febrero 05, 2015


Vicio propio: Sinopsis, elenco, personajes, ficha, critica: Inherent vice

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Inherent Vice: Un defecto escondido en una cosa o propiedad que causa o contribuye a su deterioro, daño o desperdicio. Estos defectos de una naturaleza inherente hacen que una cosa sea un riesgo inaceptable para un transportista o asegurador. Algunos ejemplos incluyen combustión espontánea, óxido, etc.

Sinopsis

"Vicio Propio", una adaptación de la séptima y más graciosa novela de Thomas Pynchon, es la séptima película escrita y dirigida por Paul Thomas Anderson-y la primera adaptación del legendario ingenio y trabajo culturalmente caleidoscópico de Pynchon.

Un filme noir de surfeo, la historia se sumerge en el brillo nebuloso y de neón de la contracultura estadounidense a través de una versión sicodélica de la historia de detective clásica.

Cuando la ex esposa del investigador privado Doc Sportello se aparece de la nada con una historia de su novio actual, un promotor inmobiliario multimillonario de quien está enamorada, y un plan hecho por su esposa y su novio para secuestrar a ese multimillonario y tirarlo en un hospital siquiátrico…bueno, para ella es fácil decirlo.IV-01605.png

Es el final de los sicodélicos sesentas y la paranoia domina todo. Doc sabe que "amor" es otra palabra que da vueltas en el momento, como "viaje" o "estupendo", que han sido usadas demasiado-excepto que esta a menudo trae problemas.

Con un reparto de personajes que incluyen a surfistas, estafadores, drogadictos y roqueros, un usurero asesino, detectives del departamento de policía de Los Ángeles, un tenor que toca el saxofón trabajando encubierto, y una entidad misteriosa conocida como 'the Golden Fang' ('el Colmillo Dorado'), que puede ser una artimaña para evitar pagar impuestos hecha por algunos dentistas... es parte California noir, parte de comedia alucinógena, y un gran homenaje cinematográfico al mundo Pynchoniano de personajes raros, revelaciones exactamente en punto y anhelo profundo.

CRÍTICA

Vicio propio es una película con un elenco super estelar, pero con un ritmo demasiado denso y una duración extremadamente larga.

Si bien tiene varias escenas muy efectivas, personajes interesantes, irreverencias por doquier, planos atractivos y muy buenas actuaciones, la gran cantidad de nombres y subtramas pueden terminar mareando y hartando a más de uno.

El guión es como una gran montaña rusa: en algunos momentos es brillante, en algunos otros es un tanto aburrido, y en su gran mayoría es soporífero.

Su encanto radica más en la buena construcción de los personajes y en el numeroso desfile de actores de primera línea que en la propia historia.

Una propuesta que, seguramente y lamentablemente, no atrapará ni fascinará a la mayoría de los espectadores, a pesar de su buena premisa.

Cintia Alviti

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¿Y vos que opinás de Vicio propio?


En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos

Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con IAC Films, una producción de JoAnne Sellar/Ghoulardi Film Company, "Inherent Vice." La película la protagonizan los nominados al Oscar Joaquin Phoenix ("The Master", "Walk the Line"), Josh Brolin ("Milk") y Owen Wilson (escritor, "The Royal Tenenbaums"); Katherine Waterston ("Michael Clayton", "Boardwalk Empire"); los ganadores del Oscar Reese Witherspoon ("Walk the Line") y Benicio Del Toro ("Traffic"); Martin Short ("Frankenweenie"); Jena Malone (serie de pelíulas "The Hunger Games"); y la especialista en música Joanna Newsom. El cinco veces nominado al Oscar Paul Thomas Anderson ("There Will Be Blood", "Magnolia", "Boogie Nights") escribió y dirigió, basado en la novela de Thomas Pynchon. Anderson también produjo la película, junto con los nominados al Oscar JoAnne Sellar y Daniel Lupi ("There Will Be Blood"). Scott Rudin y Adam Somner fueron los productores ejecutivos.

El equipo creativo de detrás de cámaras de Anderson incluyó al director de fotografía ganador del Oscar Robert Elswit ("There Will Be Blood"), el diseñador de producción David Crank ("The Master"), el editor nominado al Oscar Leslie Jones ("The Thin Red Line"), y el diseñador de vestuario ganador del Oscar Mark Bridges ("The Artist"). La música es de Jonny Greenwood, de Radiohead.

Una Nota sobre los Tiempos

Los misterios salpicados de comedia investigados por el detective de California Doc Sportello en Inherent Vice lo lleva al territorio del nefasto Golden Fang-una embarcación liderada por San Pedro y una organización interconectada sin barreras que está metida en el negocio internacional de heroína, la industria de la rehabilitación y aparentemente la odontología, entre otras cosas. Pero, igualmente, lo adentran en el gran vacío oscuro entre los mil novecientos sesentas y setentas, entre la visión idealista de EE.UU. y la extensión del consumidor moderno al que estamos acostumbrados.

Mientras Doc persigue a mujeres fatales con las preguntas entrelazadas sobre qué le pasó al corrupto promotor inmobiliario Mickey Wolfmann, al saxofonista Coy Harlingen, y cómo su ex cliente Crocker Fenway está conectado con the Golden Fang, él termina resolviendo todo. Pero principalmente, quizás él no está queriendo saber "¿quién lo hizo?", sino más bien "¿qué rayos pasó?".

"Hay tristeza bajo la investigación de Doc", dice Paul Thomas Anderson, "una sensación de que la promesa que la gente sentía en esos tiempos estaba siendo destrozada. Y ese es un tema constante en el trabajo de Pynchon desde el principio. Cuando hice la película, estaba intentando ser un representante de la preocupación de Pynchon por el destino de EE.UU."

The epígrafe de la novela de Pynchon viene de unos famosos grafitis hechos durante las protestas realizadas en París, en mayo de 1968: "Sous les pavés, la plage!" ("¡Bajo el pavimento, la playa!") Efectivamente, la mítica casa de playa de Doc Sportello en Gordita Beach, con toda su nostalgia y alegría, parece estar chocando cada vez más con fuerzas tan firmes como el concreto.

Esa era una realidad en 1970, cuando muchos veían como el sueño californiano de volver a la naturaleza fue paulatinamente reemplazado por promotores inmobiliarios. Al mismo tiempo, el negocio de drogas local centrado en el amor a la diversión estaba siendo reemplazado por carteles de la heroína burocráticos y con alcance global; las instituciones de salud mental estaban siendo reemplazadas por centros de "recuperación" con fines de lucro; y una era de activismo político vehemente estaba siendo canalizado hacia redes de espionaje encubiertas, infiltración y trucos sucios. Incluso en la televisión, los programas de policías estaban teniendo más éxito que las comedias. Una generación vio con consternación cómo la paz, el amor y el entendimiento estaban siendo aplastados bajo el peso del egoísmo, la vigilancia y la oscuridad.

Pynchon se refiere a los sesentas como "este pequeño paréntesis de luz" y la película, como el mismo Doc, es alcanzada por la luz, pero la historia también tiene lugar justo después del paréntesis de cierre, en un tiempo de agitación y distanciamiento.IV-02914.png

•En 1967, Ronald Reagan, el ex presidente del Gremio de Actores de Cine y luchador contra el comunismo, comenzó un reinado de ocho años como gobernador de California. Ese mismo año, el Acta Lanterman-Petris-Short hizo que la institucionalización de los enfermos mentales fuera mucho más difícil, duplicando el número de enfermos mentales en el sistema de justicia en un año.

•En 1968, Richard Nixon fue elegido justo después del asesinato de Robert F. Kennedy y una temporada de enfrentamientos entre la policía y manifestantes, presagiando la era de Watergate, con intervenciones telefónicas y secretos guardados.

•En 1969, los seguidores de Charles Manson cometieron los horribles crímenes de la actriz Sharon Tate y seis personas más en una brutal ola de asesinatos al norte de Beverly Hills.

•También en 1969, un concierto de rock gratuito dado en la pista de carrera Altamont, en California, resultó en la muerte de un adolescente golpeado por integrantes de los Hells Angels contratados como agentes de seguridad.

•En abril de 1970, el presidente Nixon envió soldados de EE.UU. a Camboya. Comenzó una guerra civil en Camboya entre las fuerzas Comunistas y No Comunistas.

•En mayo 1970, estudiantes desarmados protestando contra la intervención de EE.UU. en Camboya fueron atacados por la policía en la Universidad Estatal de Kent, con un saldo de cuatro muertos y nueve heridos.

•En 1972, Alfred W. McCoy publicó The Politics of Heroin in Southeast Asia, en el que presentó evidencia de la complicidad de la CIA en el tráfico sureste asiático de opio y heroína, controlando al menos 70 por ciento del mercado mundial.

Pynchon escribe en la novela que Doc vio señales de este cambio en todos los lados a donde iba en Los Ángeles. Su paranoia puede haber aumentado debido a las drogas que consumía, pero también detectó presagios. Él se pregunta: "¿Puede ser posible que en cada reunión-concierto, marcha por la paz, con asistentes raros, acá, en el norte, al este, donde sea-esas fuerzas oscuras hayan estado ocupadas, recuperando la música, la resistencia al poder, el deseo sexual de lo épico al día a día, todo lo que podían alcanzar, para las milenarias fuerzas de codicia y temor?"

Entre las bromas y liviandad de "Vicio Propio", Anderson también presenta la pregunta de cómo esas fuerzas milenarias-tan palpables casi al inicio de los setentas-se han convertido en los letreros comunes de nuestros tiempos. A través de la expedición de Doc para corregir lo malo en su mundo inmediato, también presenta una pregunta oportuna: ¿todavía creemos, décadas después, en por lo menos un intento de trascendencia?

"¿Todavía tenemos esa sensación de la promesa estadounidense perdida que debe ser recuperada?" Anderson se pregunta. "Espero que sí".

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Desde los sesentas, Thomas Pynchon ha sido homenajeado como una de las voces más resonantes de la literatura estadounidense que tocó directamente el caos multifacético y recombinado de la vida moderna. Comenzando con sus novelas clásicas V., The Crying of Lot

49 y Gravity's Rainbow, sumergió a los lectores en universos paralelos vastamente intrincados que reflejan la belleza, perversidad, audacia tecnológica, futilidad política, absurdo cómico y complejidad firme de la era post Segunda Guerra Mundial.

Su trabajo no admite resumen. Fue histórico y científico…sin embargo era como un sueño y envuelto en significados ocultos. Era muy serio… pero también impecable con espirales de disparates cómicos. El escritor de crimen Ian Rankin una vez sucintamente llamó a Pynchon un abastecedor de literatura "como un código extendido o exploración. Además, él era como una droga: apenas uno va entendiendo un nivel de significado, uno quiere pasar rápidamente al siguiente".

Efectivamente, el trabajo de Pynchon fue tan desenfrenado, tan indomable, que salió una ironía profunda: acá estaba un novelista que citaba frecuentemente a la historia del cine en su escritura, quien fue profundamente influenciado por el flujo temporal del cine, sin embargo, no se había hecho ninguna película sobre su trabajo. Quizás se convirtió en otra capa en la mística de Pynchon.

Como todo el trabajo de Pynchon, Inherent Vice creó su propio mundo. Pero este era un Los Ángeles sui generis poseído por el espíritu del sexo, las drogas y el rock and roll. Se enfocó en la esencia de 1970 como un punto clave, el momento en que las tribus relajadas, inadaptadas de la costa-hippies, raros, surfistas, motociclistas, drogadictos, místicos, roqueros-de pronto se vieron chocando con los carteles globales, desparramando consumismo, espiritualidad falsa, vecindarios demolidos y paranoia política y personal que se convirtió en parte de la esencia diaria estadounidense.

En medio de este mundo, Pynchon puso al asiduo de la playa y fumador de marihuana, el investigador privado de Los Ángeles, Doc Sportello, quien se encuentra defendiendo el último bastión de una raza de soñadores estadounidenses enfrentando a las fuerzas de la codicia, el temor y la desintegración justo antes de que la Era de Acuario se convirtiera en un mito.

Pynchon fundió las culturas de detective y hippie, con Doc Sportello entregando el diálogo detectivesco a través de una tranquilidad inducida por la hierba, y luego fundió eso con su vieja preocupación con respecto a las fuerzas invisibles dentro de la sociedad estadounidense y la idea del destino estadounidense.

Sobre todo, iluminó el libro con tantas líneas picantes, personajes, bromas y música que Rolling Stone lo llamó un "resumen majestuoso de todo lo que hace que [Pynchon] sea una inmensa voz estadounidense única. Tiene la furia moral que alimenta su trabajo desde el inicio-su compasión feroz por EE.UU. y las tribus perdidas que transitan por ella".

Pero, ¿es posible que la electricidad verbal y cosmovisión poli-cromática de Pynchon finalmente se haya traducido por primera vez en la pantalla? El cineasta Paul Thomas

Anderson, quién construyó su propia tradición de historias vívidamente cinematográficas de soñadores y buscadores, decidió intentarlo.

Él comenzó a escribir mientras estaba trabajando en "The Master", y fue un proceso. Inicialmente, él adaptó toda la novela, oración por oración, para poder trabajar con todos los personajes, giros inesperados y líneas de diálogo.

Al mismo tiempo, él estuvo pensando en cómo capturar visualmente la experiencia más apasionada de la novela de Pynchon. "Mis mejores experiencias leyendo sus libros me han sucedido cuando permito que me inunden-cuando uno no espera algo, no sabe…uno se rinde y va sobre las olas que él crea", comenta Anderson. "Uno no puede resumirlo y a veces no se puede definir lo que es pero se siente".

Sobre todo, Anderson quería reflejar correctamente no solo el gran laberinto de crimen y corrupción en el que cae Doc Sportello sino también evocar las raíces de la fascinación de Pynchon con los sesentas. "Los giros de Pynchon son complicados, sí, pero debajo de todo hay algo simple", concluye. "Mira hacia el pasado y espera que las cosas mejoren. ¿Qué puede ser más simple? ¿No es eso lo que todos queremos?"

"La idea que se me ocurrió fue utilizar un personaje secundario, Sortilège, y usarlo como narrador", explica Anderson. "Ella nos ayuda a seguir la historia, y de esta forma podemos meter algunas bromas y pasajes bonitos de Pynchon, espero que sin hacer mucha trampa".

Como el libro, la filmación ahonda en el estado de paranoia en sí-sea inducido por drogas o por la vida-en toda su mezcla de comedia, percepción y peligro. Dice Anderson de la fascinación de Pynchon con la paranoia en el nivel individual y social, "Pynchon lo expresó bien en Gravity's Rainbow, 'Los paranoicos no son paranoicos porque sean paranoicos sino porque se la pasan poniéndose, malditos idiotas, en situaciones paranoicas'".

Él agrega, "Es divertido filmar la paranoia-gente y sonidos saliendo de las esquinas- todo es muy cinematográfico. Y Joaquin hace la paranoia muy bien".

Anderson comenzó a hablar con Joaquin Phoenix sobre el rol de Doc Sportello después de grabar "The Master".

"Joaquin y yo intentamos profundizarnos en el libro tanto como pudiéramos; todo, todo el tiempo, tenía que ver con el libro", dice Anderson. "Nos hacía reír y constantemente nos daba nuevo material. Es tan denso que no había posibilidad de retener todo, pero lo intentamos".

Usando patillas largas y varios niveles de afro sin peinar, Phoenix fue arreglado usando como modelo a un Neil Young de los setentas. Es una apariencia en contraste con el cabello corto al estilo militar de su rival en la fuerza del orden: el oficial de la policía de Los Ángeles agresivo y violador de leyes civiles y el sensible extra de "Adam-12" Bigfoot Bjornsen, un rol explorado por Josh Brolin tanto en su comedia como en sus aspectos humanos.

"Bigfoot es un cabrón, pero Josh encontró una forma de hacerlo gracioso y un poco triste", dice Anderson. "Hay una línea bonita en el libro que describe a Bigfoot como 'poseído por la melancolía'. Pero también es un cretino".

La instigadora de la investigación de Doc-su sensual ex pareja Shasta, quien vuelve a su vida de la nada, "viéndose justo como ella juró que no se vería"-es representada por Katherine Waterston en su primer gran rol en la pantalla grande. "Ella es hermosa y talentosa, ¿qué más se puede pedir?" dice Anderson de Waterston. "También fue bonito trabajar con alguien que es una nueva cara para la audiencia, que no tiene mucho kilometraje en la pantalla, lo cual ayuda a mantenerla misteriosa".

Mientras Doc investiga la desaparición de Shasta, recorre un laberinto de personajes de ambientes altos y bajos. Incluyen a Martin Short como el malvado Dr. Blatnoyd, Owen Wilson como el arrepentido soplón encubierto Coy Harlingen, Jena Malone como la drogadicta reformada Hope Harlingen, Benicio Del Toro como el abogado marítimo Sauncho Smilax, Reese Witherspoon como la seductora fiscal auxiliar de distrito Penny Kimball, Eric Roberts como el constructor Mickey Wolfmann, Michael Kenneth Williams como el ex presidiario activista Tariq Khalil, Martin Donovan como el abogado Crocker Fenway, Sasha Pieterse como la fastidiosa Japonica Fenway, Hong Chau como Jade de Chick Planet, Jordan Christian Hearn como Denis, el agotado compañero de Doc, y Jeannie Berlin como la tía de Doc, Reet.

"Fue un escenario de ensueño", comenta Anderson. "Partes increíbles, grandes y pequeñas. Felizmente los horarios funcionaron y este equipo perfecto de actores estuvo disponible. Todos ellos, de Jena a Benicio, son gente con la que he estado ansioso de trabajar por años, y aquí estaba la oportunidad. Incluso más emocionante fue encontrar a actores jóvenes como Hong Chau o Jordan Christian Hearn, o trabajar con grandes como Jeannie Berlin, Eric Roberts y Martin Short".

Después está Gordita Beach, una ciudad costera mitológica de la que Pynchon escribió por primera vez en su novela de 1990 Vineland, que pudo haberse inspirado en la alguna vez despreocupada, cargada de petroquímicos, ciudad de surfeo que ahora es la exclusiva Manhattan Beach. La oportunidad de crear el universo alternativo de Pynchon al lado del océano fue emocionante.

"Soy de California, de Los Ángeles, nací en 1970, así que estoy interesado en esa era por una serie de razones", dice Anderson. "Y después uno agrega la buena música, autos y chicas…"

Pero también es una imagen diferente de Los Ángeles de la que se ha visto en las películas de Anderson anteriores-que han cruzado el mapa, de "Boogie Nights" y su mundo de película para adultos de los setentas, al área contemporánea de crisis y milagros en "Magnolia", al lugar inesperado de amour fou en "Punch-Drunk Love", al panorama emergente de ambición del siglo veinte en "There Will Be Blood".

Anderson dice que una de sus mayores influencias para cómo se ve la película fue la tira cómica, The Fabulous Furry Freak Brothers, creada por el artista Gilbert Shelton en 1968, la cual muestra las desventuras de los tres notoriamente torpes y buscadores de drogas Freak Brothers en dibujos lineales que tenían una calidez juguetona y alucinógena.

Él y su equipo cinematográfico, que incluye al director de fotografía ganador del Oscar Robert Elswit, al diseñador de producción David Crank y al diseñador de vestuario Mark Bridges, después buscaron los últimos vestigios de la cultura surf auténtica y alucinógena en el sur de California. "Cada vez se hace más difícil encontrar el pasado", dice Anderson, "mucho más difícil que en 1997 cuando hicimos 'Boogie Nights'".

Un factor igualmente vital en el encendido de la máquina del tiempo que es "Vicio Propio" es la música, que tiene música original de Jonny Greenwood en su tercera colaboración con Anderson, después de "There Will Be Blood" y "The Master", y una banda sonora que pasa por sonidos menos escuchados de los setentas, desde la banda Can a Minnie Riperton y al mismo Neil Young.

"Hay demasiadas piezas musicales geniales en esta era", dice Anderson. "Solo tuve que elegir lo que encajaba mejor. Hay muchas referencias musicales en el libro-no teníamos suficiente película para mostrar todas. Pero usamos la clásica 'Here Comes the Ho-Dads' [por The Marketts]. ¡Excelentes solos de saxofón de la cultura surf! Coy Harlingen estaría orgulloso".

Aunque huele a nostalgia de rock 'n' roll, "Vicio Propio" no se estaciona del todo en el tiempo. No puede, porque los personajes también están tratando de escapar del tiempo, para escapar de los vicios inherentes e inevitables del tiempo. Y lo hacen a través del mismo sexo, drogas y música que definieron a esa era.

La investigación de Doc lo lleva por los desvíos escandalosos e impenetrables de la era, de tablas ouija a reuniones de Nixon, de revelaciones menores a una oportunidad de redención, solo para ponerlo de vuelta en Gordita Beach, en medio de la densa neblina, en el borde de lo azul, mirando "el mar de tiempo, el mar de memoria y olvido".IV-01676.png Quién es quién: los personajes

LARRY "DOC" SPORTELLO (JOAQUIN PHOENIX)

Perfil: El investigador privado hippie de Gordita Beach, cuyo estado de conciencia alterado casi constante mejora sus capacidades de detección o complica todo.

Phoenix sobre Inherent Vice: Toda la película está diseñada para atraerte a este viaje y es una especie de experiencia única en sí misma. Así se filmó también. Paul te conduce imperceptiblemente de una manera en que ni siquiera te das cuenta de que te lleva a otro tiempo y espacio. De repente estás allí.

Sobre trabajar con Anderson: Es una experiencia soñada. Es una cosa totalmente envolvente, y todos los miembros del elenco y el equipo están allí para involucrarse en ella. Me resulta un tanto misterioso cómo lo hace, porque sus escenarios no se sienten como verdaderos escenarios. Ni siquiera te parece que estás haciendo una película, solo sientes que estás dentro de este mundo que creó. Es tan fácil sentirse inspirado cuando trabajas con alguien así.

Sobre dejar que el papel cobre vida: No intento controlar una actuación como solía hacerlo y, en realidad, no hay manera de acercarse a alguien como Doc con ideas rígidas, con ninguna clase de certidumbre inamovible. Cuando trabajas con alguien como Paul, que no teme a lo impredecible, que está abierto a los descubrimientos, tienes esa clase de espacio. Y es entonces que descubres algo que parece estar en un estado de flujo verdadero, que se siente vivo. Eso es lo que siempre busco.

SHASTA FAY HEPWORTH (KATHERINE WATERSTON)

Perfil: La ex mujer de Doc, una chica de playa que antes gozaba de un espíritu libre, que aparece de repente atrayéndolo a un caso que sigue creciendo exponencialmente.

Waterston sobre Shasta: Shasta regresa a Gordita Beach tras haberse ido buscando cumplir el sueño de triunfar en Hollywood. El intento no sale como ella esperaba; en lugar de encontrar el éxito que buscaba, se encuentra involucrada en una situación que podría ser más pesadilla que sueño. Así que vuelve a Doc, buscando su ayuda. Y, al igual que el conejo blanco de Alicia en el País de las Maravillas, lo atrae a meterse en la madriguera y, por ende, en toda clase de situaciones bizarras, absurdas y peligrosas.

Sobre los encuentros de Shasta con el crimen: Creo que Shasta quedó devastada por Hollywood, por los homicidios Manson. Me conecté mucho con ella, con su pena. No me fue difícil comprender cómo se metió por demás con Mickey Wolfmann: la decepción y el temor son emociones molestas y potentes, pueden desorientarte y nublarte el juicio.

Sobre los sentimientos de Doc por Shasta: ¡Supongo que es una pregunta para Doc! Pero definitivamente prefiero crear que la ama. Sólo es mi opinión, podría estar en lo correcto o equivocarme, pero no creo que Pynchon le hubiera dado al personaje un nombre tan bello, romántico y musical como Shasta Fay Hepworth si quisiera que pensáramos que era una ex

novia común. Cuando leí el guion y la novela por primera vez, el amor de Doc por Shasta parecía un hecho omnipresente. Independientemente de lo que él dijera o hiciera, su preocupación por ella, me parecía, siempre estaba allí, pendiendo en el aire. Lo siento cuando veo la película, lo veo en la actuación brillante de Joaquin.

Sobre la experiencia de la película: ¡Paul y Joaquin me arruinaron la vida al darme una experiencia tan maravillosa y soñada! Fue como tener un boleto en primera clase tras años de viajar en clase turista en ese asiento que no se reclina, en la última fila del avión, junto al baño. No quería que terminara. ¡Recuerdo tener nostalgia incluso antes de que terminara! Simplemente me encanta la manera en que ambos trabajan: sin temor, colaborativamente y con una determinación feroz. Esperaba que Joaquin y Paul me intimidaran porque ambos son súper genios raros, pero como son tan humildes y generosos, que el pánico nunca me afectó. Me impresionó lo incluida y aceptada que me hicieron sentir.

MICKEY WOLFMANN (ERIC ROBERTS)

Perfil: El novio perdido de Shasta, un promotor inmobiliario multimillonario que ha estado convirtiendo los vecindarios tradicionales de Los Angeles en bienes raíces de lujo…hasta que desaparece del mapa.

Pynchon describe a Mickey: "Mickey podría haberles enseñado varias cosas a todos ustedes, vagos playeros. Era tan poderoso. A veces podía hacerte sentir casi invisible. Rápido, brutal, no es lo que calificarías como un amante considerado, un animal, en realidad, pero Sloane adoraba eso de él, y Luz también; se notaba, todos lo hacíamos. Es tan bueno que alguien te haga sentir invisible así a veces…"

DETECTIVE CHRISTIAN F. "BIGFOOT" BJORNSEN (JOSH BROLIN)

Perfil: Detective del Departamento de Policía de Los Angeles que no para de comer banas congeladas, auto descrito como "policía del Renacimiento" y actor de medio tiempo que tiene una relación de amor y odio con Doc.

Brolin sobre Bigfoot: Bigfoot tiene tantas cosas; y me gusta cuando los personajes tienen conflictos importantes consigo mismos. Lo veía como este tipo que está atascado en un mundo de franela gris de los años 50, un tipo que habría querido ser una clase de persona que "Hace lo correcto" si las cosas le hubieran funcionado de esa manera. Pero tiene todas estas cosas dicotómicas en su interior. Cuando lo ves con su esposa, le gritan como a un niño. Así que se presenta de una manera, pero lo que le pasa en realidad es otra cosa. También dice que odia a los hippies pero casi siempre anda con ellos; y su mejor compañero es un hippie.

Sobre Bigfoot y Doc: Es verdaderamente una cosa de amor y odio con estos dos. Obviamente se usan para obtener lo que cada uno desea, pero creo que hay algo más. Digo, Bigfoot disfruta hablar de la manera que solo puede hablar con Doc. Y sospecho que a Doc también le gusta eso.

Sobre el cabello de Bigfoot: Literalmente 15 minutos antes de mi primera escena decidimos el peinado chato. Hubo un par de otras ideas, pero cuando lo probamos, quedó.

Sobre la relación con Joaquin y Benicio: Hay una gran dinámica que ocurre cada tanto con los actores, cuando no sabes qué van a aportar, y eso es lo que ocurrió aquí. Fue fluido en una clase de sentido de Pynchon. Quizás fue como una gelatina. También creo que Joaquin es uno de los mejores actores que tenemos, así que poder trabajar con alguien así y subirse a esa montaña rusa es genial.

Sobre la historia: La veo como una especie de laberinto donde entiendes más y más a medida que avanzas. Puedes mirarla muchas veces y sacar algo nuevo cada vez. Las películas así no se hacen con mucha frecuencia, así que al terminar un filme así te sientes honrado de haber sido parte.

SAUNCHO SMILAX, ABOGADO (BENICIO DEL TORO )

Perfil: El abogado consultado frecuentemente por Doc, que en realidad practica Derecho marítimo, lo que finalmente resulta de utilidad.

Del Toro sobre Sauncho: Es abogado marítimo. Está del lado correcto de las cosas, pero fuera de su elemento. Siempre tiene un punto de vista, ya sea que se trate de dinero de su cliente o de ponerle las manos encima al velero de Golden Fang. Él y Doc tienen lo que parece ser una relación profesional pero creo que en lo profundo Sauncho lo aprecia. Quizás hasta lo admira o tal vez comparten las mismas papilas gustativas.

Sobre adaptar a Pynchon: Para mí lo interesantes es que el libro ya está casi escrito como una película, donde Pynchon ensambla una conversación con dos personajes en un momento y lugar y luego estás con esos mismos dos personajes en otro momento y lugar. Cuando leí el libro y luego el guion, supe que iba a ser un enfoque muy original sobe la política y la época.

Sobre la época: Todo era grande. Los autos eran grandes. Los teléfonos eran grandes. La música era grande. A diferencia de ahora, donde todo tiene el tamaño de las moléculas, flotando en el aire.

PENNY KIMBALL (REESE WITHERSPOON):

Perfil: Fiscal de distrito adjunta de Los Angeles - y amorío ocasional de Doc.

Pynchon describe a Penny: Entonces entró Penny, una mano metida vagamente en el bolsillo de la chaqueta, intercambiando comentarios civilizados con una cantidad de colegas perfectamente arreglados. Llevaba puestas gafas de sol y uno de esos trajes grises de poliéster con una falda muy corta.

HOPE HARLINGEN (JENA MALONE)

Perfil: Ex drogadicta que contrata a Doc para averiguar qué le pasó a su esposo supuestamente muerto, Coy.

Malone sobre Hope: Paul y yo empezamos con las palabras de Pynchon, y eso nos ayudó mucho a afinar lo que queríamos destacar. Hablamos mucho de las palabras; pero en cuanto

me senté a la mesa con Doc, fue cuestión de soltar todo. Creo que Hope a su modo representa la esperanza del amor, algo que en verdad parecía perdido.

Sobre los dientes de Hope: Son finales de los años 60, casi los años 70, Nixon es el presidente y todo está perdiendo su apariencia y su brillo: igual que los dientes de Hope.

Sobre trabajar con Paul Thomas Anderson con Pynchon: Paul es un cineasta estadounidense tan interesante. En una época donde las personas son tan innovadoras con la tecnología, él es innovador del corazón humano. Unirlo a Pynchon, que es esta voz poética y contracultural del mito estadounidense… Pensé que fue uno de los mejores emparejamientos de un cineasta y un autor que he conocido.

Sobre actuar con Joaquin: En mi opinión, lo más fascinante de ver a Joaquin adoptar este papel es que es tan inteligente, y sin embargo tiene un corazón enorme y gentil; y puso todo eso en el papel de Doc, que es todo bruma, niebla y paranoia. Fue emocionante verlo.

COY HARLINGEN (OWEN WILSON):

Perfil: Un saxofonista encubierto que, por razones desconocidas pero sospechadas, fingió su propia muerte y ahora se oculta con una banda en Topanga Canyon.

Wilson sobre Coy: Coy es una persona que ha caído en desgracia, se ha hecho adicto, y finalmente decide que la mejor manera de ayudar a su esposa y a su hijo es convertirse en informante. Pero también es el tipo que intenta ayudar a Doc a comprender completamente lo que ocurre con Golden Fang; excepto que Coy no puede en realidad arrojar mucha luz sobre el asunto, así que sus encuentros tienen esta especie de calidad misteriosa. Están plagados de paranoia. Pero creo que a Coy le gusta esa sensación de paranoia, se ha acostumbrado mucho a ella.

Sobre Golden Fang: Es esta especie de sindicato ominoso que maneja los hilos detrás de todos los misterios que está investigando Doc. Paul afirma metafóricamente que es una especie de depósito de la paranoia de todos. Es todo lo que podría ser malo o salir mal. Supongo que Golden Fang es como la Ley de Murphy en cierto modo.

Sobre Joaquin y su desaparición en el papel: Ni siquiera pensaba que era Joaquin. Pensaba que era Doc. Se veía tan diferente, era un detective privado agotado y cuando hacíamos escenas juntos era muy, muy natural y fácil.

Sobre la manera en que filma Anderson: Hace muchas tomas únicas, y se siente muy real. En realidad es más como una conversación real y la manera en que trabajas se hace un poco como un deporte, donde te pasas el balón con los otros actores. Obtengo más adrenalina cuando se siente de ese modo.

Sobre por qué Doc quiere salvar a Coy: Sabes, creo que Doc podría verse exasperado por todas estas personas, pero también le importan. Coy y Hope no deberían hacer sido padres, pero ahora lo son, y existe este amor entre ellos, y creo que Doc lo ve y quiere ayudar.

JADE (HONG CHAU):

Perfil: Gerente de Chick Planet, la "sala de masajes" donde Doc encuentra la complicación de la trama.

Hong sobre Jade: Pynchon tiene descripciones geniales de todos sus personajes, y creo que mi favorita de Jade es que es una pequeña gota de rocío asiática perfecta. Consideré a Jade como una pequeña genio que flota por Los Angeles y aparece en momentos al azar, y usualmente es para ayudar a Doc.

Sobre Doc y Jade: Me gusta al relación de Doc y Jade porque son dos extraños que se conocen e inmediatamente deciden que van a ayudarse sin la actitud de "¿qué hay de recompensa para mí?" Eso hace mucho contraste con muchos de los otros personajes con los que se encuentra Doc a través de la historia.

Sobre Joaquin: Muchos piensan que es un tipo raro, y me hace querer protegerlo. Es gracioso y tierno; ojalá la gente lo supiera. No es un actor sobre el que dices: "¡Otra vez está haciendo de él mismo en este papel!" Ama su trabajo y de verdad significa algo para él y se nota.

Sobre la época: Todo (el cabello, el vestuario, la utilería) era antiguo y muy auténtico. Paul no se concentra mucho no solo en los detalles, sino que también ve todo. Recuerdo que hubo un día en que detuvo una escena porque vio en el monitor que uno de los extras sostenía una radio a transistores y la tocaba como si fuera un iPad. ¿Cómo pudo ver eso? Pero nota muchas cosas y s importante para crear una película como esta.

TARIQ KHALIL (MICHAEL KENNETH WILLIAMS):

Perfil: Ex convicto y miembro de la familia de la Guerrilla Negra que le pide a Doc que averigüe el paradero de un miembro de la Hermandad Aria, que también resulta ser el guardaespaldas de Mickey Wolfmann.

Williams sobre la primera vez que trabaja con Anderson: El proceso en esta película fue muy diferente para mí. La mayor parte de mi trabajo ha sido en televisión, donde se trabaja a punta de látigo y el tiempo siempre apremia. Y entonces llego a esta situación y Paul comienza diciendo: sentémonos y hablemos de esto". Así que sabía que estaba seguro y en buenas manos.

Williams sobre Phoenix: Entré al proyecto como un gran admirador y, sinceramente, me intimidó mucho que me invitaran a la mesa a actuar con actores de talento increíble e inmenso. Así que vine con mucha energía nerviosa; pero Joaquin fue muy generoso conmigo.

CROCKER FENWAY (MARTIN DONOVAN)

Perfil: Alias el Príncipe oscuro de Palos Verdes, un abogado muy bien conectado que también representa a Golden Fang.

Pynchon escribe sobre Crocker Fenway: "Estamos ubicados. Siempre hemos estado ubicados. Miren a su alrededor. Bienes raíces, derechos acuíferos, petróleo, mano de obra barata: todo eso es nuestro, siempre ha sido nuestro. Y ustedes, ¿qué son al final del día? Una unidad más en este enjambre de transeúntes que van y vienen sin pausa aquí en la soleada tierra del sur, ansiosos por comprar un auto de cierta marca, cierto modelo, una rubia en

biquini, treinta segundos en alguna ola mala; un perro caliente, por el amor de Dios". Se encogió de hombros. "Ustedes jamás se acabarán. La oferta es inagotable".

JAPONICA FENWAY (SASHA PIETERSE):

Perfil: La hija descarriada de Crocker Fenway, a quien Doc rescató una vez de un terror hippie no especificado.

Pieterse sobre Japonica: Está perdida pero sin embargo sabe lo que quiere. Se ha sentido reprimida por su padre y es natural que una persona de su edad quiera alejarse lo más posible de eso. Está buscando libertad, aunque estar con Rudy Blatnoyd es solo una fachada. Lo más interesante para mí sobre Japonica es que siente esta época de transición a su propio modo, distinto al de Doc o cualquier otro personaje.

Sobre Crocker Fenway: Es el señor oscuro de Palos Verdes. Es un abogado retorcido y poderoso que simula ser una persona. En realidad es lo contrario y está involucrado en muchas cosas terribles.

Sobre la escena en el consultorio del doctor Blatnoyd: Fue muy divertida. Estábamos en una sala decorada muy al estilo de los años 60 con una alfombra increíble y entonces entra Martin Short con un traje de terciopelo violeta. Fue perfecto.

Sobre Doc: Es el mejor detective privado de todos. Es muy tranquilo. Podría ser por las sustancias que consume pero creo que sería la misma persona incluso si no consumiera. Me parece muy creíble la manera en que encuentra todas esas pistas por accidente, topándose con distintas personas que lo ayudan de diferentes maneras. Me encanta que no parezca alguien que tiene autoridad; eso lo hace muy cómico. Creo que una cosa sobre Doc es que todo se reduce a que le importa la gente. No sigue este camino solo por una razón. Hay muchos propósitos en este caso.IV-FP-0017r.png

DOCTOR RUDY BLATNOYD, CIRUJANO DENTAL (MARTIN SHORT)

Perfil: Un dentista amante de la cocaína, enredado en el misterioso imperio de Golden Fang.

Short sobre Blatnoyd: Paul lo describió como un lunático que es dentista y le gustan las mujeres jóvenes y la cocaína; así que fue un encasillamiento. Supongo que es alguien que fue a la facultad de Odontología pero ahora le gustan el amor libre, las drogas libres, quebrantar la ley y aprovecharse del sistema al tiempo que es condescendiente hacia los hippies, a menos que sean jóvenes y dispuestas…

Sobre la adaptación: Pensé que el guion era increíblemente fiel a Thomas Pynchon. Y en momentos Paul incluso tenía el libro en el plató con él y miraba la escena ahí y decía: "Probemos este diálogo". Me encantó cómo mi personaje es tan auténtico para con el libro, incluso en la manera que se viste. Nunca me dio la impresión de que Paul intentara reinventar lo que había escrito Pynchon.

Sobre la relación del doctor Blatnoyd con Doc: Creo que está un poco paranoico con él al principio pero luego se da cuenta de que solo es un sucio hippie que quiere drogas, y forman ese lazo. Ese lazo de drogas hippie.

Sobre Golden Fang: Para Rudy, creo que Golden Fang es solo una oportunidad para obtener lo que quiere. Es una autorización que le permite ser el mayor hedonista imaginable, lo que, admitámoslo, Rudy es.

Sobre trabajar con Anderson: Es muy abierto y experimental y te permite llegar a ese sitio donde estás en un estado muy relajado. Te permite mantenerte alejado del mundo moderno y fluir en 1970…IV-FP-0004r.png

SORTILÈGE (JOANNA NEWSOM)

Perfil: La ex empleada de Doc cuyos dones inusuales consisten en ver fuerzas invisibles, resolver rompecabezas emocionales y comprender el amor; es la narradora de la película.

Newsom sobre Sortilège: Paul en verdad expandió su personaje del libro para que fuera la narradora. Y además le confirió esta visión que todo lo ve; es un poco mística. Puede ver dentro de las vidas interiores de otras personas y ver el panorama general desde una distancia. Es una especie de oráculo pero no interfiere con los personajes. Solo observa y quizás da pequeñas pistas. Los pasajes descriptivos de Pynchon son tan hermosos; es genial poder oír parte de ese lenguaje en la película.

Sobre la base moral de Doc: Doc casi tropieza con hacer lo correcto en cualquier momento dado. Tiene código, pero no es rígido. En mi punto de vista, es como un caballero en una cruzada. Veo toda la historia como una batalla épica entre la Edad de Acuario y esta especie de corrupción oscura que se mete con las drogas duras y Charlie Manson y esta sensación de perdición inminente. Dentro de eso, Doc es un guerrero del bien.

Sobre Joaquin: Tiene esta especie de cualidad mágica, alquímica, de hacerte creer completamente en su personaje. Cuando tuvimos nuestra primera escena, creí totalmente que hablaba con Sortilège, y eso fue lo más útil que pude haber imaginado porque él estaba muy presente.

Sobre la secuencia del tablero Ouija: Es uno de los momentos en la historia en que hay una sensación profunda de realismo mágico. Es improbable que un tablero Ouija guíe a una persona a una línea de atención al drogadicto. Es improbable, aunque no imposible. Así que la realidad cambia a una especie de magia, pero lo que me encanta es que Paul hace representar esta escena mágica en una manera algo cruda y real.IV-04310.png

LOS ÁNGELES DE "Vicio Propio"

En la época de 1970, el Área Metropolitana de Los Ángeles en donde se desarrolla Inherent Vice es una tierra de estados de ánimo contradictorios: crecimiento descontrolado aunque claustrofóbico, soleada aunque desorientadora. Mientras Doc realiza sus investigaciones, se mueve desde su hábitat natural de casitas de surfistas a lo largo de la playa en el Sur de California al Parker Center del Departamento de Policía de Los Ángeles, las mansiones de Topanga, sórdidas salas de masajes, obras de construcción llenas de polvo, cafés costeros, centros de rehabilitación extravagantes y las elegantes oficinas generales del omnipresente Golden Fang. De manera similar, encuentra personas de cada subcultura y ámbito de la sociedad; desde drogadictos, militantes políticos y policías hasta dentistas, abogados y grandes empresarios de bienes raíces.

Aunque esta fluidez es ideal para las páginas literarias, la pregunta para Paul Thomas Anderson fue cómo convertir la escritura de Pynchon en una experiencia cinematográfica texturizada como en estado de trance. La película necesitó forjar su propio mundo seductor, que enganchara a la audiencia con la necesidad de Doc de sondear los misterios de Shasta, Mickey Wolfmann y el Golden Fang. Pero Anderson también quería que el mundo se sintiera natural y acogedor, así como casualmente cómico, sin ser abiertamente estilizado.

Lo hizo en colaboración con un equipo estrechamente unido cuyos miembros han trabajado juntos en muchas de sus películas: el director de fotografía Robert Elswit, ganador del Oscar por "There Will Be Blood", que filmó "Vicio Propio" en película de 35 mm para mantener tanto la estética de los años 70 como la naturaleza tipo sueño de la realidad de Doc; el diseñador de producción David Crank; el diseñador de vestuario Mark Bridges; y la editora Leslie Jones.

Crank, que fue director artístico en "There Will Be Blood" y diseñador de coproducción en "The Master" con Jack Fisk, afirma que todo comenzó con prolongados viajes en auto a través de Los Ángeles, atravesando la madeja de autopistas y caminos a través de los cañones en busca de los rastros perdidos de 1970 y los entornos que Doc hubiera experimentado. "El periodo de búsqueda fue bastante largo", comenta Crank. "Visitamos y volvimos a visitar lugares, y es un proceso muy intuitivo con Paul ya que él trata de reaccionar en el momento hacia los lugares y a la forma en que ajustan al estado de ánimo que tiene en mente".

Aunque el lenguaje de Pynchon siempre fue una influencia subyacente, Crank explica que se fusionó con la forma que tiene Anderson de ver las cosas. "Lo que me encantó del guion es que Paul realmente presentó a Pynchon de una manera accesible para las audiencias cinematográficas. Él logro destilar ese estilo sin enredarse demasiado en los detalles, lo cual podría haber sido una tentación", observa. "Así, aunque consultamos el libro y algunas veces

revisamos lo que Pynchon escribió, tratamos de no dejar que eso nos esclavizara. Si eres demasiado literal con respecto a una obra de literatura, generalmente eso no funciona. Y lo que a Paul siempre le gusta hacer es simplificar y quitar los adornos hasta que obtienes el tipo adecuado de armazón en el cuál los actores pueden hacer su trabajo".

Crank considera que Anderson cada vez ha entrado más en la sintonía de un naturalismo flexible y sin restricciones en sus últimas películas. "Cada vez está más interesado en lo orgánico", afirma el diseñador de producción, "y puedo entender por qué ese enfoque es tan emocionante para él. En mi trabajo, eso significa trabajar con él locación por locación. Siempre recordamos todos los diferentes elementos temáticos de la película, pero la idea era que no permitiríamos que dichos lugares nos impusieran restricciones".

El cambio de época entre la década de 1960 y la de 1970 fascinó a Crank. "Es un periodo extraño en todos los sentidos", reflexiona. "Realmente es después del Poder de las Flores, pero es antes de que el verdadero estilo de la década de 70 se impusiera. Es una verdadera etapa de transición. Eso fue emocionante pero también existió el peligro de hacer que el diseño solo fuera una colección de cosas raras. Esa fue la mitad de la batalla: encontrar elementos que reflejaran esa época pero que no destacaran tanto como para crear una distracción. La idea fue que el espectador nunca pensara: 'Ah, es una película de época'. Queríamos más una apariencia desgastada, una mirada a la gente que vivía en ese mundo y los objetos de una habitación que sólo están ahí porque terminaron ahí. No queríamos escenarios en donde se notara la dirección de arte. No hablamos de los lugares en donde las cosas se sientan noir ni de lugares con un ambiente más hippie. Todo es parte de este mismo mundo".

Para el departamento de Doc en Gordita Beach, Crank recorrió primero Manhattan Beach para encontrar casitas de surfistas de la década de 1960. Encontró precisamente lo que buscaba pero filmar ahí resultaba imposible, así que recreó la casa en un escenario. "Era una casa que perteneció a una mujer que tenía un espíritu verdaderamente libre, y creo que Paul quedó cautivado por la atmósfera de esa casa, así que tratamos de recrearla".

La extravagante oficina de Doc también se construyó en un escenario. "Cada vez que tratábamos de enloquecer con su oficina, Paul y yo considerábamos que era demasiado", recuerda. "Así que optamos por lo simple y hay algo en ese bloque desnudo que realmente parece ajustarse a todas las cosas que Doc hace ahí".

En contraste, la mansión de Mickey Wolfmann era un lujoso edificio clásico de mediados del siglo. "Vimos cientos de mansiones, pero esta sobresalió porque realmente no había sido tocada", afirma Crank. "Aún tiene esas hermosas paredes de piedra que

prácticamente no necesitan decoración y no fue muy difícil ambientarla en ese periodo. Parecía tener todas las mejores cosas del diseño de la década de 1960. Posteriormente construimos el cavernoso clóset de corbatas como un escenario por separado".

Crank también tuvo la tarea de recrear los interiores del Parker Center de un solo piso en Los Ángeles. Diseñado originalmente por el arquitecto Welton Becket, que también diseñó el icónico edificio de Capitol Records y el Cinerama Dome en Hollywood, el complejo rectangular de ocho pisos construido en estilo internacional modernista sirvió como el cuartel general del LAPD en el centro de 1954 a 2009, y frecuentemente se le puede ver en dramas policíacos de las décadas de 1950, 1960 y 1970. En 2009, el LAPD su mudó a otro lugar cuando Parker Center fue considerado sísmicamente peligroso. A pesar de que sigue de pie, actualmente el edificio está cerrado al público.

"Recreamos a Parker Center en una misión para indigentes en el centro de Skid Row", explica Crank. "Encontramos una excelente biblioteca que contaba con una larga hilera de ventanas, así que la volvimos a decorar y quedó muy bien".

Por otro lado, las maquinaciones menos visibles del Golden Fang se reemplazaron usando el Ambassador College en Pasadena. "Es un edificio con excelentes proporciones", comenta Crank, "y pudimos usar una gran parte del mobiliario original para la oficina del Dr. Blatnoyd, aunque volvimos a tapizar las sillas en naranja".

La película recorre más de 60 locaciones, desde el restaurante Chowder Barge en San Pedro pasando por una recóndita propiedad en Topanga que pertenecía a un par de artistas hasta un lote en Lancaster que sirvió para dar la sensación del salvaje oeste del área de construcción Channel View Estates. La casa de Bigfoot pertenecía a un anciano caballero en Baldwin Hills, mientras que la oficina/cámara de tortura de Adrian Prussia fue desenterrada en Compton. El elegante club en donde Crocker Fenway conoce a Doc fue creado en el sótano de Los Angeles Theater, que también se utilizó en "The Master".

"Fue un proyecto muy interesante en donde no teníamos un plan rígido sino que siempre estábamos abiertos a cambios en el momento y que realmente parecieran ajustarse a la historia. Podría haber sido algo muy delicado, pero sentimos que exigía algo más burdo y una verdadera mentalidad de 'lograrlo'", relata Crank. "Durante todo el proceso Paul siempre estuvo muy abierto. Creó una atmósfera en donde cualquiera podía acercarse a él. Hay un sentimiento de propiedad por parte de todos los miembros del personal y creo que eso saca lo mejor de las personas.

"El espacio que Anderson deja para que surja la anarquía creativa es parte de lo que hace que colaborar con él sea tan especial", concluye Crank. "Lo divertido de él es que al final

del día no sabes con qué vas a terminar, las cosas te van llegando y él siempre te impulsa para ir un poco hacia la izquierda. Te mantiene muy atento. Supongo que puedes decir que con Paul nunca sabes lo que pasará, pero siempre sabes que será algo emocionante e interesante".

Esa misma atmósfera sin restricciones también inspiró el trabajo del diseñador de vestuario Mark Bridges, que ya había trabajado con Anderson en "There Will Be Blood", "Punch-Drunk Love", "Magnolia", "Boogie Nights" y "Hard Eight", y que también ganó un Oscar por el vestuario de la película muda "The Artist". En cada proyecto que realiza, Bridges comienza por buscar las cualidades más distintivas de los personajes, que en este caso eran desenfrenados.

"Comencé leyendo el libro, después el guion, después tomé notas, después vi muchas imágenes de la época en fotografías, películas, pinturas, ilustraciones, todo", recuerda. "Mientras veía esas imágenes me hacía preguntas acerca de los personajes: ¿a dónde irían de compras? ¿Cómo se presentarían ante el mundo? ¿Cómo se ajustarían al esquema de la década de 1970? También comencé a pensar acerca de cómo hacer que este periodo se viera fresco e interesante, pero accesible para una audiencia actual".

Continúa: "Después hice un libro para Paul y hablamos mucho sobre la sensación y el tono más adecuados. Para el momento en que cada actor se presentó para las pruebas, Paul y yo ya teníamos algunas direcciones en las cuales podríamos llevar a un personaje. Después trabajé directamente con los actores viendo cómo se podrían ajustar diferentes cosas y tratando de darles todo lo que necesitaran para sentirse cómodos habitando ese mundo y ese papel en particular. Fue como armar un rompecabezas enorme, pieza por pieza".

Las imágenes de Pynchon le dieron a Bridges un excelente punto de arranque. "Paul y yo nos emocionamos de inmediato con muchas de las descripciones específicas de Pynchon: el traje del Dr. Blatnoyd, el disfraz de Coy la primera vez que lo vemos y la apariencia de camarera de lujo de Jade, todo está en el libro", explica.

Algunas veces una sola frase de Pynchon podría echar a andar todo. "Cuando lees una línea como la de Shasta: 'viéndose como ella decía que nunca se había visto', ahí empieza mi trabajo como diseñador de vestuario", reflexiona. "¿Qué significa esa frase para una chica que antes vivía en la playa usando únicamente su bikini y una camiseta? ¿Qué necesitaría vestir para ser parte del mundo de Mickey Wolfmann, viviendo de repente en Hancock Park, asistiendo a audiciones, tal vez saliendo a Beverly Hills? Sentí que un vestido de crochet era le elección adecuada para representar esa frase porque era muchas cosas a la vez: de buen gusto pero sexy, cómodo pero clásico y, para mí, muy de 1970. También es muy diferente de ese bikini y de la camiseta que usaba durante su vida con Doc".

Como Anderson, Bridges vio a Doc en el molde de un iconoclasta de Neil Young: desaliñado, relajado, un poco exaltado y casi accidentalmente tranquilo. "La influencia de Neil Young en la apariencia de Doc era algo que se notó en toda la línea del vestuario de Joaquin. Muchas veces, cuando necesitaba una idea para Doc me fijaba en las elecciones de Neil durante esa época y con frecuencia encontré una apariencia única del periodo que era excelente entonces y que se sigue viendo increíble actualmente", afirma. "También estaba el

'disfraz' del traje dorado de Joaquin, un traje antiguo que me atrajo porque tiene un y un corte muy interesantes, y porque era muy diferente del guardarropa diario de Doc".

Bridges utilizó una mezcla de artículos antiguos seleccionados cuidadosamente y de adornos hechos a mano para los personajes. "El vestido de crochet de Shasta era un vestido original del periodo que encontramos en una tienda de antigüedades; un hallazgo afortunado porque la mayoría de los vestidos de crochet de la época no han sobrevivido a estos últimos 45 años", aclara. "Lo teñí un poco para que el fuera más fuerte y más atractivo aunque adecuado para el periodo. Tuvimos que ser muy cuidadosos con su manejo, ya que era una pieza única".

Y continúa, "el traje de terciopelo del Dr. Blatnoyd se hizo a mano con base en un prototipo antiguo, y el traje de baño negro de Sloane Wolfmann estuvo inspirado en imágenes del periodo de Rudi Gernrich y Frederick de Hollywood, después lo creamos en nuestro taller de vestuario y lo personalizamos con muchos artículos para que funcionara bien. Los vestidos asiáticos de Jade los adquirimos en Chinatown y los alteramos en formas que evocaran ese periodo".

Debido a que la película estaba ambientada justo entre la década de 1960 y la de 1970, Bridges trabajó con una paleta un poco más inclinada hacia la década de 1970, lo cual sugiere el inminente cambio a una época dorada y de glamour. "Pensemos en el traje dorado de Doc o en el vestido amarillo de Japonica junto al traje ciruela del Dr. Blatnoyd, el traje bronce y la camisa salmón de Bigfoot. Esos es hablan de la época y esperamos que también ayuden a hacer que el vestuario sea fresco y memorable", afirma Bridges.

Mientras que Pynchon describe al Dr. Blatnoyd en un traje de terciopelo "ultravioleta", Bridges lo creó con varios tonos de púrpura. "Pedí que hicieran el traje de Rudy Blatnoyd en terciopelo de dos es diferentes, un azul/púrpura muy fuerte, que considero el 'ultravioleta' de Pynchon, y el otro en un ciruela 'de onda'. Paul y yo vimos las dos opciones en Martin Short y en el momento nos decidimos por el ciruela. Me gustó mucho cómo se veía en la oficina con paneles de madera y con el vestido amarillo de Japonica".

El lado más tranquilo de Los Ángeles en 1970 surge en las apariencias más conservadoras y cultivadas de Bigfoot, Penny y Crocker Fenway. Bridges señala, "Bigfoot, Penny y Crocker representan el orden establecido, lo opuesto al mundo donde habita Doc. La división cultural a finales de la década de 1960 era tan grande que durante mi investigación encontré un anuncio de The Establishment Wig, ¡una peluca que puedes usar sobre el cabello largo cuando es indispensable usar cabello corto!'".

Para Josh Brolin, Bridges analizó a los detectives bien arreglados de una época anterior. "El aspecto básico de Bigfoot es de unos 10 años antes de 1970", indica el diseñador. "La silueta de su traje es los primeros años de la década de 1960, pero yo incrementé los es del periodo en su ropa en la medida en que avanza la historia, así que empiezas a verlo en la camisa salmón y después en el traje de bronce en su escena final en la película. En realidad ese traje fue inspirado por la apariencia de Lee Marvin en la película 'Point Blank'" de 1967.

Bridges imaginó a la Penny de Reese Witherspoon utilizando su ropa de abogada como una especie de escudo. "Me encanta usar contrastes para jugar con la idea de que la ropa de un personaje no siempre demuestra quién es en realidad, sino solo cómo quiere que el mundo lo vea", explica Bridges. "La primera vez que vemos a Penny ella utiliza un vestido tejido y un conjunto con chaqueta con cuello alto, que yo diseñé para Reese. Pero después vemos a Penny más adelante en la película con una apariencia muy diferente en la casa de Doc. El vestido azul marino y blanco de Penny fue inspirado por un par de zapatos antiguos que encontré, y la longitud y la forma de sus faldas se inspiró en el vestuario de Faye Dunaway en

' The Thomas Crown Affair' de 1968".

Por último, Crocker Fenway presentaba la última moda en la ropa de la clase dirigente. "La escena con Crocker necesitaba decir: el orden establecido frente a la contracultura, tan pronto como empezaba", afirma Bridges. "Un traje de tres piezas para Crocker habla mucho acerca de quién es, y sugiere tanto a un senador como a un jefe criminal en un solo traje. Frente a eso, la elección deliberada de Doc del cuello de tortuga y el collar indio ignora completamente el código de vestimenta de la sociedad".

La gran cantidad de personajes secundarios hizo que Bridges utilizara los numerosos estilos de la época. "Era un placer imaginar y diseñar a cada uno de los personajes, y cada uno presentaba sus propios desafíos", resume. "En especial me encantó trabajar con Jade y modificar el cheongsam chino tradicional en pequeños vestidos sexys de la década de 1960. Tariq representó un reto para crear una persona real y no el esperado cliché del militante. Luz podría haber cambiado en varios sentidos ya que en el libro se le describe de manera distinta,

pero nos decidimos por lo sexy y también exploramos una apariencia más ruda tipo 'te voy a cortar' durante el proceso de ajuste. En general, quedé muy contento con la forma en que resultó, no solo por el periodo, sino porque creamos momentos y composiciones interesantes".

Lo más gratificante para Bridges fue ver como un reparto tan diverso utilizaba el vestuario. "Hay un momento maravilloso durante los ajustes con un actor en que el personaje repentinamente aparece en la habitación. Mi teoría es que ese momento se presenta cuando un actor siente que se ve bien pero se siente como cualquier otra persona. Muchos de nuestros actores asumieron al personaje en cuanto se pusieron su ropa", recuerda. "Las sandalias de Doc hicieron que Joaquin caminara diferente, más como Doc. Los pantalones de cintura alta tipo 1960 de Bigfoot hicieron que Josh se moviera más como los hombres de la época, y para que Shasta pudiera maniobrar en ese pequeño vestido tuvo que caminar y sentarse de manera distinta de lo que hace normalmente".

Finaliza, "siempre siento que el vestuario es un éxito cuando el trabajo externo del diseño de vestuario y el trabajo interno del actor para el personaje se complementan entre sí para crear un personaje realmente atractivo. Creo que eso ocurrió en 'Inherent Vice.'"

Después de la producción, Anderson cortó el extenso metraje junto con Leslie Jones, con quien trabajó en "The Master" y "Punch-Drunk Love". Jones, al igual que Anderson, comenzó por sumergirse en la amplia consciencia del universo de Pynchon. "El estilo y el ritmo de Pynchon son únicos. Fue una inspiración poderosa para la adaptación de Paul, y siempre fue una influencia para nosotros en la edición", afirma. "Realmente sentí que la espontaneidad de Paul con los actores y su facilidad con la cámara parecían complementar el lenguaje de Pynchon".

La decisión de usar un narrador se convirtió en una llave que desbloqueó la construcción final de la película. "Tener a Sortilège en la narración nos dio una gran flexibilidad con muchas cosas", explica Jones. "Lo más importante es que nos dio el lujo de usar la voz de Pynchon para comentar directamente las ideas más importantes y presentar 'el panorama completo' y me emocioné cuando eso funcionó bien.

"Algunos de nuestros mejores descubrimientos y momentos de revelación en 'Inherent Vice' llegaron después de intentos torpes de narrar o de aclarar una escena con una exposición descriptiva", añade, "y en lugar de eso hallábamos un comentario más del estilo de Pynchon y eso siempre era más significativo y emotivo. Creo que eso nos dio permiso para entretejer los diferentes estilos de la película, entrando y saliendo de lo noir, mezclado con un viaje hippie".

Igualar la oscuridad de los elementos noir con la alocada y confusa forma que tiene Doc de experimentar el mundo fue una fuente constante de intriga creativa en el proceso de edición.

Jones afirma que ella y Anderson siempre tenían que regresar al principio, regresar a Doc a ese sueño difuminado pero constante de Gordita Beach.

"El desafío y lo divertido del proceso fue encontrar ese equilibrio: descubrir cuáles detalles de la trama eran necesarios, qué podríamos darnos el lujo de no entender pero aun así disfrutar, y después equilibrar todo con la política, el humor, lo absurdo y la paranoia de la obra, junto con esa sensación de amplitud y de viaje con drogas. Siempre ponderábamos la necesidad de claridad contra el valor del entretenimiento y la atracción emocional", añade. "Pero con una historia tan concentrada, creo que lo mejor que hicimos es ver constantemente la película como si la viéramos por primera vez".

Ese proceso de siempre ver la historia desde un nuevo ángulo pareció ser adecuado para el universo circular, pero siempre cambiante, de Pynchon, que escribió en Inherent Vice: "Lo que se va podría regresar, pero nunca termina exactamente en el mismo lugar, ¿lo han notado? Como un disco en una tornamesa, todo lo que se necesita es una pequeña diferencia en el ritmo y el universo podría estar en una canción completamente distinta".IV-04269.png

ACERCA DEL REPARTO

JOAQUIN PHOENIX (Larry "Doc" Sportello) ganó una nominación a los premios Golden

Globe en 2014 por su actuación en "Her", la historia de amor original de Spike Jonzes, y en

2013 fue nominado a los premios de la Academia, BAFTA, Golden Globes y Critics Choice Awards, por nombrar solo algunos, gracias a su actuación aclamada por la crítica como Freddie Quell en "The Master". Más recientemente participó junto con Marion Cotillard y Jeremy Renner en "The Immigrant", la película independiente de James Gray.

Phoenix nació en Puerto Rico y comenzó su carrera de actuación a los ocho años. De niño, hizo muchas apariciones en numerosos episodios de televisión, en programas de televisión tan exitosos como "Hill Street Blues", "The Fall Guy" y "Murder, She Wrote". Tuvo un papel recurrente en la serie de CBS de corta duración "Morningstar/Eveningstar" en 1986. Ese mismo año obtuvo su primer papel estelar en la película "Spacecamp". Al año siguiente, estelarizó "Russkies", con su hermana Summer y Carole King. Dos años más tarde, el director Ron Howard eligió al adolescente como el hijo de Dianne Wiest en su popular comedia familiar "Parenthood". No fue sino hasta 1996 que el joven actor regresó con una actuación asombrosa y aclamada por la crítica junto con Nicole Kidman en "To Die For" de Gus Van Sant. Después coestelarizó "Inventing the Abbotts" con Liv Tyler, Billy Crudup y Jennifer Connelly, en 1997; y "U-Turn" de Oliver Stone con Claire Danes, Sean Penn y Jennifer Lopez.

En 1998, Phoenix coestelarizó con Vince Vaughn dos papeles diferentes: como un estadounidense encarcelado en Malasia por posesión de drogas en "Return to Paradise" y como amigo inocente del persuasivo asesino serial interpretado por Vaughn en la comedia de humor negro "Clay Pigeons". Después fue aclamado por su papel en el tenebroso thriller "8mm" de Joel Schumacher junto con Nicolas Cage.

En el año 2000, un año destacado para el actor, Phoenix ganó su primera nominación a los Academy Awards, actuando junto con Russell Crowe en "Gladiator" de Ridley Scott que ganó el Oscar a la Mejor Película. Además de las nominaciones al Oscar, Golden Globe y BAFTA, recibió premios como Mejor Actor Secundario de la National Board of Review y la Broadcast Films Critics Association. Continuó con "Quills" de Philip Kaufman nominada al Oscar que protagonizó junto con Kate Winslet y Geoffrey Rush, basada en la obra de Douglas McGrath sobre el Marqués de Sade, gracias a la cual ganó el premio Broadcast Film Critics Award como Mejor Actor Secundario. Ese mismo año, también estelarizó "The Yards" de James Gray, junto con Mark Wahlberg, James Caan, Faye Dunaway, Ellen Burstyn y Charlize Theron.

Phoenix continuó su agitada carrera como hermano de Mel Gibson en el éxito de taquilla "Signs" de M. Night Shyamalan que ganó casi 500 millones de dólares a nivel mundial. Dos años después volvió a trabajar con Shyamalan en su thriller gótico "The Village".

Phoenix estelarizó la comedia de humor negro "Buffalo Soldiers" junto con Ed Harris; tuvo el papel estelar en el drama de bomberos "Ladder 49", junto con John Travolta; y, en 2004, fue muy elogiado por su giro como un periodista cínico que presenció el espantoso genocidio de los tutsis en "Hotel Rwanda" de Terry George.

En 2006, Phoenix fue elogiado por su cautivadora representación como el legendario cantautor Johnny Cash, que protagonizó junto con Reese Witherspoon, en la fascinante biografía "Walk the Line" de James Mangold. Por su actuación, recibió la segunda nominación a los Academy Awards (esta vez como Mejor Actor) y ganó el Golden Globe como Mejor Actor en un Musical, así como nominaciones a los premios BAFTA, SAG, Critics Choice y Chicago Film Critics Awards.

En octubre de 2007, Phoenix estelarizó dos películas: "We Own the Night", en la cual volvió a trabajar con Mark Wahlberg y con el director James Gray, y en la profundamente conmovedora "Reservation Road", que lo reunió con el director Terry George y Jennifer Connelly. Después volvió a trabajar con el director Gray en "Two Lovers", junto con Gwyneth Paltrow e Isabella Rossellini.

El 27 de octubre de 2008, Phoenix aparentemente anunció su retiro de la actuación con el fin de enfocarse en su música rap, pero el anuncio resultó ser parte de su papel como actor en el falso documental "I'm Still Here", dirigida por su cuñado Casey Affleck. La película tuvo su debut en el Venice Film Festival y en el Toronto International Film Festival en 2010 y se estrenó en el verano de 2010.

Como activista social, Phoenix ha apoyado a varias organizaciones de beneficencia y humanitarias, principalmente Amnistía Internacional, The Art of Elysium, HEART y The Peace Alliance, una organización que hace campaña por la creación de un Departamento de Paz en los Estados Unidos; además, forma parte de la junta directiva del Lunchbox Fund. En 2005, recibió un Premio Humanitario en el San Diego Film Festival por su trabajo y contribución en "Earthlings", un video sobre la investigación del abuso animal en las granjas industriales, criaderos, industria e investigación con animales, que narró para Nation Earth. También en

2005, prestó su voz para el documental "I'm Still Here: Real Diaries of Young People Who lived during the Holocaust".

Phoenix también ha dirigido videos musicales para Ringside, She Wants Revenge, People in Planes, Arckid, Albert Hammond, Jr. y Silversun Pickups.

JOSH BROLIN (Det. Tte. Christian F. "Bigfoot" Bjornsen) ha sido nominado a los

Premios de la Academia y se ha convertido en uno de los principales protagonistas masculinos

de Hollywood. Brolin, un poderoso y solicitado actor de películas, continúa equilibrando papeles desafiantes tanto en producciones de los principales estudios como en películas independientes que invitan a la reflexión.

Brolin actuó en "Sin City 2: A Dame to Kill For", dirigida por Robert Rodriguez y Frank Miller, que fue estrenada el 22 de agosto por The Weinstein Company. El actor recientemente terminó su participación en la producción de "Everest" que coprotagonizó con Jake Gyllenhaal, Jason Clarke y John Hawkes. Basada en el libro Thin Air, la película relata los devastadores eventos que ocurrieron cuando un grupo de alpinistas intentaron conquistar la cima en 1996. Actualmente participa en la producción de "Sicario" de Denis Villenueve la cual trata sobre un oficial que viaja a través de la frontera mexicana con un par de mercenarios para atrapar a un conocido narcotraficante. En la película también actúan Emily Blunt y Benicio Del Toro. Brolin recientemente fue contratado para actuar en la película "Hail, Caesar!" de Joel y Ethan Coen que fue adquirida por Universal Pictures y es coestelarizada por George Clooney, Channing Tatum y Tilda Swinton.

En 2008, Brolin fue nominado a un Academy Award, un premio del Screen Actors' Guild y recibió los premios del New York Film Critics Circle y del National Board of Review por su representación de Dan White en la aclamada película "Milk" de Gus Van Sant. Estelarizó "True Grit", de los Hermanos Coen, la cual fue nominada a 10 Academy Awards incluyendo Mejor Película; también participó en "Wall Street: Money Never Sleeps" de Oliver Stone que coprotagonizó con Shia LaBeouf y Michael Douglas. Recibió críticas muy favorables por su representación de George W. Bush en la película biográfica "W" de Oliver Stone. Antes de eso, Brolin ganó un premio del Screen Actors' Guild como parte de un grupo por su trabajo en "No Country for Old Men" de los Hermanos Coen, que también ganó cuatro Academy Awards, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Además, Brolin estelarizó el éxito de taquilla "American Gangster" de Ridley Scott y fue nominado para un premio del Screen Actors' Guild como parte de este grupo.

Sus otros créditos en películas incluyen: "Labor Day" dirigida por Jason Reitman; "Old Boy" de Spike Lee; "Gangster Squad"; "Men in Black 3"; "Planet Terror", una de las dos partes de la aclamada "Grindhouse" de Quentin Tarantino y Robert Rodriguez; "You Will Meet a Tall Dark Stranger" de Woody Allen que protagonizó junto con Anthony Hopkins y Naomi Watts; "In the Valley of Elah" del director Paul Haggis; "Into the Blue" de John Stockwell; "Coastlines" de Victor Nunez; el éxito taquillero "Hollow Man" de Paul Verhoeven; "Mod Squad" de Scott Silver; el thriller psicológico "Nightwatch" de Ole Bornedal; "Best Laid Plans" que coprotagonizó con Reese Witherspoon, producida por Mike Newell; "All the Rage"; y el thriller de ciencia ficción

"Mimic" de Guillermo Del Toro. Brolin también recibió el reconocimiento de la crítica y de la audiencia en "Flirting with Disaster" de David O. Russell, interpretando a un agente federal bisexual, junto con un asombroso elenco encabezado por Ben Stiller. Brolin hizo su debut en películas estelarizando la clásica comedia de acción "Goonies", dirigida por Richard Donner para el productor Steven Spielberg.

En televisión, Brolin dejó su marca en la popular serie "The Young Riders" de la cadena ABC, así como en "Private Eye" de la NBC y "Winnetka Road" de la CBS. Brolin también recibió elogios de la crítica por su actuación en la miniserie épica de TNT "Into the West", que protagonizó junto con Beau Bridges, Gary Busey y Jessica Capshaw. Además, Brolin desempeñó el papel principal en el aclamado drama político "Mr. Sterling" de la NBC.

Como productor, Brolin se unió a Matt Damon, Chris Moore, Anthony Arnove y Howard

Zinn, en un documental titulado "The People Speak", basado en el influyente libro de Zinn de

1980 llamado A People's History of the United States. La película, que salió al aire en el History Channel en 2009, analiza los problemas de Estados Unidos con la guerra, las clases, las razas y los derechos de las mujeres, y cuenta con las lecturas de Viggo Mortensen, Sean Penn y David Strathairn, entre otros. Brolin hizo su debut como director en 2008 con un cortometraje titulado "X", que también escribió y produjo. Se estrenó en el Santa Barbara International Film Festival antes de ser proyectado en festivales como South by Southwest y AFI Dallas Film Festival.

OWEN WILSON (Coy Harlingen) es uno de los actores más exitosos de la industria cinematográfica contemporánea, y ha sido elogiado por sus memorables giros en películas taquilleras e independientes. En 2011, Wilson fue el protagonista junto con Rachel McAdams y Marion Cotillard de la aclamada cinta de Woody Allen "Midnight in Paris", que fue nominada a los Academy Awards. La actuación de Wilson como el guionista y aspirante a novelista Gil Pender lo hizo acreedor a una nominación al Golden Globe en la categoría de Mejor Actor en Película Musical o de Comedia.

En diciembre, Wilson será protagonista de la tercera parte de la franquicia "Night at the Museum", "Secret of the Tomb", dirigida por Shawn Levy. En el verano de 2015, Wilson protagonizará la comedia de Jared Hess sobre el robo a un camión blindado, junto con Zach Galifianakis y Kristen Wiig.

Más recientemente Wilson participó en la comedia de Peter Bogdanovich "She's Funny That Way", que protagonizó con Jennifer Aniston y fue producida por Wes Anderson y Noah Baumbach, y cuya premier se presentó en el the Venice Film Festival. También apareció en el thriller "The Coup", que protagonizó junto con Michelle Monaghan y Pierce Brosnan y que fue dirigido por John Erick Dowdle.

La serie de éxitos de taquilla de Wilson también incluye "Little Fockers", la tercera parte de la exitosa serie "Fockers", que protagonizó junto con Ben Stiller y Robert De Niro; "Marley & Me", con Jennifer Aniston, basada en las populares memorias de John Grogan; "Night At The Museum" y la secuela "Night At The Museum 2: Battle Of The Smithsonian", con Robin Williams y Ben Stiller; la exitosa comedia "Wedding Crashers", junto con Vince Vaughn; la comedia romántica "You, Me And Dupree"; y como la voz de Lightning McQueen en "Cars" y "Cars 2" de Disney.

Wilson protagonizó, junto con Adrien Brody y Jason Schwartzman, la película "The Darjeeling Limited" de Wes Anderson, que fue aclamada por la crítica y es el relato de unos hermanos que realizan un viaje espiritual por la India para fortalecer sus lazos. Wilson ha colaborado siete veces con el director Anderson, en películas como "The Grand Budapest Hotel"; "The Life Aquatic With Steve Zissou", coprotagonizada por Bill Murray y Anjelica Huston; "The Royal Tenenbaums", por la cual él y Anderson fueron nominados a un Academy Award por Mejor Guión Original; "Rushmore", en la cual Wilson fue coescritor y coproductor ejecutivo; y el debut de Anderson como director, "Bottle Rocket", en la cual Wilson fue protagonista y coescritor. Wilson también prestó su voz a la película animada de Anderson "Fantastic Mr. Fox", que fue nominada a los Premios de la Academia.

Otros créditos como actor de Wilson incluyen "The Internship", "Free Birds", "Are You Here", la comedia romántica de James L. Brooks "How Do You Know", "The Big Year", "Hall Pass", "Marmaduke", "Starsky & Hutch", "Zoolander", "Drillbit Taylor", "The Wendell Baker Story", "Shanghai Noon", "Behind Enemy Lines", "I Spy", "Shanghai Knights", "Armageddon", "The Minus Man" y "The Cable Guy".

KATHERINE WATERSTON (Shasta Fey Hepworth) participó en "The Disappearance of Eleanor Rigby" que coprotagonizó con Jessica Chastain y James McAvoy y cuya premier se presentó en el Toronto Film Festival. También apareció en "Night Moves" de Kelly Reichardt, que protagonizó junto con Dakota Fanning, Peter Sarsgaard y Jesse Eisenberg y cuya premier también fue en el Toronto Film Festival y fue distribuida por Cinedigm.

Recientemente, Katherine ha tenido un papel recurrente en la aclamada serie de HBO "Boardwalk Empire".

Otros créditos de Katherine incluyen "Michael Clayton", dirigida por Tony Gilroy para Warner Brothers, "Taking Woodstock" dirigida por Ang Lee para Focus Features y "Another Bullshit Night in Suck City" dirigida por Paul Weitz.

REESE WITHERSPOON (Auxiliar del fiscal de distrito Penny Kimball) es una ganadora de los Academy Awards que ha creado el tipo de personajes inolvidables que se conectan tanto con los críticos como con las audiencias, lo cual la convierte en una de las actrices más buscadas de Hollywood. En 2012, Witherspoon se asoció con la productora Bruna Papandrea para lanzar Pacific Standard Films. La nueva compañía productora tuvo éxito de inmediato, preparando las adaptaciones de los bestsellers "Wild" y "Gone Girl", así como diversas comedias y dramas.

Actualmente, Witherspoon participa en "The Good Lie", la historia de los niños perdidos de Sudán. Hace poco terminó la producción de una película en la cual es la protagonista junto con Sofía Vergara. Producida por Pacific Standard Films y dirigida por Anne Fletcher, la comedia sigue la historia de una oficial de policía, interpretada por Witherspoon, que tiene que huir por Texas con una prisionera interpretada por Vergara. El estreno de la película está programado para el 8 de mayo de 2015.

Witherspoon aparecerá próximamente en la adaptación fílmica de las memorias de Cheryl Strayed, "Wild", que también es producida por Pacific Standard y que es dirigida por Jean-Marc Vallée. Witherspoon interpreta a Cheryl Strayed en su caminata de 1800 kilómetros a lo largo de la costa del Pacífico para tratar de lidiar con la muerte de su madre, una relación fallida y la adicción a la drogas. La película tendrá una presentación limitada el 5 de diciembre de 2014.

La última aparición de Witherspoon fue en el drama de Atom Egoyan "Devil's Knot", que coprotagonizó con Colin Firth, basada en el conocido caso de los Tres de West Memphis. Ella interpreta a Pam Hobbs, la madre de uno de los tres jóvenes asesinados. El debut de la película se dio en el Toronto International Film Festival de 2013. Antes de eso, Witherspoon protagonizó el drama de Jeff Nichols "Mud" sobre la entrada a la edad adulta, junto con Matthew McConaughey. La película debutó con críticas delirantes en la competencia del Cannes Film Festival en 2012 y en su debut en los Estados Unidos en el Sundance Film Festival en 2013.

Previamente, Witherspoon apareció en la comedia romántica "This Means War", dirigida por McG. Fue la protagonista junto con Tom Hardy y Chris Pine, quienes interpretan a dos agentes de la CIA que son los mejores amigos pero descubren que salen con la misma mujer.

Witherspoon también apareció en la historia de amor de época "Water for Elephants", con

Robert Pattinson y Christoph Waltz.

En 2009, oímos a Witherspoon como la voz de Susan Murphy en la película animada "Monsters vs. Aliens", y también protagonizó junto con Vince Vaughn la exitosa comedia "Four Christmases". En 2010, recibió su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

Witherspoon apoya activamente la aprobación de la Ley Internacional Contra la Violencia hacia las Mujeres ('International Violence Against Women's act'), la cual crea un frente amplio para combatir la violencia. Witherspoon realiza muchas acciones a favor del Rape Treatment Center en el Santa Monica-UCLA Medical Center y a favor de Save the Children. Actualmente participa en la junta directiva de Children's Defense Fund, una organización con la cual está involucrada desde hace muchos años, recaudando dinero y creando conciencia acerca de los diversos programas con los que cuenta. Desde 2010, Witherspoon se involucra activamente con Stand Up to Cancer y recientemente fue la anfitriona en su gala benéfica anual.

En 2006, su extraordinaria actuación como June Carter Cash en la película biográfica "Walk the Line" la hizo merecedora del Academy Award por Mejor Actuación en Papel Femenino Estelar, así como de un BAFTA, un Golden Globe, un Screen Actors' Guild Award, un New York Film Critics Award, un Broadcast Film Critics Award, un People's Choice Award y otros 11 premios.

También es conocida por su inolvidable actuación como Tracy Flick en "Election" de Alexander Payne, y como la adorable Elle Woods en las exitosas "Legally Blonde" y "Legally Blonde 2".

Otras películas memorables incluyen "Sweet Home Alabama", que en su momento fue el mayor éxito para una comedia romántica centrada en un papel femenino, "Vanity Fair" de Mira Nair, "Pleasantville" de Gary Ross y la película clásica juvenil de culto, "Cruel Intentions".

BENICIO DEL TORO (Sauncho Smilax, Esq.) ha recibido galardones de la crítica a lo largo de su carrera, obtuvo un Academy Award como Mejor Actor Secundario por su papel en "Traffic" de Steven Soderbergh, así como una nominación al Oscar por su trabajo en "21

Grams" de Alejandro Gonzáles Iñárritu. Del Toro se reunió de nuevo con Soderbergh para protagonizar la biografía del Che Guevara. Fue protagonista, junto con Emily Blunt y Anthony Hopkins en "The Wolfman" de Joe Johnston, e interpretó a Lado en "Savages" de Oliver Stone. También interpretó a Jimmy, el papel estelar en "Jimmy P", una película que se exhibió en el Cannes Film Festival en 2013. Actualmente aparece en la taquillera película de ciencia ficción y

acción "Guardians of the Galaxy". El próximo año interpretará a Pablo Escobar en "Paradise Lost", a Mambru en "A Perfect Day" de Fernando Leon, y actualmente participa en la producción de "Sicario" de Denis Villeneuve.

Los trabajos previos de Del Toro incluyen la adaptación fílmica de la novela gráfica "Sin City" de Frank Miller, dirigida por Robert Rodriguez; "Fearless" de Peter Weir; "Swimming with Sharks" de George Huang; "The Funeral" de Abel Ferrara; "Snatch" de Guy Ritchie; "The Indian Runner" y "The Pledge" de Sean Penn; "The Way of the Gun" de Christopher McQuarrie; "The Hunted" de William Friedkin; "Things We Lost in the Fire" de Susanne Bier, que protagonizó junto con Halle Berry; y como el Dr. Gonzo en "Fear and Loathing in Las Vegas" de Terry Gilliam.

Del Toro hizo su debut fílmico en "License to Kill" de John Glen, que coprotagonizó con Timothy Dalton quien interpreta a James Bond, y desde entonces ha recibido la aclamación de la crítica por sus actuaciones. Además de ganar un Academy Award como Mejor Actor Secundario por "Traffic" de Steven Soderbergh, su actuación también le valió un Golden Globe, un Screen Actors' Guild Award, un premio BAFTA, un Oso de Plata en el Berlin International Film Festival, así como menciones del New York Film Critics Circle, la National Society of Film Critics, y la Chicago Film Critics Association Su trabajo en "21 Grams" también hizo que Del Toro se hiciera acreedor al Premio de la Audiencia como Mejor Actor en el Venice International Film Festival en 2003. Obtuvo premios Independent Spirit Awards por sus actuaciones como Fred Fenster en "The Usual Suspects" de Bryan Singer, y como Benny Dalmau en "Basquiat" de Julian Schnabel.

Nacido en Puerto Rico, Del Toro creció en Pennsylvania. Asistió a la Universidad de California en San Diego, en donde apareció en numerosas producciones estudiantiles, una de las cuales le permitió presentarse en un festival de drama en el Lafayette Theater de Nueva York. Del Toro estudió en el Stella Adler Conservatory bajo la tutela de Arthur Mendoza.

MARTIN SHORT (Dr. Rudy Blatnoyd, D.D.S.) es un célebre comediante y actor que ha sido aclamado por los fans y por la crítica gracias a su trabajo en televisión, películas y teatro desde que hizo su debut en "Saturday Night Live" hace casi 30 años. Regresó a "SNL" para ser el anfitrión del especial de Navidad el 15 de diciembre de 2012.

Short ganó su primer Emmy en 1982 mientras trabajaba en "SCTV Comedy Network" de Canadá, lo cual llamó la atención de los productores de "Saturday Night Live". Se convirtió en uno de los favoritos de los fans por su interpretación de personajes como Ed Grimley, el abogado Nathan Thurm y el "legendario cantautor" Irving Cohen.

Su popularidad y exposición en "Saturday Night Live" hicieron que Short pasara rápidamente a las películas. Realizó su debut en "Three Amigos", seguida por "Inner Space", "Three Fugitives", "Clifford", "Pure Luck" y "Mars Attacks" de Tim Burton. Uno de los papeles más recordados de Short fue la nueva versión de "Father of the Bride", como Franck el organizador de bodas, un papel que repitió algunos años después en "Father of the Bride Part II". La voz de Short aparece en la película animada "Madagascar 3: Europe's Most Wanted" y en la película "Frankenweenie" de Tim Burton.

Destacado actor de teatro, Short ganó un Tony y un premio de Outer Critics Circle Award por su papel en la puesta en escena de "Little Me". También fue nominado para un Tony y se llevó a casa un premio Outer Critics Circle Award por la versión musical de "The Goodbye Girl" de Neil Simon. Short coescribió y protagonizó "Fame Becomes Me".

Short regresó a la televisión en un papel nominado al Emmy para la miniserie "Merlin", y fue el anfitrión de "The Martin Short Show", que lo hizo acreedor a siete nominaciones al Emmy. Short también escribió, produjo y protagonizó tres especiales de comedia, y ganó dos premios Cable ACE y un Emmy. En 2001 lanzó "Primetime Glick" que fue aclamado por la crítica y obtuvo otras cinco nominaciones al Emmy. Short fue nominado para su premio Emmy número 19 en 2010, por su trabajo como el abogado Leonard Winstone en la aclamada serie de FX "Damages".

Recientemente, Short apareció en la exitosa serie de comedia de la CBS "How I Met Your Mother", en el papel recurrente de Garrison Cootes. Su voz se puede escuchar como Cat en la aclamada serie de la PBS "The Cat in the Hat Knows a Lot About That". Actualmente aparece en la nueva serie de FOX "Mulaney", cuya premier fue el 5 de octubre de 2014.

Su esperado libro de memorias, llamado I Must Say, se presentó el 4 de noviembre de 2014 y fue publicado por HarperCollins Publishing.

En 1994, Short recibió la Orden de Canadá, el equivalente canadiense de los caballeros británicos. También ingresó al Paseo de la Fama de Canadá en junio del año 2000.

JENA MALONE (Hope Harlingen) es una actriz en ascenso que se distingue por su versatilidad y sus papeles multidimensionales y que continúa evolucionando con cada nuevo proyecto.

Malone aparece en "The Hunger Games: Mockingjay Part 1". Repite su papel como Johanna Mason, el tributo del Distrito 7 que es experta en el uso del hacha. La película se estrenó el 21 de noviembre de 2014. Previamente, Malone protagonizó "The Hunger Games:

Catching Fire", que obtuvo más de 800 millones de dólares a nivel mundial y que fue la película con mayores ingresos en 2013 en los Estados Unidos.

Recientemente terminó su participación en la producción de "Time Out of Mind" de Oren Moverman, que protagonizó junto con Richard Gere. La película trata sobre un hombre de Nueva York que llega a un albergue cuando se queda sin opciones de vivienda, y después lucha por volver a unir los pedazos de su vida y corregir una relación problemática con su hija distanciada. Además, Malone recientemente terminó su participación en la producción de "Angelica" de Mitchell Lichtenstein, un thriller psicológico ambientado en Londres en la década de 1880, que se basa en la novela del mismo nombre del reconocido autor de éxitos Arthur Phillip. Malone interpretará a Constance, una joven empleada que se enamora y se casa con el Dr. Joseph Barton. Después de las complicaciones durante el nacimiento de su hija, Angelica, el celibato ordenado por el doctor crea una ruptura en el matrimonio de los Barton y una fuerza fantasmal entra a su casa.

Malone recientemente fue contratada para interpretar el papel principal en "Claire" de Dori Oskowitz. La versión estadounidense de la película francesa de 1982 "Le Beau Mariage" de Eric Rohmer sigue a una excéntrica joven de veintitantos años que vive en Long Island con su tía y con su primo adolescente. Harta de su amante, que es un pintor casado, Claire dirige su atención a un hombre que apenas conoce con la intención de casarse.

Malone protagonizó junto con Kevin Costner y Bill Paxton la miniserie de History Channel "Hatfields & McCoys", que se basa en una historia verídica y en crónicas de las sangrientas peleas entre dos clanes que llegaron hasta el punto en que dos estados casi se declaran la guerra. La miniserie rompió los récords de la televisión por cable y se convirtió en la nueva transmisión de entretenimiento más vista de todos los tiempos en cable, además de que obtuvo una nominación al Emmy a una Miniserie Sobresaliente y una nominación al Golden Globe a la Mejor Miniserie.

Anteriormente, Malone participó en "Sucker Punch" de Zack Snyder, "Dakota" de Ami Mann, "The Messenger" de Oren Moverman, "Into the Wild" de Sean Penn, "Cold Mountain" de Anthony Minghella, "Saved!" de Brian Dannelly, "Pride and Prejudice" de Joe Wright, "The Wait" de M. Blash y en "In Our Nature" de Brian Savelson. Siendo una actriz joven, Malone protagonizó "Stepmom" junto con Julia Roberts y Susan Sarandon, el clásico de culto "Donnie Darko" y su primer papel en la película independiente "Bastard out of Carolina", que le hizo acreedora a una nominación al premio Independent Spirit Award por la Mejor Actuación de Debut.

Malone ha aparecido como invitada en muchas series de televisión, incluyendo "Law & Order" y "Chicago Hope", y su actuación en la película para TV "Hope" hizo que Malone obtuviera una nominación al Golden Globe por Mejor Actuación de una Actriz en Miniserie o Película para TV.

En la primavera de 2013, Malone dirigió su primer video musical para la banda Lavender Diamond. El video para "The Incorruptible Heart" fue presentado en exclusiva en MTV Buzzworthy.

Actualmente Malone también está de gira con su banda, The Shoe. Ella y su compañero en la banda, Lem Jay Ignacio, se conocieron en 2008 y poco después comenzaron a grabar juntos. Malone construyó un instrumento que ella interpreta y que se llama "The Shoe", el cual incluye la base de un viejo calentador con una gran cantidad de instrumentos electrónicos adentro. Su primer disco, At Lem Jay's Garage, salió en 2009 bajo el sello There Was an Old Woman Records. El álbum I'm Okay apareció en la primavera de 2014.

JOANNA NEWSOM (Sortilège) ha sido alabada por el New York Times como una de las máximas estrellas de la música indie y ha extendido su repertorio de talentos como cantante, compositora y arpista con su reciente incursión en la película "Vicio Propio" de Paul Thomas Anderson.

Newsom, que tiene estudios de arpista clásica, comenzó a llamar la atención como compositora después de que sus grabaciones caseras llegaron a la firma discográfica Drag City, en 2002. Lanzó su primer álbum de larga duración, The Milk-Eyed Mender, en 2003, que promovió en giras como solista por los Estados Unidos y Europa durante los años siguientes, así como en presentaciones en televisión en "Jimmy Kimmel Live" y "Later…with Jools Holland".

En 2006, Newsom lanzó su segundo álbum Ys, con arreglos para orquesta realizados por Van Dyke Parks, que fue grabado por Steve Albini. El álbum tuvo una gran recepción y en su primera edición se vendió a nivel mundial. Su gira del álbum incluyó una banda de respaldo muy austera integrada por batería, guitarra, violín y banjo. Newsom se presentó en una serie de conciertos donde se agotaron las entradas y en donde estuvo acompañada por orquestas completas, en lugares como el Royal Albert Hall en Londres, la Sydney Opera House y la Brooklyn Academy of Music. Durante esa época, la música de Newsom también fue el tema de un libro de ensayos y de análisis crítico escrito por Dave Eggers y otros admiradores, llamado Visions of Joanna Newsom (Roan Press).

Su tercer álbum, Have One on Me, apareció en 2009. Es un disco triple que recibió amplias alabanzas de los críticos y permitió que Newsom alcanzara sus mejores lugares en las listas de popularidad hasta le fecha. Hizo extensas giras por Europa, Asia, Latinoamérica y los Estados Unidos para promover Have One on Me, incluyendo presentaciones en "The Tonight Show Starring Jimmy Fallon", "The Late Show With Dave Letterman", "Jimmy Kimmel Live" y el programa de televisión "Austin City Limits". Durante esta época también apareció en "Portlandia" y realizó colaboraciones musicales con Philip Glass, The Roots y Fleet Foxes. En

2010, Newsom fue el objeto de un disco tributo a beneficio de Oxfam que incluyó a M. Ward, Billy Bragg y otros artistas que interpretaban sus canciones.

ERIC ROBERTS (Michael Z. Wolfmann) fue nominado al premio Oscar por su papel en "Runaway Train" y fue nominado tres veces al Golden Globe por "Runaway Train", "Star 80" y "King of the Gypsies".

Además, Roberts recibió el aplauso de la crítica en el Sundance Film Festival por sus papeles en "A Guide to Recognizing Your Saints" en 2006 y por "It's My Party" en 1996. Protagonizó "La Cucaracha", que ganó el premio a la Mejor Película en el Austin Film Festival en 1998, y por la cual ganó el premio al Mejor Actor en el New York Independent Film Festival ese mismo año. Entre otras de sus notables actuaciones se encuentran sus papeles en "Final Analysis", "The Pope of Greenwich Village", "Raggedy Man", "Hollywood Dreams", "Babyfever", "Heaven's Prisoners", "The Dark Knight" y "The Expendables".

En televisión, Roberts captó la atención internacional por sus papeles en "Heroes", "Entourage" y "The L Word". También causó un gran impacto en la adaptación nominada al Emmy de "In Cold Blood" de Truman Capote, dirigida por Jonathan Kaplan. Se unió al elenco de la serie "Crash" en Starz para su segunda temporada e interpretó al tipo de personaje complejo por el que Roberts es conocido.

Roberts también ha participado en videos musicales: aparece en el video "Mr. Brightside" de The Killers, dirigido por Sophie Muller, además de su próxima precuela, y en el video de Brett Ratner para "Emancipation of Mimi" de Mariah Carey, ambos premiados. Una de sus apariciones más famosas, fue como el sorprendido destinatario de un grito espontáneo y sincero del Mickey Rourke de "The Wrestler" en los Independent Spirit Awards de 2009.

En 1989, Roberts ganó el Theatre World Award por su papel en "Burn This" en Broadway. En 2003, regresó al escenario en Nueva York en "The Exonerated" y también participó en la gira del espectáculo.

Roberts nació en Biloxi, Mississippi, y creció en Atlanta y sus alrededores. En su

adolescencia, comenzó su carrera como actor en teatro y en la telenovela "Another World" en la ciudad de Nueva York. Sus pasiones personales pueden verse en naturalchild.org y preciouspaws.org

HONG CHAU (Jade) está haciendo su debut en el cine en "Vicio Propio". Ella y su familia emigraron de Vietnam a EE.UU. y se asentaron en Nueva Orleans, LA. Por lo introvertida que es, le gustaba escribir y nunca consideró ser actriz. Mientras estuvo en Nueva York, tomó clases de actuación e improvisación. Al inicio, era para ayudarla a vencer su timidez, pero descubrió que secretamente le gustaba actuar.

Animada por un veterano director de comedias de televisión, se mudó a Los Ángeles para actuar. Poco después de llegar a Hollywood, Chau tuvo la suerte de volver a su ciudad, Nueva Orleans, para personificar por tres temporadas a Linh en la serie de HBO de David Simon "Treme". Ella actúa regularmente en la comedia de NBC "A to Z".

MAYA RUDOLPH (Petunia Leeway), nominada al premio Emmy, es conocida por su participación en Saturday Night Live de NBC, donde fue una de las actrices regulares durante más de siete años, así como por sus diversas apariciones en televisión y cine. Recientemente, se pudo ver a Rudolph en su programa especial cómico "The Maya Rudolph Show", que salió al aire el 19 de mayo en NBC. El productor ejecutivo del programa fue Lorne Michaels y debutó con 7,23 millones de espectadores. Recientemente se escuchó la voz de Rudolph como la tía Cass en la muy esperada película de animación "Big Hero 6", que se estrenó el 7 de noviembre de 2014.

Rudolph protagonizó "The Way, Way Back", que fue aclamada por la crítica. La película fue el debut como directores de los guionistas ganadores del Oscar, Jim Rash y Nat Faxon. Obtuvo el aplauso de la crítica en el Sundance Film Festival en 2013 y se estrenó en julio de

2013. El film fue nominado a varios premios y ganó $22 millones en la taquilla local. Rudolph también se volvió a unir a sus compañeros de elenco Adam Sandler, Chris Rock, Kevin James y David Spade en la comedia familiar "Grown Ups 2".

Como maestra del arte de la comedia, Rudolph protagonizó la comedia "Bridesmaids" de Paul Feig, junto a Kristen Wiig, que recaudó cerca de $300 millones en la taquilla en todo el mundo y ganó numerosos galardones desde su estreno, el 13 de mayo de 2011. En 2009, obtuvo críticas estupendas por su actuación junto a John Krasinski en la película cómica "Away We Go", dirigida por Sam Mendes de un guion de Dave Eggers y Vendela Vida, y en 2006, por su actuación junto a Luke Wilson en "Idiocracy", escrita y dirigida por Mike Judge.

SASHA PIETERSE (Japonica Fenway) es una estrella de cine y televisión, conocida por su papel principal en "Pretty Little Liars" de ABC Family, que se encuentra en su quinta temporada. Ella interpreta a Alison DiLaurentis, la ex abeja reina cuya misteriosa desaparición sacudió al pequeño suburbio en el que vivía. Además de su exitosa carrera como actriz, Pieterse inició su carrera como cantante y lanzó cuatro sencillos con el coescritor y productor Dan Franklin.

Pieterse comenzó en televisión en 2002 a los seis años, en la serie "Family Affair" de WB, una nueva versión del éxito de fines de los años 60, como Buffy, junto a Gary Cole. Obtuvo el premio Young Artist's por su labor en la serie. Luego volvió a trabajar con Cole como su hija en el thriller del cable "Wanted".

El primer papel importante en cine de Pieterse, fue como la princesa de hielo en "The Adventures of Shark Boy and Lava Girl 3D" de Robert Rodriguez, con Taylor Lautner y George Lopez. También protagonizó "Good Luck Chuck" y el telefilm "Claire", junto a Valerie Bertinelli. Pieterse apareció en la exitosa serie "Heroes" en el papel de Amanda Strazzulla, una joven gitana con poderes de fuego. Fue actriz invitada en "House M.D", donde interpretó a una paciente con cáncer terminal a la que le aterraba morir sin haber sido besada y fue nominada al premio Daytime Emmy. También fue actriz invitada en "Without a Trace", con una actuación aterradora como víctima de secuestro.

En 2011, interpretó a Amy Loubalu en la película original de Disney Channel "Geek Charming" y también a una adolescente en la película "X-Men: First Class". En 2007, protagonizó el largometraje "The Air I Breathe", junto a Sarah Michelle Gellar. Recientemente, Pieterse actuó en el film "G.B.F." en uno de los papeles principales, como Fawcett Brooks; en un episodio de "Hawaii Five-0" como una alumna terrorista llamada Dawn Hatfield; y terminó de filmar la película "Burning Bodhi", donde actúa junto a Virginia Madsen y Kaley Cuoco- Sweeting.

Pieterse, nació en Johannesburgo, Sudáfrica, y emigró a Estados Unidos en busca de mejores oportunidades. Aterrizó en Las Vegas con sus padres, quienes estaban en la industria del espectáculo, antes de que la familia se mudara a Los Ángeles. Se acostumbró al rigor de una carrera en el mundo del espectáculo a una edad temprana, ya que sus padres eran un equipo de danza acrobática profesional que actuaba en todo el mundo.

Cuando sólo tenía cuatro años y medio, Pieterse se reunió con un agente de Los

Ángeles que firmó un contrato con ella rápidamente y, desde entonces, ha estado actuando y

modelando. Ha aparecido en la banda sonora de comerciales televisivos, en carteles publicitarios y obtuvo trabajo como modelo en todo el país.

MICHAEL KENNETH WILLIAMS (Tariq Khalil) es uno de los actores más respetados y aclamados de la televisión. Al darles vida a personajes complicados y carismáticos -a menudo con una ternura sorprendente- Williams se ha establecido como un intérprete talentoso y versátil con una capacidad única para cautivar al público con sus representaciones asombrosas.

Williams es conocido por su extraordinario trabajo en "The Wire", que salió al aire por cinco temporadas en HBO. El ingenio y el humor que Williams le dio a Omar, el ladrón de narcotraficantes, soplón y malhablado, lo hicieron merecedor de grandes elogios y convirtieron a Omar en uno de los personajes más memorables de la televisión. En 2009, Williams fue nominado a un NAACP Image Award al Actor de Reparto Destacado de serie dramática.

Williams fue coprotagonista de la aclamada serie de HBO "Boardwalk Empire", que se estrenó en 2010 y actualmente está en su última temporada. En el programa que produce Martin Scorsese, Williams interpreta a Chalky White, el auténtico alcalde contrabandista y de aspecto impecable de la comunidad afroamericana de Atlantic City en la década de 1920. En

2012, "Boardwalk Empire" ganó un Screen Actors Guild Award a la Actuación Destacada Grupal en una serie dramática. En 2014, Michael Kenneth Williams fue nominado a un NAACP Image Award al Actor de Reparto Destacado en una serie dramática por "Boardwalk Empire".

Williams continuó mostrando su versatilidad como actor invitado en tres episodios de "Community", una comedia de NBC. Entre sus participaciones en televisión, se encuentran "Law & Order", "CSI", "The Philanthropist" y "Boston Legal". También tuvo un papel en "The Sopranos" y en "Alias" de J.J. Abrams. Próximamente, se lo podrá ver junto a John Turturro en la serie de HBO "Criminal Justice" de Steve Zaillian.

Williams hizo su debut en cine con el drama urbano "Bullet", luego de ser descubierto por el difunto Tupac Shakur. También apareció en "Bringing Out the Dead", que fue dirigida por Martin Scorsese. Entre sus trabajos en cine se encuentran "The Road"; "Gone Baby Gone"; "Life During Wartime"; "I Think I Love My Wife"; "Wonderful World"; "Snitch", junto a Dwayne Johnson y Susan Sarandon; "Robocop", protagonizada por Joel Kinnaman, Gary Oldman y Michael Keaton; y un papel de reparto en la película ganadora del Oscar de Steve McQueen "12 Years A Slave", con Michael Fassbender y Brad Pitt. Recientemente, se lo vio en "Kill the Messenger", junto a Jeremy Renner, y se lo podrá ver en el largometraje "Captive", junto a Kate

Mara y David Oyelowo. También protagonizará junto a Queen Latifah el film "Bessie" de HBO y actuará con Mark Wahlberg en el refrito de "The Gambler".

Retribuir a la comunidad es un elemento importante en la vida de Williams cuando está fuera de cámara. Ha creado Making Kids Win, una organización de caridad cuyo objetivo principal es construir centros comunitarios en barrios urbanos que necesiten espacios seguros para que los niños aprendan y jueguen. En 2014, Williams también se convirtió en embajador de ACLU para terminar con el encarcelamiento masivo.

Williams nació y se crió en Brooklyn, Nueva York, y comenzó su carrera artística bailando profesionalmente a los 22 años. Luego de numerosas apariciones en videos musicales y como bailarín de fondo en giras de Madonna y George Michael, Williams decidió dedicarse a la actuación seriamente. Participó en varias producciones de La MaMa Experimental Theatre, de la prestigiosa National Black Theatre Company, y de Theater for a New Generation, dirigido por Mel Williams.

Michael Kenneth Williams reside en Brooklyn, Nueva York.

JEANNIE BERLIN (tía Reet) fue nominada a un premio Oscar y a un Golden Globe a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en "The Heartbreak Kid", de Elaine May, junto a Charles Grodin y Cybill Shepherd. Entre sus trabajos en cine se encuentran "Vijay and I"; "Margaret"; "In the Spirit", de la cual también fue coguionista; el papel del título en "Sheila Levine is Dead and Living in New York"; "Bone"; "Portnoy's Complaint"; "The Baby Maker"; y "Getting Straight".

En la pantalla chica, apareció en las series "Miss Match" y "Columbo", y en las películas para televisión "Two on a Bench" y "In Name Only".

Berlin también ha actuado en Broadway, en "After the Night and the Music".

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ACERCA DE LOS REALIZADORES

PAUL THOMAS ANDERSON (director / guionista / productor) escribió y dirigió "Hard Eight" (1996), "Boogie Nights" (1997), "Magnolia" (1999), "Punch-Drunk Love" (2002), "There Will Be Blood" (2007) y "The Master" (2012).

THOMAS PYNCHON (autor) es el autor de V.; The Crying of Lot 49; Gravity's Rainbow; Slow Learner, una colección de cuentos cortos; Vineland; Mason & Dixon; Against the Day; Inherent Vice; y recientemente, Bleeding Edge. Recibió el National Book Award por Gravity's Rainbow en 1974.

JOANNE SELLAR (productora)

trabajó anteriormente con Paul Thomas Anderson en "Boogie Nights", nominada a tres premios Oscar; en "Magnolia", nominada a tres premios Oscar; en "Punch-Drunk Love"; en "There Will Be Blood", que fue nominada a ocho premios Oscar, incluyendo a Mejor Película, y ganó el premio al Mejor Actor (Daniel Day-Lewis) y a la Mejor Fotografía (Robert Elswit); y en "The Master", que fue nominada a tres premios Oscar, incluyendo al Mejor Actor (Joaquin Phoenix), Mejor Actor de Reparto (Philip Seymour Hoffman) y a la Mejor Actriz de Reparto (Amy Adams).

Además, Sellar produjo "The Anniversary Party" de Jennifer Jason Leigh y Alan Cumming, que fue aclamada por la crítica. Su repertorio en producción de cine comienza con el thriller de ciencia ficción "Hardware". Luego produjo películas como "Dust Devil" de Richard Stanley, "Dark Blood" de George Sluizer y "Lord of Illusions" de Clive Barker.

Antes de su transición al cine, Sellar tuvo una exitosa carrera como productora de videos musicales para U2, Elvis Costello e Iggy Pop, entre otros. Su amplia experiencia también se extiende hasta la televisión, donde fue coproductora de "Red, Hot, & Blue", un tributo mundial a Cole Porter a beneficio de la investigación sobre SIDA. Su carrera profesional comenzó a principios de los años 80, en la programación de un cine de repertorio de Londres llamado The Scala, que fue aclamado por su selección diversa, original y alternativa.

DANIEL LUPI (productor) fue productor ejecutivo de la película ganadora del Oscar

"Her", de Spike Jonze, que fue aclamada por la crítica y protagonizada por Joaquin Phoenix.

En 2012, fue productor ejecutivo del drama biográfico nominado a los premios Oscar y BAFTA, "Lincoln", de Steven Spielberg, con quien previamente había trabajado en "Catch Me If You Can". Actualmente, es productor ejecutivo del thriller sobre la guerra fría del director que se estrenará en 2015.

También trabajó con Paul Thomas Anderson en el aclamado drama "The Master", protagonizado por Philip Seymour Hoffman y Joaquin Phoenix; en "There Will Be Blood", que recibió una nominación al Oscar a la Mejor Película; en "Punch-Drunk Love"; en "Magnolia"; en "Boogie Nights"; y en "Hard Eight".

SCOTT RUDIN (productor ejecutivo) produjo "Top Five", "While We're Young", "The Grand Budapest Hotel", "Captain Phillips", "Inside Llewyn Davis", "Frances Ha", "Moonrise Kingdom", "The Girl With the Dragon Tattoo", "Extremely Loud & Incredibly Close", "Moneyball", "Margaret", "The Social Network", "True Grit", "Greenberg", "It's Complicated", "Fantastic Mr.

Fox", "Julie & Julia", "Doubt", "No Country for Old Men", "There Will Be Blood", "Reprise", "The Queen", "Margot at the Wedding", "Notes on a Scandal", "Venus", "Closer", "Team America: World Police", "I Heart Huckabees", "School of Rock", "The Hours", "Iris", "The Royal Tenenbaums", "Zoolander", "Sleepy Hollow", "Wonder Boys", "Bringing Out the Dead", "South Park: Bigger, Longer & Uncut", "The Truman Show", "In & Out", "Ransom", "The First Wives Club", "Clueless", "Nobody's Fool", "The Firm", "Searching for Bobby Fischer", "Sister Act" y "The Addams Family".

En teatro, produjo "Hamlet", "Seven Guitars", "A Funny Thing Happened on the Way to the Forum", "The Chairs", "The Blue Room", "Closer", "Amy's View", "Copenhagen", "The Designated Mourner", "The Goat, or Who Is Sylvia?", "Caroline, or Change", "The Normal Heart", "Who's Afraid of Virginia Woolf?", "Doubt", "Faith Healer", "The History Boys", "Shining City", "Stuff Happens", "The Vertical Hour", "The Year of Magical Thinking", "Gypsy", "God of Carnage", "Fences", "The House of Blue Leaves", "Jerusalem", "The Motherf**ker With the Hat", "The Book of Mormon", "One Man, Two Guvnors", "Death of a Salesman", "The Testament of Mary" y "A Raisin in the Sun".

ADAM SOMNER (productor ejecutivo) ha acumulado una lista impresionante de participaciones en largometrajes y trabajó con algunos de los directores más respetados de la industria, incluyendo una extensa colaboración con Ridley Scott, con quien trabajó en ocho films, incluyendo "1492: Conquest of Paradise", "White Squall", "G.I. Jane", "Gladiator", "Hannibal", "Black Hawk Down", "Kingdom of Heaven" y en la inminente "Exodus: Gods and Kings", cuyo estreno está programado para diciembre. También trabajó con Tony Scott en tres ocasiones, en las películas "Unstoppable", "Man on Fire" y "Spy Game".

Recientemente, Somner fue primer asistente de dirección y coproductor en la película de Martin Scorsese, "The Wolf of Wall Street", premiada y aclamada por la crítica. "Vicio Propio" marca su tercera colaboración como primer asistente de dirección con Paul Thomas Anderson, con quien trabajó anteriormente en "There Will Be Blood" y "The Master" y, en esta última, también fue productor ejecutivo.

Trabajó por primera vez con Steven Spielberg en la tercera película de la serie de "Indiana Jones", "Indiana Jones and the Last Crusade", y desde entonces ha sido su primer asistente de dirección en "War of the Worlds", "Munich", "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull", "The Adventures of Tintin", de la cual también fue productor asociado, y "War Horse" y "Lincoln", de las que también fue coproductor, y ambas recibieron premios Christopher por mostrar los valores más altos del espíritu. Actualmente, Somner es productor ejecutivo y primer asistente de dirección del thriller sobre la guerra fría del director, que se estrenará en 2015.

Entre las películas en las que trabajó Somner, se encuentran "Rango" de Gore Verbinski, "Lions for Lambs" de Robert Redford, "Seabiscuit" de Gary Ross, "Shadowlands" de Richard Attenborough, y "The Mummy" y "The Jungle Book" de Stephen Sommer.

ROBERT ELSWIT (director de fotografía) ganó un premio Oscar a la Mejor Fotografía por su trabajo en "There Will Be Blood" de Paul Thomas Anderson. También obtuvo una nominación al premio BAFTA y ganó varios premios de asociaciones de críticos por su fotografía en la película, incluyendo los premios de la New York Film Critics y de la National Society of Film Critics. Elswit ha trabajado con Anderson en varias de sus películas, empezando por "Hard Eight", y también "Boogie Nights", "Magnolia" y "Punch-Drunk Love".

Elswit obtuvo su primera nominación al Oscar por su fotografía en blanco y negro en "Good Night, and Good Luck" de George Clooney, por la cual ganó un Independent Spirit Award, así como los premios de los críticos de Los Ángeles y de Boston. También realizó la fotografía de las películas protagonizadas por George Clooney, "The Men Who Stare at Goats", "Michael Clayton" y "Syriana".

Además de su trabajo con Anderson, Elswit ha trabajado repetidas veces con varios directores en proyectos como "Runaway Jury" e "Imposter" de Gary Fleder; "Redbelt" y "Heist", con el guionista/director David Mamet; "The River Wild", "Bad Influence" y "The Hand That Rocks the Cradle" de Curtis Hanson; y "A Dangerous Woman", "Waterland" y "Paris Trout", dirigidas por Stephen Gyllenhaal.

En la larga lista de trabajos en cine de Elswit también se encuentran "Nightcrawler" de Dan Gilroy, "The Bourne Legacy" de Tony Gilroy, "Mission: Impossible - Ghost Protocol" de Brad Bird, "The Town" de Ben Affleck, "8MM" de Joel Schumacher, la película de Bond "Tomorrow Never Dies", "Amazing Grace and Chuck" de Mike Newell y "The Sure Thing" de Rob Reiner. Además, trabajó en el aclamado documental sobre los Rolling Stones de Martin Scorsese, "Shine a Light".

DAVID CRANK (diseñador de producción) trabajó con Paul Thomas Anderson como codiseñador de producción en "The Master". Actualmente, está trabajando en el proyecto de Peter Landesman que protagoniza Will Smith. Recientemente, también diseñó "The Double", con Jesse Eisenberg y Mia Wasikowska, dirigida por Richard Ayoade.

Como director de arte, Crank trabajó con algunos de los realizadores más talentosos, incluyendo a Steven Spielberg y a Terrence Malick. Con la participación de Crank, la serie "John Adams" de HBO ganó un premio Emmy a la Dirección de Arte Destacada en una miniserie o película, así como un premio del Art Directors Guild a la Excelencia en el Diseño de Producción. Además, el trabajo de Crank contribuyó al premio del Art Directors Guild para "Lincoln", de Spielberg, y a un premio del Art Directors Guild para "There Will Be Blood" de Anderson. Entre otros trabajos de Crank en dirección de arte, se encuentran "To the Wonder", "Water for Elephants", "The Tree of Life" y "The New World".

Crank obtuvo su licenciatura en The College of William & Mary en 1982 y, en 1984, se graduó de Carnegie-Mellon con una maestría en Bellas Artes.

LESLIE JONES (editor) fue nominada a un premio Oscar a la Mejor Edición por la aclamada película de guerra de Terrence Malick, "The Thin Red Line". También fue nominada dos veces al American Cinema Editors Eddie Award por "The Thin Red Line" y por "Punch- Drunk Love" de Paul Thomas Anderson.

Recientemente, trabajó con Anderson en "The Master", protagonizada por Philip

Seymour Hoffman, Joaquin Phoenix y Amy Adams.

Su trabajo con el director Todd Phillips incluye "School for Scoundrels" y "Starsky & "Hutch", con Ben Stiller y Owen Wilson. También editó la comedia de Paul Weitz, "Little Fockers", protagonizada por Robert De Niro y Ben Stiller, así como su film de ciencia ficción "Cirque du Freak: The Vampire's Assistant", con John C. Reilly.

Entre otros trabajos de Jones en cine, se encuentran "The Words", protagonizada por Bradley Cooper; la comedia "CQ" de Roman Coppola, con Jeremy Davies y Gerard Depardieu; la comedia romántica de Fina Torres, "Woman on Top", con Penelope Cruz; y el thriller "Murder at 1600" de Dwight Little, con Wesley Snipes y Diane Lane.

MARK BRIDGES (diseñador de vestuario) nació y se crio en Niagara Falls, Nueva York, y obtuvo una licenciatura en Artes Teatrales en Stony Brook University. Luego trabajó en el legendario Barbara Matera Costumes en la ciudad de Nueva York como encargado de compras para una amplia gama de proyectos de Broadway, de danza y de cine. Luego de su trabajo en Matera, Mark estudió tres años en Tisch School of the Arts de New York University, y obtuvo una maestría en Bellas Artes en diseño de vestuario. Luego de la New York University, Mark comenzó a trabajar en cine cuando le resultaba posible y fue asistente de diseñador de

vestuario en la película "In the Spirit" con Marlo Thomas y Elaine May, y asistente de diseño de

Colleen Atwood en el film de Jonathon Demme, "Married to the Mob".

En 1988, Mark trabajó como asistente de diseño para el diseñador Richard Hornung en la película "Miller's Crossing", una colaboración con continuaría por ocho películas más. En

1989, Mark se mudó a Los Ángeles para ser asistente de diseñador de vestuario de Richard Hornung en "The Grifters", "Barton Fink", "Doc Hollywood", "Hero", "Dave", "The Hudsucker Proxy", "Natural Born Killers" y "Nixon".

En 1995, Mark comenzó a trabajar en diseño de vestuario para Paul Thomas Anderson, realizando el diseño para "Hard Eight". Su siguiente trabajo en conjunto, fue en la aclamada "Boogie Nights", seguida por "Magnolia", "Punch-Drunk Love" y "There Will Be Blood", con Daniel Day Lewis. Mark también realizó el diseño para "The Master", con Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams.

En 2012, Mark ganó un premio Oscar y un premio BAFTA por el diseño de vestuario de la famosa película muda de 2011 que ganó el Oscar a la Mejor Película: "The Artist", del director Michel Hazanavicius. Entre sus otros trabajos se encuentran "The Fighter", del director David O. Russell, con Mark Wahlberg, Christian Bale y Amy Adams, "Greenberg", con Ben Stiller, del director Noah Baumbach, "Yes Man", protagonizada por Jim Carrey, "Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus", con Nicole Kidman y Robert Downey Jr., "Be Cool" con John Travolta, "I Heart Huckabees" con Dustin Hoffman e Isabel Huppert, "The Italian Job", protagonizada por Mark Wahlberg y Charlize Theron, "8 Mile" protagonizada por Eminem, "Blow" con Johnny Depp, "Deep Blue Sea", "Blast From the Past " y "Can't Hardly Wait". Mark también realizó el diseño para "Captain Phillips", protagonizada por Tom Hanks, del director Paul Greengrass. Recientemente, Mark ha diseñado el vestuario para la adaptación cinematográfica de la novela best seller Fifty Shades of Grey del director Sam Taylor-Johnson, con Dakota Johnson y Jamie Dornan.

Los diseños de vestuario de Bridges formaron parte de la exhibición Hollywood Costume en el Museo Victoria and Albert de Londres, Inglaterra, en otoño de 2012. Los diseños de Mark también formaron parte de la exhibición en la Biennale di Firenze Fashion/Cinema de

1998, y de la exhibición de The Academy of Motion Picture Arts and Sciences, Fifty Designers, Fifty Costumes: Concept to Character que se realizó en Los Ángeles y Tokio en 2002. Mark también fue uno de los artistas cinematográficos incluidos en "On Otto", una instalación en la Fondazione Prada en Milán, en el verano de 2007.

La carrera y el diseño de Mark están incluidos en el libro Costume Design de la serie Film Craft de Deborah Nadoolman Landis. Los diseños de Bridges han aparecido en publicaciones tan diversas como la Harper's Bazaar australiana, Vogue, The New York Post, The Hollywood Reporter, Dressing in the Dark de Marion Maneker, y Dressed: 100 Years of Cinema Costume de Deborah Nadoolman Landis. 

JONNY GREENWOOD (banda sonora) es miembro de la aclamada banda de rock alternativo Radiohead. Greenwood es el primer guitarrista y tecladista, pero también toca la viola, el xilofón, el glockenspiel, las ondas de Martenot, el banjo, la armónica y la batería. También trabaja en la parte electrónica de Radiohead, en sonidos generados por computadora y sampling. Entre los films para los que realizó la banda sonora, se encuentran "The Master" y "There Will Be Blood" de Paul Thomas Anderson, "We Need to Talk About Kevin" de Lynne Ramsay y "Norwegian Wood" de Tran Anh Hung.

Además, ha trabajado como compositor residente para la BBC Concert Orchestra.

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