como la de la campiña cuando Maurice parte para vender sus invenciones, dicha toma épica se realiza con un tratamiento más suave del 3D. Muchos factores están en juego y la historia es realzada por esa toma de decisiones sobre el empleo de la tecnología 3D. Estereógrafos como Robert son cruciales en el proceso.

Tomemos por ejemplo la famosa secuencia del baile de Bella y Bestia. Si bien ya era espectacular en su forma original, Neuman y su equipo de artistas lograron realzar aún más la que ya era una de las escenas más memorables de la historia de la animación. "El 3D nos ayuda a contar la historia", señala Neuman. "Al igual que cualquier otro aspecto de la película, como la banda sonora, nos servimos del 3D para realzar los momentos más emocionantes y preparar el camino para el clímax emotivo de la película. Para esos grandes momentos expandimos el 3D e intensificamos el uso de efectos tridimensionales. En la escena del salón de baile era crucial mantener una verdadera sensación de escala. Debíamos mostrar la grandiosidad, la majestuosidad de este salón de baile. La clave para ello era intensificar la percepción de escala".

Neuman además explica que el número de la canción "Nuestro huésped" se adaptaba especialmente al 3D. "Si bien presentaba un mayor desafío que la secuencia del salón de baile, porque había tomas que contaban con cientos de capas y cada capa de material gráfico requiere ser dimensionalizada, si uno observa la puesta original, la forma cómo las cosas están coreografiadas o tapadas, advierte que ya contaba con un sentido de dimensión".

En la creación de una versión de La Bella y la Bestia en 3D, Robert Neuman trabajó desde el comienzo junto con el productor Don Hahn y los directores de la película original, Gary Trousdale y Kirk Wise, quienes vieron la película y compartieron sus impresiones sobre cuáles eran los momentos que ellos consideraban cruciales para convertir al 3D.

"Realizamos lo que denominamos las 'sesiones de reconocimiento' en las cuales debatíamos sobre la estética de dónde deberían estar las imágenes en 3D", declara Neuman. "Cada vez que finalizábamos una secuencia nueva, nos reuníamos y revisábamos el último trabajo, y yo recibía sus notas. Lo más maravilloso era saber que nos estábamos manteniendo dentro de la visión de los realizadores originales al hacerlo".

Los realizadores concuerdan en que la técnica que les permitió crear La Bella y la Bestia en 3D es tan nueva que esto no se hubiera podido realizar cinco años atrás. "La primera vez que realizamos una conversión al 3D fue con la película El extraño mundo de Jack", refiere Don Hahn. "Fue un trabajo duro e intenso. El resultado, sin embargo, fue maravilloso, pero nos tomó mucho tiempo y fue muy costoso. ¡Y aún hoy continúa tomando mucho tiempo y siendo sumamente costoso!", declara Hahn.

Y agrega: "En gran parte depende del guión para 3D. Para una película de acción real uno escribe un guión de palabras. En la animación tridimensional, realizamos un guión para 3D que permite que el aspecto tridimensional de la película también cuente la historia. Deseamos mostrar algo muy visceral y provocadoramente dinámico. Ello puede suponer acercar más algunas cosas hacia los espectadores. Y para algunas escenas que son muy íntimas, utilizar un tratamiento delicado del 3D. De manera que es un proceso realmente calculado que supone un reto cuadro a cuadro. Nada sucede al azar o está automatizado".

La Bella y la Bestia fue la primera película dibujada a mano en ser dimensionalizada en 3D. Disney es el estudio líder en la nueva tecnología e, independientemente de cuán sofisticada sea, tal como señala Hahn: "Es importante que la gente sepa que no es tan sencillo como presionar un botón o introducir una moneda en la ranura de una máquina y uno obtiene una película en 3D. Depende de grandes artistas como Robert Neuman y su equipo que deben tomar importantes decisiones creativas".

Curiosamente, The Walt Disney Studios en un primer momento no planeaba estrenar las películas La Bella y la Bestia o El rey león en 3D en las salas cinematográficas. Su distribución había sido concebida como entretenimiento para el hogar con tecnología Blu-ray. Al finalizar el proceso de conversión al 3D de La Bella y la Bestia, el estudio inicialmente no reconoció el mercado potencial para la película. Sin embargo, con el tiempo, los persuasivos esfuerzos de los realizadores decidieron a los ejecutivos de distribución a correr el riesgo. Cuando se abrió un hueco en el programa de estrenos, decidieron estrenar El rey león en 3D en la pantalla grande. Más de US$ 100 millones de recaudación en taquilla más tarde, estaba claro que La Bella y la Bestia (que de hecho había sido dimensionalizada antes que El rey león) sería bien recibida por el público.

Mientras Walt Disney Animation Studios continúa liderando el camino en materia de innovación artística y técnica, ha tomado la experiencia 3D y la ha vuelto fresca y confortable al público de un modo que los espectadores jamás hubieran imaginado. "De hecho", afirma el productor Hahn, "deseamos que el público se olvide del 3D y sencillamente disfrute la historia".

Con ese fin en mente, los realizadores sometieron a prueba la película para comprobar que la experiencia 3D no causara malestar ocular a ningún espectador. Hahn señala que realizaron numerosos ajustes para asegurar una experiencia de entretenimiento positiva para el público. "En los comienzos de esta moderna manía tridimensional, se produjeron ciertas fallas en 3D", declara Hahn. "Algunas películas se convirtieron apresuradamente en 3D lo que, de hecho, acabó por perjudicarlas. Los espectadores comenzaron a sentir fatiga ocular y era una experiencia que muchas veces provocaba dolores de cabeza. Pero esto no tiene por qué ser así. La tecnología moderna es increíble y una película en 3D ya no tiene por qué experimentarse como una película en 3D de la década de 1950, en la que uno debía usar estos anteojos analógicos con una lente roja y otra azul. Algunas personas salían de la sala con una punzante jaqueca. La tecnología en 3D actual no causa -ni debería causar- ningún malestar, y debe ser una experiencia realmente placentera. Nos hemos encargado de ello, y hemos introducido cambios de calidad. Y realmente hemos estado a la vanguardia, buscando modificar eso".

Todos los realizadores y artistas que habían estado involucrados en la transformación al 3D de La Bella y la Bestia, concuerdan de manera unánime que les enorgullece haber formado parte del gran legado de esta emblemática película. Como señala Robert Neuman: "Es increíble poder tomar estos grandes clásicos como La Bella y la Bestia y El rey león y brindar a los espectadores una nueva forma de verlas. Ya sea la primera o la centésima vez que la vean, será una experiencia completamente nueva para cada uno de ellos".

"Es un privilegio, realmente, y un honor poder presentar esta película", apunta Don Hahn. "La Bella y la Bestia siempre ha ocupado un lugar especial en el corazón del público. Desde los primeros avances exhibidos en el Festival de Cine de Nueva York, cuando la película aún no estaba terminada, hasta su estreno original, siempre recibió una cálida acogida por parte del público. Ahora es maravilloso poder regresar y revivirlo una vez más".

Una de las aventuras románticas más populares e inolvidables del mundo se transformó en una de las películas animadas más ambiciosas y entretenidas jamás llevadas a la pantalla grande cuando en 1991, Walt Disney Pictures estrenó su trigésimo largometraje animado: La Bella y la Bestia. Este clásico cuento de hadas sobre una hermosa joven y su encuentro con una bestia encantada desde siempre ha fascinado e intrigado a narradores, cineastas y espectadores. A través del arte y la imaginación del equipo creativo de Disney, una inspiradora banda sonora compuesta por dos artistas premiados por la Academia® y la contribución del enorme talento del reparto vocal, esta inmemorial fantasía adoptó una emocionante dimensión nueva, sólo posible gracias a la magia de la animación.

Ambientada en una pequeña aldea francesa de fines del siglo XVIII, La Bella y la Bestia narra las fantásticas aventuras de Bella, una joven hermosa e inteligente que encuentra en los libros una vía de escape a su monótona vida y a las inagotables proposiciones de su atractivo, aunque un tanto grosero pretendiente, Gastón. Cuando su padre entra por accidente en el castillo de una horripilante bestia y es tomado prisionero, Bella acude en su rescate y acepta quedar encerrada en su lugar. Con la ayuda de los sirvientes encantados del castillo: una tetera, un candelabro y un reloj de sobremesa, entre otros; pronto aprende a ver debajo de las apariencias y descubre en la bestia el corazón de un verdadero príncipe. Mientras tanto, consumido por el rechazo y los celos, Gastón revela poseer el corazón de una bestia y guía a toda una muchedumbre hacia el castillo para una dramática confrontación final.

La Bella y la Bestia fue el quinto cuento de hadas en ser adaptado a un largometraje animado de Disney. La tradición había comenzado en 1937 con Blancanieves y los siete enanos, basada en un famoso relato de los Hermanos Grimm. En la década de 1950, Walt Disney y sus animadores dieron flamante vida a dos cuentos clásicos del escritor francés Charles Perrault: La cenicienta (1950) y La bella durmiente (1959). Inspirado en otro famoso hacedor de cuentos de hadas, Hans Christian Andersen; en 1989, Disney estrenó La sirenita, el cual se convirtió en el largometraje animado del estudio de mayor éxito alcanzado hasta ese entonces.

A la cabeza del equipo se encontraba el productor Don Hahn, un consagrado veterano de Disney, y dos talentosos jóvenes directores: Gary Trousdale y Kirk Wise, quienes hicieron su debut como directores en dicha película. Diez supervisores de animación fueron asignados a personajes específicos, a los cuales dieron vida con la ayuda de un impresionante grupo de animadores de personajes, artistas de clean-up y otros colaboradores claves. Otros animadores de los estudios de Disney en DisneyMGM Studios en Lake Buena Vista, Florida, también contribuyeron a la producción.

A partir de los temas y elementos esenciales del clásico cuento de hadas, la guionista Linda Woolverton creó un guión fresco y estilizado que sirvió como modelo estructural y emocional para las fases de desarrollo visual y de guión gráfico que lo acompañaron. El productor ejecutivo y letrista Howard Ashman también contribuyó enormemente al desarrollo y estructura de la historia. Roger Allers estuvo a cargo de la supervisión de historia mientras que Brian McEntee y Ed Ghertner se hicieron cargo de la dirección artística y las tareas de diseño, respectivamente. Lisa Keene supervisó un equipo de 14 artistas que crearon 1.300 fondos para la película. Sarah McArthur fue la productora asociada y John Carnochan (La sirenita) sirvió como editor de la película.

Entretejidas en la trama de la historia se encuentran seis impresionantes canciones compuestas por el equipo galardonado con un premio de la Academia® Howard Ashman y Alan Menken, los compositores responsables del exitoso musical animado de Disney de 1989 La sirenita. Ahora, nuevamente, las exquisitas letras de Ashman se combinan con las memorables melodías de Menken para dar vida a canciones que no sólo son hermosos interludios musicales sino que también sirven como elementos narrativos que contribuyen al desarrollo del argumento y de los personajes. Menken, quien obtuvo un premio Oscar® a la Mejor Banda Sonora Original por su trabajo en La sirenita, también compuso una inspiradora música incidental para este proyecto. El prematuro fallecimiento de Howard Ashman privó al mundo de uno de los máximos talentos creativos de nuestro tiempo, pero su genio perdura en esta película y en el largometraje animado de Disney Aladdin, donde colaboró con Menken en varias canciones.

Un talentoso grupo de actores y actrices contribuyeron también a la creación de los personajes, prestando su voz en los diálogos y canciones.

De entre los cientos de los más consagrados talentos de Broadway que realizaron audiciones para el papel, la veterana actriz y cantante Paige O'Hara fue seleccionada para interpretar a la protagonista, Bella. Su naturalidad y sinceridad actoral combinadas con sus refinadas habilidades para el canto la convirtieron en la opción perfecta para dar voz a la independiente, aventurera y romántica heroína. Igualmente brillante en su contundente interpretación, fue el papel desempeñado por el actor Robby Benson, quien tras su exitosa audición, fue seleccionado para dar voz a Bestia. El actor vuelca su sentido del humor y humanidad en esta espantosa criatura que debe aprender a amar y ser amado a fin de quebrar el hechizo que lo gobierna.

El actor de teatro Richard White interpreta la voz en inglés de Gastón, un atractivo y divertidamente engreído personaje resuelto a casarse con Bella. Cuando las cosas no salen exactamente de acuerdo al plan establecido, acaba revelando que debajo de su seductora apariencia no se aloja más que el corazón de una verdadera bestia.

En las buenas o en las malas, Gastón siempre puede contar con su leal compinche LeFou, cuya voz en inglés es hilarantemente interpretada por el actor Jesse Corti. El difunto Rex Everhart brindó un ocurrente giro a Maurice, el padre Bella y creativo inventor, cuyas creaciones -intrincadamente Rube Goldbergianas- estaban adelantas a su tiempo.

Un reparto de actores de primera presta su voz los principales personajes encantados: las criadas y sirvientes del castillo que fueron convertidos en objetos cuando el encantamiento de la hechicera convirtió al egoísta príncipe en una horrible bestia. Angela Lansbury, cinco veces ganadora de un premio Tony® y con nominaciones a los premios Oscar® y Emmy®, brinda una chispeante interpretación en la versión enn inglés del fim, como la alegre tetera llamada Sra. Potts, a quien le gusta dar consejos maternales a su hijo Chip (voz en inglés de Bradley Pierce) y a Bella. El veterano actor de teatro y televisión Jerry Orbach, quien falleció en 2004, prestó una brillante interpretación como la voz en inglés del apasionado candelabro llamado Lumiere, el ex maître cuyo encanto y sofisticada personalidad convierte una comida común en un extraordinario evento. El actor David Ogden Stiers brinda una magnífica interpretación de la voz en inglés de Din Don, un tenso reloj de sobremesa que se desempeña como jefe de la casa y pretende que las cosas marchen como un reloj. Completa el reparto vocal la comedianta JoAnne Worley, quien presta su talento vocal en la versión en ingles, a un extravagante ropero.

La historia de La Bella y la Bestia de hecho es una "historia vieja como el tiempo", con variaciones sobre el tema central, que se remonta a la mitología griega. En 1550, el escritor italiano Giovan Straparalo escribió la primera versión de la historia como es habitualmente conocida hoy en día. Durante el siglo XVIII, el relato fue ganando cada vez más popularidad a través de los libros de autores franceses como Madam Le Prince De Beaumont y Madame Gabrielle di Villeneuve. En 1946, el aclamado director francés Jean Cocteau, se valió de las imágenes cinematográficas y la expresión lírica para llevar esta historia a la pantalla grande (La Belle et la Bete). A ésta le siguieron otras interpretaciones cinematográficas y la popular serie de televisión de 1987, pero que trasladó la historia a la contemporánea ciudad de Nueva York.

"Realizar una versión propia de La Bella y la Bestia es una tradición en sí misma, tanto como la es la historia", señala el productor Don Hahn. "Parte del encanto reside en que cada generación y cultura adapta esta historia para volverla propia. Los temas que trata -no puedes juzgar un libro por la tapa y, la verdadera belleza es la belleza interior- son tan relevantes hoy como lo fueron siempre".

La guionista Linda Woolverton concuerda: "Las lecciones de esta historia trascienden toda época. En especial para los niños que deben crecer en el mundo actual, les enseña a mirar más allá de la superficie de las cosas y el materialismo; y que lo que realmente importa es lo que uno tiene en su corazón".

El estreno de La Bella y la Bestia en 3D llega en un momento en el que tanto el arte de la animación como el proceso de la tecnología 3D gozan de máxima popularidad.

ORIGEN DEL PROYECTO

La verdadera génesis de La Bella y la Bestia comopelícula animada data de más de cuatro décadas atrás, en los albores de The Walt Disney Studios, cuando Walt y su equipo de historias consideraron seriamente realizar la película. Pero el proyecto fue dejado de lado cuando no encontraron una resolución satisfactoria para la claustrofóbica segunda mitad de la película, en la cual Bella permanece encerrada en el castillo de Bestia.

A mediados de 1989, cuando el trabajo de La sirenita estaba llegando a su fin, el productor Don Hahn viajó con un pequeño grupo de artistas y animadores (que incluyó a los supervisores Glen Keane y Andreas Deja) a Londres, para abocarse durante 10 semanas al desarrollo y preproducción de La Bella y la Bestia. Allí trabajaron en la historia y experimentaron con el diseño de personajes, mientras se empapaban del sabor y la atmósfera del escenario europeo de la película. Un viaje de exploración al valle del Loira y la hermosa campiña francesa dio origen a numerosos bocetos y videos que luego sirvieron de inspiración para la dirección artística y al aspecto global de la película.

Para el productor Don Hahn: "Contar esta historia fue un verdadero desafío. En el cuento de hadas original, el padre de Bella va al castillo y corta una rosa. La Bestia se enfurece y lo arroja a un calabozo, pero accede liberarlo si éste le envía a su hija en su lugar. Ella muy pasivamente acata las disposiciones de su padre y el resto de la historia fundamentalmente gira en torno a estas dos personas que cenan juntas todas las noches, mientras Bestia le pide repetidamente que se case con él.

"Sentimos que necesitábamos dinamizar la historia creando situaciones más dramáticas y haciendo que nuestra heroína llevara adelante la historia yendo ella valientemente al castillo por cuenta propia, dispuesta a pelear por la liberación de su padre. Fue a Howard Ashman a quien se le ocurrió la idea de convertir los objetos encantados en criaturas con vida y personalidades propias, lo que supuso un hallazgo enorme. Además, él fue el impulsor de musicalizar el guión".

El resultado de la estadía en Londres fue un drama serio y bien construido, sin música y muy poco humor. Se decidió empezar de cero, y los directores Kirk Wise y Gary Trousdale fueron convocados para que lo intentaran. En diciembre de 1989, se tomó la decisión de convertir el proyecto en un musical. La guionista Linda Woolverton fue enviada a Cold Spring, Nueva York, hogar del letrista y productor de la película La sirenita, Howard Ashman, para trabajar con él durante más de un mes en la distribución de las canciones en el nuevo guión y en la estructura general del proyecto".

"Antes de que Howard se uniera al proyecto, los objetos encantados no eran verdaderos protagonistas", cuenta Woolverton. "Tan sólo flotaban mágicamente de un lado a otro, y no podían hablar. Howard necesitaba los objetos para la música y su más maravillosa contribución fue incorporarlos, conferirles personalidad propia y convertirlos en una parte importante de la historia".

Otra gran diferencia entre la adaptación de Disney y las versiones anteriores del cuento de hadas es el papel de Bestia. "Nuestra versión es la historia de Bestia", observa Hahn. "No se trata de una joven que desea estar con el hombre de su vida y debe sacrificar cosas para lograrlo como Ariel en La sirenita. Se trata de un hombre con un grave problema, y que debe redimirse a través de una serie de acontecimientos. El reloj está corriendo para él y debe hallar a alguien que lo ame antes de que sea demasiado tarde. La rosa en nuestra historia se convierte en el reloj que marca el poco tiempo que le queda.

Otro aspecto único de esta historia es la ausencia de un claro villano. El supervisor de animación Glen Keane señala: "En la mayoría de nuestras películas, el héroe se enfrenta con alguna fuerza exterior contra la que debe luchar, ya sea una bruja, un dragón o un loco. En esta película, si bien Gastón se convierte en una indudable amenaza, el verdadero enemigo de Bestia es él mismo y su verdadera lucha es interna, contra su propia naturaleza. Lo cual volvió mucho más interesante al personaje para trabajar con él".

LA DIRECCIÓN ARTÍSTICA

Para el aspecto de La Bella y la Bestia, los realizadores deseaban crear un estilo rico y colorido que evocara el escenario europeo de la película, y que además contara con la calidad de las películas clásicas de Disney. El director de arte Brian McEntee se abocó al estudio de los grandes pintores románticos franceses como Fragonard y Boucher en busca de inspiración. Además analizó detenidamente la hermosa y sobria simplicidad del clásico de Disney Bambi, e intentó incorporar su enfoque realista pero estilizado. McEntee trabajó junto con los directores y la supervisora artística de fondos Lisa Keene para desarrollar una teoría especial del color, que se refleja a lo largo de toda la película.

"El color juega un papel importante en la narración de la historia", explica McEntee. "Desde el comienzo, utilizamos el color para separar visualmente a Bella del resto del pueblo, haciendo que sea la única que viste de azul. Lo cual refuerza la idea de que ella no encaja con los demás".

Hahn agrega: "Intentamos contar la historia tanto con colores como con formas. Las estaciones del año se convierten en una metáfora para nuestra historia y cambian siguiendo los estados de ánimo y la acción de la película. Comenzamos con colores típicos del mes de octubre, calabazas y hojas caídas. Cuando Maurice se pierde en el bosque, un frío gélido parece recorrer el aire y las cosas comienzan a volverse muy frías. Para cuando Bella llega al castillo, el frío clima de invierno ya es evidente. Las primeras nieves aparecen cuando Bella intenta escapar, pero para cuando ella y Bestia comienzan a estrechar su relación y se enamoran, las nieves comienzan a derretirse y aparecen los primeros brotes de los árboles. Gastón dirige el ataque del pueblo contra el castillo de Bestia en medio de una tormenta de primavera. Hacia el final de la película, cuando el hechizo se desvanece y Bella y el príncipe se reúnen, la primavera está en plena floración y hay una gran explosión de color. La paleta refleja todos estos cambios de estaciones e intensifica el impacto dramático de la historia".

Para la supervisora artística Lisa Keene y los 14 artistas que crearon los 1.300 fondos de la película, La Bella y la Bestia presentó su propia serie de desafíos. "La mayor parte de la película transcurre durante la noche o dentro del castillo", refiere Keene. "Para evitar la obvia oscuridad y opciones lúgubres, debimos ser muy creativos e idear cosas que fueran divertidas. La secuencia de "Nuestro huésped" fue un claro ejemplo: aquí los fondos parecían confeti, llamativos y animados. Para crear la emoción adecuada para la escena romántica en el salón de baile, utilizamos un dorado muy suave para el interior de la sala y un intenso azul eléctrico afuera".

Un elemento que también contribuyó a crear el exquisito aspecto visual de La Bella y la Bestia fue un sistema de postproducción con tecnología de avanzada (para su época), que permitió a los artistas contar con una paleta ilimitada de colores. Varios de los personajes principales tenían hasta 17 colores de pintura y siete contornos con tintas de diferentes colores. Según la jefa de tinta y pintura Gretchen Albrecht: "Esa clase de increíble detalle no se veía en una película animada desde la Edad Dorada de la animación. Pudimos incluso crear el efecto de las mejillas sonrosadas en Bella y la Sra. Potts mediante una sofisticada técnica de fusión que fue pionera en esta película".

CREANDO A LA BESTIA PERFECTA

Crear los personajes para La Bella y la Bestia fue un proceso minucioso, que requirió de mucho tiempo y que involucró la colaboración de muchas personas diferentes. Sin embargo, en su análisis final, fue el supervisor de animación y su equipo quienes dieron vida a dichos personajes de un modo convincente y lograron la credibilidad, personalidad y diversión que aparecen en la pantalla.

Glen Keane fue el supervisor de animación que diseñó y dibujó a Bestia y supervisó a los seis animadores de personajes que también trabajaron en su creación. Para este veterano de Disney, entre cuyos créditos anteriores se incluyen la animación de la pelea entre osos de la escena del clímax de la película El zorro y el sabueso; el profesor Ratigan de Policías y ratones, el personaje de Ariel de La sirenita y la magnífica águila Marahute del largometraje Bernando y Bianca en Cangurolandia; y más recientemente, la película Enredados; ésta tarea fue fácilmente la más difícil.

"Nunca antes hubo un personaje como él", explica Keane, "de manera que no había un modelo al cual pudiera recurrir. Comencé a crear a Bestia intentando comprender cómo es este personaje realmente en su interior. Es un individuo atrapado entre dos mundos. Mitad animal y mitad humano, que no se siente a gusto en ninguna de ambas. Su diseño debía mostrar su lado humano: su corazón, su ternura y la capacidad de amar. Mientras que su feroz y espantoso lado animal debía reflejar su increíble fuerza y agilidad. Con todos estos elementos en mente comencé a idear su diseño final. Numerosas visitas al zoológico, el análisis de videos de National Geographic y el estudio de animales embalsamados me ayudaron en el proceso". Finalmente, Keane creó su propia bestia híbrida combinando la melena de un león, la barba y la estructura de la cabeza de un búfalo, los colmillos y el puente de la nariz de un jabalí, la musculosa frente de un gorila, las patas y la cola de un lobo, y el cuerpo grande y voluminoso de un oso. Y a todo esto le añadió el ingrediente fundamental: la sinceridad.

"Los ojos son las ventanas del alma", declara Keane. "Cuando Bella mira a Bestia a los ojos, ella tiene que ver su corazón humano. Tiene que ver su sinceridad y creer que ella verdaderamente puede llegar a amar a esta criatura. Y todo esto debía aflorar en nuestra animación".

Otro elemento esencial para Keane en su trabajo era dotar a la animación de un verdadero realismo. Ello implicaba intentar meterse en la cabeza de un animal. "El personaje debe ser real para ti mismo", señala. "En la escena en la que Bella se niega a bajar a comer y Bestia se enfurece, el guión indicaba que debía subir iracundo por las escaleras. Pero un animal enfurecido comenzaría a corretear en cuatro patas y saltaría desde las escaleras al rellano, casi deslizándose en el aire, que fue como acabamos haciéndolo".

Cuanto más iba conociendo a su personaje, más capaz era Keane de ahondar en su compleja personalidad. "En mi mente en realidad había tres Bestias diferentes. Por un lado estaba la Bestia completamente feroz y animal que lucha contra los lobos y se desplaza en cuatro patas. Estaba la Bestia cómica, que es un individuo frustrado consigo mismo y que intenta controlar su temperamento. Tenía a Jackie Gleason en mente y lo dibujé con sus ojos un poco más abiertos. Y por último, está la Bestia sincera, la que expresa hondas emociones, un poco como "El hombre elefante". Y ello requería de una mayor sensibilidad a la hora de dibujarlo".

El animador atribuye a la interpretación vocal de Robby Benson su fuente de inspiración para dar con el tono justo para crear a Bestia. "Fue lejos el mejor actor que escuchamos, y su interpretación realmente nos ayudó a captar el costado emocional que necesitábamos para el personaje", cuenta Keane. "Tenía una voz fuerte, dulce y profunda, pero que de todas formas sonaba como si hubiera un chico de 20 años dentro de él, del que Bella se pudiera enamorar".

DANDO VIDA A LOS DEMÁS PERSONAJES

Para el personaje de Bella, los supervisores de animación James Baxter y Mark Henn decidieron crear una heroína de Disney diferente.

"Físicamente intentaron darle un aspecto más europeo, con labios más gruesos, cejas un poco más oscuras y los ojos ligeramente más pequeños que los de Ariel", explica Baxter. "Además es unos años mayor que Ariel, y tiene mucho más mundo porque siempre está leyendo. Intentamos hacer que sus movimientos fueran muy reales, tanto al caminar como cuando baila un vals con Bestia en la secuencia del salón de baile".

En esta última escena, Baxter animó tanto a Bella como a Bestia dado que los dos personajes están tan interconectados. Baxter estudió material de referencia de verdaderos bailarines e incluso tomó unas clases de vals para comprender mejor los intrincados movimientos.

A Henn, quien anteriormente se había desempeñado como supervisor de animación de Ariel, su última creación femenina le pareció más que desafiante. "Bella era más difícil de animar porque es muy real y posee un nivel emocional más profundo", refiere el animador. "Con un personaje de fantasía como una sirenita, te puedes tomar ciertas licencias; pero cuando tu personaje es un ser humano que camina sobre dos piernas, todos saben qué esperar y ella debe ser verosímil para que la película funcione".

La guionista Woolverton ve a Bella como una "mujer fuerte, inteligente y audaz. Canjea su libertad, lo que ha estado anhelando desde el comienzo de la película, a fin de poder salvar a su padre. Como es una ávida lectora, tiene su propio punto de vista sobre qué es lo que desea en la vida, y ello no necesariamente implica que un hombre deba ayudarla a conseguirlo".

Para el supervisor de animación Andreas Deja, el desafío fue lograr hacer que el personaje de Gastón fuera atractivo e interesante al mismo tiempo, y evitar esa tendencia a asociar los personajes atractivos con cierta cualidad insulsa tan difundida en el pasado.

"Intenté mantener todo ese abanico de expresiones -el sarcasmo, la grosería y la expresividad- que el atractivo protagonista rara vez llega a exhibir", cuenta Deja. "Yo quería que Gastón fuera una personaje dimensional, que el público sintiera que podía extender la mano y apresarlo".

A Deja no le faltó material de estudio para explorar el personaje de Gastón. "Los Ángeles está colmada de jóvenes atractivos que se adoran a sí mismos", declara. "Los puedes ver por todas partes, siempre mirándose al espejo, asegurándose de que su cabello y todo lo demás esté en su lugar. Fue divertido observarlos y volcar parte de esa actitud en el personaje de Gastón".

Los supervisores de animación encargados de dar vida a los objetos encantados gozaron de una mayor libertad en la interpretación de sus personajes. Después de todo, no muchos cinéfilos han visto una tetera, un candelabro o un reloj de sobremesa con una personalidad propia, y mucho menos que canten y bailen.

Para Nik Ranieri -quien prefiere trabajar con personajes cómicos por la flexibilidad que le brindan estos frente a los personajes más realistas, sutiles y emocionales- animar a Lumiere fue la tarea perfecta. Mientras comenzaba a familiarizarse con su personaje, logró hacer que su diseño fuera más fácil de animar prolongando el borde alrededor de la cabeza, confiriendo a la nariz un poco más de estructura y acentuando el área del pecho. Además aprendió a usar las extremidades del candelabro para ayudar al personaje a gesticular y hacerlo más expresivo.

"Pude disponer de gran libertad a la hora de animar el personaje porque nadie sabe cómo se mueve realmente un objeto encantado", señala Ranieri. "Básicamente, puedes arreglártelas con cualquier cosa mientras tenga peso y volumen. Puedes estirarlo o aplastarlo todo lo que desees. Lo más difícil fue lograr dotar de cierta gracia a Lumiere mientras bailaba el número de 'Nuestro huésped'. Hacerlo dar un puntapié con su base y lograr que se viera bien requirió de mucha experimentación y control".

A pesar de su primera renuencia, para el supervisor de animación Will Finn animar a Din Don, el reloj de sobremesa, demostró ser muy divertido. "Posee una personalidad explosiva y está siempre estresado por una cosa u otra. Al principio, pensé que sería difícil hacerlo caminar sobre sus cuatro patitas, pero la mayor parte del tiempo se desplaza con movimientos bruscos, dando breves brincos o saltitos porque está frustrado por su baja estatura. David Ogden Stiers prácticamente reinventó el personaje con su maravillosa lectura e improvisación. Gran parte del mérito en hacer que el personaje cobrara vida es suyo".

De manera similar, el supervisor de animación Dave Pruiksma pronto descubrió que disfrutaba enormemente dibujar a la Sra. Potts. "Hace años que admiro el trabajo de Angela Lansbury y para investigar más sobre este personaje, prácticamente volví a ver todas sus películas y numerosos episodios de la serie "Murder, She Wrote", señala Pruiksma. "Posee una forma muy sutil y personal de actuar. Además es muy controlada en sus movimientos y acentúa sus diálogos con ligeros movimientos de cabeza. Intenté incorporar algunas de sus peculiaridades en la Sra. Potts".

"Me llevó algún tiempo acostumbrarme al hecho de que debía animar a una tetera y a una tacita. Imaginé la tetera como una mujer grandota que se mueve arrastrando los pies", continúa Pruiksma. "Da pequeños pasitos o brincos y se balancea de un lado a otro del pedestal. Y cuando camina, el hecho de que su tapa suba y baje creo que ayuda a acentuar la acción".

LA MÚSICA

Una canción tan vieja como la rima

La Bella y la Bestia presenta seis magníficas canciones compuestas por los galardonados Howard Ashman y Alan Menken. Los compositores se involucraron en la etapa más crucial del proyecto y tuvieron una influencia decisiva en la estructura final de la historia. Su trabajo en esta película refleja un grado de sofisticación y unidad con la animación pocas veces lograda anteriormente en este medio.

Cuando hacia fines de 1989 se tomó la decisión de transformar La Bella y La Bestia en un musical, los realizadores recurrieron a Howard Ashman para que los ayudara a dar vida al proyecto. El productor, los directores y la guionista se reunieron frecuentemente con él en los meses que siguieron y buscaron su experto consejo sobre cómo reestructurar la historia.

"Howard me enseñó que el momento para una canción es ése en el que el personaje sencillamente debe romper en canto; sus emociones son tan intensas que sencillamente no puede hacer otra cosa", señala Woolverton. "Tenía un verdadero talento para saber dónde y cuándo incorporar una canción y sabía que una canción te puede ayudar a hacer avanzar el argumento mucho más que lo que podría hacerlo cualquier diálogo".

"Howard y Alan logran brillantemente tomar una parte de la historia que funciona bien en el guión y convertirla en un momento musical que funciona mucho mejor", refiere Hahn. "Por lo general se trata de un punto de inflexión, un momento dramático o una escena cómica. Logran musicalizar la historia sin que por ello la narración se detenga en seco".

Menken refiere: "Una de las primeras cosas que hicimos con Howard cuando comenzamos a trabajar en este proyecto, fue sentarnos e intercambiar varias ideas musicales. Él, por lo general, tenía una idea básica del estilo de canción que deseaba escribir y a veces, incluso, un título o gran parte de la letra. Luego entonces me preguntaba cómo podía sonar la música que acompañara un determinado tipo de canción, y yo me sentaba al piano y echaba a volar. Howard tenía el don de encontrar lo que le gustaba y luego componer sobre ello. Teníamos una suerte de código entre nosotros, cada uno contaba con su experiencia en entrañables musicales y el haber crecido bajo muchas de las mismas influencias".

El número musical que da inicio a la película se llama sencillamente "Bella", y presenta al espectador a la heroína y su ardiente deseo de aventuras y amor. Para la melodía, Menken combinó influencias clásicas, barrocas y francesas para capturar la atmósfera y energía del despertar de esta pequeña aldea de provincias.

Para David Friedman, quien realizó los arreglos vocales y dirigió las canciones: "'Bella' es como la 'Sinfonía Pastoral' con el despertar de todo el pueblo. Posee elementos clásicos y una estructura muy sinfónica. Utilizamos una orquesta de 62 instrumentos, con gran cantidad de cuerdas. La mayoría de los miembros de la orquesta pertenecían a la Filarmónica de Nueva York, y jamás una orquesta como ésta tocó en Broadway. Fue una experiencia apasionante e increíble".

Líricamente, "Bella" se ajusta perfectamente a la teoría de Ashman de que prácticamente en todos los musicales de la historia hay un momento en el que "la protagonista se sienta sobre algo -en Brigadoon es el tocón de un árbol; en La tiendita del horror es un cubo de basura- y canta sobre lo que más anhela en la vida. En La sirenita, tomamos prestada esta regla clásica de la construcción de musicales de Broadway para la canción 'Part of Your World'.

La canción "Gastón" es un vals pendenciero de taberna que nos brinda indicios de la personalidad de este personaje. Cantada en la versión original por LeFou y otros admiradores de Gastón, incluido por supuesto el mismo Gastón, la canción presenta un momento crucial en la película ya que nos revela el lado maquinador y más oscuro de un personaje que hasta ese entonces parecía inofensivo.

"Nuestro huésped", un tema alegre y animado en la tradición del music-hall francés, interpretada con gran estilo por Lumiere, la Sra. Potts, Din Don y un coro de platos, cubiertos y otros objetos danzantes, es uno de los números más sobresalientes de la película. El productor Don Hahn lo describe como si "Busby Berkeley, Esther Williams y Maurice Chevalier se hubieran colado en la cocina".

"Esta canción fue escrita principalmente para ocupar un lugar en la historia", señala Menken. "Teníamos en mente todas estas maravillosas imágenes que podrían recrear los animadores y, como siempre, ellos acabaron superando nuestras expectativas".

El director Gary Trousdale señala que la canción "Nuestro huésped" originalmente había sido concebida para que fuera cantada a Maurice. "Ya habíamos grabado la canción y la secuencia ya estaba parcialmente animada cuando decidimos que tendría más sentido que ésta fuera dirigida a Bella", refiere Trousdale. "Después de todo, ella es una de las protagonistas y la historia gira en torno a su llegada al castillo. Debimos traer nuevamente a Jerry Orbach y todos los demás talentos vocales al estudio para modificar todas las referencias de género que aparecían en la grabación original".

EL TALENTO VOCAL (Por orden alfabético)

ROBBY BENSON (voz original en inglés de la Bestia) quizás más reconocido por protagonizar películas como Ice Castles, Ode to Billy Joe, The Chosen, Tribute, Running Brave, Harry and Son; el clásico de basquetbol de Warner Bros. One on One (que también escribió); y para toda una nueva generación, por dar voz a Bestia en el largometraje animado de Disney La Bella y la Bestia, la primera película animada en recibir una nominación a la Mejor Película en los premios de la Academia®. Pero Benson también es un consagrado compositor, arreglista e ingeniero de sonido. Recientemente, Benson compuso la música, estuvo a cargo de la ingeniería, produjo y mezcló el aclamado álbum Lyric's Love Light Revolution, que salió a la venta en las tiendas, sitios web y iTunes en diciembre (2011).

Robby Benson compuso la banda sonora de numerosas películas cinematográficas, y ha recibido numerosos Discos de Oro otorgados por la RIAA por la composición de sus canciones, entre las más destacas se incluyen: "We Are Not Alone" para la película adolescente de John Hughes The Breakfast Club. Para teatro, Benson escribió el libreto y compuso la música de su musical Open Heart, que hizo su debut off-Broadway en el histórico Cherry Lane Theatre, y fue publicado bajo licencia por Samuel French (2006).

Robby Benson además es un actor dos veces nominado a los premios Globo de Oro® que ha co-protagonizado películas cinematográficas con leyendas de la talla de Paul Newman, Jack Lemmon, Burt Reynolds, Gene Hackman, George Burns, Maximilian Schell y Rod Steiger. Sus cuatro versátiles décadas en la industria del espectáculo incluyen también la producción y dirección de películas cinematográficas y series de televisión. Benson dirigió más de 100 episodios y pilotos de series de comedia, entre las que se incluye "Friends", y una temporada completa de la serie "Ellen". Más recientemente, dirigió la película Billy: The Early Years (2009).

En Broadway ha protagonizado los musicales Zelda, The Rothschilds (para el cual interpretó una canción en el programa "The Ed Sullivan Show") y en la producción de Joseph Papp de The Pirates of Penzance, donde conoció y se enamoró de su co-protagonista Karla DeVito.

Benson añadió la cualidad de "autor" a su carrera de logros con la publicación de su primer libro Who Stole the Funny?: A Novel of Hollywood, publicado por HarperCollins (2007), consagrado como un éxito de ventas por el periódico Los Angeles Times (2007).

Benson se encuentra finalizando su último libro I'm Not Dead… Yet!, una divertida e introspectiva mirada tras haber sobrevivido a cuatro cirugías a corazón abierto por un defecto congénito en una válvula mientras proseguía su dinámica carrera creativa dentro y fuera de Hollywood. El objetivo de Benson es ayudar a los pacientes que se deben someter a este tipo de operaciones, y a sus seres queridos, a lograr atravesar la cirugía y recuperación con conocimiento y humor. Benson se ha sometido a cuatro cirugías a corazón abierto pero continúa corriendo 10 kilómetros debajo de los 40 minutos.

Robby Benson es un defensor de fondos para la investigación cardíaca. Habló en nombre de los Institutos Nacionales de la Salud (NIH) delante del Senate Appropriations Committee en Washington, DC. En representación de la American Heart Association, junto con el Director General de Salud Pública, C. Everett Koop, y el senador Ted Kennedy, Benson defendió el proyecto de ley Kennedy/Hatch para proscribir la promoción de cigarrillos a menores de edad y prohibir que las compañías de tabaco realicen anuncios publicitarios en eventos deportivos.

Su logro profesional más valioso es ser profesor universitario. Hace más de dos décadas que Benson enseña en las distintas universidades de todo el país. Recientemente, se desempeñó como profesor de cine en el Maurice Kanbar Institute of Film and Television de la afamada Tisch School of the Arts de la New York University, donde tuvo el honor de ser nominado tanto al premio Distinguished Teaching de la NYU de 2006 como al premio David Payne-Carter a la Excelencia Docente en 2010.

Robby Benson y Karla DeVito llevan 28 años casados y poseen dos hermosos hijos: Lyric se licenció con la mención magna cum laude en Ciencias Védicas en la Maharishi University en 2006, y es poeta, escritora, compositora y cantante. Zephyr, un actor, escritor, director y compositor en ciernes, comenzó su primer año en el Maurice Kanbar Institute of Film and Television de la Tisch School of the Arts de la New York University en otoño de 2010. Benson tuvo su cuarta operación a corazón abierto en The Cleveland Clinic, ¡y recientemente corrió 5 kilómetros en menos de 20 minutos!

JESSE CORTI ( voz original en inglés y en español de LeFou) proviene de la ciudad de Nueva York. Se graduó en la William Paterson University, donde se desempeñó como redactor de asuntos estudiantiles para el periódico universitario The Beacon.

En su carrera cinematográfica, Corti ha trabajado con figuras de la talla de Kevin Costner, Sophia Loren, Nicolas Cage, Betty White, Ben Cross, Sally Kirkland y Paul Sorvino. Entre sus créditos en televisión se incluyen: tres años como miembro del reparto del canal Comedy Central, como personaje de voz en el programa Showbiz Show de David Spade. Además, Corti intervino como actor invitado en las series: "Heroes", "Shark", "Desperate Housewives", "CSI", "24", "The Shield", "The West Wing", "Law & Order", "JAG", "Judging Amy", "Providence", "Crossing Jordan", "RHD", "Walker: Texas Ranger", "Just Shoot Me", "Boy Meets World" y "The Michael Richards Show".

Más recientemente, Corti rodó la película Night of the Living Dead: Origins 2012, dirigida por Zebediah Soto. También finalizó el rodaje de un piloto para CBS. Además, se desempeñó como productor asociado en el thriller Stiletto, con Tom Berenger, Michael Biehn, Diane Venora, Stana Katic, Kelly Hu y Tom Sizemore, que se estrenó a fines de 2009. Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen: All In, The Incredible Hulk, Bringing Down the House, Gone in 60 Seconds, Love and Basketball y Revenge.

Corti es uno de los miembros originales del elenco del exitoso musical de Broadway Les Miserables. Además dio vida a Judas en la gira nacional e internacional del musical Jesus Christ Superstar. En sus 29 años de carrera en teatro profesional, como actor y director, ha gozado del privilegio de trabajar junto y bajo la tutela de figuras de la talla de: Joseph Papp, el fundador del New York Shakespeare Festival/Public Theatre; Trevor Nunn (Royal Shakespeare Company); John Caird (RSC); Maria Irenes Fornes (Broadway); Elizabeth Swados (NYSF/NY Public Theatre, Broadway), Julie Taymor (NYSF/NY Public Theatre, Broadway), y Patricia Birch (Broadway).

Corti fue el ganador del premio Clio de 1990 por su trabajo en el comercial de Drug Free America "Jesse Corti", que recibió su nombre. Sus caracterizaciones de voz se pueden escuchar en todo el mundo. Entre sus créditos en trabajos animados se incluyen: "Handy Manny", "Batman", "La sirenita", "Bonkers", "Rugrats", "Dark Wing Duck", "Super Dave", "Carmen Sandiego", "Tom & Jerry", "The Flintstones", "Bruno" de Bruce Willis, "Gargoyles", "Rimba's Island", "Storm Troopers" y "Evil con Carne". Además interpretó todas las canciones que Charlie Sheen entona en la película All Dogs Go to Heaven 2 y grabó la balada de amor a dúo con la artista ganadora de un disco platino Sheena Easton.

Corti canto en los premios Tony® y en la Casa Blanca, en dos ocasiones diferentes, y ha grabado en numerosos álbumes ganadores de premios Tony®, Oscar® y GRAMMY®; incluyendo el álbum History de Michael Jackson. Y además es un habitual intérprete del himno nacional en los juegos de Los Angeles Lakers y Los Angeles Dodgers.

REX EVERHART ( voz original en inglés de Maurice) fue un veterano actor de carácter que, durante más de 50 años, trabajó principalmente en teatro, incluidas sus interpretaciones en 27 espectáculos de Broadway y otras numerosas producciones en giras nacionales y locales. Su papel más famoso fue como Benjamin Franklin en el musical 1776, al que dio vida durante cuatro años tanto en Broadway, en reemplazo del debilitado Howard da Silva, como en la gira nacional. Everhart además encarnó a Eli Whitney junto con Patti Lupone en el exitoso musical Anything Goes. Entre sus otros créditos en teatro se incluyen los musicales: Woman of the Year, Chicago, Rags y Working, por el que recibió una nominación a los premios Tony®. Además trabajó durante varias temporadas en el American Shakespeare Theater e intervino en la producción londinense de The Odd Couple.

Oriundo de Watseca, lllinois, Everhart estudió en la University of Missouri y la New York University y realizó una maestría en patología del habla antes de tomar la decisión de seguir su carrera actoral. Durante un viaje a California que realizó hacia fines de la década de 1930, conoció a algunos de los alumnos del reconocido Pasadena Playhouse y prontó se encontró estudiando allí con otros distinguidos actores como William Holden y Robert Preston.

Entre los créditos cinematográficos de Everhart se incluyen: Friday the 13th (Partes 1 y 3), Power, The Rosary Murders y Family Business, junto con Sean Connery y Dustin Hoffman. Entre sus otros créditos como actor de voz se incluyen los especiales de CBS: "Trolls" y "Gnomes", para los que contribuyó con varias caracterizaciones. Asimismo, Everart ha intervenido como actor invitado en cientos de series dramáticas y de comedia de televisión.

Everhart falleció en marzo de 2000.

ANGELA LANSBURY ( voz original en inglés de Sra. Potts) ha gozado de una carrera sin precedentes. Su carrera profesional se extiende a lo largo de casi 70 años, durante los cuales se ha destacado como una estrella cinematográfica nominada tres veces a los premios de la Academia®, un ícono de Broadway cinco veces ganadora de los premios Tony®, y el nombre de mayor resonancia de la serie de televisión 18 veces nominada a los premios Emmy® "Murder, She Wrote", la serie dramática de detectives de más larga duración en la historia.

Angela Brigid Lansbury nació en Londres el 16 de octubre de 1925. En 1940, para escapar de los bombardeos de la ciudad de Londres, su madre, Moyna Macgill, emigró con Angela, que en ese entonces tenía catorce años de edad, y sus hermanos mellizos Edgar y Bruce, a los Estados Unidos. La familia se radicó en la ciudad de Los Ángeles, donde a sus 18 años, Lansbury firmó un contrato con MGM luego de que el director George Cukor la seleccionara para interpretar a Nancy, la impertinente criada de la película Gaslight, que en 1944 le valió una nominación a los premios de la Academia® a la Mejor Actriz de Reparto. Al año siguiente, Lansbury obtuvo una segunda nominación a los premios de la Academia, nuevamente como Mejor Actriz de Reparto, por su papel como Sybil Vane en la película The Picture of Dorian Gray.

Entre los más de 40 créditos cinematográficos de Lansbury se incluyen clásicos como National Velvet, The Harvey Girls, State of the Union de Frank Capra, Samson and Delilah de Cecil B. DeMille, The Court Jester, The Long Hot Summer, The Manchurian Candidate (que le valió su tercera nominación a los premios de la Academia), The World of Henry Orient, Death on the Nile, Bedknobs and Broomsticks y Nanny McPhee. Además prestó su voz a la gran duquesa María en la película animada Anastasia.

Lansbury hizo su debut en Broadway en 1957 en la obra Hotel Paradiso. Regresó a Broadway en el drama A Taste of Honey. En 1964 protagonizó su primer musical de Broadway Anyone Can Whistle. La obra se levantó luego de nueve presentaciones, pero Lansbury regresó triunfante en 1966 como protagonista del musical Mame. Su emblemático papel le valió el que sería el primero de un extraordinario número de premios Tony. Los demás galardones le fueron otorgados por su interpretación en los musicales Dear World, Gypsy, Sweeney Todd y Blithe Spirit. Lansbury fue nominada a un sexto premio Tony en 2010 por su interpretación de Madame Armfeldt en A Little Night Music." Además Lansbury protagonizará en Broadway la obra The Best Man, donde dará vida a la Sra. Gamadge.

Entre 1984 y 1996 dio vida a Jessica Fletcher, la escritora de novelas de misterio y aficionada detective, en la serie de televisión "Murder, She Wrote". Lansbury además ha protagonizado numerosos telefilmes como Mrs. 'Arris Goes to Paris, Shootdown y The Love She Sought y las producciones del Hall of Fame de Hallmark The Shell Seekers y The Blackwater Lightship (por la que recibió una nominación a los premios Emmy). Lansbury fue nuevamente nominada por sus papeles protagónicos como actriz invitada en las series "Law & Order: Special Victims Unit" y "Law & Order: Trial by Jury".

En 1996, Lansbury fue incorporada al Television Hall of Fame; y en 1997, el presidente Clinton le otorgó la National Medal of the Arts. Además, en 2000 fue galardonada con un Kennedy Center Honor y un premio BAFTA/ LA Britannia a la Trayectoria de toda una vida en cine y televisión.

PAIGE O'HARA ( voz original en inglés de Bella) cultivó una carrera que ha abarcado desde musicales de Broadway, hasta óperas, conciertos y grabaciones. Tras su papel en el clásico largometraje animado de Disney La Bella y la Bestia, O'Hara volvió a dar vida a Bella en el video Beauty and the Beast: The Enchanted Christmas, que llegó a vender millones de copias, y recibió un premio GRAMMY® por la versión Beauty and the Beast Children's Sing-along. O'Hara grabó un nuevo video musical con Richard Sherman para la canción "Never Land" que se incluyó en el estreno en DVD de Peter Pan, e hizo su debut en la pantalla grande en el largometraje animado de Disney Encantada.

Más recientemente, O'Hara canto y participó en el evento D23 Expo en Anaheim, donde fue honrada como una Leyenda de Disney: un homenaje a sus más de 20 años de carrera en Disney.

O'Hara, quien toda su vida ha sido una aficionada pintora, está sumamente emocionada de explorar una nueva relación con Disney: ¡como artista! Recientemente firmó un contrato con Disney Fine Art, Collector's Editions, para pintar una serie de obras originales que reflejen algunos de sus momentos favoritos de La Bella y la Bestia. "Algunas obras ya están en pleno proceso de producción y se pueden ver en el sitio web de Disney Fine Art; otras aún se encuentran en las etapas finales de aprobación y otras muchas vendrán más adelante. Bajo el título de "Belles by Belle", la serie intenta capturar parte de la magia de la película original.

Entre sus numerosas interpretaciones en teatro se incluyen: su papel como Ellie May Chipley en la reposición de Broadway de Showboat, protagonizado por Donald O'Connor; como Fantine en el premiado musical de Broadway Les Miserables; y como Edwin Drood tanto en la presentación en Broadway como en la gira nacional de The Mystery of Edwin Drood.Además encarnó a Nellie Forbush en la gira australiana del musical South Pacific; papel que retomó junto con Robert Goulet en los Estados Unidos. O'Hara ha interpretado el papel principal de Evita; trabajó junto con Jose Ferrer en Paint Your Wagon y obtuvo el favor de la crítica de Los Ángeles por su papel como la asesina Winnie Ruth Judd en la obra Tiger Lady.

En concierto, ha intervenido en las presentaciones de Sitting Pretty, The Cat and the Fiddle, Oh Boy y Lady! Lady! en el Carnegie Hall así como también, One Touch of Venus en el Town Hall. O´Hara ha viajado por Japón como estrella invitada de la Hollywood Bowl Orchestra y fue la estrella / presentadora invitada especial de The Great Radio City Music Hall Spectacular, con la presentación de las legendarias Rockettes en el Flamingo Hilton. Como solista, O´Hara ha interpretado como estrella invitada en el Hollywood Bowl, en la orquesta Boston Pops y en el Teatro de la Ópera de Turín, Italia, además de haber realizado varias presentaciones con distintas orquestas sinfónicas a lo largo y ancho de los Estados Unidos. O'Hara concluyó una exitosa gira por veinte ciudades del Japón, que se representaron a sala llena, como estrella invitada de la Filarmónica de Tokyo, e intervino como intérprete invitada de Robert Goulet en su concierto en el hotel Venetian de Las Vegas.

En Inglaterra dio vida a Venus en la presentación en vivo de Kurt WeilldeOne Touch of Venus grabada por la BBC y tuvo una participación destacada en la producción de "Mack and Mabel in Concert", también grabada en vivo en Londres con un elenco estelar que incluye a Tommy Tune, Georgia Brown y George Hearn. Sus grabaciones de la producción de Jerome Kern de Sitting Pretty y una nueva y completa versión de South Pacific fueron publicadas por el sello New World. Entre los numerosos álbumes de O´Hara se incluyen: Wish Upon a Star, donde O´Hara interpreta el tema principal; Beauty and the Beast, y Loving You: The Songs of Jerry Herman, que incluye temas clásicos de Herman como "La Cage Aux Folles" y "It Only Takes a Moment" del musical Hello, Dolly! Además otros dos de sus álbumes: Showboat y Of Thee I Sing, fueron nominados a los premios GRAMMY® al Mejor Álbum de Espectáculo Musical.

Actualmente se la puede ver en el exitoso espectáculo Menopause The Musical en el hotel Luxor de la ciudad de Las Vegas y continúa grabando distintos proyectos para Disney. O´Hara se encuentra trabajando en un nuevo musical, basado en la vida de Judy Garland.

JERRY ORBACH ( voz original en inglés de Lumiere) brindó una brillante interpretación como el encantador y simpático candelabro que una vez fuera el maître del castillo. Cuando Bella llega al castillo, Lumiere lidera el comité de bienvenida y se desvive por hacerla sentir una huésped muy especial.

Para Orbach, quien obtuvo un premio Tony® por su papel en el musical Promises, Promises y es un veterano actor con una impresionante lista de créditos en teatro, cine y televisión, realizar una película animada fue una experiencia reconfortante. "Lumiere es un personaje magnífico", señala el actor. "Es el arquetipo del hombre francés, tomado del molde de Maurice Chevalier. Tenía a Chevalier en mente y, si bien no me propuse realizar una imitación, el personaje conserva ese acento tan característico. Interpretar "Nuestro huésped" fue divertido porque me dio la posibilidad de acentuar todas estas cosas y entonar esta suerte de canción cantada y hablada".

Orbach hizo su debut en un teatro de Nueva York como Mack the Knife en The Threepenny Opera, a la que en 1960 le siguió su papel de El Gallo en la legendario musical off-Broadway The Fantastiks.

En 1961, Orbach debutó en Broadway en la producción de David Merrick Carnival y recibió su primera nominación a los premios Tony® por su caracterización como Sky Masterson en la reposición del City Center del musical Guys and Dolls. Posteriormente, volvió a ganarse el elogio de la crítica por sus papeles protagónicos en Chicago y el exitazo musical 42nd Street. Entre sus otros créditos teatrales más destacados se incluyen: The Cradle Will Rock, Scuba Duba, 6 Rms Riv Vu y una gira de nueve meses con la compañía nacional presentando la obra de Neil Simon Chapter Two.

Entre sus créditos cinematográficos se incluyen: Postcards From the Edge, Crimes and Misdemeanors, Dirty Dancing, Someone to Watch Over Me, FIX, Brewster's Millions, Prince of the City y The Gang That Couldn't Shoot Straight.

En su papel recurrente en la serie "Murder, She Wrote" como el detective Harry McGraw, Orbach tuvo la oportunidad de trabajar con su entrañable amiga, colega y "Bella" co-protagonista Angela Lansbury. En 1988, su personaje pasó a dar vida a su propia serie titulada ''The Law and Harry McGraw". Orbach también protagonizó la consagrada serie "Law & Order" e intervino en numerosos papeles como actor invitado en algunos de los más aclamados episodios de su tiempo.

Orbach falleció en diciembre de 2004.

BRADLEY PIERCE ( voz original en inglés de Chip) había participado en numerosos anuncios de televisión, telenovelas, series y películas de la semana antes de quedar seleccionado para dar voz a Chip en la película La Bella y la Bestia. Posteriormente, Pierce protagonizó las películas Jumanji, que le valió una nominación a los premios de la Academy of Science Fiction Fantasy & Horror Films a la Mejor Interpretación de un Joven Actor, y The Borrowers, por la que obtuvo una nominación a los premios Young Artist. Además fue nominado como mejor actor por sus destacados papeles en los telefilmes Doom Runners, Ride With the Wind, Casey's Gift: For Love of a Child y su aparición como actor invitado en la serie de televisión "Touched by an Angel". Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen: Down to You, The Undercover Kid, Man's Best Friend, Chaplin y Porco Rosso. Entre sus créditos en televisión se encuentran: Too Young to Die?, The Yarn Princess, Dead Man's Revenge, Children of the Dark, Cries from the Heart, Mickey: Reelin' Through the Years y The Siege at Ruby Ridge.

Entre los numerosos créditos de Pierce en series de televisión se incluyen: "The Wild Thornberrys", "Chicken Soup for the Soul", "The Home Court", "The Oz Kids", "The Client", "Lois & Clark: The New Adventures of Superman", "Mad About You", "Shaky Ground", "Herman's Head", "The Pink Panther", "Roseanne", "Beverly Hills, 90210", "Life Goes On" y "Timeless Tales from Hallmark".

Además, Pierce ha interpretado la voz de numerosas series animadas de televisión entre las que se incluyen: "La sirenita" y "Sonic the Hedgehog". Y también prestó su voz en numerosos videojuegos.

DAVID OGDEN STIERS ( voz original en inglés de Din Don/Narrador)inició su carrera en el Área de la Bahía en el San Francisco Actors Workshop, en el grupo The Committee y en el California Shakespeare Festival (Ricardo III, Otelo, Sueño de una noche de verano, Noche de reyes, La fierecilla domada, Como gustéis, La comedia de las equivocaciones, Hamlet). El joven actor dio vida a Lear por primera vez a sus 22 años de edad en dicho festival y años más tarde creó a uno de los personajes más inolvidables de la televisión: el presuntuoso cirujano de guerra, el mayor Charles Emerson Winchester III, en la exitosa serie de comedia "M*A*S*H*". Sus seis años en la premiada serie le valieron dos nominaciones a los premios Emmy® por su personaje, que alguna vez fue descrito como "adorablemente insufrible". Unos años más tarde, Stiers obtuvo su tercera nominación por su papel secundario como William Sloane en la miniserie de la NBC The First Olympics Athens 1896.

Cuando tenía 27 años, Stiers recibió una beca por parte del legendario John Houseman para estudiar en la prestigiosa Juilliard School Drama Division de la ciudad de Nueva York. Se presentó en Broadway en la temporada inaugural de la Juilliard Acting Company en obras como The Lower Depths, The Hostage y School for Scandal. Luego de abandonar la Acting Company -como pasó a llamarse el grupo- Stiers interpretó 11 personajes en la obra Ulysses in Nighttown, protagonizada por Zero Mostel, y posteriormente intervino en el exitoso musical The Magic Show con Doug Henning. Años más tarde, fue el narrador del exitoso musical de Broadway La Bella y la Bestia.

Stiers además interpretó en el Old Globe Theatre Shakespeare Festival en la ciudad de San Diego. Dirigió la premiada producción del Globe de Scapino, protagonizada por Harry Groener, que recibió el premio Drama-Logue y fue nominada por el San Diego Theatre Critics Circle y los premios Bay Area Critics.

Tras sus primeras apariciones como actor invitado en las series "Kojak" y "Rhoda" a mediados de la década de 1970, Stiers obtuvo un papel recurrente en la serie de televisión "The Mary Tyler Moore Show", donde dio vida al tartamudo gerente de una estación de televisión, Mel Price. Entre sus otros numerosos créditos en series de televisión, telefilmes y miniseries se incluyen: North and South, Books I and II, "Innocents Abroad" de PBS-TV, The Day the Bubble Burst, Anatomy of an Illness, A Circle of Children, Final Notice, "The Pedestrian", "The Killing Place", "Murder, She Wrote", "Matlock", "Without a Kiss Goodbye, las películas de HBO The Final Days y The Last of His Tribe, The Bad Seed y, más recientemente, la serie de USA Cable "The Dead Zone".

Stiers debutó en cine en el aclamado drama de Bob Rafelson Drive, He Said, dirigida por Jack Nicholson. Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen: Magic, The Cheap Detective, Oh, God!, Harry's War, Creator, The Accidental Tourist, Doc Hollywood, Steal Big, Steal Little, Bad Company, Iron Will, Krippendorf's Tribe, Jungle 2 Jungle, The Majestic, y más recientemente, Together Again for the First Time. Además es un favorito del director Woody Allen, para quien protagonizó cinco de sus películas incluidas Mighty Aphrodite, Everyone Says I Love You, Shadows and Fog, Another Woman y Curse of the Jade Scorpion.

Su afable voz se puede escuchar en numerosas películas, incluido el largometraje que supuso el debut de George Lucas como director THX-1138. Más recientemente, Stiers ha seducido a los cinéfilos prestando su voz en numerosas películas animadas de Disney como Pocahontas (como el gobernador Ratcliffe y su sirviente Wiggins) y El jorobado de Notre Dame (archidiácono) así como Lilo y Stitch, El viaje de Chihiro y Teacher's Pet. Además interpretó la voz de Nicky Flippers en las películas animadas de Weinstein Company Hoodwinked! Y Hoodwinked 2: Hood vs. Evil, que se está rodando actualmente.

Las narraciones de Stiers se pueden escuchar en documentales como The History of New York de Ric Burns y el premiado Ansel Adams. Otros de sus créditos en documentales incluyen: The Great Famine, The History of Chicago, The Rockefellers y Nixon in China de American Experience; así como en los documentales Shackleton: Voyage of Endurance, Ronald Reagan, Trillion Dollar Bet, Voyage of Doom, Bleriot, Tales From the Hives por NOVA y Test Tube Babies, por mencionar unos pocos.

El multifacético Stiers es también un miembro de la National Academy of Recording Arts and Sciences y de la International Horn Society y ha dirigido más de 40 orquestas sinfónicas a lo largo y ancho de los Estados Unidos, incluyendo la South Carolina Philharmonic; Virginia Symphony Orchestra; Utah Symphony Orchestra (con la interpretación de Joseph Silverstein en Concierto para violín de Mendelssohn); la San Francisco Chamber Orchestra; The California Symphony, la Toronto Philharmonia, la San Diego Symphony Orchestra; la Ft.Wayne Philharmonic; la Grand Rapids Symphony Orchestra; la Eugene Symphony Orchestra y la Chicago Symphony Orchestra (durante 47 segundos). Stiers es el director asociado de la Newport Symphony Orchestra y durante varias temporadas se desempeñó como director asociado del Festival de Música Ernest Bloch en Newport, Oregon.

RICHARD WHITE ( voz original en inglés de Gastón) hizo su debut en Broadway como Joey en la reposición del musical The Most Happy Fella y ha intervenido en las reposiciones en Nueva York de Brigadoon, donde dio vida a Tommy, y South Pacific, donde interpretó al teniente Cable. White protagonizó junto con Estelle Parsons la producción off-Broadway de Elizabeth and Essex y encarnó a George Kirby en la producción de Jerry Sterner Topper. Además realizó una gira nacional con Robert Goulet de del musical Camelot. White fue el creador del personaje principal de la obra de Maury Yeston/Arthur Kopit Phantom y se lo puede escuchar en ese papel en el álbum interpretado por el elenco original. White dio vida a Ace Gruber en el musical Sayonara e interpretó a Mr. Hyde en el musical Dr. Jekyll and Mr. Hyde; además dio vida a Curly en la obra de música country de Larry Gatlin Texas Flyer; y como el héroe enmascarado en el nuevo musical de capa y espada Zorro.

White ha interpretado numerosas producciones en teatros regionales de todo el país como 110 in the Shade, A Little Night Music, Carousel, 1776, como Fred Graham en Kiss Me Kate, Carnival, Oklahoma! y The Merry Widow. Además dio vida a Jonathan en Arsenic and Old Lace y protagonizó en el estreno internacional de la nueva obra Behind the Mask en la ciudad de Nueva York. Dos de sus papeles favoritos más recientes incluyen el de Emile DeBecque en South Pacific y como Don Quijote en Man of La Mancha. White ha interpretado en la New Japan Philharmonic en Japón, en la ceremonia inaugural del nuevo teatro de la opera de El Cairo, Egitpo, e intervino en la primera gira nacional del musical galardonado con un premio Tony® Urinetown.

Luego de ver su interpretación como Billy Bigelow en el musical Carousel, Beverly Sills lo invitó a unirse a ella en la New York City Opera, donde White ha sido uno de los favoritos intérpretes principales de producciones como New Moon, The Desert Song, Brigadoon, The Merry Widow, Naughty Marietta y South Pacific. En televisión, White interpretó a Gaylord Ravinal en el musical Showboat y a Robert Mission en The New Moon emitido en la serie "Great Performances" de PBS. Más recientemente, White intervino como Phil en el musical Milk and Honey de Jerry Herman, en la ciudad de Nueva York; e interpretó a Gregory en Give a Man a Mask de Richard Isen. Actualmente se lo puede ver en el papel de Aldolpho en The Drowsy Chaperone.

White además ha participado como solista invitado en numerosos conciertos de costa a costa con las orquestas filarmónicas de Florida y Los Ángeles; y las orquestas sinfónicas de Chicago, Cincinnati, Kalamazoo, Long Beach, Chattanooga, Indianápolis, Honolulu y Huntsville; además de haber interpretado tres veces como estrella invitada en el Hollywood Bowl.

JO ANNE WORLEY ( voz original en inglés de El ropero) es la voz familiar detrás del extravagante ropero que imparte útiles consejos de moda a su público cautivo.

Oriunda de Lowell, Indiana, la comedianta inició su carrera profesional tras finalizar la escuela secundaria con un grupo denominado Pickwick Players en Bleauvelt, Nueva York. Ello le valió una beca para estudiar teatro en la Midwestern University en Wichita Falls, Texas, donde Worley estudió durante dos años antes de trasladarse a California. En Los Ángeles, asistió al Los Angeles City College y el Pasadena Playhouse y obtuvo su primer papel en un musical en Wonderful Town. Su gran oportunidad se le presentó poco tiempo después cuando fue contratada para interpretar un musical de revista titulado The Billy Barnes People, que luego fue presentado en Broadway.

Por recomendación de Gower Champion, Worley fue seleccionada como actriz suplente de Carol Channing en la producción original de Broadway de Hello, Dolly! Posteriormente, Worley inició su propio espectáculo en un club nocturno de Greenwich Village, que atrajo la atención del presentador del programa de entrevistas Merv Griffin. Griffin quedó tan impactado que la invitó a participar en su programa… más de 150 veces. Uno de los televidentes que vio su presentación fue George Schlatter, el productor del programa de televisión "Rowan and Martin's Laugh-In". Como actriz permanente del innovador programa, y con su instinto para el humor oportuno y su irritación ante los chistes sobre pollos, Worley se convirtió en un verdadero ícono.

Worley intervino en numerosas series de televisión como actriz invitada entre las que se incluyen: "Bones", "Curb Your Enthusiasm", "Boy Meets World", "Sabrina, the Teenage Witch", "Family Reunion: A Relative Nightmare", "Murder, She Wrote" y el especial de 90 minutos "Love Boat".

Actualmente continua interpretando en los escenarios de Broadway, donde más recientemente participó en el musical Wicked (también en Los Ángeles) y The Drowsy Chaperone. Además protagonizó Prince of Central Park y en giras de muchos de los musicales de Broadway, incluidos Mame, Gypsy e Into the Woods, entre otros.

Entre sus créditos cinematográficos se incluyen las películas de Walt Disney Pictures Kim Possible: The Secret Files, Belle's Magical World, A Goofy Movie y The Shaggy D.A.

LOS REALIZADORES

HOWARD ASHMAN (Productor Ejecutivo / Letrista) desde el inicio fue una de las fuerzas creativas detrás de la película La Bella y la Bestia y, en mayor escala, ha desempeñado un papel importante en dar nueva vida a las películas musicales animadas y de acción real. Su talento especial para contar una historia a través de las letras de sus canciones le valió, en 1990, un premio Oscar® por la canción "Bajo el mar" de la película La sirenita. Posteriormente compuso la letra de otros dos proyectos animados de Disney (La Bella y la Bestia y Aladdin) antes de su prematuro fallecimiento en marzo de 1991. Su muerte ha dejado un vacío insustituible en el mundo de la música y un legado de canciones memorables que el mundo jamás olvidará.

Oriundo de Baltimore, Maryland, Ashman estudió en el Goddard College y la Boston University antes de obtener su maestría en Bellas Artes en la Indiana University. En 1974 se trasladó a la ciudad de Nueva York donde comenzó a trabajar como editor en Grosset & Dunlap. Durante este tiempo también comenzó a escribir obras de teatro y entre sus primeros trabajos se incluyen: Cause Maggie's Afraid of the Dark, The Confirmation y Dreamstuff, una versión musical de La tempestad. Esta última dio origen a su asociación con el teatro off-Broadway WPA Theater, donde se desempeñó como director artístico desde la reapertura del teatro en 1977 hasta 1982.

En 1978, Ashman estaba buscando un compositor para realizar una adaptación musical de la obra de Kurt Vonnegut God Bless You, Mr. Rosewater. El reconocido director de Broadway Lehman Engel, quien en ese entonces se encontraba dictando un taller de teatro musical en BMI, le presentó a Alan Menken. La química fue inmediata y para la primavera siguiente, la obra estaba terminada y en cartel en el WPA Theater.

La siguiente colaboración del dúo fue en una versión musical de la película de culto de Roger Corman Little Shop of Horrors, que recibió numerosos premios, incluido el premio New York Drama Critics Circle al Mejor Musical de 1982-1983. La obra, con libreto, letra y dirección de Ashman, se convirtió en el tercer musical de más permanencia en la historia del teatro off-Broadway así como en el musical de mayor recaudación jamás representado en el circuito off-Broadway. Su posterior producción londinense obtuvo el premio Evening Standard al Mejor Musical y producciones de Little Shop se presentaron por todo el mundo. A la fecha, junto con Our Town, es la obra más representada en las escuelas secundarias de los Estados Unidos. En 1986, se estrenó una versión cinematográfica de la obra dirigida por Frank Oz, y la canción "Mean Green Mother From Outer Space" recibió una nominación a los premios de la Academia®.

Sus trabajos como libretista, letrista y dramaturgo han sido representados en el Arena Stage de Washington, en la Houston Grand Opera, la Pittsburgh Civic Light Opera y el Annenberg Center de la ciudad de Filadelfia. Ashman dirigió obras para el Arena Stage, Manhattan Theater Club, la Composer/Librettists' Conference en el O'Neill Center y el WPA, así como off-Broadway, en las ciudades de Londres y Los Ángeles y en giras nacionales de Little Shop. En 1987, hizo su debut como director en Broadway con Smile, para la que también escribió la letra (Marvin HamIisch compuso la música) y el libreto. Dicha contribución le valió una nominación a los premios Tony®.

En 1986, Ashman inició su asociación con Disney cuando fue contratado para escribir la letra y los diálogos del que sería el primer cuento de hadas animado del estudio en 30 años: La sirenita, que Ashman además co-produjo con John Musker. Su trabajo en esa película le valió un premio Oscar®, un Globo de Oro® y un GRAMMY®. Al momento de su muerte, Ashman había completado la letra de las seis canciones de La Bella y la Bestia, así como varias canciones para el estreno animado de 1992 del estudio: Aladdin.

DON HAHN (Productor) produjo el clásico de Disney La Bella y la Bestia, el primer largometraje animado que recibió una nominación a la Mejor Película otorgada por la Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Su siguiente película, El rey león, batió los récords de taquilla de todo el mundo y se convirtió en la película animada que más recaudó en la historia de Disney, y en un musical de prolongado éxito en Broadway.

Hahn se desempeñó como productor asociado en el emblemático largometraje ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Entre sus otros créditos cinematográficos se incluyen: El jorobado de Notre Dame y las películas de Disneynature La tierra, Océanos y Felinos de África. Su cortometraje de 2006 The Little Matchgirl, le valió a Hahn su segunda nominación a los premios Oscar®. Hahn es el productor ejecutivo de la tan anticipada película animada Frankenweenie, cuyo estreno se prevé en octubre de 2012.

GARY TROUSDALE (Director) nació en La Crescenta, California, y recuerda su pasión ya desde niño por los dibujos animados y haber creado su primer folioscopio cuando estaba en cuarto grado. Durante la escuela secundaria, fantaseó con la ida de ser arquitecto, pero un decisivo encuentro con un representante de la CalArts (la escuela patrocinada por Disney en Valencia, California, que ofrece un programa de estudios en animación de personajes) durante su segundo año de bachillerato lo inspiró a seguir una carrera en animación. Trousdale reunió sus dibujos y pinturas en una carpeta y fue aceptado por la escuela.

Luego de estudiar en la CalArts durante tres años, Trousdale se unió a las filas de los animadores profesionales. En 1982, fue contratado por CarterlMendez Productions, donde trabajó durante un año en la animación, diseño y creación de guiones gráficos de numerosos proyectos para televisión. Posteriormente, para la cadena de restaurantes Grand American Fare, realizó ilustraciones y afiches para los menúes, folletos de eventos especiales y camisetas.

Trousdale inició su carrera en Disney como asistente de efectos en la película El caldero mágico (1985); y como asistente y animador de clean-up creó nuevos efectos para la fantasía de acción real del estudio My Science Project. Durante ese tiempo, con su serie de humor gráfico ganó la atención del estudio y, con el tiempo, un puesto en el equipo de desarrollo de historia para la división de animación cinematográfica; desde donde se desempeñó en las tres películas siguientes: Oliver y su pandilla, La sirenita y Bernardo y Bianca en Cangurolandia. Entre sus créditos también se incluyen: el desarrollo de historia y diseño del innovador y premiado cortometraje de Disney animado por computadora Oilspot and Lipstick, así como el desarrollo de historia preliminar de El príncipe y el mendigo, Aladdin y otros proyectos (Goofy of the Apes, Mickey's Halloween).

En 1989, Trousdale y su colaborador en la película La Bella y la Bestia, Kirk Wise, se reunieron por primera vez para co-dirigir Cranium Command, un video animado de cuatro minutos que se proyecta antes de la atracción "Wonders of Life" en EPCOT Center. Anteriormente, ambos habían trabajado juntos en el desarrollo de la historia para un cortometraje de Roger Rabbit.

Durante los últimos ocho años y medio, Trousdale ha estado trabajando en DreamWorks Animation Studios. Entre los numerosos proyectos del estudio en los cuales ha contribuido con su talento se incluyen los especiales de Navidad para las franquicias de Shrek y Madagascar. Trousdale es padre soltero de dos hijos grandes y reside en Lake Arrowhead.

KIRK WISE (Director) nació en San Francisco y ya desde pequeño comenzó a sentar las bases de sus éxitos futuros, recibiendo su primer sueldo como dibujante a los 7 años de edad, luego de que su madre enviara su boceto de un recolector de basura y su camión al concurso Junior Art Champion del periódico San Francisco Chronicle. Los elogios, un cheque y el reconocimiento del departamento de limpieza y sanidad local, ciertamente estimularon su creatividad.

Wise creció en Palo Alto, California, donde de niño asistió a un curso de verano en animación ofrecido por el centro comunitario local, y creó su primera película super8 utilizando figuras recortadas de papel y plastilina. Wise continuó realizando películas -cada vez más sofisticadas- durante la escuela secundaria mientras continuaba desarrollando su interés por la actuación, los dibujos animados, la escritura creativa y la música. Tras graduarse en la Palo Alto High School en 1981, Wise envió su carpeta de trabajos a la escuela patrocinada por Disney: la California Institute of the Arts, y fue aceptado. Si bien durante sus años en la escuela se abrió camino como caricaturista en Universal Studios y Magic Mountain, su futuro lo aguardaba en The Walt Disney Studios.

Wise fue contratado para su primer trabajo en Disney cuando todavía se encontraba en el último año de la CalArts, como animador free lance para el especial de televisión "Sport Goofy in Soccermania". Luego de graduarse, Wise contribuyó en la animación y creación del guión gráfico de numerosos proyectos, incluyendo las películas animadas Policías y ratones (1986) y Oliver y su pandilla (1988). Al descubrir su especial interés por el desarrollo de historia y personajes, Wise comenzó a desplegar sus habilidades en diferentes proyectos de Disney, incluido el corto de 1989 Cranium Command. Esta película animada de cuatro minutos proyectada antes de la atracción "Wonders of Life" en el parque EPCOT Center de Disney en Florida significó la primera colaboración como director de Wise y su ex compañero de clase de la CalArts: Gary Trousdale. Con sus habilidades complementarias en el arte de la animación -siendo el fuerte de Wise la animación e interpretación de los personajes, y el fuerte de Trousdale, los efectos especiales y el diseño- el dúo demostró ser un equipo admirable. Entre los créditos tanto de Wise como de Trousdale en desarrollo de historia se incluyen: su innovador cortometraje animado por computadoraOilspot and Lipstick y los largometrajes Oliver y su pandilla (1988) y El rey león (1994). Además, entre sus créditos compartidos como creadores de guión gráfico se encuentran: el cortometraje de Mickey Mouse El príncipe y el mendigo y la secuela de Bernardo y Bianca en Cangurolandia (ambas en 1990).

Wise y Trousdale pasarían luego a dirigir juntos la celebrada película de Disney La Bella y la Bestia (1991), el primer largometraje animado en ser nominado a los premios de la Academia a la Mejor Película.

El impresionante éxito de taquilla y elogio de la crítica que recibió La Bella y la Bestia hizo que Hollywood finalmente prestara atención seria a la animación. La película además demostró que el musical podía volver a ser un género cinematográfico viable. (Incluso dio origen a una exitosa secuela musical en Broadway.) Que cada uno de los seis números musicales de la película revelaran características nuevas de los personajes o hicieran avanzar el argumento, ciertamente contribuyó a su éxito. Igualmente importantes fueron los vívidos y definidos personajes y el ingenioso uso de la tecnología CGI (imágenes generadas por computadora). Wise y Trousdale demostraron nuevamente su talento en su siguiente colaboración: El jorobado de Notre Dame (1996), una versión musical de la novela de Victor Hugo de 1831, tan frecuentemente adaptada. La dupla luego dirigió la película animada de acción y aventuras inspirada en la obra de Jules Verne: Atlantis: el imperio perdido (2001). En 2002, Wise dirigió la interpretación de voz en inglés para la afamada película ganadora de un premio Oscar® del animador japonés Hayao Miyazaki Spirited Away.

Más recientemente, Wise se desempeñó como consultor de historia en la película animada de Sony Pictures Open Season (2006) y supervisó el primer desarrollo de Cloudy With a Chance of Meatballs (2009). Junto con el productor Don Hahn, supervisó la conversión al 3D de la película La Bella y la Bestia. Además sirvió como productor ejecutivo del documental de Disneynature Océanos (2010) así como el próximo estreno de Once Upon an Island. Wise acaba de concluir el rodaje de la película Disney's History Connections: Colonial America (2011) para Disney Educational Productions que supone su debut como director de acción real.

SARAH McARTHUR (Productora asociada) comenzó su carrera en animación en 1989 cuando se incorporó a Walt Disney Feature Animation como jefa de producción de la película Bernardo y Bianca en Cangurolandia. Además de su trabajo en La Bella y la Bestia, fue una de las productoras ejecutivas del largometraje El rey león. En 1992 fue nombrada directora de producción y ascendida a vicepresidenta senior de producción en 1994, donde supervisó las películas Aladdin, Pocahontas, El jorobado de Notre Dame y Hércules.

En 1997, McArthur se incorporó a Pixar Animation Studios como vicepresidenta ejecutiva a cargo del departamento de producción. Para Pixar, McArthur supervisó la producción de las películas: Bichos: una aventura en miniatura, Monsters, Inc., Toy Story 2, Buscando a Nemo, Los increíbles y Cars.

En abril de 2009, McArthur se incorporó a Lucasfilm Animation para producir la primera película animada de Lucasfilm.

LINDA WOOLVERTON (Guionista) estaba trabajando como ejecutiva de desarrollo en CBS cuando escribió dos novelas para jóvenes adultos Starwind y Running Before the Wind. Luego de que ambos libros fueran publicados por Houghton Mifflin, Woolverton abandonó el desarrollo y se abocó a la escritura. Comenzó escribiendo guiones para programas animados de televisión.

Cuando una de sus novelas atrajo la atención de un ejecutivo de Disney, fue contratada para escribir el guión de la película animada La Bella y la Bestia. Tras su estreno en 1991, la película obtuvo un premio Globo de Oro® a la Mejor Comedia / Musical y se convirtió en la primera película animada en ser nominada a los premios de la Academia® a la Mejor Película.

Posteriormente, Woolverton fue contratada para escribir el guión del largometraje El rey león (co-autora). Luego re-escribió el guión de la película Homeward Bound: The Incredible Journey (co-autora) y además guionó la película animada Mulan.

Woolverton también adaptó el guión de La Bella y la Bestia para los escenarios de Broadway y en 1994, recibió una nominación a los premios Tony® al Mejor Libreto de un Musical. Además fue galardonada con un premio Laurence Oliver por La Bella y la Bestia en la categoría de Mejor Musical en el Reino Unido. La Bella y la Bestia permaneció en cartel desde 1994 hasta 2007, convirtiéndose en el sexto musical de más permanencia en cartel en la historia de Broadway. Woolverton también escribió el libreto (que co-escribió) del musical de Elton John y Tim Rice AIDA, que se presentó durante cinco años en el Palace Theatre.

En noviembre de 2009, el West's Animation Writers Caucus de la Writers Guild of America honró a Linda Woolverton con su 11° premio anual Animation Writing a la Trayectoria de toda una vida, en reconocimiento a su contribución creativa para promover el arte de escritura de guiones de animación en cine y televisión.

Woolverton escribió el guión de la película Alicia en el país de las maravillas, dirigida por Tim Burton y protagonizada por Johnny Depp, estrenada en marzo de 2010. La película recaudó más de US$ mil millones en todo el mundo y es la quinta película de más recaudación de todos los tiempos.

Woolverton es la única mujer que cuenta con un crédito en una película de mil millones de dólares.

Actualmente, para Disney, se encuentra escribiendo el guión de Maleficent y Alice Through the Looking Glass. Además se encuentra adaptando el guión de Alicia para un musical.

ROGER ALLERS (Supervisor de historia) hizo su debut como director cinematográfico en la película El rey león, tras una prolífica carrera de veinte años en el medio que ha incluido desde diseño y animación de personajes hasta supervisión de historia. Allers desempeñó un papel decisivo en dar forma a la estructura y los diálogos de seis películas animadas de Disney, sirvió como jefe de historia en Oliver y su pandilla y La Bella y la Bestia; y contribuyó en distintos cargos senior del departamento de historia en los largometrajes La sirenita, El príncipe y el mendigo, Bernando y Bianca en Cangurolandia, y Aladdin.

Allers nación en Nueva York, y se crió principalmente en Scottsdale, Arizona. A los 5 años de edad, cuando vio por primera vez el clásico de Disney Peter Pan, quedó inmediatamente fascinado por el arte de la animación. Tras obtener su título en Bellas Artes en la Arizona State University, Allers pasó los siguientes dos años viviendo y viajando por Europa. En 1973, Allers se trasladó a la ciudad de Boston, donde comenzó a trabajar en Lisberger Studios, en animación y diseño para programas educativos infantiles y anuncios publicitarios. Luego de trasladarse junto con el estudio a la ciudad Los Ángeles, Allers trabajó en el desarrollo de la historia, diseño de personajes y animación para la película Animalympics, y en el desarrollo de la historia del primer largometraje en emplear animación generada por computadora Tron.

En 1980, Allers vivió en Toronto, Canadá, donde trabajó como animador para Nelvana Studios en la película futurista Rock & Rule. Posteriormente, vivió dos años en Tokio, Japón, trabajando en el estudio Tokyo Movie Shinsha a cargo del desarrollo de historia y la animación preliminar de la película Little Nemo. Tras pasar un tiempo viajando por Indonesia y Asia con su esposa e hijos, Allers regresó a la ciudad de Los Ángeles en 1985 para comenzar su trabajo para Disney. Luego de El rey león, Allers ha contribuido con su experiencia en desarrollo de historia en películas como Las locuras del emperador y Lilo y Stitch. Junto con Irene Mecchi recibieron una nominación a los premios Tony® como co-autores del libreto para la versión musical de Broadway de El rey león. Más recientemente, Allers dirigió la película de Sony Open Season y para Disney, un cortometraje animado basado en el cuento de Hans Christian Andersen The Little Match Girl, con música de Alexander Borodin, que fue nominado a un premio de la Academia® al Mejor Cortometraje Animado.

Actualmente, Allers se encuentra escribiendo un musical original para teatro.

Entre los créditos cinematográficos de ALAN MENKEN (Compositor) como compositor se incluyen: Little Shop of Horrors, La sirenita, La Bella y la Bestia, Newsies, Life With Mikey, Aladdin, Pocahontas, El jorobado de Notre Dame, Hércules, Vacas vaqueras, Un papá con pocas pulgas, Noel, Encantada y Enredados. Menken además compuso las canciones para las películas: Rocky V, Home Alone 2 y Captain America - The First Avenger.

Entre sus créditos como compositor de musicales de teatro se encuentran: God Bless You, Mr. Rosewater, Patch Patch Patch, Atina: Evil Queen of the Galaxy, Little Shop of Horrors, The Dream on Royal Street, Kicks: The Showgirl Musical, Real Life Funnies, The Apprenticeship of Duddy Kravitz, La Bella y la Bestia, A Christmas Carol, Weird Romance, King David, Der Glöckner Von Notre Dame, La sirenita, Sister Act, Leap of Faith, Aladdin y Newsies.

Asimismo, ha compuesto canciones en numerosos musicales de revista entre los que se incluyen: Personals, It's Better With a Band y Diamonds. Además de ganar ocho premios Oscar® (con diecinueve nominaciones), Menken ha recibido siete premios Globo de Oro®, diez premios GRAMMY® y tres nominaciones a los premios Tony®. Entre sus otros logros se incluyen el álbum que ocupó el número 1 de la lista de grandes éxitos (Pocahontas), un sencillo que alcanzó el número 1 de las listas ("A Whole New World"), ingresó en The Songwriters Hall of Fame y posee un Doctorado Honoris Causa de la New York University y otro de la University of North Carolina School of the Arts.

Actualmente, Menken se encuentra trabajando en la banda sonora de la película Mirror, Mirror y la partitura de Lidsville, así como también las producciones teatrales de Aladdin y El jorobado de Notre Dame.