mayo 13, 2015


Mad Max 4 Furia en el camino: Sinopsis, elenco, ficha, critica: Mad Max Fury Road

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Del director George Miller, creador del género post-apocalíptico y la mente maestra detrás de la legendaria franquicia de "Mad Max", llega "Mad Max: Fury Road," un regreso al mundo del Guerrero de la Carretera, Max Rockatansky.

Torturado por su turbulento pasado, Mad Max cree que la soledad es la mejor forma para sobrevivir.

Sin embargo, se deja llevar por un grupo que escapa a través de Wasteland en un vehículo de guerra conducido por Furiosa, una Imperator de élite.

Ellos están escapando de una ciudadela tiranizada por Immortan Joe, alguien a quien han robado de algo irremplazable.

Enfurecido, el caudillo reúne a todas sus pandillas y persigue despiadadamente a los rebeldes en una Guerra de la Carretera de alto octanaje.FRD-DS-00336r.png

Tom Hardy ("The Dark Knight Rises") es el protagonista de "Mad Max: Fury Road"-la cuarta en la historia de la franquicia. La ganadora del Oscar®, Charlize Theron ("Monster," "Prometheus"), es la Imperator llamada Furiosa. En la película también participan Nicholas Hoult ("X-Men: Days of Future Past") como Nux; Hugh Keays-Byrne ("Mad Max," "Sleeping Beauty") como Immortan Joe; Josh Helman ("X-Men: Days of Future Past") como Slit; Nathan Jones ("Conan the Barbarian") como Rictus Erectus; conocidas colectivamente como Las Esposas, Rosie Huntington-Whiteley ("Transformers: Dark of the Moon") es The Spendid Angharad, Riley Keough ("Magic Mike") es Capable, Zoë Kravitz ("Divergent") interpreta a Toast the Knowing, Abbey Lee es The Dag, y Courtney Eaton es Cheedo the Fragile.

CRÍTICA

Mad Max, Furia en el camino, es una implacable, violenta, vertiginosa y espectacular película apocalíptica que produce en el espectador una adrenalina constante.

Para que se entienda de que va este film se podría decir que es una gran única escena de acción trepidante y feroz con fabulosas persecuciones mechadas con algunos breves minutos de aparente calma y diálogos.

Realmente es un espectáculo sumamente entretenido con una estética impresionante y cuidada hasta el mínimo detalle tanto en la escenografía, los personajes y los medios de transporte. Todo es un festival para la vista.

La historia, si bien es muy sencilla, está bastante buena dándole un peso mucho mayor al personaje que interpreta de maravillas Charlize Theron, que le roba el protagoinsmo a Tom Hardy con su Mad Max.

Terminantemente prohibido verla a través de cualquier otro medio que no sea pantalla grande y en una sala de excelente calidad.

Cintia Alviti

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SOBRE LA PRODUCCIÓN

"¡Oh, qué día! "¡Qué hermoso día!" - Nux

Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con Village Roadshow Pictures, una producción de Kennedy Miller Mitchell, una película de George Miller, "Mad Max: Fury Road." La película es distribuida por Warner Bros. Pictures, una Compañía de Warner Bros. Entertainment, y en territorios selectos por Village Roadshow Pictures

El equipo creativo detrás de cámaras incluyó al director de fotografía ganador del Oscar®, John Seale ("The English Patient"), al diseñador de producción Colin Gibson ("Babe"), a la editora Margaret Sixel ("Happy Feet"), a la diseñadora de vestuario ganadora del Oscar® Jenny Beavan ("A Room with a View"), al director de segunda unidad y coordinador de escenas de riesgo Guy Norris ("Australia"), y a la diseñadora de maquillaje Lesley Vanderwalt ("Knowing").

También actúan en la película John Howard, Richard Carter, el cantante y compositor iOTA, Angus Sampson, Jennifer Hagan, Megan Gale, Melissa Jaffer, Melita Jurisic, Gillian Jones y Joy Smithers.El cineasta ganador del Oscar® George Miller ("Happy Feet") dirigió el filme a partir de un guión que escribió con Brendan McCarthy y Nico Lathouris. Miller también produjo el filme, junto con su socio de producción de toda la vida, el nominado al Oscar® Doug Mitchell ("Babe", "Happy Feet"), y PJ Voeten. Iain Smith, Chris deFaria, Courtenay Valenti, Graham Burke, Bruce Berman y Steven Mnuchin fueron los productores ejecutivos

Miller siempre imaginó un filme que se desarrollara como una persecución sin respiro de principio a fin. "Pienso que las películas de acción son como un tipo de música visual, y 'Fury Road' está a la mitad entre un concierto de rock salvaje y una ópera", comenta Miller. "Quiero transportar al público de sus asientos hacia un viaje intenso e inquieto, y que en el camino conozcan a los personajes y a los eventos que los llevaron a esta historia".

El productor y socio de Miller desde hace 35 años, dice que el esfuerzo de una década para llevar "Mad Max: Fury Road" a la pantalla ha sido en sí mismo un viaje emocionante. "George tiene una mente brillantemente creativa, pero con esa creatividad viene un cierto pragmatismo. Un proyecto de esta magnitud solo podría ser posible con esa combinación que él posee instintivamente. Hemos tenido aprietos y momentos hilarantes en el camino, y para mí ha sido un privilegio maravillosos estar con él en este viaje épico".

Para Miller, el camino se remonta más atrás. A finales de los 70, estaba fuera de la escuela de medicina cuando, impulsado por su amor hacia las primeras películas de acción y persecución, se dispuso a redescubrir su lenguaje visual por su cuenta. A partir de sus experiencias como doctor en la sala de emergencias, concibió la historia de una figura solitaria en un mundo despojado tras el colapso de la sociedad, y aterrorizado por pandillas psicóticas en medio de la carretera.

Miller señala, "Siempre me ha fascinado cómo evolucionan las sociedades, lo cual a veces puede ser increíblemente inspirador, y otras veces perturbador. Cuando eliminas la complejidad del mundo moderno, puedes entrar a uno que es muy sobrio, y contar historias que son alegorías básicas".

Con un presupuesto limitado, Miller ensambló un carnaval de motocicletas y autos modificados, contrató a un desconocido llamado Mel Gibson, salido de la escuela de teatro, y se dirigió a las desoladas carreteras de las afueras de Melbourne, Australia, para capturar la energía en bruto de un despliegue cataclísmico de acrobacias, con gente conduciendo vehículos reales a velocidades reales.

"Aquí en Australia tenemos una cultura del auto, donde el auto es virtualmente un arma", señala el guionista Nico Lathouris, un amigo de Miller desde la escuela y quien interpretó a Grease Rat en la primera película. "George había estado tratando a jóvenes en horribles accidentes automovilísticos, y en lugar de tomárselo seriamente, había una tendencia a alardear sobre una experiencia en la cual alguien había resultado severamente herido o había muerto. Como médico, sentía que sólo estaba poniendo curitas en un problema que era mucho más grande, y esta historia era su manera de llegar a la esencia de ello".

El resultado fue "Mad Max," que llegó a las pantallas en 1979 y conmocionó la cultura. Mientras la leyenda de "Mad Max" escaló, Miller intensificó su singular marca de acción propulsiva y la creación de mundos envolventes con las dos películas siguientes-la icónica "Mad Max 2: The Road Warrior" y la operística "Mad Max: Beyond Thunderdome".

"Una de las ideas que impulsaron tanto a la primera 'Mad Max,' como a 'Fury Road', fue la noción de Alfred Hitchcock sobre hacer películas que puedan ser vistas en cualquier lugar del mundo sin subtítulos", reflexiona Miller. "Intentas lograr lo que hacen las grandes piezas musicales-sin importar tu estado de ánimo, te llevan a un lugar fuera de ti mismo, y sales del otro lado habiendo tenido una experiencia. Eso es lo que intentamos con estas películas".

Los paisajes escuetos y decadentes, la acción visceral, los mínimos diálogos y la variedad caleidoscópica de personajes que Miller desplegó en la trilogía de "Mad Max" crearon un nuevo género, e inspiraron a generaciones de artistas en todos los medios. Tom Hardy, quien interpreta al personaje principal de Max Rockatansky en "Mad Max: Fury Road," declara, "George esencialmente inventó la atmósfera post-apocalíptica que ahora vemos en muchos videojuegos y películas. Ese es su lienzo, y continúa pintando en él con todos los medios que tiene a su alcance. Estar en esta película es sentarte con George en su caja de juguetes, y su imaginación es tan fantástica que realmente no estás en una película; estás en la cabeza de George".

Charlize Theron, que desarrolla un nuevo personaje en el canon-la Imperator, Furiosa-dice que Miller forjó una visión totalmente nueva e independiente con esta película, incluso con el tremendo legado que tiene detrás. "En esta película, George ha verdaderamente re-imaginado a un mundo que ama. Cualquiera puede entrar en él y experimentar algo espectacular. Hay pequeñas joyas para la gente que ama las películas anteriores, y al mismo tiempo, creo que realizó algo que impactará a las nuevas generaciones que no crecieron con 'Mad Max.' Esa es la belleza de 'Fury Road'".

Nicholas Hoult, quien interpreta al Niño Guerrero Nux, y quien pertenece a esa generación, concuerda. "Lo increíble de George es qFRD-02064r.pngue puede crear algo enorme, pero con una intimidad verdadera", dice. "Hay demasiadas ideas en cada piececita de toda la mitología que incluso el más pequeño detalle te dirá todo lo que necesitas saber sobre estos personajes y su entorno".

Es un universo que vive en la imaginación de Miller, Mitchell plantea, "No hay límites en sus profundidades y dimensiones. 'Fury Road' es realmente la punta del iceberg; hay muchísimo más bajo la superficie. George ha pasado muchos años pensando en este mundo y continúa revelándose".

La búsqueda para sumergir al público actual en el desquiciado futuro de Miller con "Mad Max: Fury Road" atravesaría continentes y abarcaría más de una década. Se requeriría el talento de cientos de artistas para diseñar y fabricar un auténtico universo post-apocalíptico, desde la creación de 3,500 storyboards a miles de accesorios y vestuarios. En una operación logística de escala sin precedentes, la producción monumental llevaría a elenco, equipo y 150 vehículos personalizados hacia los desiertos de Namibia, para recrear una Guerra de la Carretera real a través de múltiples unidades durante 120 días.

"Lo más sorprendente de George es que está dedicado y enfocado cien por ciento en la película", dice el productor y primer asistente de dirección PJ Voeten, un veterano de "Mad Max" desde "Mad Max: Beyond Thunderdome". "Tiene una resistencia incansable y una atención al detalle, y eleva tanto el nivel que levanta a todos a su alrededor".

"Dejamos de respirar durante seis meses mientras hicimos esta película", afirma Theron. "Pero hacer algo tan desafiante y épico es algo que a George le sale muy bien. Él ve posibilidades que otros nunca han visto".

Las posibilidades de la realidad conducen la leyenda de "Mad Max", y Miller y su equipo de colaboradores llevan los aspectos físicos de la producción de cine hasta sus límites para elevar los estándares. "El mundo de 'Mad Max' está exacerbado, pero no es fantasía", explica Miller. "'Fury Road' fue una oportunidad para alcanzar más plenamente su alcance y energía con las últimas tecnologías. Pudimos colocar nuestras cámaras donde antes no era posible, y entrelazarlas en la flota con el maravilloso sistema Edge Arm. Si había una pelea en un vehículo, podíamos poner cables en los actores y después borrarlos con efectos especiales. Cuando ven a Max colgando cabeza abajo entre dos vehículos, ese era Tom Hardy. Cuando Furiosa está colgando de él, esa era Charlize Theron colgando de Tom. Y cuando ven a Nux trepando en la parte delantera de un vehículo, ese era Nicholas Hoult".

Para Hoult, fue pura adrenalina. "No hay nada como sentir el estruendo de un gran motor V-8 por debajo de ti y escuchar las camionetas que pasan rugiendo con bombas explotando y personas que giran colgadas alrededor de varas".

"Si piensan que alguna acrobacia fue demasiado extrema, o una explosión demasiado espectacular, les prometo que así fue realmente… Yo lo vi", afirma Hardy. "Era pura acción desde el inicio al final del día. Fue una locura y fue inmensamente épico, y todo fue creación de George".

Para el hombre que está en el centro de todo, algunas cosas nunca cambian. "Hay una intensa y extraña euforia en chocar vehículos en el desierto. Pierdes todo el sentido de ti mismo y solo te queda el instinto y la valentía. Lo cual no quiere decir que no fuera una locura", sonríe Miller. "Pero, parafraseando un viejo dicho, 'No necesitas estar loco para hacer una película de 'Mad Max', pero ayuda'".FRD-DS-00568.png

EL FUTURO PERTENECE A LOS LOCOS

"A medida que el mundo caía, cada uno de nosotros, a su manera, se fue rompiendo. Era difícil saber quién estaba más loco... yo, o todos los demás". - Max

Ha pasado 45 años desde la caída del mundo. No hay leyes, no hay redes eléctricas, no hay agua, ni piedad. En "Mad Max: Fury Road", la civilización es un recuerdo, y sólo para unos pocos. Las grandes economías mundiales se han convertido en polvo, las ciudades costeras fueron borradas del mapa, y a raíz de las guerras por el agua y el petróleo, escasea la comida, y el aire es veneno. Lo que queda de la humanidad deambula a través de Wasteland, en tribus salvajes o se aferra a la supervivencia al pie de Citadel, una fortaleza tejida en un sistema de cuevas, donde el agua se extrae del único acuífero que hay en kilómetros a la redonda. Al controlar los elementos esenciales, Citadel y sus aliados Gas Town y Bullet Farm, controlan la región de Wasteland.

"Cuando se llega a un futuro reducido y distópico, uno realmente vuelve a un pasado casi medieval", comenta Miller. "La gente, simplemente sobrevive. No hay honor, y hay muy poco tiempo para la empatía o la compasión. Esto da lugar a un claro equilibrio de jerarquía (con los pocos poderosos, literalmente, que reinan sobre los que son muchos y sobre la moral). Y a este mundo llega Max, que simplemente está tratando de escapar de sus demonios".

Max Rockatansky se presentó por primera vez en el filme original de Miller de 1979, y la resonancia global del personaje tomó por sorpresa hasta a su creador. "Comprendí que, inconscientemente, había accedido a ese arquetipo clásico mitológico", dice. "En Japón, a Max le dicen Ione Ronin Samurai. En Francia, consideraron al filme como un `Western sobre ruedas´, y a Max como el pistolero solitario. En Escandinavia, algunos dijeron que Max les recordaba a un guerrero Vikingo solitario que vagaba por el paisaje hostil ".

Al seleccionar a Tom Hardy para el papel, Miller supo que había hallado un actor que podría aportar veracidad palpable a la figura mítica, y destacó: "Es fácil ser cauto como actor, pero algunos son guerreros emocionales, y ese es Tom. Es intrépido. Yo esperaba que llegara alguien como Tom y sabía que él encontraría el alma de Max dentro de sí".

Miller percibió en Hardy una energía impredecible que le recordó a su primer encuentro con Mel Gibson cuando lo seleccionó inicialmente para el reparto como Mad Max hace tres décadas atrás.

"Es un carisma que nace de la paradoja que lo hace tan ser tan atractivo de observar", plantea el director. "Tom puede ser accesible y aun así misterioso, rudo y aun así vulnerable. Tiene una tremenda calidez, pero también un elemento de peligro".

Hardy tenía seis semanas de vida cuando se estrenó el primer filme, pero al crecer estuvo muy al tanto de la leyenda del Guerrero del Camino. Una vez que abrazó mentalmente la visión del director, comprendió que no se le estaba pidiendo que revisitara al personaje, sino que lo reinventara. "El Max de Mel es icónico", dice Hardy. "Pero cuando George me pidió que interpretara este personaje, entablé con él una colaboración a fin de transmutar a Max para los acontecimientos de este filme. Es un material brillante, y es un gran honor interpretar este papel".

Aun así, Hardy acudió a Gibson para que le diera su bendición. "Almorzamos juntos, y estuvo bueno. Él pasó la antorcha".

Personificado por Hardy, Max Rockatansky surge como veterano de una guerra del desierto, con habilidades que le permiten sobrevivir solo, y habiendo aprendido que el apego sólo lleva a la tristeza en un mundo hostil. "Max es alguien que sólo quiere irse a casa, pero su hogar no existe", dice Hardy. "No hay nada más que silencio, dolor y destrucción. Él vive en un lugar donde no hay humanidad, pero aun así, la anhela. Pero en este mundo, las relaciones cuestan".

En el filme, encontramos a Max contemplando el vacío muerto y monótono de la región de Plains of Silence, a dónde lo ha llevado lo último que queda de su antigua vida: su maltrecho Interceptor. "Él ha visto una cantidad tremenda de trauma y horror, y todo lo que le importaba en la vida está perdido", señala Hardy. "Pero aunque su vida en muchos aspectos no vale la pena, existe un argumento para desafiar a la muerte. No está dispuesto a morir hasta que imparta cierta dosis de justicia por todo de lo que se le ha despojado".

El momento se extingue con el rugir de motores poderosamente modificados a medida que rodea a Max una manada salvaje de saqueadores, los War Boys, que atacan por sorpresa al errante, y luego lo arrastran de vuelta a Citadel (el baluarte más fortificado de la región de Wateland), donde el auto será restaurado y Max será considerado ganado.

Es en Citadel donde conocemos a Furiosa, cuya ira desatará la siguiente Guerra del Camino. El viaje de Furiosa como guerrera en un mundo que esclaviza a las mujeres es lo que impulsó a Miller a realizar "Mad Max: Fury Road" desde un principio. Y el director dice que Theron hizo su lucha interna muy real. "Charlize es una mujer muy fuerte, no sólo física, sino también espiritualmente", señala. "Al mismo tiempo, uno reconoce su vulnerabilidad. No es una máscara. Charlize es, sin lugar a dudas, una mujer, pero éste es un personaje que no hace concesiones por ser del sexo femenino. Ha tenido una vida llena de tristeza y dolor, pero no hay tiempo para la reflexión. Ella tiene que salir y ser dura, y Charlize como actriz, tiene la pasión y la habilidad para salir sin miedo".

En Furiosa, Theron sintió que Miller había conjurado una mujer alfa como ninguna que ella hubiera visto, en especial en un set de acción. "Cuando George me dijo que quería crear una mujer Guerrera del Camino que pudiera ubicarse junto a este personaje tan icónico como su igual, le creí. Y no me defraudó. El material daba lugar a dos personajes que no se enamoran, ni se hacen amigos, porque aquí no hay lugar para las relaciones.

Esta colisión se hizo aún más combustible con Hardy en la mezcla. "Hay un sentimiento eufórico cuando llevas esa dinámica a la vida frente a un actor como Tom Hardy, que actúa a un nivel tan impresionante", comparte ella. "Realmente quieres estar a su nivel".

En cuanto a Hardy, la emoción que Theron puso en el personaje, con un mínimo diálogo y acción casi constante, lo dejó fascinado. "Charlize es un peso pesado", afirma. "Hay muy pocos actores en el planeta que puedan expresar no sólo una fuerza y una presencia tan tremendas, sino también una gran dosis de vulnerabilidad".

Como emperatriz de élite en Citadel, Furiosa conduce el War Rig (un vehículo de guerra que es también el más valioso al servicio del adalid de Wasteland: Immortan JoeFRD-DS-00072.png

Al concebir al complejo e imponente villano, Miller consideró el grado de habilidad, intelecto e insaciable hambre de poder que impulsaría a un personaje, no sólo a sobrevivir la espiral de muerte de la civilización, sino a prosperar.

Immortan Joe halla la respuesta en el agua, Aqua Cola. Es una de las únicas monedas reales en Wasteland, y la usa para obtener las demás (combustible de Gas Town y municiones de Bullet Farm), y además para subyugar a las masas de enfermos y hambrientos que han migrado hacia Citadel.

En lo alto de su fortaleza, en sus aposentos más protegidos, Immortan Joe dirige su operación y guarda en una bóveda sellada lo más preciado para él (sus Cinco Esposas). Él sabe que su primacía lograda con tanto esfuerzo no tiene esperanza con sus dos hijos: Rictus Erectus, interpretado por Nathan Jones, un niño en el cuerpo de un hombre gigante; y Corpus Colossus, interpretado por Quentin Kenihan, un intelecto maduro encerrado en el cuerpo de un niño. "Ninguno de ellos tiene capacidad para hacerse cargo cuando Immortan ya no esté, por eso tomó prisioneras jovencitas y saludables en una bóveda de clima controlado, y las fertilizará para producir un heredero varón saludable", relata Miller.

El director no tuvo que buscar lejos para el papel del adalid. En la primera "Mad Max", había elegido a Hugh Keays-Byrne como el alegremente psicótico Toecutter. En aquel momento, el espontáneo actor se había ofrecido a ayudar a armar un elenco y, si Miller despachaba las motocicletas, armaría un viaje en grupo de tres días de Sidney al set de "Mad Max" en Melbourne. Para asombro de Miller, para cuando llegaron, Keays-Byrne había transformado un grupo poco definido de actores en una verdadera pandilla de motoqueros.

"Ése es el tipo de carisma que yo necesitaba en grande para `Fury Road´, dice Miller. "Hugh usa máscara en el filme, así que nadie lo confundirá como Toecutter, y tiene esos ojos impresionantes y gran energía en la voz. Es un tipo que es un oso de peluche enorme y encantador, y le aporta verdadera gracia al personaje. Puramente por la fuerza de su personalidad, él sumó otra capa al filme. Realmente energizó a nuestros War Boys".

Immortan ha adoctrinado a los War Boys en un mito creado por él mismo de que es un inmortal que volvió para llevarlos al paraíso guerrero de Valhalla, por lo que se aventuran al combate en el camino con fervor religioso. Su otra religión es el acero y sus motores V-8, y como Black Fingers, cuidan la armada de guerra de Immortan en los rangos medios de Citadel, y se reabastecen del Blood Bank para prolongar sus medias vidas.

"Immortan te despellejaría vivo si no aceptas que él es un dios", expresa Keays-Byrne. "Si observamos la situación desde su punto de vista, la gente muere a un ritmo masivo por la contaminación del medio ambiente, así que él creó un programa de reproducción, bancos de sangre, bancos de leche, hidropónicos, cualquier cosa para conservar la existencia de la raza. Mantiene energizados a sus War Boys con sangre limpia, porque no pueden pelear para él si enferman y mueren. Él ama a sus muchachos. Y eso es lo que hacen los dictadores".

"Es un dilema moral", sugiere el guionista Brendan McCarthy. "Immortan trata de rescatar a la raza humana de su actual crisis genética, pero quiere hacerlo preservando su ya enfermo linaje. Utiliza métodos brutales, homicidas, para lograrlo, e inventa una religión para mantener engatusados a sus War Boys.

Nicholas Hoult es Nux, que ha logrado el máximo para un War Boy en su corta y fallida vida (el aclamado puesto de conductor, con su propio vehículo hot rod personalizado, y un motor V-8 escarificado en su pecho). "En esta historia, todos son mercancía, y aun así vemos en Nux la agitación de la juventud", dice Miller. "A pesar de estar viviendo una existencia miserable, y saber que no le queda mucho, es realmente capaz de sentir gran alegría, y Nick tiene esa energía por naturaleza. Es un actor maravilloso, sumamente disciplinado, fuerte y también tremendamente divertido. Nick simplemente emana esa exuberancia de juventud que realmente dice quién es este personaje".

Mucho antes de comenzar la producción, Miller creó una página de Internet segura cargada con videos de pruebas de vestuario, escenas de riesgo, y materiales de referencia para que los actores supieran los trasfondos de los personajes, lo cual fue algo valiosísimo para Hoult. "Esto daba idea de cómo Nux hacía siempre lo mejor posible por ser optimista", señala el actor. Él no sabe mucho del mundo, todo lo que sabe es que él solo tiene una media-vida. Tiene esos tumores en el cuello llamados Larry y Barry, que son como amigos suyos, pero que también lo están matando. Su relativa inocencia y entusiasmo son lo que ubican a Nux en el camino que toma en este filme".

Todos los War Boys son calvos, tienen tatuajes, escarificaciones, y el cuerpo pintado de blanco como firma de Immortan, así que Hoult se afeitó la cabeza y se sentó en el remolque de maquillaje durante dos horas cada día antes que las cámaras comenzaran a rodar. "Cuando tu apariencia cambia tanto te ayuda a acceder a distintas partes de tu personalidad", dice. Aunque disfrutó el proceso, admite que envidió a Theron. "Charlize entra, se engrasa la frente y sale. Fue como: `Un momento"...

Theron confirma: "Para mí, era nada más que: `¿Dónde está la grasa? Bueno, vamos". Como la actriz pasó tanto tiempo en el War Rig de Furiosa, guardaba un bolso de maquillaje y un espejo compacto dentro de la cabina para hacerse retoques sobre la marcha.

Cuando Furiosa desvía su camión y convoy de su viaje planificado a Gas Town, se vuelve claro que ella tiene un objetivo diferente, y el reino de Immortan estalla en algarabía. Lo que lo enfurece no es perder a su Emperatriz, o al War Rig siquiera, es la carga que ella transporta. La bóveda donde él guarda a sus reproductoras está vacía, salvo por Miss Giddy (Jennifer Hagan), su figura materna y maestra, y en la pared, garabatearon un mensaje simple: "No somos cosas".

Theron no ve el acto de Furiosa como algo heroico, ni siquiera motivado por la compasión. "Ella la hace de anti-héroe en el sentido clásico", afirma Theron. "Está motivada por imperfecciones muy humanas. Para mí, lo que la pone en acción, es que ya se hartó de sentirse inútil como mujer en un mundo donde las mujeres sólo sirven para una cosa: procrear. Y ella tomará lo que más importa a Immortan, porque él la despojó de lo que era más valioso para ella, al separarla del lado de su madre para después deshacerse de ella. Para mí, esto se trata de no permitir que los desgraciados se salgan con la suya, y eso me encanta".

Lathouris destaca que los paralelismos entre Furiosa y Max no son casuales. "Ella es de la misma clase que Max. Su historia no es diferente a la de él. Ella también ha sufrido grandes pérdidas en su vida, y también pasó del dolor a la venganza".

E Immortan contraataca con todo lo que tiene.

Cuando suenan los tambores de guerra, Nux está en el Blood Bank donde el llamado Organic Mechanic (Angus Sampson) le está dando una inyección de "sangre loca de alto octanaje") del más nuevo donante universal de proveniente de Citadel (Max, ahora esquilado, enmascarado, marcado y encadenado de cabeza, su sangre drenándose en la vía intravenosa de Nux. "La única razón por la que mantienen con vida a Max es porque su sangre es viable más que cancerosa", explica McCarthy. "La sangre juega un papel importante en este filme, y es casi un giro satírico en toda la idea de `llénelo´. Uno llena el tanque de los autos con `guzzolina´, como le dicen según el canon de `Mad Max´, y llenan a los War Boys con sangre".

Nux sabe que no le queda mucho tiempo, y la rebelión de Furiosa es la última oportunidad que él tiene de morir de manera histórica, con Max como su sustento. Dice Hardy: "Nux quiere salir y llevar a cabo esa persecución gloriosa, y para hacerlo, tiene que llevarse consigo su "Bolsa de Sangre".

Hoult agrega: "Nux necesita a Max, pero también se divierte con él. Max está aterrado e infeliz, y eso es algo muy gracioso para Nux. Se está divirtiendo como nunca".

Max sale disparado hacia el War Rig atado al capó de un auto que avanza a toda velocidad, desangrándose a cada latido de su corazón, mientras toneladas de metales ruedan y chocan a milímetros de su cara. La armada de Citadel, junto con pandillas lideradas por el jefe de Gas Town (Richard Carter) y el líder de Bullet Farm (John Howard), atacan atravesando la arena para converger en el War Rig y atacar desde cada lado. Con ruido sordo en el estruendo feroz, el Guerrero Doof (iOTA) reúne a los escuadrones de la muerte con rock and roll duro a viva voz por las planicies.

La armada no es la única amenaza que confronta al War Rig en Wasteland: cada grieta, agujero, cañón y pantano contiene una amenaza, ya sea el horror de la carroña de la tribu Buzzard subterránea, como los Rock Riders que acechan con infinito sigilo en un peligroso cañón por el que deben pasar los rebeldes. Hasta el cielo se les viene encima en forma de un agitado tornado de polvo y fuego (la tormenta tóxica).

Al evaluar los daños, Max descubre que está vivo, pero que sigue encadenado al War Boy, y que cayó en el mismo lugar que Furiosa y las Esposas. Son hermosas y prístinas en comparación con la mugre y la lluvia tóxica que lo rodea, pero él sólo tiene ojos para el War Rig (su única posibilidad de escape). Pero primero tendrá que pasar por Furiosa.

Luego de un enfrentamiento épico, con los dos guerreros usando cada arma y recurso a los que puedan echar mano (incluyendo a Nux y a las Cinco Esposas), pelean y empatan. "Max y Furiosa empiezan como adversarios que realmente se quieren matar uno al otro", señala McCarthy. "Son como dos animales primitivos que están al máximo, y son parejos en todo aspecto".

Al reconocer que las probabilidades de sobrevivir aumentan estando juntos, Max y Furiosa forjan una paz incómoda, y hasta Nux es arrastrado con su presa. "Nux planea matar a Furiosa y recuperar a las chicas, pero nunca lo logra", dice Hoult. "Una vez que deja de buscar su objetivo, se convierten en esa pequeña compañía, donde todos trabajan juntos y lo devuelven a la vida".

Para encontrar a las Cinco Esposas de Immortan, Miller trabajó con la directoras de casting en EE.UU., Ronna Kress, y Nikki Barret en Australia, quien seleccionó el reparto en una amplia red internacional a través de todos los niveles de experiencia actoral. Él vio a las Esposas como una melodía, y quiso una banda de individuos que pudieran aportar cada uno su nota. "Las Cinco Esposas son el clásico MacGuffin de este filme, el objeto que todos quieren tener", señala Miller. "Uno tiene que poder tomar cada una al instante en medio de esta búsqueda salvaje a través de Wasteland".FRD-DS-00253.png

Para The Splendid Angharad, la líder ad-hoc de las esposas, seleccionaron a la modelo convertida en actriz Rosie Huntington-Whiteley, con Riley Keogh que interpreta la segunda en el mando, Capable. Zoë Kravitz es la ruda y cerebral Toast the Knowing. Courtney Eaton interpreta a la protegida Cheedo the Fragile, y Abbey Lee se convirtió The Dag.

Las cinco viajaron a Sidney para tres semanas de ensayo, pruebas vestuario, trabajos de movimiento con la coreógrafa australiana Meryl Tankard, y exploración de sus personajes en talleres con Nico Lathouris. Como parte de su investigación, también pasaron tiempo con la dramaturga Eve Ensler, que ha trabajado en el Congo con mujeres que luchan con problemas de violación.

Eso fue particularmente revelador para Huntington-Whiteley, la única de las Esposas cuya violación resultó en concepción. "Eve Ensler fue brillante e hizo que todo fuera muy real para nosotras", señala. "Splendid es la líder y es un personaje sumamente fuerte. Ella hace un abordaje maternal hacia todas sus hermanas, pero tiene emociones conflictivas en cuanto a su embarazo. Investigué mucho por mi cuenta y tuve muchas charlas con Eve y George sobre cuánto conflicto tendría ella realmente con el hijo que espera. Ella sabe mucho sobre valentía, pero a menudo es imprudente, y veo eso como una expresión del dolor por lo que Immortan le hizo y la posibilidad de que ella aun pudiera amar a ese hijo".

Capable, interpretada por Keogh, tiene un lado tierno y compasivo que surge cuando encuentra a Nux escondido en el War Rig debido a un intento casi fatal por detenerlo. Keogh dice: "Como las Esposas vieron a Immortan cuando fue vulnerable, Capable sabe que él no es esa especie de dios que Nux cree que es. Ella siente empatía y encuentra un nuevo propósito cuando se encuentra con Nux. Ellos llegan a realmente preocuparse uno por el otro".

Hoult agrega: "Nux ha crecido en un mundo duro, así que el hecho de que Capable lo escuche y se preocupe por él es algo que él casi no entiende. Él es un poco como un cachorro. A partir de ese momento, está para ella. Ella es la única persona que ve la posibilidad de que él cambie esa vida y abra su mente a algo más allá de lo que él siempre supo".

Al otro extremo del espectro está Toast, que aspira a ser una guerrera como Furiosa.

Kravitz comenta: "Estas chicas nunca tuvieron que hacer nada por su cuenta, y ahora están en esa carrera por sus vidas. De repente, tienen que protegerse solas y cargar armas para Furiosa, y Toast es la que está dispuesta a luchar. No hay tiempo para pensar demasiado, ni dudar de nada, siempre hay alguien que te persigue".

Lee, una modelo que está haciendo su debut en cine, atrajo la atención de Miller para The Dag durante el proceso de selección del reparto. En un esfuerzo de percibir a los actores, pidió a las futuras Esposas que leyeran una escena de un filme o una pieza de televisión, más que líneas del propio guión. "Si alguien quisiera hacer una pieza de escritura muy rítmica de `Network´ o de algo tan cómico como la escena del loro de Monty Python... la elección me dijo mucho acerca de quiénes podrían ser como actores", revela Miller.

Lee fue la única que eligió Monty Python, y apropiadamente se convirtió en "el payaso de la clase" del grupo. "The Dag es un poco el momento cómico en la historia", dice Lee, quien, como australiana, creció inmersa en la cultura "Mad Max". Hay cierta oscuridad en ella, y de allí proviene la comedia, es su mecanismo para enfrentarlo. Su nombre deriva del término `daggy´ que es un término cariñoso para referirse a alguien que es un poco dejado, alguien incómodo. Tiene algo de atolondrada, lo cual puede confundirse con nerviosismo, pero realmente proviene de tener un sentido aumentado de conciencia de lo que sucede a su alrededor".

La vida imitó el arte en el set, ya que Lee tuvo una especie de ataque de pánico al ver a

Keays-Byrne arremeter hacia el War Rig en su vestimenta completa de Immortan Joe. Miller recuerda: "Ella dijo que ver a Hugh en su personaje por primera vez le causó los sentimientos más terribles. Y así es Hugh, es un tipo muy dulce, pero realmente te puede voltear con la mirada, con esos ojos detrás de una máscara que luce bastante salvaje".

Eaton, que tenía apenas 16 años durante el rodaje, interpreta a Fragile, la esposa más joven e ingenua. "Fragile no nació en el mundo exterior", describe Eaton. "Ella nació en Citadel, y no conoce nada más que esa vida. Así que el salir de allí la afecta. Ella quiere volver a algo seguro y estable, donde tenga comida y agua y sepa que no va a morir. Se parece un poco a la esposa abusada, que siempre quiere volver con su abusador".

Miller dice: "Todas las mujeres son vulnerables porque nunca han salido y, como dice Furiosa: `Duele estar aquí afuera´. De todas ellas, Fragile es la más vulnerable, pero ella encuentra su propia fuerza en la historia".

Fragile es la menos motivada para encontrar el Green Place, un oasis exuberante que Furiosa recuerda de su niñez, donde ella cree que las Esposas encontrarán una vida mejor para ellas mismas y el hijo por nacer de Splendid. "Furiosa no ha caído en la desesperación como Max", comenta Miller. "Ella está exhausta, pero aún le queda una última oportunidad de escapar a través de Wasteland, no por ella misma, sino por estas jóvenes que aún tienen esperanza. Ella trata de llevarlas al Green Place para que puedan encontrarle algún sentido a su propia vida".

Al igual que Max, Furiosa no confía fácilmente, pero (a través de circunstancia, función y necesidad), se gana cierta confianza. "El viaje de Furiosa se descarrila cuando se topa con Max", observa Theron. "De repente, están varados uno con el otro en ese viaje de esperanza, en un lugar donde realmente no la hay".

"Max y Furiosa son personajes muy similares, y desarrollan un entendimiento de almas gemelas que no se expresa con palabras", señala Hardy. "Que algo o alguien nos importe es algo peligroso, y ellos lo hacen. No es una historia de amor, pero ellos hacen aflorar algo, uno en el otro, que hacen que sea esencial que se conecten y se ayuden uno al otro para avanzar".

A medida que Immortan desata el infierno para recuperar su propiedad, Max se lanza a un contraataque para mantener en movimiento al War Rig y a Immortan en línea. "Dentro de este pequeño grupo, Max observa un vínculo y una unidad entre la gente que claramente está haciendo algo importante, y que le permite a él salir de su cabeza por primera vez en mucho tiempo", dice Hardy. "En un mundo donde la supervivencia lo es todo, y no hay nada a lo cual aferrarse, los momentos de humanidad son excepcionalmente profundos".

Lathouris destaca que la humanidad que Max presencia lo hace mover de su posición de "apartado", a una posición de "ser parte de", y señala que "Max ha estado huyendo de su mejor yo, pero en el War Rig, su mejor yo lo alcanza, y esa es Furiosa. Empiezan por querer matarse uno al otro, y terminan con Max deseando sacrificar su vida por ella y su causa. Lo que está roto dentro de Max se puede sanar con amor".

"Vemos cómo evoluciona hasta ser un hombre más noble, más confiable", reflexiona Miller. "Vemos lo que podría ser su mejor yo. Es donde ya está Furiosa. Ella es feroz en su determinación. Su corazón se acerca bastante a ser destrozado en este viaje, pero juntos, encuentran la manera de enfrentar el caos del mundo y hallar una especie de redención".  FRD-DS-00557r.png

EL ESPECTACULAR REGRESO DE UNA LEYENDA

"Mi mano te hará renacer de las cenizas de este mundo". - Immortan Joe

Desde la primera imagen, "Mad Mad: Fury Road" se desarrolló como una narración visual en la imaginación de Miller. En lugar de escribir un guión tradicional, el cineasta se contactó con Brendan McCarthy, un autor cómic, animador y artista que le había enviado su trabajo durante años. Lo que comenzó como una colaboración en arte conceptual, resultó en una invitación de Miller al declarado fanático del Road Warrior para escribir juntos el guión.

Para McCarthy, fue una propuesta que lo dejó boquiabierto. "Tú te das cuenta que yo no escribí ningún guión cinematográfico importante antes, ¿verdad?", recuerda haberle dicho McCarthy. "Él se encogió de hombros y dijo: 'No te preocupes, yo sí'. Así que nos pusimos a trabajar como dos lunáticos dentro del Thunderdome, y sacamos adelante la historia. Como fanático de las películas originales, fue maravilloso ver cómo una nueva película tomaba forma frente a mis ojos. Todo el tiempo estábamos elaborando la base inicial, fuimos muy conscientes que esta película tenía que llegar a los cines con todos los cilindros prendidos fuego. Sabíamos con seguridad que no podíamos defraudar a nadie".

Dos artistas más se unieron a la lucha para refinar las imágenes en miniatura de Miller y McCarthy y convertirlas en el desarrollo del arte definitivo: Peter Pound, a "tuerca" con una mente preparada para el movimiento y las especificaciones de un vehículo, quien se convirtió en el diseñador principal de vehículos de la película; y Mark Sexton, con antecedentes científicos y una visión para la construcción de mundos, quien fue el artista principal de storyboards. Luego de casi un año, el equipo creativo había empapelado la sala de conferencias del estudio de Miller con un guión gráfico de 3500 paneles: el primer borrador visual de "Mad Max: Fury Road".

Miller incorporó a Nico Lathouris para crear un análisis dramatúrgico de la historia, pero enseguida le pidió a su colaborador de antaño que se uniera al equipo de guionistas. "Creo que George accedió de manera intuitiva a un interesante estilo de la psiquis humana con la historia de 'Mad Max'", comentó. "Debajo de la continua acción de 'Fury Road', yo vi una constelación de personajes que están íntimamente afectados entre sí, y la profundidad de las capas alegóricas de la historia se convirtieron en una enorme influencia para ajustar las fuerzas dramáticas que operan entre ellos".

Tres miembros clave del equipo de Miller también se subieron a bordo desde el comienzo, y se aferraron en cada atasco, desvío y curva cerrada que el proyecto tomaría durante los siguientes diez años: PJ Voeten, Guy Norris y el diseñador de producción Colin Gibson. "Si no hubiera sido por las habilidades de PJ, Colin y Guy, no hubiéramos tenido la más mínima esperanza de llevar a cabo esta película", afirma Doug Mitchell. "Y tampoco hubiera sido posible si George no se hubiera tomado el tiempo de escribir la historia en forma visual. Los storyboards le permitieron editar la película toma por toma, y se convirtió en la Carta Magna de cada etapa de la realización de 'Fury Road'".

En los años siguientes, el círculo colaborativo creció para incluir a la diseñadora de vestuario Jenny Beavan, el diseñador de maquillaje Lesley Vanderwalt, los supervisores de efectos especiales, Dan Oliver y Andrew Williams, y el supervisor de efectos visuales Andrew Jackson.

Había pasado sólo un mes del comienzo de su muy merecido retiro cuando los productores invitaron al camarógrafo ganador del Oscar® John Seale a unirse al equipo. "Fue 'Mad Max', y fue George, después de todo", dijo Seale. "Así que no me tomó mucho tiempo decidirme. Me encanta trabajar con George. Es un hombre de lo más agradable. Uno está en el desierto, la cámara está filmando, el camión se da vuelta o vuela por el aire, el clima no coincide, y él pone su mano en tu hombro y dice: 'No te preocupes, Johnny, yo me ocuparé de ti: lo arreglaremos en la postproducción'".

Miller había planeado filmar con una sola cámara, pero para cuando estaban en plena etapa de filmación, Seale y su equipo tenían un promedio de tres a cuatro cámaras Arri Alexa Plus, y de dos a cuatro cámaras Arri M Steadicam grabando en forma simultánea cada día, además de las cámaras aéreas y las crash-cams con tarjetas digitales extraíbles. Seale también se ofreció para operar su propia cámara, captando la imagen a través de unos lentes de zoom 11:1 a lo que Miller apodó la "cámara paparazzi". "Me encanta andar por ahí y hacer tomas en primer plano", comentó Seale.

Y luego estaba el Edge Arm…

Desde las primeras etapas del desarrollo, el equipo de colaboradores compartió ideas con Miller acerca de todas las cosas que querían hacer de manera diferente en "Mad Max: Fury Road", y las más apremiantes eran las limitaciones que Miller había tenido con los vehículos que llevaban las cámaras. Decidieron construir un buggy para carreras todo terreno y le pidieron a una de las compañías de cámaras que lo equipara. Antes de poner el plan en acción, Voeten se fue a trabajar en otra película y descubrió lo que se convirtió en una solución elegante y revolucionaria.

Voeten recuerda: "El sistema Edge Arm ofrece la flexibilidad para poner una cámara en cualquier parte de manera segura, y obtiene las tomas más espectaculares. En cuanto entendí lo que podía hacer el Edge, supe que teníamos que tenerlo para 'Fury Road', y los volví locos a George y a Doug".

Durante una visita a Estados Unidos, Norris se reunió con Dean Bailey de LA Motorsports, quien se ofreció a construir un camión de ocho cilindros en V para carreras todo terreno súper equipado con una grúa giro estabilizada para cámaras montada en su techo, que podía extenderse a más de 6 metros de largo, girar 360 grados y alcanzar un rango completo de movimiento en cualquier dirección. "Después que George se subió por primera vez, proclamó que podríamos filmar toda la película desde allí", comentó Voeten. "Y el Edge Arm tuvo un desempeño brillante cada día".

Bailey trajo a un equipo de operadores, y Brooks Guyer y Michael Barnett manejaron la grúa y la cámara respectivamente a través de control remoto, todo atado al vehículo. Los cineastas también montaron "truggies" (una mezcla de camión y buggy) a control remoto en el desierto, equipados con cámaras a control remoto montadas en cabezales Libra para eliminar el desenfoque. "George le presta mucha atención a la seguridad, y nosotros planeamos tener la menor cantidad de personal posible en vehículos de alta velocidad", apuntó Voeten.

Miller pasó muchos días abriéndose camino entre las escenas de riesgo dentro del Edge, dirigiendo la acción en el momento a través de monitores de video partidos dentro de la cabina. "Es una máquina excepcional", dice maravillado. "Me volví tan adicto porque uno se ata y está en el medio de la acción, operando la cámara como en un videojuego. Para una película que fundamentalmente ocurre en tiempo real, tener la posibilidad de contar con un instrumento como ese es extraordinario".

"George se enamoró de él, así que finalmente contamos con dos de ellos: uno en la unidad principal y otro en la unidad de acción", comenta Norris. "Yo estaba totalmente encapsulado en este increíble vehículo todo terreno, no había ningún peligro y yo podía poner la cámara literalmente en cualquier parte. Probablemente filmé el noventa por ciento de las tomas de acción desde el Edge".

Para armar la coreografía de las escenas de riesgo, Norris separó los storyboards por escenario para diseñar una acción de inmersión que tuviera múltiples escenas de riesgo desarrollándose en forma simultánea y continua desde el principio hasta el fin. "Haber trabajado tanto tiempo junto a George me permitió aprender a dejar que la acción transcurra el máximo tiempo posible, hasta su punto final natural", relata Norris. "Como todas las escenas de riesgo suceden a la vez, George tiene la libertad de colocar su cámara en cualquier lugar de la escena".

Miller estableció tres reglas básicas, o estrategias de diseño, que se enlazarían a través de cada escalón del diseño y la creación, comenzando con el momento crítico. "Imaginen que, a partir del próximo miércoles, las potencialidades sobre las que leemos en las noticias suceden todas a la vez", explica el director. "Ahora saltamos 45 años hacia adelante. No hay producción en masa. Cualquier cosa que exista en Wasteland es un objeto encontrado que tiene un nuevo propósito. Y cada parte tiene que tener una lógica que explique cómo sobrevivió al apocalipsis, ya sea un arma, un par de anteojos o el brazo mecánico de Furiosa".

También era crítico honrar el instinto de invención y arte de los humanos. "Sólo porque se trate de una región desolada, no quiere decir que las personas no hagan cosas hermosas", continúa. "Recorrí el mundo, y aún las culturas empobrecidas tienen una estética poderosa. Entonces, todo debe tener una función en nuestra película, pero con mucho cuidado y de manera muy personalizada. Estos objetos encontrados sobrevivieron mientras los seres humanos no lo hicieron, y por ese motivo pueden tomar un significado casi religioso".

Pero, como él también lo señala, el rasgo del humor demente está escrito en el ADN de la experiencia "Mad Max". "Estamos en un mundo loco y oscuro, y la naturaleza humana implica entonces mostrar una cualidad descabellada y celebratoria. Hay una histeria que está muy bien descripta en un diálogo de Nux en el medio de una tormenta tóxica en la cual los vehículos vuelan por los aires. Para él, morir en este tornado de polvo y fuego es, posiblemente, el día más agradable que pueda existir".

Estos tres preceptos conformaron la columna vertebral para cada departamento que trabajó para armonizar las especialidades en un todo unificado. Para Gibson, el primer paso fue explorar cuál era el aspecto de este entorno post-apocalíptico. "El concepto de George siempre fue que esto era la acumulación de todos los posibles apocalipsis", describe Gibson. "Así que nosotros contamos con el lienzo perfecto donde dibujarle un sentido a la historia: el negro y golpeado acero de un vehículo, con la ocasional pátina de óxido, en un vasto desierto vacío. Pero no todo son vehículos golpeados amontonados. La humanidad está sufriendo. Existe un sentido de entropía en todo, así que un sangrado de nos permitió utilizarlo con moderación y hacer que fuera importante".

En el Wasteland de Miller, menos es más, y Gibson y sus colaboradores trabajaron para asegurarse que cada artículo pudiera ser rastreado hasta el colapso. Se lanzó a la compilación de una biblia que Miller había iniciado para formalizar las historias, las jerarquías, los sistemas de creencias y los recursos de cada una de las diversas tribus que pueblan la película. Esta biblia serviría para saber cómo lucen, actúan y hablan, así como para compilar cada máscara, modificación corporal, vestimenta, herramienta, arma o vehículo hasta el más mínimo detalle.

"Realizamos una horrible caída libre hacia una versión casi medieval del universo", relata Gibson. "Así que asumimos que habría polarización y fundamentalismo debido a la falta de recursos: la escasez, la falta de cosas, donde una lata de gaseosa vacía rellena con combustible es un tesoro. Decidimos que para que eso fuera verídico, necesitaríamos trabajar para que nuestra utilería, nuestros vehículos y otros artículos reflejaran fielmente la idea del fin del mundo".

La vida imitaba al arte mientras todos los equipos de diseño se dispusieron a reciclar y derretir todo lo posible para fabricar el mundo físico de la película: armas fabricadas con latas de gaseosa, cubiertas y cañerías; accesorios de automóviles construidos a partir de trofeos y jarras de peltre de segunda mano derretidos y una colección de vehículos fabricados a mano y a medida utilizando partes de carrocerías remozadas de 350 automóviles recuperados. Gibson revela que en Citadel, y en todos los rincones de Wasteland, uno usa lo que tiene para lo que necesita. "George insistió mucho en lo que él denominó 'polimorfo'. El propósito era una función brutalmente eficiente que podía forjarse de cualquier cosa, y adaptada según las necesidades. Una rama comienza como una lanza, pero se parte y se convierte en el pestillo de una ballesta, luego en una tablilla, en un mondadientes y finalmente en combustible para encender fuego".

La película presenta armas únicas fabricadas con lanzas que, en su punta, portan una granada para guerra de trincheras utilizada por los War Boys para perforar los vehículos blindados del War Rig. "Se trata de dispositivos explosivos con un detonador en la parte frontal, y el departamento de arte los hizo a la perfección", destaca Miller. "Si uno los mira de cerca, las manijas tiene un fino trabajo que se completa con borlas decorativas. No son meras armas, son objetos personales".

El mismísimo Gibson la pasó de maravillas fabricando armas con sus propias manos que podrían haber existido en un futuro menoscabado. "Todas se fabricaron reutilizando diferentes materiales: las pistolas atomizadoras y los martillos neumáticos se convirtieron en armas o lanzallamas", nos describe.

La diseñadora de vestuario Jenny Beavan se deleitó plasmando toda la imaginación de Miller en una realidad sustituta, en parte porque eso la sacó de su zona de comodidad. "Hice muchas películas de época, pero el atractivo de hacer algo post-apocalíptico realmente despliega tu cerebro de un modo muy diferente al que fue maravilloso poder zambullirse. Es elevado y fantasioso, pero aún así está enraizado en una extraña clase de realidad, y me encantó la libertad de crear cosas vibrantemente anormales".

Mientras otra de las reglas básicas de Miller fue evitar cualquier retroceso a películas anteriores, el equipo de storyboards se tropezó con algo icónico que resultó irresistible: la chaqueta de cuero original que Mel Gibson usó en "The Road Warrior". Una vez que surgió eso, Pound volvió a imaginarse la icónica chaqueta con hombreras para conceptualizar la nueva y resonante prenda para el Max de Hardy.

A partir de entonces, Beavan trabajó junto con Hardy para desarrollar el estilo del Guerrero de la Carretera en "Mad Max: Fury Road". "Tom aportó una tonelada de ideas propias", nos relata ella. "Reunimos una enorme cantidad de cosas y creamos el estilo que, por supuesto, él pierde inmediatamente. Pero la idea es que él lo recuperará durante el transcurso de la película".

El equipo de vestuario finalmente replicaría el atuendo de Max 20 veces más para ajustarse a todos los que hicieron escenas de riesgo, agregando una capa para el equipo de protección. Pero el mismísimo Hardy haría tantas escenas de riesgo como su físico se lo permitiera, incluyendo el desesperado escape inicial del personaje y su rescate de Citadel.

Beavan también trabajó mucho con Charlize Theron para seleccionar a mano y crear la camiseta blanca que usa Furiosa, sus anchos pantalones de cuero y la armadura corporal que cubre su vientre con un arnés de bandas horizontales de cinturones de cuero. El conjunto reflejaría las necesidades básicas del personaje: comodidad, funcionalidad, algo formidable y que la limite en una pelea. Furiosa perdió una parte de su brazo izquierdo y usa un brazo mecánico fabricado por el artista australiano Matt Boug a partir de materiales recuperados. También se fabricó una versión más liviana para Theron y su doble de riesgo, Dayna Chiplin, para aumentar su movilidad. "El brazo de Furiosa es un ejemplo perfecto de cómo imbuir objetos encontrados con destreza", presume Miller. "Puedes ver llaves, cigüeñales y partes de motores de automóviles. Incluye el motor de un aeroplano de juguete, que ella usa para el bombeo hidráulico si necesita mayor potencia".

Theron no entendió a Furiosa como alguien que dedica mucho tiempo a su apariencia y, después de largas discusiones con Miller y el diseñador de peinados y maquillaje Lesley Vanderwalt, tuvo una idea. "Yo recién había dado a luz, estaría en el desierto, entonces pensé: 'Necesito afeitarme la cabeza'", recuerda Theron. "Estaba tan entusiasmada que llamé a George, y él lo pensó por un momento. Luego dijo: 'Sí', y lo hicimos a la mañana siguiente. Mirando hacia atrás, no puedo imaginarme haciendo esta película de ninguna otra manera".

Vanderwalt, cuya historia con Miller se remonta a "The Road Warrior", también imbuyó al Emperador con una pátina de status diciendo: "Los emperadores de mayor ranking se cubrían la frente con grasa negra y usaban polvos metálicos y minerales para que se destacara".

El tono de la piel se convirtió en una poderosa piedra angular para Furiosa, Max y el pequeño grupo de rebeldes de la película. "Estas son personas que llegaron tan lejos y todavía conservan la posibilidad de la renovación", acota Gibson. "Mantuvimos vivos los tonos de sus pieles, especialmente con las Cinco Esposas, cuya propia piel habla de esperanza y de futuro".

En contra de la cruda realidad de la vida en Wasteland, las Esposas deberían verse completamente alienígenas. "El Immortan las considera su tesoro, y él las protegió de todos los venenos del mundo exterior", acota Miller. "En un Wasteland habitado por personas consumidas por el cáncer, las mujeres debían ser inmaculadas en cierto sentido".

Vanderwalt mantuvo un aspecto natural para Huntington-Whiteley, Keogh, Kravitz, Lee y Eaton, optando por iluminar las personalidades de los personajes a través de sus peinados. "George adora el cabello corto de Zoë, y pensamos que Toast debería habérselo cortado para ser guerrera", comenta Vanderwalt.

Para elegir sus prendas de vestir, los actores fueron al taller de Beavan y las seleccionaron entre una variedad de paños de tela de algodón y muselina que fueron inspirados por un ballet que Miller había visto, en el que los bailarines estaban ornamentados con vendajes de crepé. "Las Esposas vivieron en un entorno de clima controlado durante toda su vida", sugiere Beavan. "Así que cuando son alejadas de eso, la idea es que ellas estén vestidas de manera completamente inapropiada para estar en la región de Wasteland".

Para todos los demás en Citadel, el cuerpo es una tela donde cada individuo pinta, talla o viste sus creencias, orígenes y status. Gibson ofrece: "Las máscaras son un símbolo de status, las cicatrices hablan de tu pasado y tu posición, la ropa identifica tu rango: si eres chofer, lancero o, si no tienes nada, lo poco que tenías era muy importante para ti".

El horrible semblante de filas de dientes de caballo de Immortan cumple un propósito práctico para fregar las toxinas del aire, pero también para imbuir al villano con la formidable presencia de un semidiós. Keays-Byrne lo usó por sobre una armadura a prueba de balas de Plexiglás que también sirve para ocultar y controlar su físico enfermo, lo que mantiene a sus War Boys en una continua esclavitud kamikaze.

Los War Boys también usan un abanico de máscaras, cada una más aterradora que la anterior, y mayormente talladas en cuero y alambre por Beavan y sus equipos en África y Australia. Sus máscaras también cumplieron un doble propósito: venerar a Immortan y permitir que los dobles de riesgo que los interpretaban pudieran cambiar de identidad en diversas escenas de riesgo, incluyendo cuando estaban montados sobre varas arqueadas como los Polecats. Ellos también usan pintura corporal blanca, polvo y arcilla para honrar la palidez de Immortan, para lo que el departamento de maquillaje utilizó 61 tonos de piel diferentes. Vanderwalt y su equipo también decoraron las telas corporales de los War Boys con tintas, tatuajes autoadhesivos, escarificaciones y camisetas de tatuajes hechos a medida.

Cuando realizaron la tormenta de ideas sobre los modos de ataque de los War Boys, Miller recordó haber visto a artistas callejeros haciendo equilibrio sobre varas, y eso disparó su imaginación. "Cuando surgió 'Fury Road', pensé: '¿Y si ponemos esas varas en un vehículo en movimiento?' Los War Boys tienen que atacar al War Rig desde todos los costados, y si no pudieran sortear las ruedas o los barrotes, los Polecats podrían balancearse y atacar desde arriba, como piratas".

A pesar de enamorarse de la idea, él sabía que hasta su mejor equipo tendría dificultades para hacerlo de manera segura. "Cuando tienes a seres humanos en un vehículo en movimiento, si una sola cosa sale mal tienes un accidente grave", agrega.

Norris, Gibson y Oliver no dieron el brazo a torcer durante meses, pensando inútilmente en cualquier cosa, desde varas de bambú hasta equipos de salto con garrocha hasta llegar a la hidráulica. Cuando Miller estaba haciéndose a la idea de incorporar digitalmente a los Polecats, el equipo encontró la veta: desarrollaron una torre de metrónomo al revés que podría hacer el trabajo de manera sencilla, segura y consistente. La vara podía alcanzar los 9 metros con un bloque de motor que actuaba de contrapeso en la base, posicionado en el punto de apoyo, que podía ser ajustado para diferentes actores y movimientos.

El dispositivo permitió que los Polecats se deslizaran por el aire coordinando sus movimientos con el equipo de dobles de riesgo que estaba ubicado en el vehículo, empujando y tirando del bloque como apalancamiento.

"Así pudimos mover la vara hacia adelante y hacia atrás, literalmente hasta el suelo a noventa grados", afirma Norris. "Los muchachos estaban constantemente comunicados con audífonos, y pudieron mejorar su coordinación para balancearse hasta el suelo a noventa grados, o aterrizar sobre un tanque o una motocicleta. Una vez que entendimos la física, nunca existió ningún peligro que las varas se doblaran".

Norris le envió a Miller un enlace a sus filmaciones de prueba, con una breve nota que decía que tenía una sorpresa para el director. "Había una media docena de Polecats alrededor de un vehículo haciendo un hermoso y grácil movimiento, y Guy estaba arriba de una de las varas, filmándolo todo", sonrió Miller. "Cuando vi esta filmación, se me llenaron los ojos de lágrimas. Pensé que cualquier cosa que intentáramos sería demasiado insegura para llevarla a cabo, pero esos muchachos estaban completamente seguros en el aire. Podían quedarse allí todo el día. Fue maravilloso".

Luego, Norris acudió a su amigo de toda la vida y ex artista del Cirque du Soleil, Stephen Bland, para que lo ayudara a reunir un equipo de Polecats, quienes luego ensayaron durante bastante tiempo para afinar su ritmo y su simetría. "Esto le dio a George la libertad para no tener que detenerse a hacer ajustes durante una secuencia", relata Norris. "Él podía filmar a la Plataforma de Guerra atravesando el desierto, mientras los Polecats lo rodeaban y atacaban con movimientos coordinados, mientras un enjambre de ellos los corría por detrás, todo el vehículos de que avanzaban a toda velocidad".

En la catarata de escenas de riesgo que arrasaban Wasteland, cualquier día podía haber unos 150 dobles de riesgo en el set, pero los 65 dobles del equipo principal de Norris eran quienes personificaban al ejército de Immortan durante la película. El trabajo era único ya que no doblaban a otro actor, sino que representaban a los War Boys durante toda la toma. "En la película, se puede seguir a un War Boy desde Citadel hasta la persecución de la armada y hasta su muerte", explica Norris. "Todos ellos tuvieron muertes gloriosas, pero siempre existió algo de competencia para ver quién tendría la mejor muerte como War Boy".

Durante toda la preparación y la producción, los actores se sumergieron en sus personajes y en el culto a Immortan en sesiones grupales que involucraban un intenso entrenamiento físico y de lucha, entrelazado con talleres de dramaturgia con Lathouris y su socia, Nadia Townsend, y reuniones frecuentes con Keays-Byrne. A las sesiones también asistía el actor, músico y dramaturgo australiano iOTA, quien interpreta a Doof Warrior, el "pequeño baterista" de la armada de Citadel.

Josh Helman, quien enfrenta a Hoult con su personaje del lancero de Nux, Slit, recuerda: "Hugh aparecía como Immortan Joe, y iOTA improvisaba en el momento, lo cual era increíble. Todo eso generaba el entorno de culto de los War Boys".

iOTA escribió y grabó sus propios temas de guerra para que el Doof Warrior tocara en su guitarra eléctrica de doble cuello / lanzallamas como el líder de la banda demente de la Guerra de la Carretera. Durante la producción, el grabador de sonido del lugar, Ben Osmo, transmitía esta música a los audífonos del grupo de percusionistas Taiko de Doof Wagon, lo que les permitía mantener el tempo del ruido sordo a pesar del estruendo de los estruendosos motores de 8 cilindros y el combate callejero.

People Eater y Bullet Farmer, interpretados por John Howard y Richard Carter respectivamente, lideraban a sus pandillas a la Guerra de la Carretera en un huracán de fuego y lluvia de balas. Diseñados por McCarthy, People Eater representa los excesos y las peores cualidades del hombre civilizado. "Hice un bosquejo de un hombre enorme en un traje capitalista de rayas finas hecho jirones. Él tiene lepra en la nariz, así que usa una falsa nariz para cubrirla", relata McCarthy. "Era bastante aterrador, así que George lo bautizó correctamente como el Come - personas".

En su piloto cargado de municiones y con su cabeza completamente hecha de balas, McCarthy imaginó al Bullet Farmer como a "un absurdo y enloquecido fabricante y vendedor de armas".

La aventura para encontrar el lugar de filmación para la Guerra de Carretera de la película fue casi tan épica como la mismísima producción. El equipo tenía algunos requisitos básicos para la locación: plana, arena, vegetación escasa y cañones, así como también una base que pudiera soportar la infraestructura de una unidad de filmación. Voeten y Gibson recorrieron el planeta buscando esa combinación mágica en América del Sur, África y Medio Oriente, pero finalmente decidieron regresar a Broken Hill en el desgarbado interior australiano, lo que Voeten llama "el hogar espiritual de Mad Max". "Cuando George lo encontró, era la primera vez que regresaba allí después de hacer 'The Road Warrior'", recuerda.

Pero luego de dos años de registrar un récord de lluvias, las locaciones ya no existían en Australia. "Necesitábamos encontrar una locación de filmación donde nunca lloviera", afirma Miller. "Entonces fuimos a Namibia".

Cerca del extremo sur de África, Namibia se ubica en el cruce de las corrientes heladas de la Antártida y el calor que emana del desierto africano, lo cual ofrece el clima único que se necesita en una región como Wasteland. Swakopmund, en la Costa de los Esqueletos, fue un centro apropiado para una gran producción, y el desgarbado Desierto de Namibia les ofreció a los productores una variedad de lugares y escenarios ilimitados para una Guerra de la Carretera. "No hay nada", afirma Miller. "Es sólo un paisaje enorme y maravilloso, el cual resultó perfecto para el mundo que intentábamos crear".

La compañía se preparó para desarmar, empacar y despachar cada uno de los componentes de esta enorme producción, incluyendo 150 vehículos, desde la costa este de Australia a la costa oeste de África.

Mientras Wasteland se forjaría en Namibia, Gibson montó Citadel a través de una red de escenarios montados en Namibia, Sydney y Cape Town, Sudáfrica. "Históricamente, siempre existieron Ciudadelas", dice. "Siempre existió ese último bastión, así que tuvimos la posibilidad de organizarlo como una sociedad de feudalismo fascista alineada en forma vertical".

Las torres de Citadel, que parecían montadas por termitas, y las vistas de los alrededores fueron creadas digitalmente por el supervisor de efectos visuales Jackson y su equipo. "Las paredes de piedra están basadas en las Montañas Azules, situadas al oeste de Sydney", revela Jackson. "Volamos en helicóptero muy cerca de estos enormes acantilados y tomamos muchas fotografías muy detalladas de alta resolución. Luego, convertimos las fotografías en grandes elementos de pared generados por computadora utilizando el software Photoscan que pudimos recortar e incorporar a la forma de la Ciudadela. Eso nos permitió tener un resultado muy fotográfico y realista".

La base de Ciatdel fue parcialmente construida de imitación de piedra y arena verdadera, con estanques profundos y paredes, caminos y crestas para que el paisaje coincidiera con el entorno generado por computadora. Toda la caldera de piedra de tres torres fue diseñada e incorporada al Wasteland digital por el director de arte de efectos visuales, David Nelson.

Los sets del interior de Citadel representaban diferentes áreas y niveles de importancia de la sociedad, desde las áreas de los trabajadores hasta la propia casa colgante y escondite, el BioDome, así como también la antecámara y el saliente donde él sirve el ocasional trago de Aqua Cola a las masas. El símbolo de Immortan, una calavera revestida de un volante en llamas que une al automóvil con la muerte, fue desarrollado por Peter Pound, y se convirtió en un símbolo recurrente de en el War Rig, el Automóvil de Nux y el Doof Wagon a medida que desarrolló los primeros diseños de cada uno de estos vehículos. Esas fauces abiertas que se tragan todo fueron talladas hasta en el balcón de Citadel para que las apariciones de Immortan fueran mucho más imponentes.

Aunque el más ubicuo es el volante, las 'llaves' de la armada de Immortan, que formó el set del Altar, creado como un santuario para Immortan y un homenaje a quienes murieron en la gloria de la batalla. Cerca del Altar está el Blood Bank, una combinación de hospital ad-hoc, depósito de Bolsas de Sangre y taller donde los War Boys fabrican herramientas y armas.

Otros sets incluyen el Taller Mecánico, los jardines Ponnix, el Drenaje, la Sala de los Lecheros y la Sala del Cabestrante, épica en escala y acero, con enormes tambores manejados por humanos que mueven los camiones, el arsenal y el rescate desde Wasteland con un cabestrante. El laberinto de túneles y catacumbas donde Max hace su vuelo y rescate desesperado también fue construido a partir de la Celda, una pesadilla de tortura y arte corporal del herrero.

Cuando la acción se traslada hacia afuera de la esfera de Citadel, el equipo de diseño tuvo la oportunidad de darle forma a tres tribus que se adaptaron a los duros alrededores de la región, el primero de los cuales aparece desde debajo de su superficie. Los Buzzards son cazadores de carroña que hurgan en los desperdicios buscando restos de metales y artillería, son espectros parecidos a las momias cubiertos con vendajes, redes bucales y anteojos.

Los Rock Riders hacen llover la muerte desde arriba en lugar de hacerlo desde abajo,recorriendo el cañón por donde debe pasar el War Rig. La locación se encontró en el Valle del Río Swakop en Namibia. Aquí, las "hienas en motocicletas" enmascaradas, como las llama Gibson, atacan desde las altas paredes del profundo cañón en motocicletas personalizadas de todo terreno. Gibson y su departamento de arte construyó rampas y montañas rusas para aumentar las maniobras de la tribu de manera práctica, y el departamento de efectos visuales de Jackson construyó las paredes del cañón para hacerlas aún más imponentes. "El sistema de ataque de los Rock Riders se deriva de vivir en las alturas y poder subir y bajar las paredes del cañón con una habilidad que desafía a la gravedad", aclara.

Para encontrar a un equipo que pudiera representar el virtuosismo de maniobra de los Rock Riders, Norris acudió a la comunidad de dobles de riesgo para reclutar al quíntuple campeón de motociclismo de Australia y entrenador líder de freestyle, Stephen Gall, quien se ocupó de reunir a un talentoso equipo de freestylers. Dijo Norris: "Nosotros queríamos crear una acción nunca vista antes, y Stephen tiene sus dedos en el pulso del mejor motociclismo que existe. Y lo que sus muchachos hicieron en esta película fue superior a todo. Fue increíble".

Mitchell agrega que toda la acción en motocicletas de la película fue posible gracias a la habilidad del coordinador de cordajes y coordinador de la segunda unidad de dobles de riesgo, Keir Beck. "Estos motociclistas tenían que lanzarse a través de áreas empinadas, pero Keir colocó redes para asegurarse que todos estuvieran seguros".

Las motocicletas también son el vehículo elegido por los Vuvalini, una fantástica tribu de mujeres guerreras que subsisten a duras penas en un paisaje árido en el límite del mundo conocido, en un lugar que la producción localizó entre el Río Swakop y la Bahía de Walvis en Namibia. En un duro contraste con los conjuntos que proyectan status en Citadel, las Vuvalini usan ropas preparadas para la dura existencia que viven entre los desperdicios. "Tienen una vestimenta que las cubre, pero parte de las mismas se estira en marcos hechos con cañas de pescar para proyectar la sombra que les permita conducir en el desierto o que les sirva de refugio por las noches", explica Gibson.

Los últimos vestigios remanentes de una sociedad matriarcal, las Vuvalini son representadas por Megan Gale como The Valkyrie y Melissa Jaffer como The Keeper of the Seeds, junto con Melita Jurisic, Gillian Jones, Joy Smithers, Antoinette Kellerman y Christina Koch. Lathouris se refiere a las Vuvalini como a "las personas que son más capaces de llevar algún tipo de salud mental al mundo".

Para Theron, la introducción de una tribu como las Vuvalini ilumina la presentación que hace Miller de las mujeres en "Mad Max: Fury Road". "George montó una dinámica fantástica con las mujeres en esta película", agrega. "Al hacer que estas jóvenes mujeres se escapen con Furiosa y conozcan a mujeres de sesenta, setenta y ochenta años que participan en la Guerra de la Carretera en motocicletas, realmente está explorando a las mujeres de todas las edades de este mundo, y eso no siempre es lo que sucede en películas de acción".

Durante el desarrollo de los hechos, ellas también enfrentarán a sus motocicletas y su deseo contra la enorme armada desatada por Immortan Joe…FRD-DS-00668.png

FURIA SOBREALIMENTADA

"¡Nosotras no somos cosas!" - las Esposas

Los cerca de 150 automóviles, camiones y bicicletas artesanales de "Mad Max: Fury Road" son verdaderos personajes en la película, algunos originados por el jefe "del engranaje " y el artista del storyboards Peter Pound, y todos realizados por el jefe "de las revoluciones" Colin Gibson . Los vehículos prácticos hechos de objetos reciclados, la flota musculosa de vehículos de la película, fueron construidos no sólo para ajustarse a la lógica de la historia y el papel que desempeña cada uno en la acción, sino también para sobrevivir meses de conducción dura en los desiertos abiertos de Namibia . " Técnicamente, el terreno del desierto y el clima crean problemas logísticos - de sobrecalentamiento, desgaste de la suspensión, aspiradores obstruidos, etc. - pero esos mismos antagonismos se agregan a la belleza y la física pura de la acción con remolinos de polvo, la arena que escupen y los vehículos aéreos", dice Gibson .

Las reglas básicas iniciales de Miller definitivamente aplican a esta salvaje colección de máquinas de muerte mecanizadas. "Cuarenta y cinco años después del apocalipsis, los vehículos con más probabilidades de sobrevivir y tener alguna posibilidad de funcionamiento serían los que no tienen microprocesadores, chips de computadora, o tecnología de deformación que tienen en los autos de hoy en día", observa Miller. "Los viejos autos musculosos y los rat rods tienen carrocerías rígidas y son menos aerodinámicos, y usar vehículos de los años 80 de vuelta a los años 40 les da un cierto estilo también ".

Más que cualquier otro vehículo, esta estética es personificada por el Interceptor, el distintivo Ford Falcon XB Coupé negro 1974 de Max Rockatansky. "En el Oeste, los vaqueros tenían su caballo favorito y Max tiene su Interceptor", señala Miller .

Como el propio Max, encontramos el Interceptor como sobreviviente herido en el Wasteland, embrujado y reformado en el pasado por Wars Road. Aunque la avejentada y atractiva máquina de la muerte llegó a su ardiente fin en "The Road Warrior", la encontramos de nuevo en "Mad Max: Fury Road", describe Gibson, como "una leyenda vista en la cuneta, toda oxidada y traqueteando con demasiadas reparaciones y muy pocas piezas originales ".

En Citadel, el Interceptor es restaurado y regresa, descampado, modificado, con 4-wheel drive, y en armas para causar estragos en un futuro cada vez más brutal. El chasis clásico no es tan elegante como su predecesor, pero considerablemente más musculoso y mortal. "Hacen que sea más extremo", dice Miller. "El Interceptor era sólo negro, pero los War Boys lo puliieron con un plateado mate, lo armaron con más potencia de fuego, y le instalaron un motor enorme ".

El vehículo más valioso en las dunas es el War Rig de Furiosa , que está lleno de marcas y es intimidante y tan resistente como su conductora. "El War Rig tiene una presencia distinta en la película, así que pasamos mucho tiempo diseñándolo", comenta Miller. Le pusieron picos y esqueletos para mantener a la gente alejada y proyectar una sensación de temor a cualquiera que quiera atacarlo. Tenía que ser muy funcional, pero también tenía que ser memorable. Después de los personajes humanos, el War Rig es probablemente el personaje más importante de la película ".

Concebido por Peter Pound, el War Rig fue hecho de un Tatra bastardeado checoslovaco y un Chev Fleetmaster, fundidos en un todoterreno con tracción en seis ruedas de 18 velocidades impulsado por motores gemelos V8 en cadena que transportan su masiva doble carga útil de un depósito voluminoso y cápsula posterior de combustible . Soldados al casco están los caparazones de un VW Bug y la cabina de un camión que sirven como fortalezas móviles para los War Boys, que también viajan junto al War Rig a través del desierto en un convoy de autos y motocicletas. El interior refleja la mente estratégica e intuitiva de su conductora, desde bastidores de herramientas y armas ocultas hasta un volante de cráneo hecho de alambre que subvierte el símbolo de Immortan .

El mismísimo Immortan está ubicado encima del volante del imponente Gigahorse, un sueño febril intermitente de exceso, carnalidad y fuerza bruta. Miller llama al Gigahorse un "Cadillac con esteroides" - una inyección directa de doble vía que acopla un par de Cadillac Devilles 1959, que han sido divididos, ampliados y montados uno encima del otro para sobresalir con arrogancia hacia el cielo desde sus afiladas hasta sus alterados alerones de cola. La bestia se alimenta a través de una caja de cambios personalizada que armoniza su motor gemelo V16 y ruedas traseras dobles de dos metros de altura". Armado con un arpón ballenero y el propio lanzallamas del diablo, el Gigahorse es probablemente lo primero que se escucha y lo último que se ve en Fury Road", Gibson sonríe.

Nux se lanza al Road War dentro de un trucado Chevrolet 5-puertas coupé con Max atado al capó y Slit controlando a Thundersticks en la parte trasera - listo para conducir a todos hacia una muerte gloriosa. Nux venera a Immortan en su volante y en el capó. "Pero su verdadero dios es el motor, su verdadera iglesia, el auto", dice Gibson .

El carro súper-turbo de Nux impulsado por óxido nitroso, está hecho de un chasis de acero pulido equipado con un motor V8 de espiral, ruedas inclinadas que caen hasta abajo y tubos de escape en forma de ala. Él ha decorado el interior con los juguetes y objetos aleatorios que ha encontrado a lo largo de su corta vida, desde su palanca de cambios con forma de globo ocular hasta su volante con cara de muñeca.

En el extremo opuesto de la barra caliente de Nux está Bigfoot, el camión de elección para Rictus Erectus, interpretado por Nathan Jones. "Rictus es el hijo mayor de Immortan, y necesita un vehículo que corresponda a un hombre-niño de siete pies de altura", comenta Miller. "Y, por supuesto, está armado con arpones y otras armas ".

Un caballo de batalla Fargo de 1940 modificado, Bigfoot lleva el arpón en la parte posterior, junto con una ametralladora accionada por una correa. Dentro de su estructura de acero golpeado, un V8 sobrealimentado sosegado por un turbo 400 de transmisión automática impulsa sus caricaturescos y enormes neumáticos Terra de 66 pulgadas a través de un concentrador de reducción de engranaje planetario en ejes de trabajo pesado de un superpetrolero ex militar. Con cuatro pies de suspensión y casi 600 pulgadas cúbicas de desplazamiento, Bigfoot, dice Gibson, "es el único vehículo capaz de escalar una montaña caída" .

El gran volumen de vehículos que estalla en todo Wasteland sólo es comparable con la eficacia y variedad de su equipo. Motocicletas de carreras Yamaha viajan lado a lado con una flota de vehículos armados súper cargados Caltrops, que llevan el séquito personal de guardias de Immortan. Para la acción fuera de la carretera, hay un paquete de Buggies de todas las formas y tamaños, junto con el complemento de Carros de Fuego, Camiones Mack y un Portador de Auto que puede ponerse en acción cuando sea llamado a las armas .

En el mundo Road Warrior, hay máquinas construidas para el transporte, el combate o la velocidad, pero sólo uno construido en roca. Una bamboleante intimidadora y máquina de rally, la Doof Wagon es un Carmageddon sónico sobre ruedas - bombeando la banda Immortan de War Boys llenos de entusiasmo kamikaze como su par de torsión de salida, y motores sobrealimentados V8 bombeando a la batalla . El escenario móvil de pórtico está lleno de alta altavoces gigantescos, sistemas de megafonía y conductos reutilizados de aire acondicionado reverberando al ritmo de tambores Taiko en la arena. El Doof Warrior se balancea en una cuerda elástica montada en la parte delantera mientras él hace trizas metal y llamas de una guitarra eléctrica de doble cuello/lanzallamas.

Cuando Immortan Joe forma sus bandas de guerra, necesita todo el combustible que el People Eater pueda refinar y transportar de las superficies en ebullición de GasTown . El vehículo de elección para el Guardián de Gas Town es una limusina Mercedes con ventanas de celosía recortadas encaramadas en una torre de grietas horizontales que refina los combustibles a partir de aceite incluso mientras se precipita a través del desierto. Cada pulgada del People Eater rezuma el consumo y el exceso, de sus tanques de combustible que saltan sobre su parrilla ostentosamente adornada. Miller señala, " El People Eater es una especie de contador de frijol para Immortan Joe, así que pensamos que si él tenía una limusina Mercedes, bien podría decorarla con cada parrilla del auto de lujo que pudiera encontrar ."

Siempre cerca de la nube del escape del People Eater , están una serie de Fire Cars , junto con un motor súper cargado V8 de Volkswagen Bug, terminado en un acabado en plata pulida que refleja la cabeza abovedada del People Eater , y luciendo los tubos de escape triples, un lanzallamas de doble cañón, y bidones de combustible que imitan las tuberías, tambores, bobinas y cubas de condensación de su Master.

Si la Guerra se hubiera librado en una carretera llena de llanuras ininterrumpidas, esto sería el juego de nadie. Pero en un Wasteland mercurial, con su amenaza omnipresente de tormentas tóxicas, canteras de arena y pantanos hambrientos, el Bullet Farmer brilla. George, en su narración, tiene algo de puntuación a la persecución - uno de los cuales es Night Bog , que inmoviliza una gran cantidad de vehículos", ofrece Gibson. "¿Y qué puede salir a través de un pantano, si no es un tanque?"

Un chasis de cobre de un Valiant 1979 soldado a la carrocería de un Ripsaw Tank, de fabricación estadounidense, vehículo de asalto por excelencia, irónicamente llamado el Pacificador, se casa con la ametralladora, la banda de rodamiento del tanque y torpedea durante un Merlin V8 refrigerado por agua. Diseñado con las piezas de aviación, un acabado de boca de tiburón de balas, y llevando un enorme arsenal de Immortan Joe acorde con el traficante de armas exclusivas, esta imparable y altamente maniobrable máquina de guerra visualmente impactante, puede superar más de 60 kilómetros por hora y no dar tregua al traicionero terreno .

El convoy de Bullet Farmer es igualmente mortal, ya que mientras dragan Wasteland en amenazadores Claw Cars , están diseñados para aplastar, y como su nombre indica, para tomar en sus garras todo a su paso. Los Claw Cars son vehículos modificados, como un International Ute y un F250 remolque del camión dentado Ford, entre otros. "Tienen artilugios en la parte trasera que son ridículos y como rastrillos o anclas gigantes que luego caen y se entierran en la tierra para proporcionar una contrafuerza", explica el artista director del storyboard Mark Sexton". Y luego utilizan la fuerza de las garras de excavación a través de la tierra para reducir la velocidad de los vehículos opuestos ".

Incluido en este convoy fuertemente armado está el Ploughboy, un vagón EH montado sobre un marco fuera de la carretera y aparejado con arpón y arado-hidráulico accionado para labrar el campo de batalla por el botín, ya sea de metal o de carne .

Las tribus que aparecen en la película también tienen sus vehículos distintivos. La tribu Buzzard explota de la tierra agrietada en cacharros de pinchos y su vehículo "madre" descomunal, el Buzzard Excavator . Estas máquinas de arrastre de carroña son especialmente diseñados para aplastar, perforar, desgarrar y cavar túneles a través de cualquier cosa en su camino. El Buzzard Excavator fue construido a partir de un tractor M.A.N. 6 X 6 y equipado con 1757 amenazadores pinchos - exactamente el número de púas que el departamento de arte contó en la piel de un Equidna de Tasmania, el oso hormiguero australiano que lo inspiró - con Buzzards restantes reciben la mayor parte de las 5.000 puntas de acero fabricadas a mano a partir de paneles de automóviles reciclados para la película .

Ágiles como cabras montesas, los Rock Riders patinan los acantilados en muy adaptadas motocicletas Gas Gas y Yamaha. El Vuvalini ha parcheado juntas su propio enjambre de motos, que son muy resistentes, versátiles y resistentes. Bicicletas de paseo pesadas modificadas, las Vuvalini de paseo escuchan de nuevo a la edad de oro de las motocicletas, con asientos de cuero personalizados con detalles femeninos y estilo nómada que, dice Gibson, "le dan la última emoción de su último viaje antes de que estas preciosas pollitas antiguas los lleven en su último viaje".

Finalmente, después de una década de diseño, creación, puesta a punto y los toques finales, 150 máquinas de guerra mecanizadas de la película llevaron la Guerra de la Carretera a la vida real cuando se ponen a prueba definitiva en las arenas del desierto de Namibia.Muchos resistieron la tormenta, no todos sobrevivieron, pero cada uno ganó su homenaje. "Todos ellos estaban ahí para muchas grandes escenas, sobre todo al principio", comenta Miller. "Entonces, poco a poco, hubo un desgaste. Esto no se puede evitar, es una guerra".FRD-DS-00694rv2.png

PREPARACIÓN DE LA GUERRA DEL CAMINO

"Aquí afuera todo duele". - Furiosa

Justo antes de que la fotografía principal comenzara oficialmente en las planicies del desierto del Namib, Miller reunió a una pequeña unidad para filmar la secuencia de apertura de la película, la cual presenta a Max como un harapiento habitante del desierto antes de lanzarlo rápidamente a un choque catastrófico, que es preparado por el recién llagado Thunderstick de los War Boys.

Sentado al frente del Interceptor por primera vez en más de 30 años, Guy Norris estaba listo. "Guy sólo tenía 21 años cuando hicimos 'The Road Warrior' y prácticamente cada vez que veías a alguien, era él", revela Miller. "En esa película él hizo una acrobacia llamada T-bone, que ahora es bastante famosa. Después de todos estos años él quería hacer esa acrobacia en sobremarcha y hacer girar el auto más veces de lo que nadie hubiera hecho antes".

El único problema era que en una película que tiene un movimiento casi constante, Miller quería conservar una cámara fija, lo cual significaba que la serie de giros rápidos como disparos tendrían que terminar justo delante de la cámara. Norris habló sobre la acrobacia con Dan Oliver y su co-supervisor de efectos especiales Andrew Williams. Decidieron modificar un ariete aéreo impulsado por una palanca, llamado Flipper, para hacer que el Interceptor comenzara a rodar. La ejecución de la acrobacia requería coordinación y manejo muy precisos, por lo que Norris se ofreció como voluntario para hacerla él mismo. Dentro de una explosión de polvo, Norris hizo que los 17 giros terminaran en una fotografía perfecta.

"The Road Warrior" fue la primera película importante de Norris y reconoce que Miller estableció un estándar que él ha mantenido a través de todas las películas en las que ha participado posteriormente. "Mi teoría es que George es Mad Max y estamos conociendo este mundo a través de un personaje que tiene una gran parte de él", reflexiona Norris. "Él ve las películas casi desde el punto de vista de las audiencias y creo que quería que el público estuviera al frente de ese vehículo con Max desde el primer momento. Todo estaba ahí visualmente; mi trabajo consistía en determinar cómo lograr todo lo que George quería hacer".

Desplegar la producción de "Mad Max: Fury Road" a través de los desiertos de Namibia fue impactante tan sólo por el volumen. En la parte álgida de la filmación, la compañía contaba con 1,700 miembros del personal, con un promedio de 1,000 personas en el escenario en cualquier momento determinado. Toda la operación requirió cinco camiones antiguos de transporte militar alemanes 8 X 8 solo para llevar el equipo de una locación a otra. "Era una pirámide enorme de personas y nunca nos quedamos en una locación", recuerda Mitchell. "Tuvimos que mover nuestro campamento base, que tenía un tamaño equivalente al de tres estadios de futbol, seis veces en 120 días".

Miller y Norris habían reclutado al asesor en asuntos de guerra y armas Jon Iles, cuyos conocimientos sobre tácticas militares y estrategia se volvieron invaluables. "Era parte del personal y se volvió una especie de sargento encima del War Rig", añade Norris. "Filmamos durante meses y hablamos acerca de asuntos de guerra: ¿cómo atacarías un convoy militar en la vida real? ¿Cómo defenderías un vehículo armado? Y la experiencia de Jon iba desde Irak hasta la Primera Guerra Mundial y más allá".

En una producción de este tamaño, con acrobacias de esta escala, la seguridad era totalmente esencial en el escenario de "Mad Max: Fury Road". El funcionario de seguridad Sean Rigby trabajó como doble de cine y entiende la dinámica y la física de las películas de acción, además de que vigiló detenidamente todas las acrobacias y los efectos especiales que se sucedían todos los días.

Cuando no andaba haciendo recorridos con el Edge Arm, la base de operaciones de Miller durante la filmación era un camión móvil llamado "aldea de video" que fue preparado por el operador de video dividido Zeb Simpson, en donde las imágenes de todas las unidades y las cámaras montadas en los vehículos se transmitían simultáneamente a un conjunto de monitores.

En "Mad Max: Fury Road," John Seale trabajó por primera vez con cámaras digitales. Con el fin de preparar un efecto que semejara la noche durante el día en la cámara para la secuencia de Night Bog, que se realizaba en medio de los estanques de desalinización en una fábrica de sal en Walvis Bay, aprendió un nuevo truco del supervisor de efectos especiales Jackson. "Habían hecho pruebas y sugirieron que hiciéramos una doble exposición en dos grados", recuerda Seale. "Eso iba en contra del grano porque por lo general hacemos una exposición inferior en dos grados para obtener día durante la noche. Pero con la impresión inversa obtuvimos una apariencia más oscura, sin mucho ruido en las áreas de sombra y obtuvimos un hermoso efecto de luz de luna".

Mientras que las acrobacias y los chistes se filmaron en una gran variedad de locaciones en el desierto, la teatral persecución de la armada en la película se filmó en vivo en la extensión de Blanky Flats en Henties Bay. Para Theron, la inmersión total en la característica avalancha rodante de Miller fue poco menos que impresionante. "Como actriz, te preparas para ciertas cosas que tienes que hacer, pero en esta película había momentos sorprendentes cuando veías cosas para las que no te podías preparar", afirma. "Como los dobles de cine haciendo las secuencias de pelea colgados de cables y poleas, o ver explosiones reales, y manejar realmente el War Rig, fue algo asombroso de ver. Te das cuenta de que realmente estás en un mundo. No hay pantalla verde. Es un director dándote la oportunidad de integrarte a un mundo completo. Es un gran regalo".

Cuando los actores necesitaban estar al volante durante secuencias de mucha acción, el equipo de acrobacias montaba varillas de conducción remota para que les permitieran tomar el control total del vehículo. Una de las secuencias más brutales ve al enorme Buzzard Excavator empujando hacia atrás al auto de Nux en medio de la arena. Esta acrobacia requirió una varilla de conducción en la parte posterior del vehículo y no en el frente. Para realizar eso, las ruedas tendrían que ser dirigidas desde atrás, lo cual requirió un rediseño completo y la modificación de la ingeniería de la dinámica del auto por parte de los equipos de acrobacias y de efectos especiales.

Mitchell menciona que sin importar cuál fuera la acción a realizar, la meta era lograr el realismo total siempre que fuera posible. "Ese realismo proviene de tener 150 vehículos en el desierto, con cientos de personas actuando diariamente. Puedes sentir lo real que es cuando ves que sucede frente a tus ojos en la pantalla".

Sin embargo, existieron ocasiones en las que Miller tuvo que hacer que los vehículos se detuvieran con el fin de tener una mejor comunicación con los actores durante las escenas clave. Para eso tenía a Sim Trav, una técnica que el propio Miller impulsó en las películas de "Mad Max". Seale revela: "Desde muy al principio, George comprendió que no podría filmar un camión rugiendo por el desierto y poder guiar y dirigir a sus actores. Por eso él y Dean Semler, que filmó las primeras películas, esencialmente inventaron a Sim Trav al reducir la frecuencia de los cuadros, utilizaron una cámara manual y permitieron que la cámara se agitara. En esta película, los encargados de los efectos especiales utilizaron sus sistemas hidráulicos y construyeron unas plataformas increíbles, por lo que puedes evitar que esos vehículos se balanceen".

Con Sim Trav, Miller pudo mantener a personas reales en autos reales, incluso en medio de una enorme tormenta tóxica. El tornado gigante que barre a todos los vehículos por su base es, desde luego, 100 % digital. "Obviamente no hay una opción práctica para una toma de ese tipo", afirma Jackson.

El equipo de Jackson empleó tomas fijas de un pequeño dron con alas fijas y el software de fotogrametría PhotoScan para crear modelos en 3D con texturas del terreno de Namibia. Al trazar con GPS las rutas de los vehículos y las cámaras dentro de estos modelos del terreno, su equipo pudo fusionar los datos del movimiento, la acción en vivo y el caos digital dentro de una imagen completa e integrada. Al final Jackson preparó un equipo de artistas 3D para el trabajo posterior a la fotografía principal, encabezado por Graham Olsen y Aaron Auty, para que creara efectos visuales desde el momento en que terminó la producción, lo cual mejoró el proceso de los efectos y permitió que Miller afinara cada toma antes de que fuera entregada para que se le incluyeran los efectos visuales terminados.

Casi la mitad de la película se lleva a cabo con los actores dentro de la cabina del War Rig, por lo que el departamento de sonido instaló compartimientos robustos que incluían 12 receptores y transmisores de Sputnik Sound Systems, los cuales podían ser multiplexados en una antena para transmitir hasta a dos kilómetros. Una camioneta remota en movimiento también seguía al camión para grabar los efectos de sonido ambientales desde adentro y afuera.

Miller señala que el drama interno que se desarrolla en medio de la acción sin fin fuera del War Rig creó su propio mundo. "Ahí estábamos, en medio de ese vasto desierto y durante mucho tiempo, nuestro elenco estaba amontonado en la cabina de ese vehículo como en un arca de almas perdidas, y esa sensación se transmitió en la película".

Para Theron era como trabajar sin una red. "En un mundo con tantos problemas como este, las palabras son un lujo", comenta. "Pero para tratar de expresar algún sentimiento sin hablar, te ves obligada a ir en una dirección que está fuera de tu zona cómoda. Le doy mucho crédito a George por saber cómo revelar ese increíble arco emocional de la película con muy poco diálogo. De pronto comprendí cuánto había dependido de las palabras como actriz. Eso también me hizo recordar mis días como bailarina en donde debes contar una historia solo con tu cuerpo, y una vez que aceptas eso, en realidad se vuelve muy liberador".

"La dinámica dentro del vehículo casi era la de una película muda", añade Hardy. "Como actores, tratábamos de comunicar un drama físico que sucede fuera del War Rig con todos esos vehículos y explosiones que se te acercan. Y después tienes esa especie de coro griego representado por las chicas de la parte de atrás. Al mismo tiempo estás tratando de contar la historia de un camino hacia la redención. George nos puso en ese lugar silencioso en medio de una cacofonía de caos y teníamos que ir ahí con él".

Para Hoult, algunas veces era desafiante recordar que se suponía que debería estar actuando. "George lleva todo al siguiente nivel y caer en ese mundo fue una experiencia extrema, pero de esas experiencias que te cambian la vida", afirma. "Conduces en medio de todas esas explosiones, y ves a los Polecats viajando por el aire y aterrizando sobre camiones o motocicletas, y todo lo que quieres hacer es ver cómo sucede justo frente a tus ojos. Pero después ves que hay una cámara apuntándote y recuerdas: 'Vaya, me han estado filmando todo este tiempo".

Todos los actores pasaron por un riguroso régimen de entrenamiento para descubrir y perfeccionar las secuencias de peleas y acrobacias que podían realizar de manera segura. Antes de llegar al escenario, Theron hizo mucho trabajo de fortalecimiento, principalmente yoga para la parte superior del cuerpo e inversiones. "En esta película parezco jugador de futbol", sonríe. "Pero odio la idea de pequeñas chicas esqueléticas que combaten contra hombres y los derrotan. Quería que pareciera que yo tenía una tremenda fuerza en la parte superior del cuerpo porque la película estaba llena de aspectos físicos".

Su prueba más grande fue el combate mano a mano que se realiza en la arena entre Max y Furiosa, además de que Nux y las cinco esposas entran en el combate. Esta escena, al igual que el acoso de la armada, se rodó en Blanky Flats durante las primeras tres semanas de la filmación. Furiosa es atrapada sin su brazo mecánico, lo cual significó que Theron no podía usar esa mano durante la secuencia. "Cuando estas al final de una gran escena de pelea, la adrenalina corre y estás tratando de ser un animal, de sobrevivir", relata. "No te das cuenta cuánto usas tus manos y es difícil levantarte del piso usando solamente una".

Theron trabajó con Dayna Chiplin y el coreógrafo principal de las peleas y asesor de armas Greg Van Borssum para realizar ella misma la escena. "Charlize decía todo el tiempo: 'puedo hacer mejor esa escena de acción'", indica Miller. "Pone una atención increíble a cada detalle en todo, desde la forma que disparó su arma hasta la forma en que su mano se movió hacia la palanca de velocidades".

Norris comenta que Hardy también desarrolló un lenguaje corporal altamente orientado a su papel. "En esta película puedes verlo con el sonido apagado y sabes exactamente qué está pasando. Y Tom hizo buena parte de la acción él mismo: escaló hasta la parte de arriba del War Rig y corrió a todo lo largo, colgando con sus pies a unos centímetros del piso, todo eso lo hizo Tom. Cualquier cosa que pensáramos que Tom podría hacer en forma segura, él la hacía".

"Tom tiene la energía en bruto de un jugador de rugby", añade Miller. "Es uno de esos actores que intentará cualquier cosa. Su lema favorito en el escenario de 'Fury Road' era: 'Intentémoslo y veamos lo que no es'. Y tenía toda la razón. No temer a las fallas es una forma de liberarte como actor".

Para el actor, la clave de la fortaleza física de Max es que no es un hombre de acero. "Todo tiene un costo en este mundo", afirma Hardy. "Es un tema simbólico a lo largo del Wasteland de George. Cuesta un ser humano. Hay dolor. Y técnicamente no es genial ser un superhéroe que lastima. Pero si tu cara golpea contra el suelo, tienes que interpretarlo. Esto es duro, así que hago que se vea duro. Eso fue lo que me hizo poner los pies en la tierra, aceptar físicamente la vulnerabilidad".

Hardy y su doble Jacob Tomuri fueron verdaderos compañeros a lo largo de la película, y trabajaron estrechamente para dividir la considerable carga de acrobacias de Max. Pero Hardy le da crédito a Tomuri por casi toda la acción que Max realiza, en particular su alucinante entrada en la armada. "Jacob hizo todo lo difícil", se queja Hardy. "A mí solo me tocó colgar un poco de cabeza, lo cual es solo un poco difícil. Pero mi exposición a grandes velocidades al frente del vehículo probablemente se limitó a 50 o 60 kilómetros por hora, como máximo. Por otro lado, Jacob, se enfrentó a velocidades mucho más grandes, y no solo viajando hacia adelante, sino también en reversa y haciendo giros de 360 grados, con explosiones y disparos. Así que, para ser justos, a mí me tocó lo más fácil".

Miller recuerda que en ocasiones era difícil diferenciar a los actores del equipo de dobles. "Tratamos de fusionarlos, en particular con los War Boys y los Imperators. Así que, en mucho sentidos, tuvimos nuestro propio Fury Road fuera de cámara".

A lo largo de la producción, un equipo de 17 expertos en rehabilitación local trabajó las 24 horas para mantener las locaciones de la película durante la filmación. Después de que la producción de "Mad Max: Fury Road" dejó Namibia para algunas tomas adicionales en Cape Town, el equipo de rehabilitación pasó tres meses más restaurando cada locación para que recuperara su belleza original.FRD-DS-00616.png

LA PERSECUCIÓN FINAL

"En Wasteland, soy el que huye tanto de los vivos como de los muertos.

Un hombre reducido a un solo instinto: sobrevivir". - Max

Durante la mayor parte de 15 años, "Mad Max: Fury Road" existió como una idea y para el momento en que terminó la filmación, esa idea se había transformado en 400 horas de rodaje. Para transformar eso en 110 minutos de emoción y acción pura, Miller lo puso en manos de su editora y colaboradora desde mucho tiempo atrás Margaret Sixel para, según dice: "crear las dimensiones del tiempo y unir todas las piezas en una sola experiencia atrayente y fluida".

Mitchell, que estuvo ahí en cada paso del camino, comenta: "No fue algo fácil, pero Margaret estuvo lado a lado con George y juntos llevaron esto hasta el nivel de calidad que tiene. Hizo un trabajo extraordinario, con un gran equipo detrás de ella".

Para transformar el rodaje de Namibia en el Wasteland de su imaginación, Miller colaboró con Eric Whipp, desarrollador de apariencia y ista supervisor, y con los mezcladores de grabación Chris Jenkins y Gregg Rudloff para implementar los choques y golpes de la Guerra. Pero las dimensiones del sonido de la película no habían sido totalmente exploradas hasta que Tom Holkenborg (alias Junkie XL), productor y compositor nominado al Grammy, entró en escena.

Miller había sido fanático de la música experimental de Junkie XL desde hacía mucho tiempo, pero cuando el cineasta lo invitó a colaborar con la música de la película, Junkie XL reconoció que su trabajo sería llevarla al siguiente nivel. "Cuando ves la película estás en un mundo que se ha vuelto completamente loco, así que sabía que la música no podía ser la música tradicional para las escenas de acción", afirma el compositor. "Necesitaba ser increíblemente vanguardista para ajustarse a las imágenes, casi como si fuera una ópera rock moderna".

Diseñó a Wasteland con momentos tranquilos de inmovilidad y elevados niveles de abandono psicótico, utilizando casi 200 instrumentos para entretejer una mezcla de tambores atronando, cuerdas barriendo y temas operísticos encabezados por una guitarra. "En los momentos en los que sales de un mundo totalmente loco y regresas a la humanidad de los personajes, la música también reduce su nivel", afirma. "Para esas escenas incorporé instrumentos de viento de madera y utilicé la sección de cuerdas como la fuerza impulsora. El resultado es una instrumentación que incluye percusiones grandes y brutales y una coro de 80 voces, con secciones de cuerdas y diseño de sonido musical, además de todo lo que eso conlleva".

Para Miller, el producto final fue una revelación a la cual llama: "un enorme testamento para todas las personas que ponen su sabiduría en el trabajo. Vi la película miles de veces con Margaret, pero ahora me puedo sentar con cierto grado de placer y dejarme llevar."

"Crear una experiencia para la audiencia siempre ha sido la meta de George y es la razón por la que trabajó tan duro haciendo esta película. Creo que tuvo éxito", señala Mitchell. "'Fury Road' no se parece a nada que haya visto y no estoy seguro de que haya algo mejor durante nuestras vidas".

Hardy concuerda: "George preparó todos los aspectos de esta historia con diligencia y cuidado. Después salió y filmó cuadro por cuadro durante meses hasta que tuvo todo lo que quería en pantalla y es asombroso. Esta es la película por la que mucha gente había estado esperando y nadie había esperado tanto como George para asegurarse de que sucedería".

El propio Miller mira hacia atrás y reconoce que todos esos años y ese camino recorrido sirvieron para este momento. "Una película no existe sin una audiencia", comenta. "No existe en un disco o en una lata. Es en el cine en donde nos congregamos con extraños y nos rendimos ante la pantalla. Se trata de una experiencia compartida. Y solo en ese acto sabemos lo que hemos provocado. Espero que la audiencia haga sus propias conexiones y que la película tenga algún significado para ellos".

FRD-DS-00029.pngACERCA DEL ELENCO

TOM HARDY (Max) protagoniza tres películas que se estrenarán este año, todas basadas en historias reales. Junto a Leonardo DiCaprio protagoniza el drama épico de Alejandro González Iñárritu, "Revenant", que trata del hombre fronterizo Hugh Glass. También interpreta a los notorios gemelos idénticos y pandilleros Ronald y Reginald Kray, que azotaron el East End londinense en las décadas de 1950 y 1960, en el drama policíaco "Legend"; y protagoniza el thriller de misterio "London Road" de Rufus Norris, que trata sobre los homicidios de 2006 que destrozaron el pueblo inglés de Ipswich.

Actualmente Hardy está en cartelera como protagonista del thriller "Child 44", con Gary Oldman. En 2013 participó en el papel protagónico del thriller "Locke", por el cual recibió su tercera nominación al premio British Independent Film como Mejor actor.

En 2012 Hardy participó en tres películas muy diferentes. Interpretó al implacable villano enmascarado Bane en el éxito de taquilla de Christopher Nolan "The Dark Knight Rises", con Christian Bale, Anne Hathaway y Marion Cotillard. También apareció en el drama policiaco de la época de la Depresión "Lawless", que se estrenó en el Cannes Film Festival de 2012.

Anteriormente Hardy había colaborado con Nolan en el thriller de 2010 "Inception", junto a un elenco internacional liderado por Leonardo DiCaprio. También formó parte del drama de boxeo "Warrior", con Nick Nolte y Joel Edgerton, y el thriller "Tinker Tailor Soldier Spy", con Gary Oldman, por el cual Hardy recibió una nominación al premio British Independent Film como Mejor actor de reparto.

Llegado de Gran Bretaña, Hardy comenzó su carrera cinematográfica cuando lo escogieron directamente del Drama Centre de Londres para hacer un papel en la premiada serie de HBO "Band of Brothers", cuyos productores ejecutivos fueron Tom Hanks y Steven Spielberg. Hizo su debut en largometrajes en el drama bélico de Ridley Scott "Black Hawk Down", seguido por la Aventura de ciencia ficción "Star Trek: Nemesis".

En 2008 Hardy realizó una actuación potente en el papel protagónico del drama "Bronson", por el cual ganó un premio de British Independent Film, y obtuvo nominaciones para un premio del London Film Critics' Circle y un premio Evening Standard, todos en la categoría de Mejor actor.

En televisión, recientemente Hardy tuvo un papel recurrente en la serie "Peaky Blinders". Anteriormente recibió una nominación al premio BAFTA a la Televisión como Mejor actor por su actuación en la película de HBO "Stuart: A Life Backwards". También interpretó a Heathcliff en la producción de "Wuthering Heights" de ITV en 2009. Su trabajo en televisión incluye los telefilmes "Oliver Twist", "A for Andromeda", "Sweeney Todd", "Gideon's Daughter" y "Colditz", así como también la miniserie de BBC "The Virgin Queen".

Hardy también ha participado en una gran cantidad de obras de teatro en el West End londinense, que incluyen "Blood" y "In Arabia We'd All Be Kings", y obtuvo el premio Revelación destacada en los Premios de Teatro Evening Standard 2003 por su trabajo en ambas producciones y una nominación al premio Olivier por la segunda. En 2005, Hardy participó en el estreno londinense de "Roger y Vanessa" de Brett C. Leonard. Su trabajo teatral también incluye la adaptación de Rufus Norris de "Festen", en el Almeida; "The Modernists", en el Crucible Theatre de Sheffield; "The Man of Mode", para el National Theatre; y el estreno mundial de 2010 de "The Long Red Road" de Leonard, dirigida por Philip Seymour Hoffman en el Goodman Theatre de Chicago.

CHARLIZE THERON (Furiosa) ganó un Oscar® como Mejor Actriz por su interpretación de la asesina serial Aileen Wuornos en el drama de la vida real de 2003 "Monster". Su ardiente interpretación en la película también le aportaron un Golden Globe, premios del Screen Actors Guild (SAG) e Independent Spirit, y también una nominación al premio BAFTA más honores de una cantidad de grupos de críticos, incluyendo la Broadcast Film Critics Association, la National Board of Review, el San Francisco Film Critics Circle, y la Chicago Film Critics Association.

Theron obtuvo su segunda nominación al Oscar® por su actuación en el drama de 2005 "North Country", en el cual actuó frente a Frances McDormand y Sissy Spacek bajo la dirección de Niki Caro. Por su papel en ese filme, Theron también obtuvo nominaciones a los premios BAFTA, Golden Globes, SAG, y Critics' Choice.

Además, Theron recibió nominaciones a los premios Critics' Choice y Golden Globes por su trabajo en el comedia negra de Jason Reitman "Young Adult". También honrada por su trabajo en televisión, obtuvo nominaciones al Emmy y el Golden Globe por su interpretación de Britt Ekland en la película de HBO "The Life and Death of Peter Sellers".

Theron participa en una amplia gama de películas venideras, como actriz y productora. Protagonizó el largometraje independiente "Dark Places", escrito y dirigido por Gilles Paquet-Brenner y basado en el bestseller del New York Times de Gillian Flynn, y "The Last Face", dirigida por Sean Penn y la actuación de Javier Bardem. Luego trabajó en el largometraje "The Huntsman", con Chris Hemsworth, Emily Blunt y Jessica Chastain. Su trabajo cinematográfico reciente también incluye la comedia de Seth MacFarlane "A Million Ways to Die in the West" y "Prometheus" de Ridley Scott.

El público de cine vio por primera vez a Theron en 1996 en su debut cinematográfico, "2 Days in the Valley", con James Spader y Jeff Daniels, seguido ese mismo año por un papel en "That Thing You Do!" de Tom Hanks. Luego tuvo papeles estelares en "Trial and Error" de Jonathan Lynn; "Devil's Advocate", de Taylor Hackford, junto a Al Pacino y Keanu Reeves; "Celebrity" de Woody Allen; "Mighty Joe Young", con Bill Paxton; "The Astronaut's Wife", con Johnny Depp; y "The Cider House Rules" de Lasse Hallström, por el cual compartió una nominación al premio SAG por Actuación destacada por un Elenco de película.

Sus muchos créditos cinematográficos incluyen también "The Legend of Bagger Vance" de Robert Redford, con Matt Damon y Will Smith; "Men of Honor", con Robert De Niro y Cuba Gooding, Jr.; "Reindeer Games" de John Frankenheimer, con Ben Affleck; "The Yards", con Mark Wahlberg y Joaquin Phoenix; "Sweet November", con Reeves; "The Curse of the Jade Scorpion" de Woody Allen; "Waking Up in Reno", con Patrick Swayze, Natasha Richardson y Billy Bob Thornton; "Trapped" de Luis Mandoki; "The Italian Job" de F. Gary Graym con Mark Wahlberg; "Aeon Flux"; "In the Valley of Elah", con Tommy Lee Jones; y "Hancock", con Will Smith.

Bajo la marca Denver & Delilah, Theron, junto a sus socios Beth Kono y AJ Dix, ha armado una prolífica productora con una lista diversas de cine y televisión. Los créditos de cine de la empresa incluyen las anteriormente mencionadas "Monster" y "Young Adult", la próxima a estrenarse "Dark Places", "The Burning Plain", dirigida por Guillermo Arriaga; y el documental "East of Havana". Denver & Delilah actualmente se encuentra la preproducción de "American Express", escrita por Matthew Stone y Anthony Tambakis a ser dirigida por Nash Edgerton, y "Brain on Fire", escrita y a ser dirigida por Gerard Barrett, basada en el bestseller del New York Times de Susannah Cahalan. Su lista en desarrollo incluye "Agent 13", escrita por Dan Nowak; un thriller policial sin título escrito por Dan Nowak; la nueva versión de "Sympathy for Lady Vengeance", escrita por William Monahan; y "Good Vibrations" en HBO Films, escrita por Jason Micallef a ser dirigida por Jason Moore.

Además del éxito actoral de Theron y su participación principal en su productora, siempre ha dado una importancia profunda a la caridad. Junto a servir como Mensajera de la Paz de las Naciones Unidas, Theron lanzó el proyecto Charlize Theron Africa Outreach Project (CTAOP) en 2007. CTAOP ayuda a mantener a los jóvenes africanos seguros contra el VIH a través de su apoyo a las organizaciones involucradas con la comunidad que abordan las causas clave de la enfermedad. A través de subsidios, redes y cobertura del trabajo de las organizaciones, CTAOP actúa como vehículo para mejorar su capacidad de movilizarse y facultarse para prevenir el VIH.

NICHOLAS HOULT (Nux) recientemente coprotagonizó el mega éxito "X-Men: Days of Future Past, con Hugh Jackman, Michael Fassbender, James McAvoy y Jennifer Lawrence bajo la dirección de Bryan Singer. En el filme, Hoult repitió el papel de Hank McCoy, alias Beast, que había interpretado en la aventura de acción de 2011 de Mathew Vaughn "X-Men: First Class". Vuelve al papel por tercera vez en la venidera película de Singer "X-Men: Apocalypse", que se estrenará en 2016.

Hoult también actúa una amplia gama de filmes a estrenarse que incluyen el drama policial "Autobahn", con Felicity Jones y Anthony Hopkins, que se estrena en otoño; "Equals", con Kristen Stewart; "Dark Places", con Charlize Theron y Chlöe Grace Moretz; y "Kill Your Friends", con James Corden, Craig Roberts y Tom Riley.

Sus créditos cinematográficos recientes incluyen también "Young Ones", de Jake Paltrow, con Michael Shannon y Elle Fanning, que se estrenó en el Sundance Film Festival del 2014; el papel protagónico en el cuento de hadas actualizado de Bryan Singer "Jack the Giant Slayer", con Ewan McGregor, Bill Nighy y Stanley Tucci; el romance zombi de Jonathan Levine "Warm Bodies", con Dave Franco, Teresa Palmer y Analeigh Tipton; la aventura de acción "Clash of the Titans", con las actuaciones de Sam Worthington, Ralph Fiennes y Liam Neeson bajo la dirección de Louis Leterrier; y el aclamado debut como director de Tom Ford, "A Single Man", junto a Colin Firth y Julianne Moore.

En 2009, Hoult hizo su debut en el West End en "New Boy", con críticas destacadas y funciones agotadas. Russell Labey dirigió la obra, que también adaptó de la novela de William Sutcliffe sobre el enamoramiento de un colegial y sus devastadoras consecuencias.

Hoult tenía solo 11 años cuando obtuvo su papel destacado en el exitoso filme de 2002 de los hermanos Weitz "About a Boy", junto a Hugh Grant. Sus primeras películas incluyen también "Kidulthood", dirigida por Menhaj Huda; "Wah-Wah" de Richard E. Grant, con Gabriel Byrne y Emily Watson; y "The Weather Man" de Gore Verbinski junto a Nicolas Cage, Michael Caine y Hope Davis.

En televisión, Hoult es famoso por su trabajo en la inmensamente exitosa serie británica "Skins". Entre sus muchos otros créditos televisivos, también participó en el telefilme de 2007 "Coming Down the Mountain".

En 2010 Hoult fue nombrado uno de los "10 Actors to Watch" de Variety.

HUGH KEAYS-BYRNE (Immortan Joe) ha sido un respetado actor de cine, televisión y teatro por más de 40 años, con una larga lista de créditos, principalmente en su natal Australia. Los fanáticos del guerrero del camino lo conocen por su papel en la película de 1979 que lo inició todo, "Mad Max" de George Miller. Keays-Byrne obtuvo una nominación al premio del Australian Film Institute por su interpretación como Toecutter en la película.

Keays-Byrne había debutado cinematográficamente en 1974 en "Stone" e incluye entre sus muchos otros primeros créditos de cine "The Man From Hong Kong", "Blue Fin" y "Chain Reaction". Su trabajo cinematográfico subsiguiente incluye "Strikebound", "Where the Green Ants Dream", "Lorca and the Outlaws", "Burke & Wills", "For Love Alone", "Kangaroo", "Resistance", que codirigió, y "Sleeping Beauty".

En televisión, Keays-Byrne ganó un premio Logie al Mejor actor por su papel invitado en la serie "Rush". Sus otros créditos televisivos incluyen "Barnaby and Me", "The Death Train", "Runaway Island", "Moby Dick", "Journey to the Center of the Earth" y "Farscape", por nombrar tan sólo algunos.

Como actor teatral consumado, Keays-Byrne fue miembro de la Royal Shakespeare Company durante seis años, período durante el cual actuó en obras como "Troilus & Cressida"; "As You Like It"; "King Lear"; las producciones dirigidas por Trevor Nunn de "The Revenger's Tragedy" y "Much Ado About Nothing"; y la aclamada producción de Peter Brook de "A Midsummer Night's Dream", que, luego de una gira mundial, llevó a Keays-Byrne a Australia. Su trabajo teatral incluye también "Of Mice and Men", "A Streetcar Named Desire", "Treasure Island", "Curse of the Starving Class" y "Gethsemane" de David Hare.

Keays-Byrne es miembro de The Macau Light Company.

ZOË KRAVITZ (Toast), nacida en Venice, California, generó un interés en la actuación en las clases que comenzó a tomar mientras estaba en la escuela. Sin desperdiciar mucho tiempo, empezó a trabajar en dos películas durante su último año de secundaria: "No Reservations", junto a Catherine Zeta-Jones y Aaron Eckhart; y "The Brave One", dirigida por Neil Jordan con la participación de Jodie Foster y Terrence Howard.

Kravitz luego participó en el papel de Angel en el éxito de taquilla "X-Men: First Class", con la participación estelar de Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, James McAvoy y Kevin Bacon. También ha tenido papeles principales en películas como "It's Kind of a Funny Story", coprotagonizada con Zach Galifianakis y Emma Roberts, y "Divergent", en la cual representó el papel de Christina, con Shailene Woodley. Recientemente repitió su papel en "Insurgent", la segunda entrega de la serie de películas "Divergent". Sus otros créditos recientes incluyen los largometrajes independientes "The Road Within", with Robert Patrick, Kyra Sedgwick y Dev Patel ; "Good Kill", junto a Ethan Hawke y January Jones, que se estrenó en el Venice Film Festival del 2014; y "Dope", producida por Forest Whitaker con el productor ejecutivo Pharrell Williams. Kravitz acaba de terminar de filmar dos películas independientes más: "Viena and the Fantomes" de Gerardo Naranjo, con Dakota Fanning, y "Vincent-N-Roxxy", con Emile Hirsch.

Fuera de sus emprendimientos cinematográficos, Kravitz se ha ocupado de diversos proyectos. Es la líder de la banda Lolawolf, que también incluye dos miembros de Reputante: James Levy y Jimmy Giannopoulos (que produjo el disco). Su EP debutó vía Innit Recordings en febrero de 2014, y su álbum debut, Calm Down, salió el 25 de octubre de 2014.

Kravitz fue uno de los rostros de la campaña Coach's Dreamer's, y además fue el rostro del perfume Princess de Vera Wang. También participó en el video musical de Jay-Z para su single "I Know", de su álbum American Gangster. Además, apareció junto a Jessica Alba, Ryan Phillippe, Tyrese Gibson, George Lopez, John Leguizamo y varios otros famosos en el video musical "We Are the Ones" de Will.I.Am durante la campaña del presidente Obama.

ROSIE HUNTINGTON-WHITELEY (Splendid) es una supermodelo y actriz británica conocida por su trabajo para marcas de lujo como Victoria's Secret y Burberry. Ha agraciado las páginas de publicaciones como Vogue, Harper's Bazaar y Elle Magazine durante más de 12 años y es parte de la elite de la moda y las modelos más famosas del mundo.

Durante los últimos años, Huntington-Whiteley ha diseñado y lanzado su famosa marca de lencería "Rosie For Autograph" con la prestigiosa institución de comercio Marks & Spencer, una de las tiendas minoritas más importantes del Reino Unido. Su línea ha sido una de las líneas de venta más rápida de la tienda de todos los tiempos. Este año lanzó su primera fragancia, también llamada "Rosie For Autograph", que es un éxito de ventas en Marks & Spencer. Huntington-Whiteley ha trabajado en exitosas campañas para la marca icónica Coca Cola y su nueva bebida Coke Life; la marca de jeans de Los Angeles Paige Jeans; la marca de belleza australiana Model Co Cosmetics; y la marca de belleza Moroccanoil. Como embajadora de Moroccanoil, Huntington-Whiteley ayudó a lanzar la iniciativa mundial Inspired by Women para celebrar y empoderar a las mujeres en todo el mundo a través de la inspiración.

En el cine, Huntington-Whiteley debutó en "Transformers: Dark of the Moon". Se la ha otorgado el premio Mujer del Año de Glamour, el premio Mujer del Año de Harper's Bazaar UK, junto a dos premios ELLE Style en reconocimiento de su trabajo. A nivel filantrópico, realizar trabajo de caridad para UNICEF.

RILEY KEOUGH (Capable) apareció en su primera campaña para Tommy Hilfiger a la edad de 12 años, y, a los 15, encendió una tormenta de fuego en los medios cuando recorrió la pasarela para Christian Dior.

A la edad de 19 años, Keough se dedicó a desarrollar su arte actoral para la cámara. En 2010 se la notó por primera vez con su debut cinematográfico como Marie Curie en "The Runaways", con Kristen Stewart y Dakota Fanning. Poco después, participó junto a Orlando Bloom en "The Good Doctor", dirigida por Lance Daly, que se estrenó en el Tribeca Film Festival del 2010. Su trabajo memorable en el filme le brindó una nominación como Mejor actriz de reparto en el Milán International Film Festival en 2012.

El talento de Keough le consiguió papeles notables en cuatro películas estrenadas en 2012, inclusive el papel protagónico de Jack en la película de hombres lobo de Bradley Rust Gray "Jack & Diane". También participó junto a Channing Tatum y Matthew McConaughey en "Magic Mike" de Steven Soderbergh, que obtuvo ganancias de más de 167 millones de dólares en todo el mundo; y protagonizó las películas independientes "Yellow", con Sienna Miller, Melanie Griffith y Ray Liota bajo la dirección de Nick Cassavetes, y "Kiss of the Damned" de Xan Cassavetes.

Keough recientemente terminó de filmar el largometraje de Peer Pederson "The Greens are Gone", junto a Cary Elwes, Anton Yelchin, y Catherine Keener; "Lovesong", con Jena Malone y Brooklyn Decker, y "Dixieland" de Hank Bedford, coprotagonizada por Faith Hill y Chris Zylka.

Participará en la serie original de 13 episodios de Steven Soderbergh "The Girlfriend Experience" en Starz, basada en el filme de 2009 del mismo título.

ABBEY LEE (The Dag) fue seleccionada más recientemente para participar en la próxima película de Nicolas Winding Refn "The Neon Demon", una historia de terror en la que participará con Elle Fanning. Lee interpretará a Sarah, la líder de una grupo maníaco de modelos.

Lee terminó la producción de la Aventura fantástica de Alex Proyas "Gods of Egypt", junto a Gerard Butler y Geoffrey Rush. El estreno del filme está programado para el 12 de febrero de 2016. Además, Lee completó el trabajo en la película australiana "Ruben Guthrie", junto a Jack Thompson y Patrick Brammall.

Nacida en Melbourne, Australia, Lee fue una supermodelo exitosa antes de su transición a la actuación. Ha agraciado la pasarela para algunas de las casas de la moda más conocidas y también ha sido el rostro de muchas campañas de moda notables.

COURTNEY EATON (Fragile) es una actriz australiana que hace su debut cinematográfico en "Mad Max: Fury Road".

Recientemente completó su trabajo como la protagonista femenina en la mítica aventura de Alex Proyas "Gods of Egypt", con la participación de Gerard Butler, Geoffrey Rush y Chadwick Boseman, que se estrenará en cines a principios de 2016.FRD-DS-00089.png

  SOBRE LOS CINEASTAS

GEORGE MILLER (Director, Guionista, Productor) recientemente dirigió, escribió y produjo la aventura de acción "Mad Max: Fury Road", que devuelve al icónico personaje del título post apocalíptico a la pantalla grande.

Miller ganó el Oscar® en 2007 por Mejor largometraje animado por el exitoso "Happy Feet", con la participación de Elijah Wood, Robin Williams, Brittany Murphy, Hugh Jackman, Nicole Kidman y Hugo Weaving. Por "Happy Feet", a Miller se le otorgó también el Premio BAFTA al Mejor largometraje animado, así como también muchos otros honores, que incluyen el premio de la Los Angeles Film Critics Association por Mejor Animación y el premio del New York Film Critics Circle por Mejor Película Animada. El American Film Institute nombró a "Happy Feet" entre las Diez mejores películas de 2006. Luego dirigió, escribió y produjo la secuela, "Happy Feet 2".

Miller también fue nominado al Oscar® tres veces. Lo honraron con nominaciones a Mejor Película y Mejor Guión Adaptado por su trabajo como productor y escritor en el largometraje familiar exitoso "Babe". La película obtuvo siete nominaciones a los
Academy Awards®, y ganó el Oscar® por Mejores Efectos Visuales. Además, "Babe" obtuvo cuatro nominaciones al premio BAFTA, inclusive dos para Miller por Mejor Película y Mejor Guión Adaptado, y ganó un Godlen Globe por Mejor Película - Comedia/Musical. Miller había recibido su primera nominación al Oscar®, por Mejor Guión Original, por el conmovedor drama "Lorenzo's Oil", que coescribió, dirigió y produjo. La película fue protagonizada por Susan Sarandon, nominada para un Oscar® como mejor actriz, y Nick Nolte.

Miller hizo su debut como director de largometrajes con el éxito internacional de "Mad Max", que también coescribió. La película lanzó la carrera de su protagonista, Mel Gibson, y tuvo dos secuelas exitosas, "Mad Max 2: The Road Warrior" y "Mad Max Beyond Thunderdome".

También dirigió, produjo y coescribió la secuela de "Babe", "Babe: Pig in the City". Otros créditos cinematográficos de Miller incluyen "The Witches of Eastwick", con Jack Nicholson, Cher, Susan Sarandon y Michelle Pfeiffer; y el segmento "Nightmare at 20,000 Feet" de "Twilight Zone: The Movie". Miller ha producido "The Year My Voice Broke" y "Flirting" de John Duigan, así como también "Dead Calm" de Philip Noyce, que llevó a Nicole Kidman a la atención mundial. En 1995 produjo "Video Fool for Love", y luego escribió, dirigió y narró el documental "40,000 Years of Dreaming", al aporte australiano a la celebración internacional del Siglo del Cine.

Nativo de Australia, Miller se graduó en Medicina en la Universidad de New South Wales. En un taller de cine conoció a Byron Kennedy, y los dos colaboraron en una corto de comedia llamado "Violence in the Cinema - Part 1". El Corto ganó dos premios del Instituto Australiano de Cine (AFI, por sus siglas en inglés) y, luego de su éxito, Miller y Kennedy formaron Kennedy Miller Productions en 1972. Desde entonces Kennedy Miller Productions ha tenido más de 25 premios del AFI, 10 Logies (premios de la televisión de Australia) y diversos premios internacionales.

En 1982 Miller escribió, dirigió y produjo la miniseries de televisión de seis horas

"The Dismissal", que rompió todos los récords de audiencia en Australia. Bajo la marca Kennedy Miller, Miller produjo también los proyectos de televisión "Bodyline", "The Cowra Breakout", "Vietnam", "The Dirtwater Dynasty", y "Bangkok Hilton", con Nicole Kidman.

Miller es una figura clave en la industria cinematográfica australiana, y actúa como el patrono del Sydney Film Festival, el Australian Film Institute y el Brisbane International Film Festival. Ha sido miembro del jurado del Cannes Film Festival dos veces, en 1988 y 1999. En 1996 se le concedió la Orden de Australia por el servicio distinguido al cine australiano, y, en 2009, se le otorgó la Orden Francesa de Artes y Letras.

BRENDAN McCARTHY (Guionista) estudió Pintura y Cine en la Facultad de Arte de Chelsea en Londres y fue aprendiz del celebrado artista pop británico Patrick Caulfield.

McCarthy pasó a convertirse en uno de los novelistas gráficos más dotados e influyentes del Reino Unido. Sus cómics innovadores de principios de los 80, que incluyen Strange Days, Skin, y Rogan Gosh, como parte de "la Invasión británica"", ayudaron a preparar el camino para el aumento de la popularidad de los cómics en Hollywood.

También fue uno de los pioneros de la animación por computadora, creando los visuales de la clásica serie animada de televisión de los 90 "ReBoot", que marcó la primera narrativa digital de largo formato. McCarthy ha pasado más de 20 años trabajando en Hollywood en películas como "Teenage Mutant Ninja Turtles", "Coneheads", "The Borrowers", "Lost in Space" y "Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street".

El año pasado se publicó una colección retrospectiva de sus clásicas tiras cómicas, The Best of Milligan & McCarthy. Actualmente McCarthy está escribiendo y dibujando nuevas novelas gráficas, con títulos que incluyen Spider-Man Fever, The Zaucer of Zilk, y su última serie, Dream Gang, que se publica en Estados Unidos.

NICO LATHOURIS (Guionista) ha tenido una larga y exitosa carrera como actor, director, y dramaturgo, contribuyendo a más de 300 horas de pantalla de películas y material de televisión y cine premiado.

Trabajó primero con George Miller en los inicios de ambos cuando Lathouris interpretó el papel de Grease Rat en "Mad Max" de 1979. Comenzando con "Mad Max: Fury Road", su colaboración con Miller como autor y dramaturgo en la serie Mad Max sigue explorando su mundo en una variedad de medios, que incluyen un próximo videojuego y una novela gráfica. Además, colaboró con Miller para contar la historia de Geoffrey Bardon y el Movimiento de Arte Papunya en la novela The Hidden, que se hará largometraje.

Lathouris es uno de los únicos artistas contemporáneos en ser acreditado con el rol de dramaturgo, cuya tarea es interpretar y comunicar los fundamentos de la acción en todo el proceso creativo en colaboración con el talento en pantalla y detrás de escena. Aunque su carrera en las artes abarca 50 años (e incluye dirigir y producir para teatro, cine y televisión, cinematografía, edición de películas y actuación) ha prestado atención más reciente a la edición de guiones, redacción de guiones y dramaturgia. Sus créditos cinematográficos recientes como guionista y productor creativo incluyen el drama bélico producido en Turquía "The Last Post" ("The Haunted House") y el corto dramático improvisado "Lost in the Woods". Sus próximos proyectos como guionista incluyen el futuro filme negro "Atomica", con el productor Jamie Hilton y el director Christian Debney; y como creado de la serie en "Shifted", una serie dramática de la multiplataforma ARG.

Como actor, Lathouris fue nominado para dos premios del Australian Film Institute, que incluyen Mejor actor de reparto por su papel en "The Heartbreak Kid" de Michael Jenkins, en la cual también fue dramaturgo. Sus numerosos créditos también incluyen "Heartbreak High", "Wildside", "Blue Murder", "Looking for Alibrandi", "Yolgnu Boy", "Head Start" y "Young Lions".

Graduado del Australia's National Institute of Dramatic Art, con un posgrado en teatro experimental, así como también un posgrado de la Facultad de Cine y Televisión de Swinburne, Lathouris estudió ingeniería civil en la Universidad de New South Wales antes de pasar a las artes.

Doug Mitchell (P)roductor), el antiguo socio de George Miller, produjo la exitosa "Happy Feet" de 2006, dirigida por Miller, que ganó el Academy Award® por Mejor Película Animada. Más recientemente produjo la secuela exitosa de 2011, "Happy Feet Two", que reunió los talentos vocales de Elijah Wood y Robin Williams. Anteriormente obtuvo una nominación al Oscar® como productor en el éxito mundial "Babe", y también fue productor en su secuela "Babe: Pig in the City".

Sus otros créditos cinematográficos incluyen "Video Fool for Love"; "Lorenzo's Oil", con Nick Nolte y Susan Sarandon; "Flirting", con un variado elenco que incluye a Noah Taylor, Thandie Newton, Nicole Kidman y Naomi Watts; "Dead Calm", con la participación de Sam Neill, Nicole Kidman y Billy Zane; "The Year My Voice Broke", con Noah Taylor; y "Mad Max Beyond Thunderdome", con Mel Gibson y Tina Turner.

Los proyectos de televisión de Mitchell incluyen la miniserie "Bodyline" y "The Dirtwater Dynasty", ambas con Hugo Weaving; "Vietnam", con Nicole Kidman; "The Cowra Breakout"; y "Bangkok Hilton", con Nicole Kidman y Hugo Weaving. También produjo los telefilmes "40,000 Years of Dreaming", "Fragments of War", "The Clean Machine" y "The Riddle of the Stinson".

Mitchell nació en Colombia y se educó en escuelas pupilas escocesas. Tras graduarse como contador público en Londres, se mudó a Sídney, Australia, donde se convirtió en el protegido del difunto Byron Kennedy, agregando su conocimiento de finanzas a la sagacidad creativa de Kennedy y Miller.

PJ VOETEN (Productor / Primer asistente de dirección), con "Mad Max: Fury Road", continua su larga asociación con George Miller, que comenzó hace 30 años en "Mad Max Beyond Thunderdome". Voeten pasó a trabajar en la unidad de acción del éxito nominado al Oscar "Babe" y luego se desempeñó como primer asistente de dirección en su secuela "Babe: Pig in the City", y también en el largometraje animado ganador de un Oscar® "Happy Feet".

Actualmente Voeten está en China, trabajando como primer asistente de dirección en "The Great Wall", que dirige Yimou Zhang y protagonizan Matt Damon y Willem Dafoe. Más recientemente se desempeñó como primer asistente de dirección en la próxima fantasía mítica de Alex Proyas "Gods of Egypt", con Gerard Butler, Geoffrey Rush y Chadwick Boseman.

Sus muchos créditos adicionales como primer asistente de dirección incluyen los filmes dirigidos por Rob Cohen "Alex Cross", "The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor" y "Stealth"; "Careless Love"; "Ghost Rider"; "A Little Bit of Soul", que también produjo; "The Well"; "Love Serenade"; "Children of the Revolution"; y "Sirens" de John Duigan.

Antes Voeten se desempeñó como segundo asistente de dirección en películas como "Wide Sargasso Sea" y "Flirting" de Duigan; "The Last Days of Chez Nous" y "Hightide" de Gillian Armstrong; "Strictly Ballroom" de Baz Luhrmann; y "Dangerous Game" de Stephen Hopkins, entre otras.

IAIN SMITH (Productor Ejecutivo) se graduó en la Facultad de Cine de Londres en 1971 y trabajó en Londres durante varios años antes de regresar a su Escocia nativa para hacer "My Childhood" para el British Film Institute, la primera película de la trilogía premiada del difunto Bill Douglas.

Smith luego formó su propia empresa de producción, en sociedad con Jon Schorstein, y juntos produjeron comerciales de televisión, documentales, largometrajes infantiles, y dramas de bajo presupuesto. En 1978, Smith se desempeñó como gerente de producción en "Deathwatch" de Bertrand Tavernier, con Harvey Keitel. Un año después, se unió a David Puttnam y Hugh Hudson para hacer la ganadora del Oscar® "Chariots of Fire".

Se desempeñó como gerente de producción en una variedad de películas para David Puttnam, incluyendo "Local Hero" de Bill Forsyth, con Burt Lancaster; y "The Killing Fields", con Sam Waterston, y "The Mission", con Robert De Niro y Jeremy Irons, ambas para el director Roland Joffé. También produjo "The Frog Prince" de Brian Gilbert.

En 1987 formó Applecross Productions y luego coprodujo "Hearts of Fire" de Richard Marquand, con Bob Dylan y Rupert Everett; "Killing Dad" de Michael Austen, con Denholm Elliott y Julie Walters; "City of Joy" de Joffé, con Patrick Swayze; "Mary Reilly" de Stephen Frears, con Julia Roberts y John Malkovich; y "The Fifth Element" de Luc Besson, con Bruce Willis y Gary Oldman. También se desempeñó como productor ejecutivo en "1492: Conquest of Paradise" de Ridley Scott, con Gerard Depardieu y Sigourney Weaver.

Smith luego produjo "Seven Years in Tibet" de Jean-Jacques Annaud, con la participación de Brad Pitt, y fue productor ejecutivo en "Entrapment" de Jon Amiel, con Sean Connery y Catherine Zeta-Jones. Después trabajó como productor ejecutivo en "Spy Game" de Tony Scott, con Robert Redford y Brad Pitt, y "Cold Mountain" de Anthony Minghella, con Jude Law, Nicole Kidman y Renée Zellweger.

Posteriormente, Smith produjo "Alexander" de Oliver Stone, con Colin Farrell, Anthony Hopkins y Angelina Jolie; "The Fountain" de Darren Aronofsky, con Hugh Jackman; el drama futurista de Alfonso Cuarón "Children of Men", con Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine; "Wanted", protagonizada por Jolie, Morgan Freeman y James McAvoy; y "The A-Team" de Joe Carnahan, con Liam Neeson y Bradley Cooper. Para la television, más recientemente produjo la serie de FOX "24: Live Another Day", con Kiefer Sutherland.

Chris D E FARIA (Productor Ejecutivo) es presidente de Producción digital, animación y efectos visuales de Warner Bros. Pictures. Sus proyectos recientes incluyen el éxito de taquilla de Alfonso Cuarón "Gravity"; el éxito de acción de Zack Snyder "Man of Steel"; "Sherlock Holmes: A Game of Shadows" de Guy Ritchie; y la conclusión de la franquicia de filmes de "Harry Potter" que rompió récords de taquilla, "Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 2".

También se desempeñó como productor ejecutivo en la aventura animada de Snyder "Legend of the Guardians: The Owls of Ga'Hoole" y la fantasia de acción fantasy "Sucker Punch", así como también "Happy Feet Two" de George Miller.

Los próximos proyectos de DeFaria incluyen el largometraje animado muy esperado "The LEGO® Movie Sequel", que se estrenará en 2018.

Encabezando los esfuerzos del estudio para expandirse en animación innovadora y cinematografía híbrida, DeFaria fue fundamental en la producción de "300", "Corpse Bride" y "Happy Feet". En Warner Bros., también ha estado involucrado en producciones cinematográficas como la trilogía "Dark Knight", "Where the Wild Things Are", "Watchmen", "Clash of the Titans", y la trilogía "The Matrix". Antes de eso, deFaria produjo el éxito "Cats & Dogs", y la comedia que combinó acción en vivo con animación "Looney Tunes: Back in Action".

Graduado de la UCLA, DeFaria es miembro de la Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

COURTENAY VALENTI (Productora Ejecutiva) es vicepresidente ejecutiva de Desarrollo y Producción de Warner Bros. Pictures. "Mad Max: Fury Road" es su tercera colaboración con el cineasta George Miller, luego del exitoso largometraje animado ganador del Oscar® "Happy Feet" y su secuela, "Happy Feet 2", en 2011.

En sus más de 25 años en el Estudio, Valenti ha supervisado una amplia gama de filmes, inclusive el recientemente estrenado "Focus"; "The Judge", del director David Dobkin; el fenómeno internacional "The LEGO ® Movie", de los directores Phil Lord y Christopher Miller; las últimas cuatro películas de la serie éxito de taquilla "Harry Potter"; y "The Great Gatsby" de Baz Luhrmann.

Entre sus próximos proyectos se encuentran el drama "Black Mass", sobre el pandillero de la vida real Whitey Bulger; la Aventura de acción "Pan" de Joe Wright, sobre los inicios de los queridos personajes creados por J.M. Barrie; y "Fantastic Beasts and Where to Find Them", inspirada por el bestseller de J.K. Rowling. Además, Valenti supervisará las tres siguientes aventuras Lego de la pantalla grande, comenzando con el aún sin título largometraje de LEGO ® Batman™, que se estrenaría en febrero de 2017, seguida de "Ninjago" en septiembre de 2017, y "The LEGO ® Movie Sequel", en mayo de 2018.

GRAHAM BURKE (Productor Ejecutivo) es director ejecutivo de Village Roadshow Limited. Los créditos cinematográficos de Burke como productor ejecutivo incluyen la aventura animada ganadora del Oscar ® de George Miller "Happy Feet" y su secuela, "Happy Feet Two"; "Charlie and the Chocolate Factory" de Tim Burton, con Johnny Depp; y la aventura de acción de carreras de motocicletas "Torque".

Además de la producción y la distribución cinematográfica, Burke ha sido una de las fuerzas estratégicas y creativas para impulsar los intereses de la empresa en cadenas de cines, estaciones de radio y parques temáticos. Fundó Roadshow Distributors con Roc Kirby en 1968, y fue director inicial de la estación de radio 2DayFM. Burke también se desempeñó como comisionado de la Australian Film Commission durante cuatro años.

BRUCE BERMAN (Productor Ejecutivo) es presidente y director ejecutivo de Village Roadshow Pictures. La empresa tiene una sociedad conjunta exitosa con Warner Bros. Pictures para coproducir una amplia gama de largometrajes, con todas las películas distribuidas mundialmente por Warner Bros. y en territorios selectos por Village Roadshow Pictures.

La lista inicial de películas producidas bajo el pacto incluyó éxitos como "Practical Magic", con Sandra Bullock y Nicole Kidman; "Analyze This", con Robert De Niro y Billy Crystal; "The Matrix", con Keanu Reeves y Laurence Fishburne; "Three Kings", con George Clooney; "Space Cowboys", dirigida y protagonizada por Clint Eastwood; y "Miss Congeniality", con Bullock y Benjamin Bratt.

Bajo Village Roadshow Pictures, Berman luego fue productor ejecutivo de éxitos tan variados como "Training Day", por la cual Denzel Washington ganó un Oscar ® ; la trilogía de "Ocean's"; "Two Weeks' Notice", con Bullock y Hugh Grant; "Mystic River" de Eastwood, con Sean Penn y Tim Robbins en actuaciones ganadoras del Oscar ® ; "The Matrix Reloaded" y "The Matrix Revolutions"; "Charlie and the Chocolate Factory" de Tim Burton, con Johnny Depp; el éxito de taquilla "I Am Legend", con Will Smith; el aclamado drama "Gran Torino", dirigido y protagonizado por Clint Eastwood; "Sherlock Holmes", del director Guy Ritchie y su secuela, "Sherlock Holmes: A Game of Shadows", ambas protagonizadas por Robert Downey Jr. y Jude Law; y "The Great Gatsby" de Baz Luhrmann, que ganó el premio AACTA por Mejor Película, uno de 13 premios, del Australian Film Institute. Más recientemente, Berman se desempeñó como productor ejecutivo en el éxito de taquilla "The LEGO® Movie", dirigida por Phil Lord y Christopher Miller; y el drama nominado al Oscar ® de Clint Eastwood "American Sniper", con Bradley Cooper.

Los próximos proyectos de Village Roadshow incluyen "San Andreas" de Brad Peyton, con Dwayne Johnson; la Aventura de acción "In the Heart of the Sea" de Ron Howard, basada en el viaje verdadero del barco ballenero Essex; y todas las películas nuevas sobre los personajes legendarios Tarzán y el Rey Arturo.

Berman se inició en la industria cinematográfica trabajando con Jack Valenti en la MPAA mientras asistía a la Facultad de Derecho de Georgetown en Washington, DC. Luego de obtener su título, consiguió un trabajo en Casablanca Films en 1978. Pasando a Universal, trabajó hasta ascender a vicepresidente de producción en 1982.

En 1984 Berman se unió a Warner Bros. como vicepresidente de producción y fue ascendido a vicepresidente senior de producción cuatro años después. Lo designaron presidente de Producción teatral en septiembre de 1989, y en 1991 fue nombrado al puesto de Presidente de Producción teatral mundial, cargo que tuvo hasta mayo de 1996. Bajo su tutela, Warner Bros. Pictures produjo y distribuyó películas como "Presumed Innocent", "GoodFellas", "Robin Hood: Prince of Thieves", la ganadora del Oscar a la Mejor película "Driving Miss Daisy", "Batman Forever", "Under Siege", "Malcolm X", "The Bodyguard", "JFK", "The Fugitive", "Dave", "Disclosure", "The Pelican Brief", "Outbreak", "The Client", "A Time to Kill" y "Twister".

En mayo de 1996, Berman inició Plan B Entertainment, una empresa cinematográfica independiente en Warner Bros. Pictures. Lo nombraron presidente y director ejecutivo de Village Roadshow Pictures en febrero de 1998.

STEVEN MNUCHIN (Productor Ejecutivo) es presidente y director ejecutivo de OneWest Bank Group LLC, una sociedad de control bancario de su propiedad y de un consorcio de inversores privados. OneWest Bank, NA cuenta con aproximadamente 24 mil millones de dólares en activos.

Mnuchin es también president y director ejecutivo de Dune Capital Management LP, una empresa de inversión privada. El señor Mnuchin formó RatPac-Dune Entertainment LLC para cofinanciar las producciones de Warner Bros. Tiene mucha experiencia en invertir y financiar la industria del entretenimiento. Ha financiado éxitos de taquilla importantes como "Gravity", "Avatar" y "Life of Pi".

Antes de esto, Mnuchin pasó 17 años en Goldman Sachs, donde fue socio. Se desempeñó como director de información y miembro de su comité administrativo.

Es miembro del Directorio del Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles (MOCA), la Fundación de Policía de Los Angeles Police Foundation, el Directorio del Sistema de salud de la UCLA y fideicomisario de por vida del Hospital Prebisteriano de Nueva York. Es ex miembro del directorio del Museo Hirshhorn, el Museo Whitney, Junior Achievement, City Harvest, y la Escuela de Campo Riverdale. También es miembro del directorio de Sears Holding Corporation y president de su comité de gobierno.

JOHN SEALE (director de fotografía) ganó un Oscar ® , un premio BAFTA, un premio de la American Society of Cinematographers (ASC), y una cantidad de premios de la asociación de críticos de cine por su trabajo en "The English Patient" de Anthony Minghella. Los muchos otros honores de Seale incluyen nominaciones al premio BAFTA por "Witness", "Gorillas in the Mist" de Michael Apted, "The Talented Mr. Ripley" de Minghella y "Cold Mountain"; nominacions al premio ASC por "Rain Man", "The Perfect Storm" y "Cold Mountain" de Wolfgang Petersen. También ha sido reconocido en su Australia native, con premios de la Australian Cinematographer Society por "Goodbye Paradise" y "Witness", y un premio del Australian Film Institute por "Careful, He Might Hear You".

Seale comenzó su carrera en Australia, trabajando como operador de cámara de diversos proyectos, inclusive las películas dirigidas por Peter Weir "Picnic at Hanging Rock", "The Last Wave" y "Gallipoli". Lo ascendieron a cinematógrafo de segunda unidad en "The Year of Living Dangerously" del director. Durante esa época, Seale también trabajó como director de fotografía en varios largometrajes australianos de presupuesto moderado.

Seale trabajó anteriormente con George Miller en el drama "Lorenzo's Oil". También ha colaborado con una cantidad de otros directores renombrados en una amplia gama de filmes, que incluyen "The Mosquito Coast" y "Dead Poets Society" de Weir; "Children of a Lesser God" y "The Doctor" de Randa Haines; "The Firm" de Sydney Pollack; "The Paper" de Ron Howard; "The American President" y "Ghosts of Mississippi" de Rob Reiner; "City of Angels" de Brad Silberling; "Harry Potter and the Sorcerer's Stone" de Chris Columbus; y "Spanglish" James L. Brooks, por nombrar solo una porción.

COLIN GIBSON (Diseñador de Producción) trabajó como director de arte en el éxito nominado al Oscar ® "Babe", que marcó su primera colaboración con George Miller. Pasó a ser el director de arte y productor asociado en "Babe: Pig in the City" de MIller. Antes había recibido una nominación al premio BAFTA por su trabajo como director de arte en "The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert".

Actualmente Gibson se encuentra en China, donde trabaja como director de arte en la película "The Great Wall", con Matt Damon y Willem Dafoe bajo la dirección de Yimou Zhang. Sus primeros créditos como director de arte incluyen "Mighty Morphin Power Rangers: The Movie" y "Welcome to Woop". Más recientemente se desempeñó como diseñador de producción en "Serenades", en la cual también fue director de segunda unidad, y "Careless Love".

MARGARET SIXEL (Editora) ha estado involucrada en la industria cinematográfica australiana durante más de 30 años, trabajando como editora de imagen y sonido, así como también autora y editora de guiones. Graduada de la Facultad Australiana de Cine y Televisión y la Universidad de Cape Town, ha trabajado en muchos dramas y documentales premiados.

Sixel editó "Happy Feet" de George Miller, que obtuvo el Oscar ® por Mejor Largometraje Animado. Además editó "Babe: Pig in the City" del mismo director y su Mirada personal de la industria cinematográfica australiana, "White Fellas Dreaming: A Century of Australian Cinema".

También trabajó en pelícujlas como "Lorenzo's Oil", "Flirting", "Fragments of War: The Story of Damien Parer" y "The Clean Machine", además de una cantidad de cortos y proyectos de televisión.

TOM HOLKENBORG alias JUNKIE XL (compositor musical) es un productor y compositor ganador de múltiples discos de platino y nominado al Grammy. Un multi instrumentalista que toca el teclado, la guitarra, la batería, el violín y el bajo, también posee un dominio de la tecnología de estudio.

Ahora concentrado en la composición cinematográfica, Holkenborg está musicalizando una amplia gama de próximas películas, que incluyen la reinvención del thriller de acción "Point Break", la comedia policial "Kill Your Friends", y la muy esperada aventura de acción de Zack Snyder "Batman v Superman: Dawn of Justice". Sus créditos cinematográficos recientes también incluyen "Run All Night" de Jaume Collet-Serra, "Paranoia" de Robert Luketic, "Divergent" de Neil Burger, y "300: Rise of an Empire" de Noam Murro.

La base de la nueva dirección de la carrera de Holkenborg se inició en su nativa Holanda, donde compuso varias partituras cinematográficas. Luego siguió creciendo bajo la tutela de compositores famosos como Harry Gregson-Williams, en las películas "Domino" y "Kingdom of Heaven", y "Catwoman" de Klaus Badelt. A partir de ahí, Holkenborg formó una exitosa asociación con el compositor Hans Zimmer , con quien trabajó en "Man of Steel" de Zack Snyder's "Man of Steel"; "The Dark Knight Rises" e "Inception" de Christopher Nolan; y las películas animadas "Madagascar" y " Megamind ".

Antes en su carrera de compositor, Holkenborg también compuso música para películas como "Bandslam", " DOA: Dead or Alive ", " The Chronicles of Riddick: Dark Fury ", " The Animatrix " y " Resident Evil ".

La carrera de artista de Holkenborg comenzó en 1993 cuando inició la banda de rock industrial NERVE, mientras que también producía bandas de metal y hardcore como Sepultura y Fear Factory. Atraído por los breakbeats electrónicos, inició Junkie XL en 1997, que debutó con el álbum Saturday Teenage Kick. Holkenborg luego produjo cinco álbumes más bajo el seudónimo Junkie XL mientras tocó en espectáculos principales en todo el mundo. En 2002, el productor-recopilador logró un éxito número uno en 24 países con su reinterpretación de "A Little Less Conversation" de Elvis Presley. Luego de ese éxito, Holkenborg colaboró con artistas famosos como Dave Gahan, Robert Smith y Chuck D, y remezcló a artistas como Coldplay, Depeche Mode, Britney Spears y Justin Timberlake, entre muchos otros. Además, Holkenborg creó la música de varios videojuegos, que incluyen "Need for Speed", "The Sims" y "SSX", así como también comerciales para campañas mundiales para Nike, Heineken, Adidas, Cadillac y VISA.

JENNY BEAVAN (Diseñadora de Vestuario) obtuvo un Academy Award ® y un premio BAFTA por sus diseños de "A Room with a View" de James Ivory. Se la elogió frecuentemente por su trabajo en el equipo cinematográfico Merchant-Ivory, donde obtuvo nominaciones al Oscar ® y el premio BAFTA por sus diseños de vestuario de época para las películas "Howards End" y "The Bostonians"; y nominaciones al Oscar ® por "The Remains of the Day" y "Maurice".

Beavan también fue honrada con una nominación al Oscar ® y un premio BAFTA por su trabajo en "Gosford Park" de Robert Altman; nominaciones al Oscar y al premio BAFTA por "The King's Speech" de Tom Hooper y "Sense and Sensibility" de Ang Lee; una nominación al Oscar por "Anna and the King" de Andy Tennant; y una nominación al premio BAFTA por "Tea with Mussolini" de Franco Zeffirelli.

Más recientemente diseñó los vestuarios de "Child 44", con Gary Oldman y Tom Hardy, y "Gambit", con Colin Firth. Sus numerosos créditos cinematográficos incluyen "Sherlock Holmes" y "Sherlock Holmes: A Game of Shadows" de Guy Ritchie; "Defiance", dirigida por Edward Zwick; "Amazing Grace" de Michael Apted; "The Black Dahlia" de Brian De Palma; "Casanova", para el director Lasse Hallström; "Alexander", dirigida por Oliver Stone; "Timeline" de Richard Donner; "Possession" de Neil LaBute; "Ever After" de Tennant; "Jane Eyre" de Zeffirelli; y "Jefferson in Paris" y "Jane Austen in Manhattan" de James Ivory.

Beavan también ha diseñado los vestuarios de una amplia gama de proyectos de televisión de formato extenso, y ganó dos premios Emmy, por la comedia romántica de A&E "Emma" y la serie de la BBC "Cranford". También obtuvo nominaciones al premio BAFTA de Televisión por su trabajo en "Cranford" y el telefilme de HBO "The Gathering Storm", y recibió una nominación al Emmy por "Masterpiece Theatre: Lord Mountbatten - The Last Viceroy".

En teatro, los créditos de Beavan incluyen la reposición en Broadway de 2002 de "Private Lives" de Noël Coward, por la cual ganó una nominación al premio Tony, y la reposición en el West End en 2007 de "Present Laughter" de Coward.

LESLEY VANDERWALT (Diseñadora de Peinados y Maquillaje) anteriormente ha trabajado con George Miller en el maquillaje del filme animado ganador del Oscar ® "Happy Feet", la nominada al Oscar ® "Babe" y en "Mad Max 2: The Road Warrior". También ha gozado de una larga asociación con Baz Luhrmann, trabajando más recientemente en la adaptación exitosa del director del clásico "The Great Gatsby", por la cual ganó una nominación al premio "Hollywood Makeup Artist and Hair Stylist Guild" por Mejor Maquillaje de época. Anteriormente ganó el premio en la misma categoría por su trabajo en "Moulin Rouge!" de Luhrmann, y también colaboró con él en "Australia" y "Strictly Ballroom".

Más recientemente se desempeñó como diseñadora de maquillaje y peinado para la próxima fantasía mítica de Alex Proyas "Gods of Egypt", con Gerard Butler y Geoffrey Rush. También trabajó con Proyas en el thriller "Knowing". Su larga lista de créditos cinematográficos incluye "Ghost Rider", "Stealth", "Beyond Borders", "Scooby-Doo", "Star Wars: Episode II - Attack of the Clones", "Dark City", "Shine", "The Last Days of Chez Nous" y "Prisoners of the Sun", por mencionar solo algunos.

GUY NORRIS (Director de Segunda Unidad / Coordinador Supervisor de Dobles) actualmente se desempeña como director de la unidad de acción y coordinador supervisor de dobles en la aventura de acción "Suicide Squad", que se estrenará en verano de 2016. Recientemente trabajó con George Miller como coordinador de dobles en "Happy Feet Two" y "Babe: Pig in the City". Anteriormente Norris había formado parte del equipo de dobles para "Mad Max 2: The Road Warrior".

Sus créditos anteriores como director de segunda unidad / coordinador supervisor de dobles incluyen "Australia", "Stealth", "Bulletproof Monk", "Scooby-Doo", "American Samurai" y "Hurricane Smith".

Norris ha sido coordinador de dobles en una lista diversas de filmes, que incluyen "Moulin Rouge!", "Red Planet", "Operation Dumbo Drop", "The Human Shield", "Quigley Down Under", "Emerald City", "Day of the Panther" y "Nightmaster".

También ha trabajado como director de segunda unidad y/o coordinador de dobles para una cantidad de proyectos de televisión, que incluyen las series "Farscape" y "Cobra"; los telefilmes "Irresistible Force" y "Shadow of the Cobra"; y las miniseries "Bangkok Hilton" y "Spearfield's Daughter". Además, ha dirigido la película de televisión "Miracle at Sea: The Rescue of Tony Bullimore", así como también episodios de la serie "Miracles" y "Water Rats".

ANDREW JACKSON (Supervisor de Efectos Visuales) comenzó su carrera en Londres, trabajando para arquitectos y empresas de diseño industrial. En 1982 se mudó a Sídney, donde inició su propia empresa, concentrada en los prototipos de diseño arquitectónico e industrial, así como también la producción de su propia línea de muebles, relojes y luces.

En 1988 Jackson amplió su negocio de modelos para incluir efectos especiales prácticos para cine y televisión y, durante la década siguiente, trabajó en numerosos proyectos. Durante los 90, reconociendo la popularidad cada vez mayor de la animación 3D, se capacitó a sí mismo en la forma de arte y utilizó sus nuevas habilidades para armar modelos 3D de diseños para mostrar a sus clientes. Con la expectativa de expandir sus habilidades en animación 3D, aceptó un puesto temporal en Garner McLelland Design en Sídney para trabajar como artista 3D en la primera serie "Farscape" mientras su socio comercial siguió manejando la fábrica de modelos. La experiencia alimentó aún más la creencia de Jackson de que los efectos generados por computadora eran el futuro, y fue contratado por la casa de diseño de difusión zSpace para que dirigiera su departamento de Animación 3D durante dos años. Luego de su época en zSpace, aceptó un puesto en Digital Pictures como jefe de 3D. En este rol administró un equipo de artistas digitales, supervisando producciones comerciales de televisión para una base de clientes internacionales.

En 2004, Jackson llevó su base de habilidades a Animal Logic y desde entonces ha trabajado como supervisor de efectos especiales en el comercial enormemente popular "Big Ad" para Carlton Draught, y también desarrollando conceptos para una cantidad de largometrajes. Jackson fue el jefe de 3D de Animal Logic en la exitosa "300" de Zack Snyder, y se desempeñó como supervisor asistente de efectos visuales en "Fool's Gold", dirigida por Andy Tennant. En 2008 Jackson trabajó como supervisor de efectos visuales para "Knowing" de Alex Proyas.

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