abril 02, 2014


Noe: Sinopsis, elenco, ficha, Critica: Noah 3D

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Inspirado por la épica historia de valor, sacrificio, esperanza y redención, Darren Aronofsky ("Black Swan", "The Wrestler", "The Fountain") trae a las pantallas de cine "Noé". Russell Crowe, ganador de un Premio de la Academia®, interpreta al hombre elegido por Dios para emprender una misión de rescate crucial antes de que un diluvio apocalíptico arrase el mundo.

Nunca antes la historia completa había cobrado vida en la pantalla en una vivencia épica donde los espectadores experimentan estos eventos espectaculares a través de los ojos y emociones de Noé y su familia a medida que viajan a través del miedo y la fe, la destrucción y el triunfo, las privaciones y la esperanza.

La película ofrece una fascinante aventura visual a través de los perdurables temas del bien y el mal, la destrucción y la clemencia, la familia y las segundas oportunidades.

La producción llevó al elenco y al equipo de clase mundial de la cinta en su propio viaje inesperado a medida que investigaron a fondo el mundo de Noé, respetaron el texto y subieron a bordo de un Arca auténtica hecha a mano según las especificaciones bíblicas precisas. En cada aspecto de las interpretaciones, la acción y los innovadores efectos especiales de la película, el objetivo del equipo creativo fue claro: forjar una experiencia contemporánea de "Noé" que fuera inmediata, vibrante y personal.

El resultado es el primer retrato cinematrográfico de Noé como un hombre imperfecto cuya asombrosa e inspiradora tarea confronta lo peor de la humanidad al tiempo que reafirma nuestra fe en sus mejores atributos.

"El público podrá ver todos los grandes momentos en la historia de Noé… el Arca, los animales, los Nefilim, el primer arcoíris, la paloma. Pero esperamos que estén captados de forma novedosa e inesperada. En vez de repetir lo que se vio antes, analizamos con cuidado lo que está escrito en el Génesis y después creamos en la pantalla un entorno en el que sentimos que esos milagros podrían ocurrir". Darren Aronofsky

CRÍTICA



Lo primero que me vino a la cabeza a los pocos minutos del comienzo de la proyección de Noé fue: ¿qué es esto?. Es aceptable que "en nombre del arte" se tomen ciertas licencias para contar historias, sean verdaderas, mitológicas o bíblicas, pero cuando dichas licencias son prácticamente más de la mitad del argumento ya no tiene sentido ver una película que se llame Noé si va a existir tanto delirio alrededor. Para eso hubieran hecho la misma película y con otro nombre.

Con lo que respecta al diluvio en sí, creí que la excusa para realizar este film era dejar al espectador maravillado con la técnica digital, pero la desilusión aquí también es total ya que toda esa parte pasa como si nada, tanto por la duración como por la calidad.

Se trate sobre Noé o de cualquier otro, el guión es aburrido y pesado, a pesar de haberle dado cierto aire de la saga de El señor de los anillos y de incluir unos gigantes de roca similares a los Transformers.

Un fiasco para los amantes de lo clásico, pero posiblemente interesante y audaz para los amantes de lo novedoso.

Cintia Alviti



En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

Paramount Pictures y Regency Enterprises presentan una producción de Protozoa Pictures, "Noah", dirigida por Darren Aronofsky, con un guión escrito por Aronofsky y Ari Handel ("The Fountain"). Los productores son Scott Franklin ("Black Swan", "The Wrestler"), Mary Parent ("Pacific Rim") y Arnon Milchan; los productores ejecutivos son Ari Handel y Chris Brigham ("Inception", "Shutter Island").

Al lado de Crowe ("Gladiator", "A Beautiful Mind", "Les Misérables") el elenco incluye a Jennifer Connelly ("A Beautiful Mind", "Requiem for a Dream"), ganadora de un Premio de la Academia®; Ray Winstone ("The Departed", "Hugo"); Emma Watson ("Harry Potter and the Deathly Hallows", "My Week With Marilyn"); Logan Lerman ("Percy Jackson & the Olympians"); Douglas Booth ("Great Expectations" en TV, la próxima "Romeo and Juliet"); Dakota Goyo ("Thor") y el ganador de un Premio de la Academia®, Anthony Hopkins ("The Silence of the Lambs").

El equipo tras bastidores de la película incluye al director de fotografía Matthew Libatique ("Black Swan", "Iron Man"); al diseñador de producción Mark Friedberg ("The Amazing Spider-Man 2", "Synecdoche, New York"); al diseñador de vestuario Michael Wilkinson ("Man of Steel", "American Hustle") y al compositor Clint Mansell ("Black Swan", "The Wrestler").

Noé en el cine

La historia completa de Noé y el Arca que Dios le ordena construir antes de que destruya la Tierra abarca apenas unas pocas páginas en el Libro del Génesis. Pero estos escasos pasajes han tenido un impacto profundo y duradero sobre miles de millones de personas a través del planeta, pues evocan tanto las profundidades de la maldad como las alturas de la fe y contienen la esperanza de la redención después de la catástrofe.

Sin embargo, desde que comenzó el cine casi todas las descripciones mostradas en la pantalla acerca de este tema fundacional son parodias, comedias o cintas animadas que reflejan una cultura pop en la cual el Arca a menudo se encuentra en una juguetería. La historia fue llevada por primera vez a la pantalla en 1928 con la película "Noah's Ark", que fusionó una frívola recreación de Hollywood del diluvio bíblico con un drama de la Primera Guerra Mundial. Desde ese momento hemos visto cortos de Disney, caricaturas y otras variaciones de tono cómico. Pero notablemente la historia de Noé nunca antes se intentó realizar como una aventura épica visual de escala completa que diera vida a las páginas de la Biblia, ni algún realizador cinematográfico profundizó en sus temas centrales de lo que significa ser humano.

"Hay versiones de comedia, versiones animadas, incluso hubo en Broadway una versión con Danny Kaye que era un musical", dice el director y coescritor de "Noé", Darren Aronofsky. "Históricamente el enfoque siempre fue hacia el folclor, el humor y las historias para niños. Pero si analizas el lugar de esta historia en el Génesis, es mucho más profunda que simplemente reunir parejas de animales. Narra la historia de diez generaciones de hombres malos que a la larga llega a un clímax en el que Dios decide que quiere reconstruir todo de nuevo. Para mí, ésta fue la primera historia del fin del mundo que existió".

También sintió que esta historia por fin se podría narrar visceralmente con las técnicas de realización cinematográfica del Siglo XXI respetando a la vez el indeleble poder del texto bíblico. Añade el director: "Deseaba evitar cualquiera de las trilladas preconcepciones que teníamos de la cultura pop... quería que este Noé se sintiera genuino, inmediato y real".

La fascinación de Aronofsky con el mundo de "Noé" comenzó cuando tenía 13 años y escribió un poema acerca de Noé que ganó un premio en la escuela. Después comenzó su carrera de realizador cinematográfico y visualizó cómo podría cobrar vida esta colosal historia en las modernas pantallas de cine. Sabía que eso plantearía el más monumental desafío de su carrera, una película enormemente ambiciosa que requería tanto pasión como una extrema atención a los detalles. Al mismo tiempo le atrajo hondamente la faceta personal de la historia épica, pensó en la familia de Noé y quiso explorar sus sentimientos humanos, sus miedos y esperanzas, sus conflictos y su búsqueda de significado en medio de estos extraordinarios eventos.

"Para narrar el primer apocalipsis, me pareció extremadamente interesante imaginar cómo podría sobrevivir una familia", comenta el director.

Esto se convirtió en el punto de despegue para un proceso de escritura que llevaría a Aronofsky y al coescritor/productor ejecutivo Ari Handel a ahondar en lo desconocido. Debido a que el texto del génesis es breve, prácticamente no tiene diálogo y ofrece pocas sugerencias de los sentimientos de Noé sobre el inminente diluvio, se dedicaron a estudiar una amplia gama de fuentes religiosas, históricas y académicas para entender mejor la época de Noé y la importancia de sus acciones. Su objetivo no era apegarse a las líneas de la Sagrada Escritura, más bien se enfocaron en dramatizar lo que consideran los temas esenciales de la historia de Noé y explorar las preguntas que plantea la narración bíblica.

Un acercamiento a Noé

Aronofsky es un realizador cinematográfico al que le atraen las historias de mayor alcance y los medios más audaces para su narración. Desde la misión del matemático en su primera película: "π", hasta la búsqueda agridulce de la reconciliación en "The Wrestler" o la intensa historia de suspenso en el mundo de ballet que narra en "Black Swan", el director es conocido por su innovador enfoque visual y su disposición para profundizar en temas tan fértiles como la moralidad, el amor y el significado de lo sagrado.

Handel dice que Aronofsky es también al único director en el que podría pensar para asumir los riesgos visuales de llevar a los espectadores a un mundo antiguo plagado de un oscuro caos y lleno de la presencia divina. "Darren era el director idóneo, pues los desafíos visuales de 'Noé' son monumentales, así que necesitábamos a alguien cuyas habilidades en esa área fueran excelentes. Pero también debía combinar esa majestuosidad visual con una honda intensidad emocional y Darren posee esta aptitud única", comenta.

Teniendo en mente el dominio visual de Aronofsky, el guión no tuvo límites en cuanto al alcance, la acción... o lo inesperado. "Deseábamos aportar la grandeza y magnificencia adecuadas para una historia tan importante", explica Handel, "pero dentro de eso también buscamos sorprender a las personas con algunos elementos que superen sus expectativas".

"Por ejemplo", continúa Handel, "en el Génesis, a Noé le ordenan construir un Arca y llevar a ella una pareja de cada especie animal. No hay una descripción de cómo logra realizar esta tarea. Pero Darren concibió un modo cinematográficamente emocionante y dramático para que Noé pudiera conseguir los materiales para su Arca, así como encontrar y reunir especímenes de todos los animales en el mundo.

Estas soluciones no están en la Biblia, aunque tampoco la contradicen, pero sentimos que tenían una calidad milagrosa que coincidía con el espíritu de la historia".

Asimismo Aronofsky dice que le interesó captar más aspectos que simplemente el alcance épico: "Lo que hicimos fue comenzar con el texto real del Génesis y después lo expandimos en un drama familiar".

"En la actualidad hay poco conocimiento explícito acerca de muchos aspectos de la historia de Noé, en realidad Noé ni siquiera dice una palabra hasta que sale del Arca", indica Handel, "así que todo lo que pensaban y decían estos personajes era un campo totalmente abierto. Pero si analizas con cuidado el texto puedes notar ciertos indicios. Por ejemplo, consideremos que Noé se embriaga después de que llega al Nuevo Mundo. Esto nunca se explica en el Génesis, pero sentimos que era un aspecto anímico en Noé que queríamos explorar y tratar de entender. ¿Qué clase de presión y conflictos debió soportar él que incluso después de concluir con éxito su tarea necesitó recurrir a la bebida? ¿Cómo podemos reconciliar esto con la descripción de Noé como un "hombre justo" cuando, ebrio y desnudo maldice a una rama de sus descendientes y los condena a la esclavitud eterna?"

"También pensamos", sigue Handel, "¿cuál sería la parte más dolorosa en la historia del Génesis: un Creador decide destruir casi totalmente su propia creación. Seguramente había niños entre las personas que se ahogaron en la inundación. Del mismo modo había numerosos animales inocentes además de las parejas que se salvaron. En este caso el diluvio debió tener la intención de volver a iniciar todo de un modo completamente limpio a pesar de todas esas pérdidas, algo que debe haber sido muy triste para un Creador justo que ama su Creación. ¿Cómo podíamos dramatizar este dolor en un nivel humano con el que todos nos pudiéramos vincular? Nuestra tarea más difícil fue pensar cómo abordar estas preguntas de forma cinematográfica y atractiva, al tiempo que manteníamos un apego a las especificaciones del Génesis".

En el corazón de su guión estaba la voluntad de Noé y sus intentos humanos de perseverar ante lo que parecía una misión imposible. Cuando El Creador le advierte acerca de la calamidad y le ordena salvar a los animales, Noé lo hace con incuestionable fe y no siente ni un ápice de la incredulidad que algunos podríamos esperar.

"En muchas películas actuales, si un personaje dice que tiene visiones o escucha voces, la gente que lo rodea podría dudar de su salud mental en primer lugar. Pero Darren y yo sentimos que ésta es una forma de pensar moderna", explica Handel. "Noé vive en un periodo histórico en el que su abuelo vivía cuando Adán aún estaba vivo y sabemos que Adán habló realmente con Dios, así que Noé no tuvo problema para creer lo que Dios le dijo. Pero las preguntas fundamentales para él eran: 1) ¿cómo estar seguro de entender plenamente lo que le pidió? y 2) ¿cómo podía realizarlo?"

Simplemente imaginar los contornos del mundo de Noé, descrito en la Biblia como una tumultuosa época llena de pecados entre la Caída del Hombre y la proximidad del gran diluvio, fue una misión colosal. Existen referencias bíblicas a una era de feroz perversidad y de "angélicos gigantes en la Tierra", pero los detalles específicos eruditos son escasos.

"Sabemos ciertas cosas acerca de Egipto, también de la antigua Judea, pero hay muy poca información de cómo era el mundo antediluviano", explica Aronofsky. "Decidimos no limitarnos por eso, sino adoptar la perspectiva de que era un mundo distinto al nuestro".

Además del Génesis, Aronofsky y Handel consultaron diversos textos, entre ellos los Pergaminos del Mar Muerto, el Libro de Enoc (una obra atribuida al bisabuelo de Noé) y el Libro de los Jubileos, además de análisis históricos y modernos realizados por teólogos e historiadores. Aun así, siempre estuvieron conscientes de que debían dar un audaz salto desde todo lo aprendido en esta investigación para captar el mundo de Noé en la pantalla de un modo que pudiera cautivar a los cinéfilos en todos los ámbitos de la vida. Los riesgos eran claros pero su compromiso para llevar al público la inspiradora historia también era muy profundo.

Handel resume: "Cuando decidimos narrar la historia de Noé sabíamos que era una tarea gigantesca debido a que la historia es significativa en muchos niveles y para muchas personas. Pero nos interesó hacer esta película justamente por esas mismas razones: es una historia increíblemente poderosa que simboliza cosas profundas y fundamentales".

Añade Aronofsky: "Creo que será estupendo recordar a la gente lo fabulosas que son estas historias, así que me interesó mucho que la película fuera accesible igualmente para los creyentes y los no creyentes".

El productor Scott Franklin, que trabajó con Aronofsky en todas sus cintas, piensa que los temas intemporales de Noé y la naturaleza aventurera del estilo de Darren se fusionaron en la promesa de una obra que sería técnicamente electrizante, pero también hondamente satisfactoria.

"La cinta es multifacética", afirma Franklin. "Su objetivo era mantener la autenticidad del texto como lo conocemos, pero aderezarlo con detalles y un contexto imaginativo. Definitivamente hay un enorme componente de efectos visuales. Pero considero que el corazón y el alma de esta película es la visión original de Darren sobre la historia de Noé como un gran drama familiar. Además aportó su pasión personal por este material".

La productora Mary Parent, que hace poco produjo "Pacific Rim", de Guillermo Del Toro, también se sintió entusiasmada con el enfoque de Aronofsky. "Darren creó algo que refleja la esencia genuina de la historia bíblica, pero de forma simultánea le permite ser el moderno narrador de historias que es", observa ella. "En el lenguaje visual de la película podemos ver muchas sugerencias contemporáneas, pero el resultado es una obra clásica y épica. Conjuntó las interpretaciones, la realización cinematográfica y la grandiosa acción que te transporta a ese mundo".

Continúa Mary: "Una de las cosas que convierte a Darren en un fabuloso realizador cinematográfico es su capacidad para ampliar los límites, llevarte a los extremos y, como en este caso, introducirte al compromiso de Noé. Pero al mismo tiempo narra una historia que es increíblemente conmovedora. Estos componentes no se suelen encontrar juntos".

Interpretar a Noé

Cuando los realizadores cinematográficos comenzaron a hablar acerca de quién podría interpretar la historia de "Noé", un nombre se puso rápidamente en primer lugar: Russell Crowe. Como ganador de un Premio de la Academia® por "Gladiator", a Crowe le solicitan con frecuencia encarnar la humanidad terrenal en personajes imponentes. Pero interpretar a Noé podía ser una misión extremadamente difícil, incluso con sus estándares, en parte debido a que Noé nunca se había presentado en la pantalla como un hombre real, complejo e imperfecto elegido por Dios para cumplir la misión más formidable en la historia de la humanidad: asegurar la sobrevivencia de todos los seres.

Aronofsky afirma: "Russell nos intrigaba debido a que siempre es auténtico y creíble. Sin importar de qué se trate, nunca te preguntas si Russell realmente cree en lo que está diciendo. Y por supuesto, la posibilidad de trabajar con alguien tan talentoso y enérgico fue emocionante para mí, deseaba ver lo que podíamos crear juntos".

Ari Handel se sintió agradecido de tener a un actor que se integrara de inmediato en los enormes contornos del rol. "Necesitábamos a alguien capaz de expresar la solemnidad requerida en una grandiosa tradición de obras épicas bíblicas", dice. "Con Russell puedes creer que saldría triunfante de una tarea tan colosal e inverosímil sin una sola queja. Nunca dudas de su capacidad o fuerza, sin embargo en sus ojos percibes una compasión interna".

Para ayudar a reclutarlo, Aronofsky le hizo a Crowe una promesa: nunca lo filmaría en el desgastado cliché con un par de jirafas detrás de él. Pero una vez que inició su investigación, Crowe descubrió que encarnar a Noé desde una perspectiva moderna era interminablemente fascinante. "Comienzas con todas estas nociones preconcebidas acerca de Noé, pero cuando de verdad entiendes cómo podría haber sido el mundo de su época, te sientes muy intrigado", explica.

El reto más grande de Crowe fue concebir cómo podría un hombre ordinario lidiar emocional y moralmente con una labor tan urgente, pero también confusa, ordenada por el Creador. "Noé empieza a entender la tarea que afronta como una especie de deducción debido a que no recibe demasiada información directa", explica Crowe. "Comprende que debe buscar a todos los animales, pero no tiene indicaciones acerca de cómo resolver la cuestión humana, así que debe descifrar muchas cosas. Creo que algo asombroso sobre él es que no parece sentir que esta misión sea un honor. De hecho considera que es el peor trabajo que le podía encargar el Creador. Pero hará todo lo que esté a su alcance para llevarlo a cabo".

Colaborar con Aronofsky fue un gran deleite para Crowe durante todo el proceso. "Sentí que nunca terminábamos un día sin haber captado algo realmente bueno", dice el actor. "Él es apasionado y desea hacer muchas cosas, esto me parece maravilloso pues noto que siempre busca algo. Y también hay otra cosa fundamental: nunca deja de dirigir. Incluso en la noche más larga, más fría y más pesada, siempre hablaba de lo que nos impulsa hacia adelante, lo cual supongo que explica bien la razón por la cual realiza el tipo de películas que lo caracterizan. Siempre lleva a la gente a lugares y experiencias que no son normales o comunes. Y espero que esta película lo haga también".

Al lado de Crowe, interpretando a la esposa de Noé, se encuentra Jennifer Connelly, actriz ganadora del Premio de la Academia® por "A Beautiful Mind", misma que protagonizó con Crowe. Ella también recibió reconocimientos por su trabajo con Darren en "Requiem For a Dream".

La esposa de Noé no tiene nombre en la Biblia, pero Aronofsky y Handel deseaban explorar su experiencia más profundamente en la película y le dieron el nombre que le atribuyen los eruditos judíos, "Naameh". "El Génesis realmente no dice una palabra acerca de lo que la esposa de Noé hace o piensa, pero para nosotros debía formar parte esencial de los eventos", dice Handel. "La describimos como una mujer que trata de mantener unida a su familia, incluso mientras soportan la tremenda presión de lo que deben hacer en el mundo. Jennifer aportó a Naameh una gran fuerza moral al ayudar a Noé en su misión, pues se enfoca en lo que es correcto y reflexiona si los hombres merecen compasión o no".

Connelly dice que se sintió emocionada de volver a trabajar con Aronofsky. "Fue maravilloso para mí verlo dirigir una película de estas proporciones épicas y una historia tan distinta a la que hicimos previamente", explica. "A Darren le apasionaba contar esta historia hace mucho tiempo, así que fue estupendo observar cómo le infundía vida. Es un realizador cinematográfico visualmente muy innovador y prominente, pero al mismo tiempo también se enfoca en la interpretación y es muy sensible al trabajo que realizan los actores".

Como tenía poco material para encarnar a Naameh, Connelly investigó de forma personal la vida envuelta en el misterio de las mujeres en ese periodo histórico para expresar una vivencia auténtica. "El Génesis no explica mucho acerca de mi personaje, pero Darren la describió como una esposa fiel y una madre devota que es interiormente fuerte y a la vez virtuosa. Sentía curiosidad acerca de cuál podría ser su contribución al hogar, así que exploré lo que dicen los arqueólogos y lo que hay en la Biblia, después incorporé todo y ella se convirtió en una mujer muy trabajadora. Tanto emocional como físicamente tiene una enorme capacidad".

Connelly también se inspiró en el Proverbio 31, que habla de una esposa virtuosa cuyo "valor es mucho más alto que los rubíes" y que "está llena de fuerza", pero también "socorre con sus manos a los necesitados". Connelly dice, "Creo que Naameh representa todo lo que describe el Proverbio 31, no sólo en la forma en la que apoya a Noé, también en su fuerza, laboriosidad, sabiduría y modestia. Es un personaje fabuloso por esto".

Para Crowe, trabajar con Connelly aportó una profundidad orgánica al vínculo vital entre marido y mujer que encarnan como Noé y Naameh. "Me di cuenta de lo detallada y compleja que sería mi relación con Jennifer debido a lo que experimentamos antes", dice. "No nos habíamos visto desde que hicimos juntos 'Beautiful Mind', pero algo de lo que nos unió en aquella cinta nos permitió tener un punto de inicio muy sólido para encontrar una conexión profunda".

Aronofsky agradeció que Connelly dedicara tantos pensamientos y consideración a la experiencia de Naameh. "Jennifer fue una de las mejores elecciones que hice para la película pues de verdad fue capaz de ampliar su personaje y enriquecer la historia entera", comenta.

El elenco de reparto de "Noé"

Asimismo, el elenco de "Noé" incluye a varios galardonados veteranos y jóvenes actores en ascenso que aportan toques de emoción y humanidad al fascinante espectáculo. En el papel de Matusalén, mencionado únicamente en un pasaje bíblico en el linaje que vincula a Adán con Noé y descrito como el hombre que más tiempo vivió en su época, los realizadores cinematográficos incluyeron a Anthony Hopkins, ganador del Oscar®.

"Consideramos que Matusalén representa la figura de un mentor para Noé, así que necesitábamos a alguien sabio y confiable, pero también con una pizca de malicia en su interior", dice Handel, "sin embargo él es mucho más que esto. Existe una leyenda judía en la cual Matusalén tenía una espada grabada con los muchos nombres de Dios y la usó para matar a 10,000 demonios; deseábamos que nuestro Matusalén tuviera este tipo de poder".

Añade Aronofsky: "Elegir a un actor para interpretar a Matusalén es casi imposible, pues debes hallar a alguien que pueda encarnar al hombre más viejo del mundo de forma interesante. Así que cuando Tony Hopkins se integró fue estupendo para todos nosotros. Él fue capaz de interpretar un personaje terrenal gracias a que es un actor fabuloso".

El papel de Tubalcaín, némesis de Noé y descendiente del infame Caín que mató a su hermano Abel, recayó en Ray Winstone, actor inglés conocido por su papel en "The Departed" y en "Hugo", de Martin Scorsese. Aunque se menciona en el Libro del Génesis, Tubalcaín no aparece en la historia de Noé, pero Aronofsky y Handel decidieron integrarlo al guión por una razón muy específica. "Es un tipo que proviene de Caín, el primer asesino, y se define a sí mismo como forjador de armas en la Biblia", explica Handel. "Nos pareció el personaje idóneo para servir como líder de los descendentes de Caín, que representa la perversidad y corrupción de la humanidad".

Winstone fue una elección protagónica desde el principio. "Debíamos contratar a un actor que pudiéramos creer capaz de patear el trasero de Russell Crowe", ríe Aronofsky. "Y él es un tipo grande y rudo que realmente se puede equiparar con Russell. Tienen conflicto y una terrible confrontación".

En su enfoque, Winstone percibió a Tubalcaín como un hombre con defectos pero también como un experto decidido a sobrevivir a cualquier costo. "En cierto modo sentí que Tubalcaín no es malo, más bien es alguien muy humano", dice Winstone. "Tiene su punto de vista personal y muy sólido".

Winstone continúa: "Creo que está atormentado porque el Creador no habla con él; es como un niño que se siente ignorado. Tiene una profunda envidia hacia Noé y también una gran tristeza en su interior. Considero que desde joven fue un guerrero que peleaba por la tierra, peleaba por los minerales, peleaba por la carne y ahora llega a un punto en el cual se pregunta, '¿qué he hecho con mi vida?'"

Mary Parent se sintió impresionada con la complejidad de Winstone. "Tubalcaín es en gran parte la manifestación de todo lo que llevó a Dios a cuestionar lo que hacían los hombres. Hay un momento increíble en la película en donde él se empieza a comparar con Dios y lleva eso a un nivel de orgullo desmesurado. Sin embargo al mismo tiempo Ray expresa una honda vulnerabilidad, así que te conmueves por Tubalcaín y si ves las cosas desde su perspectiva, lo que hace tiene sentido. Noé respeta la Creación, pero Tubalcaín lo ve todo como un botín".

Sem, Cam y Jafet, los hijos de Noé que se encargarán de repoblar la tierra con una nueva generación, son interpretados por tres actores que ascienden rápidamente. Logan Lerman, que recibió buenas críticas por su papel en "Percy Jackson: The Lightning Thief" y "The Perks of Being a Wallflower", interpreta a Cam; el galán británico Douglas Booth, que obtuvo reconocimientos como Pip en la serie "Great Expectations" de la BBC, interpreta a Sem; por su parte, Jafet es interpretado por Leo Carroll, un reciente descubrimiento.

Aunque la Biblia no indica la edad de los hijos de Noé, se supone que estaban en sus primeros 100 años. "En una era en donde los hombres vivía 900 años, ¿qué tan viejo debía lucir un tipo de 100 años? ¿O de 500 años? Noé tuvo hijos a la edad de 500 años, construyó el Arca a los 600 y murió a los 950 años", explica Aronofsky. "Así que en nuestra historia, mientras Noé construía el Arca nos preguntamos si se vería como tú o si debería lucir como alguien que vivió 500 años, o tener el aspecto de un hombre que está en la fracción 5/9 de su vida, en otras palabras: ¿es un tipo de mediana edad? Y los hijos de Noé, que se encuentran alrededor de la fracción 1/10 de la duración natural de su vida, ¿cómo deberían verse? Lo que nos importó aquí es que son relativamente jóvenes en comparación con su padre y aún están aprendiendo del patriarca su sentido de hombría. Deseábamos que los espectadores pudieran sentir eso".

Aunque la idea de ser los únicos sobrevivientes humanos del diluvio universal es difícil de aceptar para Noé y Naameh, es especialmente duro para su hijo mediano Cam, que no lo puede aceptar. "A cualquier edad es difícil saber que serás uno entre un puñado de personas que sobrevivirán a la destrucción de la humanidad", comenta Russell Crowe. "Pero si se trata de hombres jóvenes en la plenitud de su vida y sienten que no podrán experimentar siquiera lo que sus padres vivieron, seguro habrá momentos de rebelión".

Y en efecto Cam se rebela, pero Lerman cree que su personaje se siente motivado por la esperanza. "Se supone que es el hijo malo porque cuestiona lo que dice su padre", explica Lerman. "Pero también pienso que es un chico que busca alguien a quién amar".

Para encontrar a Jafet, el hijo más joven de Noé que tiene 10 años, los realizadores cinematográficos hicieron audiciones en todo el país. A la larga esto condujo a descubrir a Leo Carroll en Chicago. "No hay demasiados actores jóvenes que se puedan integrar bien en esta familia con Russell Crowe y Jennifer Connelly", bromea Scott Franklin. "Pero Leo tiene una capacidad natural y gran talento actoral. Nos cautivó la primera vez que lo vimos junto a Russell en una escena".

Booth describe a Sem como el más obediente de los hijos de Noé aparentemente. "Sem es el hijo de su padre a lo largo de la película, hasta un momento cardinal", describe el actor.

Pero incluso para Sem, el futuro al que su padre los conduce es terrorífico, así que Booth trató de concebir cómo sería estar en esa situación de verdad. "Imagina si supieras que serás parte de la última familia en el mundo y todos los demás van a morir", comenta. "Es algo terrible y me encantó cómo captó esto Darren de manera tan personal".

Ari Handel explica además: "La Biblia dice que Noé, sus hijos y las esposas de sus hijos subieron al Arca. Y esto es lo que ocurre en la trama aunque de modo sorprendente e inesperado. Para el final de la película es evidente que había 3 hijos y 3 esposas y que todos estaban en el Arca. Pero usamos la forma en que llegaron las esposas y la incertidumbre que rodea el asunto como medio para dramatizar las preguntas acerca de si la humanidad es buena o mala, merece justicia o piedad, debe ser eliminada o perdonada, cuestiones que sentimos se encuentran en el corazón de la historia de Noé.

A la familia de Noé se une también Ila, una huérfana que Noé adoptó cuando la encontró casi muerta en un campo de refugiados, lo cual crea un lazo único entre ellos a medida que ella crece y se convierte en mujer. El papel es interpretado por Emma Watson, mejor conocida como Hermione Granger en la popular serie de películas "Harry Potter", que creció e interpretó papeles más maduros en "My Week with Marilyn" y "The Perks of Being a Wallflower".

"Para encarnar a Ila buscamos a alguien que tuviera la inocencia de una niña pero también nos pudiera sorprender con la fuerza de una adulta. Emma expresa esto", dice Handel.

"Ila es un catalizador en la historia", añade Parent. "Cuando crece empieza a surgir una historia de amor con Sem, pero el impacto que tiene en Noé y en su fe en particular es muy emotivo".

Watson dice que el papel la llevó a profundizar en áreas de experiencia totalmente nuevas para ella. "Reflexioné acerca de lo que significa para una mujer tener una familia y también pensé en la vida que convirtió a Ila en la persona que es, fue pobre y vio algunas cosas muy oscuras. Creo que por esto Ila se siente muy cercana a Noé, quien la salvó y la integró en su hogar, generando en ella el deseo de tener una familia propia. En la película hay una sensación muy interesante de generaciones, familias, o cosas que pasaron".

Watson piensa que el enfoque de Aronofsky hacia Noé fue novedoso pero también conmovedor. Resume: "Creo que cuando las personas piensan en la historia de Noé sólo imaginan a los animales caminando en parejas. Pero la historia que narramos trata acerca de la experiencia familiar, las relaciones interpersonales entre Noé, su esposa y sus hijos. Así que es una monumental cinta épica de escala increíble, pero también es íntima y sutil".

La producción construye un Arca

Justo al comienzo de "Noé", Darren Aronofsky tomó una decisión cardinal: debía construir un Arca real desde cero respetando las referencias de las Escrituras y apegados a las medidas más auténticas para lo que Noé debía construir. Sabía que crear un Arca con imágenes generadas por computadora sería mucho más sencillo, pero Aronofsky sintió que eso no transmitiría a los cinéfilos la emoción de experimentar la enormidad del proyecto de Noé, del mismo modo que el Arca les debió parecer impresionante a los pobladores de su época; pero pese a lo precaria que era una proposición como ésa, Noé se mantuvo firme en su compromiso.

La notable Arca que se presenta en "Noé" podría sorprender a mucha gente que con mayor frecuencia la ha visto como un barco rudimentario. Sin embargo la detallada investigación bíblica de Darren lo llevó en otra dirección. "Nuestra idea fue basarnos en lo que dice la Biblia y ésta describe el Arca como un rectángulo, una caja", explica Aronofsky. La narración del Génesis da especificaciones detallada para las dimensiones del Arca, es uno de los pocos lugares en el cual se dan instrucciones increíbles. Aronofsky se apegó estrechamente a este texto y lo usó para el diseño de la embarcación que se ve en la película. "Todas las versiones que hemos visto en los últimos 100 años han mostrado barcos, pero en realidad el Arca no necesitaba una quilla pues no debía navegar. Sólo flotaría durante la inundación. Así que acudimos a la Biblia y construimos el Arca con el alcance descrito ahí, que es de enormes dimensiones".

Durante siglos se han buscado los restos del Arca en las montañas que comparten Turquía y Armenia, pero se han hecho muy pocas reproducciones a escala. Construir algo similar al Arca real fue educativo y creó una atmósfera inimitable entre el elenco y el equipo. "Los actores podían tocar las paredes y subir a ella", dice Aronofsky. "Todos aprendimos mucho observando cómo el Arca se hacía realidad frente a nuestros ojos".

Para diseñar y construir el Arca Aronofsky colaboró cercanamente con el diseñador de producción Mark Friedberg, reciente ganador de un Emmy por "Mildred Pierce", de HBO. Friedberg comenzó el proceso más de un año antes de la producción y se enfocó primero en las proporciones. "En el Génesis las medidas del Arca se marcan como de 30 codos de altura, por 50 codos de ancho, por 300 codos de largo", describe. "Pero hay codos egipcios y codos venecianos, así que tuvimos que profundizar en la historia para descifrar esto".

El diseñador de producción debió recordar que Noé no tuvo el lujo del tiempo para crear algo bello para épocas futuras; él requería un Arca que pudiera elaborar rápidamente y terminar pronto el trabajo, incluso si esa misión era sagrada. "La construcción del Arca fue con desolación", enfatiza Friedberg. "Así que no es una pieza de ebanistería, no es una embarcación marítima fina. Es un objeto funcional. Se requería para mantener a los animales flotando a medida que el mundo se llenaba de agua. No necesitaba ser dirigida, pues ¿a dónde podrías ir si el mundo entero está cubierto por el agua?"

Aunque el funcionamiento era esencial, Aronofsky y Friedberg también se sintieron inspirados por el arte, en especial por la visión cruda y apocalíptica del artista alemán Anselm Keifer, cuyas pinturas y esculturas simbolistas incorporan materiales como paja, ceniza y sal. "Keifer me pareció interesante pues su obra trata la desesperación, la belleza y la brutalidad", recuerda Friedberg.

Friedberg continúa: "Con base en las indicaciones de Keifer, Darren y yo sentimos que la construcción de esta Arca debía ser ruda, áspera y hecha a mano, así que la madera no era aserrada, más bien rota y arrancada, unida con correas. Considero que esto le aporta vitalidad al Arca, la sensación de que el desastre es inminente y que este objeto es resultado del trabajo de personas que lo hicieron rápido, con brusquedad, para lograr lo que mejor pudieran y crear algo en lo que pudieran sobrevivir".

Encontrar los materiales adecuados fue un reto por sí mismo. En la Biblia a Noé se le indica que debe usar madera resinosa, un género misterioso desconocido para el hombre de hoy. "No podíamos encontrar esa especie en Long Island", ríe Friedberg. "Pero nuestra meta era que el Arca pareciera construida de madera forestal. Así que usamos un marco de acero, tablones largos y esculpimos las grandes vigas del Arca en material suave".

Una vez que terminaron los diseños, la construcción se inició en Planting Fields Arboretum State Park, en Oyster Bay, Long Island. En un campo de pasto que se suele usar como estacionamiento para los eventos, el equipo trabajó en el Arca durante cinco meses. Los cientos de integrantes del equipo de Friedberg construyeron casi un tercio del Arca que medía 170 pies, pero el resto fue completado por el área de efectos visuales en la post-producción. Mientras tanto se construyó una segunda Arca en el interior de la Armería Marcy de Brooklyn que ahora está vacía, pero antiguamente era un almacén de municiones de la Guardia Nacional, como un set que serviría para filmar las escenas interiores.

Durante la construcción a Friedberg le entusiasmó invitar a unos artistas que fueron también influencias importantes en el diseño del Arca: los Hermanos Starn, escultores que viven en Nueva York y creadores de "Big Bambu", una compleja estructura formada por miles de palos de bambú sobre el techo del Museo de Arte Metropolitano. En un principio Friedberg los llamó para preguntarles si conocían a algún experto que supiera trabajar el bambú con objeto de construir el andamiaje del Arca.

"En vez de eso se ofrecieron ellos voluntariamente", recuerda Friedberg. "Así que Doug y Mike Starn se integraron y crearon esta notable estructura de bambú de cinco pisos. Esto añadió una gran creatividad estética a la película, es un gran contrapunto a la cualidad monolítica del Arca".

El interior del Arca se estableció en tres niveles, como está escrito en el Génesis. "El nivel inferior es la cubierta para los mamíferos más altos, como mamuts, elefantes, jirafas y bestias gigantes. Los reptiles e insectos vivían en el nivel medio, que tenía sólo ocho pies de altura, mientras que el nivel superior era la Cubierta Aviar de doce pies, donde vivía la familia con todas las aves", describe Friedberg.

En vez de construir cada uno de los tres niveles del Arca lado a lado, como se haría normalmente en un escenario, Aronofsky decidió ponerlos uno sobre otro para añadir más autenticidad y dinamismo. "Esto nos permitió conectarnos con los niveles visualmente, así puedes ver a los personajes que suben y bajan a través de ellos", explica Friedberg.

Después el director de fotografía Matthew Libatique, nominado a un Premio de la Academia® por su trabajo en "Black Swan", aprovechó al máximo la estructura de tres pisos, pues su cámara a menudo se movía a través del Arca detrás de los personajes.

Iluminar el interior del Arca fue otro dilema para los realizadores cinematográficos, pues el Génesis sólo menciona una ventana en la enorme nave. Después de muchas discusiones se decidió construir un gran horno en el centro del Arca. "El horno se convierte en una fuente de luz importante durante los 40 días y 40 noches en los cuales no hay una verdadera exposición al mundo exterior", dice Friedberg. "Así, el horno da luz, proporciona calor a nuestros personajes y permitió cortar la sección central del Arca de tal forma que siempre se siente su gigantesca escala".

Cuando los miembros del elenco y el equipo vieron por primera vez lo que creó Mark se quedaron boquiabiertos. "Sin importar que hubieran trabajado en 100 películas antes, las personas simplemente no habían visto nada parecido. La escala y magnitud del Arca, así como su originalidad, fueron impactante", dice Handel.

Añade Aronofsky: "Los detalles interiores eran incluso más increíbles debido a que se hicieron los tres pisos del Arca. Era por mucho el set más grande construido en Nueva York en largo tiempo debido a que las películas ya no construyen cosas como ésta. Así que fue bastante emocionante".

Los actores se sintieron sorprendidos pero también se entusiasmaron. "La primera vez que vi el Arca fue una experiencia maravillosa. Mark hizo un trabajo fabuloso", dice Russell Crowe.

Douglas Booth dice: "Para nosotros fue estupendo tener este increíble set. Darren quería que todo fuera crudo y visceral; con esto podíamos sentirlo, podíamos olerlo. Todo parecía real".

Los animales en el Arca

Mientras que el Arca era palpablemente real, los animales que ingresaron en ella como su refugio son una mezcla de magia digital y réplicas esculpidas para que el público tuviera la impresionante sensación de miles de animales que subían a bordo. "Cuando trabajas con animales vivos estás limitado a las especies que puedes conseguir y es una tremenda responsabilidad cuidarlos", explica Aronofsky. "Tampoco deseaba que el Arca pareciera un zoológico moderno. Crear los animales digitalmente nos dio más libertad para mostrar la extensa diversidad del reino animal completo".

La elaboración de los animales comenzó con el trabajo del artista de maquillaje y efectos especiales Adrien Morot, nominado a un Premio de la Academia®, que llenó el estudio con réplicas de tamaño real de reptiles, mamíferos y aves, mismas que pronto se empezaron a mover y a respirar a través de las imágenes generadas por computadora. "Adrien hizo un gran trabajo para crear estos animales", dice Mary Parent. "Parecía que podían cobrar vida en cualquier momento".

Jennifer Connelly también se sintió conmovida cuando vio a los animales sobre el Arca recién construida. "Era tan impresionante como cualquier Museo de Historia Natural que haya visto", musita ella.

Mientras tanto el supervisor de efectos especiales Ben Snow, de Industrial Light & Magic ("Iron Man", "King Kong"), dirigió a un equipo que invirtió meses para combinar la capacidad artística con el poder del cómputo para forjar la colección de animales. El equipo de Snow trabajó con Aronofsky para presentar una gama de especies, incluyendo algunas que ahora están extintas. "Crear cada animal y algunas criaturas únicas que existían en la época anterior al diluvio realmente requirió que eleváramos nuestro juego", dice Snow.

Una vez que los animales subían a bordo del Arca se les inducía a un largo sueño mediante una hierba especial para mantenerlos seguros durante el amplio periodo. "Los problemas que se podían manifestar por parte de todos estos animales en un solo espacio eran enormes", observa Ari Handel. "Pero muchas personas han pensado en esto por años y existe una tradición de que los animales eran colocados en una especie de estupor para evitar que los leones se comieran a los corderos. Llevamos esto más allá, de tal forma que cuando los introducimos al Arca los animales se duermen y descansan hasta el momento en que puedan repoblar un Nuevo Mundo".

Los ángeles caídos

El equipo de Snow también creó digitalmente a los Guardianes, la visión creativa de Aronofsky de los gigantes Nefilim mencionados en el Génesis como habitantes de Canaan. "El diseño de los Guardianes fue un gran reto", comenta Snow, "y teníamos a algunos de los principales diseñadores en el negocio para trabajar en esto, desde Aaron McBride hasta ILM, o Aaron Simms en LA. Muy tempranamente Sam Messer, un escultor de Nueva York, nos dio una base real para desarrollar la imagen final que tendrían".

Añade Aronofsky: "Los Nefilim son ángeles caídos de los que habla un párrafo único en la Biblia. Los creamos como los Guardianes y les prestan su voz Frank Langella, Mark Margolis y Nick Nolte, pues son unas increíbles criaturas que nunca habíamos visto antes".

Aunque los animales y los Guardianes añaden elementos imaginarios a "Noé", Snow destaca el intenso énfasis de Aronofsky de mantener un realismo esencial para introducir a los espectadores al mundo de Noé como si éste hubiera cobrado vida aquí y ahora. "Creo que una de las mejores decisiones de esta película fue filmar todo de la forma más realista posible", observa. "Cuando tienes esta verosimilitud también te aporta un sólido fundamento sobre el cual puedes acomodar los efectos visuales. De esta forma el espectáculo está ahí pero no excede a la historia, simplemente respalda la idea principal que representan Noé y su familia".

"Noé" en Islandia

Encontrar una locación para el mundo antediluviano de "Noé" podría haber sido un problema, pero mucho antes Aronofsky descubrió un paisaje que lo impresionó cuando tomó unas vacaciones en Islandia. Aunque este país parecería el último lugar en el que uno pensaría para un episodio épico bíblico, justo el hecho de que el panorama se sentía tan nuevo y lleno de vida fue lo que le atrajo. "Manejaba por ahí y pensé, Wow, éste es un lugar perfecto para 'Noé'. Te transmite la sensación de una tierra primordial debido a que puedes ver el calor y el vapor que salen de la tierra", recuerda Aronofsky.

Scott Franklin también se fascinó con el terreno. "No queríamos usar el estereotipo amarillo de la arena de las antiguas historias épicas; buscábamos algo distinto", observa. "Islandia se presenta a sí misma con estos paisajes increíblemente bellos, oscuros y áridos creados de lava, pero después conduces 20 minutos más y llegas a un valle asombroso y exuberante lleno de cascadas que podría representar el Edén. Exploramos más sitios, pero ningún paisaje nos pareció tan idóneo".

En Islandia, Mark Friedberg ayudó a dar vida a una sociedad humana corrompida por el pecado que se dirige a su destrucción. "Nuestro 'Noé' ocurre en un lugar diezmado donde las ciudades han caído y la gente busca comida para sobrevivir, pues el pecado no es de unos contra otros, sino contra de la Creación misma", explica acerca del concepto.

La idea también condujo al diseño del caótico reducto de Tubalcaín que está en un área superior al terreno donde se construyó el Arca. "Tubalcaín escucha sobre este tipo que construyó una fortaleza enorme y después se da cuenta de lo que es", explica Friedberg. "Sus seguidores empiezan a llegar de todos los lugares del mundo pues también oyeron que el fin del mundo está cerca. Por lo tanto su campamento se conforma con los restos de las ciudades destruidas y sus tiendas están hechas con viejos paños y banderines".

Mientras filmaban en los paisajes naturales de Islandia, Aronofsky colaboró de forma estrecha con el director de fotografía Matthew Libatique. Decidieron usar la más moderna tecnología, incluyendo el equipo suspendido de Spydercam y CableCam para captar un alcance de mayor barrido, pero también usaron cámaras manuales íntimas para llegar cerca del público. Algunas de las secuencias de acción más intensas involucraron a cientos de soldados y refugiados que corrían hacia el Arca para salvar su vida. "Estas escenas de batalla en la noche fueron intensas", dice Scott Franklin. "Los extras que incluimos en el elenco en Nueva York fueron fantásticos y los dobles hicieron un trabajo increíble".

Empieza a llover

Justamente cuando Noé casi termina el Arca, el cielo se oscurece, se abren las compuertas del cielo y empieza a caer sobre la tierra la lluvia más intensa que se había experimentado durante 40 días y 40 noches. La creación de este clima cinematográfico sin precedentes que el público debía sentir al mismo tiempo real y supremamente poderoso recayó en el supervisor de efectos especiales Burt Dalton, ganador de un Premio de la Academia® por "The Curious Case of Benjamin Button".

"Queríamos una lluvia de escala bíblica", comenta Dalton. "El deseo de Darren era que el diluvio fuera más grande que cualquier cosa que se hubiera hecho antes, así que llegamos a un nivel monumental para lograr eso. Le mostrábamos un ensayo de lluvia y él decía 'no es suficientemente intensa', realizábamos otra prueba y volvía a decir 'quiero una lluvia más fuerte'. Deseaba que fuera tan densa que resultara difícil que la gente se viera o hablara bajo la lluvia y fuimos capaces de lograr eso".

Todo comenzó poniendo un enorme sistema de tuberías de agua subterráneo bajo el campo Arboretum, donde se construyó el set del Arca. "Para el suministro teníamos dos bombas gigantes detrás del Arca y cinco tanques que contenían 22,000 galones de agua para alimentar las bombas. Desde el extremo del Arca y en torno al perímetro del campo colocamos 3000 pies de tubería de 12 pulgadas formando una red. Esta red de suministro de agua era más grande que la que tienes debajo de la calle de tu casa", señala Dalton.

La gran red de suministro también proveía agua a varias grúas inmensas, con 300 toneladas de peso, que sostenían seis "barras de lluvia" hechas a la medida, cada una de 100 pies de largo y 50 pies de ancho, con cabezales de diversos tamaños. "Se podía manipular cada cabezal a través de un iPad", explica Dalton. "Así teníamos gotas enormes, gotas pequeñas o rocío, dependiendo de cada toma. Y cuando funcionaban las tres grúas podían caer hasta 5,000 galones por minuto, el triple de una lluvia normal. Yo diría que rompimos récords en cuanto a la densidad". (De hecho el agua se recicló cuidadosamente para que no se desperdiciara).

Mientras tanto el director de fotografía Libatique buscó la manera de captar las escenas en medio de un soleado verano neoyorquino y decidió trabajar por la noche. "Pero… ¿cómo puedes filmar de noche para que parezca un cielo con nubes cargadas de agua? Matty concibió una gran idea", recuerda Dalton. "Como ya estábamos construyendo monumentales entramados para la lluvia, se le ocurrió poner luces adentro de globos de helio que aportaban una luz suave, como en un día nublado".

La intensidad de la lluvia pronto derivó en una explosiva y demoledora inundación, que se convirtió en la piece de resistance para el supervisor de efectos visuales Ben Snow. "Darren de verdad quería algo original", comenta Snow. "Analizamos pinturas clásicas y religiosas del diluvio, así como algunas obras inspiradas creadas en torno al tema. Pero nuestra idea no era repetir lo que ya se había visto. Nuestro objetivo fue mostrar un diluvio mucho más extraordinario que simplemente una pared de agua que se abalanza hacia ti y el resultado es emocionante"


El vestuario de Noé

Para ahondar en la vitalidad de "Noé", Darren Aronofsky llamó a Michael Wilkinson, diseñador de vestuario nominado a un Premio de la Academia® por "American Hustle", para lograr un aspecto novedoso pero idóneo en el ropaje de la época del Antiguo Testamento. "Hubo mucho debate sobre el vestuario", recuerda Wilkinson. "Analizamos lo que sabemos de las antiguas culturas, pero también usamos prendas de exterior moderno de alta tecnología y al combinar estas influencias resultó algo único".

Debido a la riqueza de texturas de la película, Wilkinson y su equipo se esforzaron para encontrar la tela adecuada. "Analizamos las fibras tradicionales basadas en plantas y los textiles tejidos en casa, pero también colaboramos con asombrosos artistas textiles para crear nuevos géneros", explica.

Para Noé, Wilkinson buscó que su aspecto cambiara a medida que transita de ser un vibrante padre joven de pelo largo, hasta la delgada silueta y cabeza rapada que luce un hombre con una misión. Después Noé usa ropa más gruesa para protegerse del húmedo aire en el interior del Arca y a medida que su pesada misión le pasa factura, se vuelve cada vez más desaliñado. "Su ropa está bastante raída en esta etapa y su pelo está descuidado", describe Wilkinson.

A diferencia de Noé, Tubalcaín usa un elaborado traje de piel y armadura metálica, con un arma que siempre está a su alcance. "Es un guerrero feroz e intimidante, así que tiene una larga capa; su armadura y la tela son muy distintas a las de Noé y su familia", dice Wilkinson.

Winstone pasó horas en la silla de maquillaje cada día con Adrien Morot, que puso a Tubalcaín sus cicatrices de batalla y unas extensiones de pelo que casi llegaban al piso. Para añadir un aspecto tremendo a Tubalcaín, hay una pincelada de amarillo brillante al extremo de sus largos bucles. "Es un color sulfuroso que refleja el tzohar, combustible que usaban para hacer fuego", explica Wilkinson.

Mientras Noé y su familia usan tonos terrosos, Wilkinson añadió toques de color berenjena y finas texturas al guardarropa de Naameh, haciendo eco de la descripción de una esposa virtuosa vestida en púrpura en el Proverbio 31. "Para Naameh usamos seda china combinada con tela elástica, después las frotamos y arrugamos para darles una bella textura orgánica", explica él.

Los retos del vestuario fueron más allá del elenco principal. "Teníamos casi 400 extras y también tuvimos que crear cada uno de sus trajes prácticamente desde cero", dice Wilkinson. "Una parte del trabajo se realizó en Nueva York y otra se hizo en Marruecos, donde, por ejemplo, elaboraron 400 pares de zapatos y botas para nosotros, entretejiendo muchas texturas y telas interesantes. Así que fue un suceso enorme".

Las palabras "suceso enorme" podrían resumir la producción entera, pero también hubo momentos inesperados de sencilla y estimulante gracia que subrayaron el significado de todo esto. La cantante/letrista Patti Smith, que contribuyó con la canción de cuna de la cinta, recuerda un día extraordinario en el que visitó el set en Islandia para buscar inspiración. Ésta llegó de forma súbita y llamativa.

"Estaba de pie en el campamento base y llovió durante poco tiempo, después salió el sol y pensé: 'oh, sería increíble que viera un arcoíris'", comenta ella, reflexionando en el arcoíris que describe el Génesis para simbolizar el irrompible acuerdo entre Noé y Dios. "Y de pronto apareció el arcoíris. Entonces sentí que alguien me tocaba el hombro, me di vuelta y era Russell Crowe… sentí que era un hermoso augurio de que sería una película poderosa"

ACERCA DEL ELENCO

RUSSELL CROWE (Noé), ganador del Premio de la Academia®, se considera como uno de los mejores actores de nuestra época. Los múltiples honores que ha recibido Crowe por su interpretación incluyen tres nominaciones consecutivas al Oscar® como Mejor Actor: por su trabajo en el aclamado drama de 1999, "The Insider"; por su papel en "Gladiator", ganadora del premio a la Mejor Película en 2000 y por la cual se llevó a casa el Oscar®; así como su personaje en "A Beautiful Mind", calificada como la Mejor Película de 2001.

Además del Premio de la Academia®, la interpretación de Crowe como Maximus, el gladiador romano convertido en general en "Gladiator", de Ridley Scott, le aportó los honores como Mejor Actor por parte de diversas organizaciones de críticos, incluyendo la Broadcast Film Critics y el London Film Critics Circle. También recibió nominaciones a un Golden Globe, un BAFTA Award y un Screen Actors Guild Award®.

El año anterior Crowe obtuvo su primera nominación al Oscar® por su papel de Jeffrey Wigand, informante de la compañía tabacalera, en "The Insider", drama basado en hechos de Michael Mann. Fue nombrado también Mejor Actor por Los Angeles Film Critics Association, la Broadcast Film Critics Association, la National Society of Film Critics y el National Board of Review, además de que recibió nominaciones al Golden Globe, al BAFTA Award y al SAG Award®.

La excelente interpretación de Crowe como John Forbes Nash, Jr., ganador del Premio Nobel, en "A Beautiful Mind", de Ron Howard, le aportó su tercera nominación al Oscar®, además de su tercer premio consecutivo Critics' Choice Award por parte de la Broadcast Film Critics Association. También ganó los premios Golden Globe, BAFTA y SAG®, además de diversos reconocimientos como Mejor Actor por parte de otros grupos de críticos. Crowe colaboró de nuevo con Howard en 2005 y fue nominado al Golden Globe y al SAG Award®, además de ganar un Australian Film Institute (AFI) Award por su interpretación de Jim Braddock en "Cinderella Man".

Crowe encarnó el papel de Jor-El, el padre de Superman, en "Man of Steel", de Zack Snyder; fue el Inspector Javert en la aclamada adaptación cinematográfica que hizo Tom Hooper del amado musical "Les Miserables"; interpretó al Mayor Hostetler en "Broken City", de Allen Hughes. Ahora se encuentra en la producción de "The Water Diviner", película que marcará su debut como director, la cual también protagoniza.

Nacido en Nueva Zelanda, Crowe creció en Australia, donde su trabajo en el cine fue reconocido por primera vez y comenzó a llamar la atención internacional. Fue honrado por la AFI tres años consecutivos, iniciando en 1990 cuando fue nominado como Mejor Actor por "The Crossing". En 1991 ganó el Premio como Mejor Actor de Reparto de la AFI por "Proof". El año siguiente recibió el Premio como Mejor Actor por parte de la AFI y de la Australian Film Critics por su papel en "Romper Stomper". Además en 1993 el Festival Internacional de Cine de Seattle lo nombró Mejor Actor por su trabajo tanto en "Romper Stomper"como en "Hammers Over the Anvil".

Crowe debutó en el cine estadounidense en 1995 con el Western de Sam Raimi: "The Quick and the Dead". Siguió adelante y obtuvo reconocimiento por su papel en el drama criminal "L.A. Confidential", de Curtis Hanson. Sus créditos cinematográficos iniciales también incluyen "Mystery, Alaska", "Heaven's Burning", "Virtuosity", "The Sum of Us", "For the Moment", "Love in Limbo", "The Silver Brumby", "The Efficiency Expert" y "Prisoners of the Sun".

Desde entonces protagonizó una lista de películas larga y diversa, incluyendo los proyectos dirigidos por Ridley Scott: "A Good Year", "American Gangster", "Body of Lies" y "Robin Hood". Entre sus otros créditos se encuentran "Master and Commander: The Far Side of the World", de Peter Weir, por la cual Crowe obtuvo una nominación al Golden Globe; "Proof of Life", de Taylor Hackford; "3:10 to Yuma", con Christian Bale; "State of Play", de Kevin Macdonald, con Ben Affleck; "The Next Three Days", de Paul Haggis; así como "The Man with the Iron Fists", de RZA.

La ganadora del Premio de la Academia JENNIFER CONNELLY (Naameh) continúa demostrando su versatilidad como actriz en cada nuevo proyecto que emprende.

Jennifer protagonizó la nueva película de Claudia Llosa, "Aloft", que se estrenó en febrero en el Festival Internacional de Cine Berlinale. Recibió críticas favorables por su interpretación de 'Nana Ephron'. La película será estrenada por Sony Classic Pictures.

Recientemente Connelly terminó la filmación de "Shelter", escrita y dirigida por Paul Bettany. La película se enfoca en una mujer adinerada que se convierte en drogadicta y termina como indigente. La cinta es coprotagonizada por Anthony Mackie.

La primera película de Connelly fue "Once Upon A Time in America", del director Sergio Leone, en 1984, pero su gran oportunidad fue su papel como 'Sarah' en "Labyrinth", al lado de David Bowie, en 1986. Obtuvo una nominación al Independent Spirit Award por su estupenda interpretación de una drogadicta en "Requiem for a Dream", de Darren Aronofsky, aclamada por la crítica, en 2000. Recibió los premios Golden Globe, BAFTA, AFI, Broadcast Critics y el de la Academia por su papel protagónico en "A Beautiful Mind", de Ron Howard (2001), al lado de Russell Crowe.

Otros créditos cinematográficos de Connelly incluyen "Phenomena", de Dario Argento (1985); "The Hot Spot", de Dennis Hopper (1990), junto a Don Johnson y Virginia Madsen; "The Rocketeer", de Joe Johnston (1991), al lado de Billy Campbell, Alan Arkin y Timothy Dalton; "Higher Learning", de John Singleton (1995), junto a Omar Epps y Kristy Swanson; "Mulholland Falls", de Lee Tamahori (1996), donde trabajó con Nick Nolte y Melanie Griffith; "Dark City", de Alex Proyas (1998) con Rufus Sewell, William Hurt y Kiefer Sutherland; "Waking the Dead", de Keith Cordon (2000) con Billy Crudup; "Pollock", de Ed Harris (2000), al lado de Ed Harris, Marcia Gay Harden y Tom Bower; "Hulk", de Ang Lee (2003), junto a Eric Bana; "House of Sand and Fog", de Vadim Perelman (2003), con Ben Kingsley; "Dark Water", de Walter Salles (2005), al lado de John C. Reilly; "Little Children", de Todd Field (2006) con Kate Winslet y Patrick Wilson; "Blood Diamond", de Edward Zwick, junto a Leonardo DiCaprio y Djimon Hounsou; "Reservation Road", de Terry George (2007) con Joaquin Phoenix y Elle Fanning; "The Day the Earth Stood Still", de Scott Derrickson (2008), al lado de Keanu Reeves; "He's Just Not That Into You", de Ken Kwapis (2009) con Jennifer Aniston, Morgan Lily, Scarlett Johansson, Bradley Cooper, Ben Affleck y Justin Long; "Creation", de Jon Amiel (2009), al lado de Paul Bettany; "Virginia", de Dustin Lance Black (2010), con Ed Harris, Carrie Preston, y Harrison Gilbertson; "The Dilemma", de Ron Howard (2011) con Vince Vaughn, Kevin James y Winona Ryder; "Stuck in Love", con Greg Kinnear, así como "Winter's Tale", de Akiva Goldsman.

El actor británico RAY WINSTONE (Tubalcaín) protagonizó la película de suspenso y acción "The Gunman", dirigida por Pierre Morel y basada en una novela de Jean-Patrick Manchette. La cinta es coprotagonizada por Sean Penn, Javier Bardem, Idris Elba y Mark Rylance.

Ray Winstone nació en Hackney, en el East End de Londres. Comenzó a boxear cuando tenía 12 años, fue tres veces campeón del torneo London Schoolboy y peleó dos veces representando a Inglaterra. Estudió actuación en la Corona School antes de ser incluido en el elenco de "Scum" con el papel de Carlín ("the Daddy") por el director Alan Clarke. Esta producción de BBC Play aportó notoriedad al nombre de Winstone y desde entonces participó en numerosas series y películas televisivas. Después de interpretar un papel protagónico en "Quadrophenia", de Franc Roddam y ser incluido en el elenco de "Ladybird, Ladybird" por Ken Loach, Gary Oldman le dio a Winstone el rol protagónico en su crudo drama biográfico "Nil By Mouth", por el cual obtuvo un premio como Mejor Actor por parte de la British Independent Film Award y recibió una nominación a un BAFTA Award. Su impresionante interpretación derivó en una sucesión de importantes papeles, incluyendo el de Dave en la película de mafiosos "Face" y el Padre en el conmovedor drama "The War Zone", de Tim Roth. También trabajó en la comedia "The Mammy" y "Fanny & Elvis" antes de realizar una de las mejores interpretaciones de su carrera en "Sexy Beast", al lado de Ben Kingsley.

Sus créditos televisivos incluyen "Henry VIII" (ganadora del premio a la Mejor Miniserie/Película en los International Emmy Awards), "Sweeney Todd" y "Compulsion", ambas cintas producidas por su compañía Size 9 Productions, así como "Vincent" por la cual Ray obtuvo un International Emmy Award como Mejor Actor por su papel epónimo. El crédito televisivo más reciente de Ray es su papel de Magwitch en "Great Expectations", de la BBC.

Sus otros créditos cinematográficos incluyen "Cold Mountain", "King Arthur", "The Proposition", la ganadora del Oscar "The Departed", dirigida por Martin Scorcese; "Breaking and Entering", de Anthony Minghella; el rol titular en "Beowulf", de Robert Zemeckis, así como "Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull", de Steven Spielberg. Los proyectos más recientes incluyen "44 Inch Chest" del director Malcolm Venville; "London Boulevard" y "Edge of Darkness" ambas para GK Films, la película "Snow White and The Hunstman", al lado de Charlize Theron, así como "The Sweeney" para Vertigo Films.

En 2007 Ray recibió el Richard Harris Award por su destacada contribución en el evento de los British Independent Film Awards.

EMMA WATSON continúa ampliando su impresionante grupo de trabajos actorales y demuestra su versatilidad como intérprete con sus primeros papeles cinematográficos después de terminar la serie "Harry Potter".

En 2011 Emma trabajó en "My Week with Marilyn", de Simon Curtis, junto a un elenco estelar de nominados al Oscar que incluyen a Michelle Williams como Marilyn Monroe y Kenneth Branagh como Sir Laurence Olivier, además de Eddie Redmayne, Dame Judi Dench, Dougray Scott, Zoe Wanamaker, Toby Jones y Dominic Cooper. Como una crónica de una semana en la vida de Marilyn Monroe, la película presentó a Emma en el papel de reparto de Lucy, asistente de vestuario de Colin Clark (Redmayne). La cinta fue estrenada por The Weinstein Company y fue nominada a un Golden Globe como Mejor Película, Comedia o Musical.

El año pasado Emma fue vista en la adaptación de Stephen Chbosky de su novela sobre la llegada a la mayoría de edad, "The Perks of Being a Wallflower", que protagonizó junto a Logan Lerman y Ezra Miller. Este drama independiente se centra en Charlie (Lerman), un introvertido estudiante de primer año que queda bajo la protección de dos veteranos (Watson y Miller) que le dan la bienvenida al mundo real. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2012 y recibió buenas críticas. La cinta también ganó el People's Choice Award como Película Dramática Favorita y Emma recibió el People's Choice Award como Actriz de Cine Dramática Favorita. Emma fue reconocida por segunda vez por este papel con el premio a la Mejor Actriz de Reparto por parte de la San Diego Film Critics Society, evento donde la cinta también obtuvo el premio a la Mejor Interpretación de un Ensamble Coral.

El verano pasado Emma protagonizó "The Bling Ring", de Sofia Coppola. La cinta está inspirada por eventos reales en torno a un grupo de adolescentes que, obsesionadas con la moda y la fama, roban las casas de las celebridades en Los Ángeles. Emma también participó como invitada interpretándose a sí misma en la comedia de apocalipsis "This Is The End", de Seth Rogen. La película narra la historia de lo que ocurre cuando algunas de las más queridas celebridades de Hollywood son sorprendidas por el apocalipsis durante una fiesta en casa de James Franco.

Watson es mejor conocida por su personaje icónico de Hermione Granger en las ocho películas de "Harry Potter" altamente exitosas. Su interpretación en la primera cinta de la serie, "Harry Potter and the Sorcerer's Stone", le aportó un Young Artist Award como Mejor Protagonista Joven. Watson también recibió dos nominaciones al Critics' Choice Award por parte de la Broadcast Film Critics Association por su trabajo en "Harry Potter and the Prisoner of Azkaban" y "Harry Potter and the Goblet of Fire". Al terminar la séptima y octava películas, Emma recibió nominaciones en 2011 al Nickelodeon Kids' Choice Award, y como Mejor Actriz en los Jameson Empire Awards. La franquicia Harry Potter ganó el BAFTA como Contribución Británica Destacada al Cine en 2011.

Los créditos adicionales de Watson incluyen el papel principal de Pauline Fossil en la adaptación que hizo la BBC de la obra clásica "Ballet Shoes", de Noel Streatfield, que salió al aire el Día de San Esteban y tuvo 5.2 millones de espectadores en la BBC. En su primera película animada, Watson prestó su voz al personaje de la Princesa Pea en "The Tale of Despereaux", que recaudó US$86.2 millones alrededor del mundo.

En 2012 Watson fue honrada con el Calvin Klein Emerging Star Award en el evento de los ELLE Women in Hollywood. El año pasado fue reconocida con el Trailblazer Award en el evento de los MTV Movie Awards en abril y también recibió el GQ Woman of the Year Award en septiembre.

Además de su carrera como actriz, Emma trabaja con Fair Trade y el productor de ropa orgánica People Tree; además colabora con Alberta Ferretti en la colección orgánica Pure Threads. Emma es embajadora de Camfed International, un movimiento para educar a las niñas en el área rural de África.

SIR ANTHONY HOPKINS (Matusalén) es un actor galés de cine, teatro y televisión. Después de graduarse del Royal Welsh College of Music & Drama en 1957, se formó en la Royal Academy of Dramatic Art en Londres y después fue descubierto por Laurence Olivier, que lo invitó a unirse al Royal National Theatre. En 1968 obtuvo su primer papel en el cine con la película "The Lion in Winter", interpretando a Ricardo I.

Considerado uno de los más grandes actores hoy en día, Hopkins es bien conocido por su interpretación de Hannibal Lecter en "The Silence of the Lambs" (1991), por la cual ganó el Premio de la Academia como Mejor Actor, así como su secuela "Hannibal" y la precuela "Red Dragon". Fue nominado en la misma categoría por sus papeles en "The Remains of the Day" (1993) y "Nixon" (1995), además de recibir nominaciones como Mejor Actor de Reparto en "Amistad" (1998). Recibió el premio como Mejor Actor por la Academia Británica de Artes de Cine y Televisión por "The Remains of the Day". Otras cintas notables incluyen "The Mask of Zorro", "The Bounty", "Meet Joe Black", "The Elephant Man", "Magic", "84 Charing Cross Road", "Bram Stoker's Dracula", "Legends of the Fall", "The World's Fastest Indian", "Instinct", "The Rite", "Hitchcock" y "Fracture". Asimismo protagonizó los éxitos mundiales "Thor" y "Thor: The Dark World", basados en el personaje del mismo nombre de Marvel Comics.

Además de su Premio de la Academia, ganó también tres BAFTA Awards, dos Emmy y el Cecil B. DeMille Award. En 1993 Hopkins fue nombrado Caballero por la Reina Isabel II por sus servicios a las artes. En 2003 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 2008 fue designado miembro de la Academia Británica de Artes de Cine y Televisión.

Hopkins vive en Los Ángeles con su esposa Stella; también es compositor y pintor.

LOGAN LERMAN (Cam) cumplió la mayoría de edad en el entretenimiento con un impresionante grupo de trabajos. Mantiene una audaz búsqueda de roles desafiantes y evoluciona con cada nuevo proyecto; se convierte rápidamente en uno de los jóvenes actores más solicitados de Hollywood, tanto para cintas independientes como tradicionales.

Lerman terminó la producción de una esperada película, aún sin titular, acerca de un episodio en la Segunda Guerra Mundial, escrito y dirigido por David Ayer. La cinta describe a un comando de cinco hombres en un tanque estadounidense en 1945, durante el colapso de la Alemania Nazi. Lerman la protagoniza junto a Brad Pitt, Shia LaBeouf, Jon Bernthal y Michael Pena. La película será estrenada en el país por Sony Pictures el 14 de noviembre de 2014.

En 2012 Lerman protagonizó el drama independiente sobre la llegada a la mayoría de edad, "The Perks of Being a Wallflower", junto a Emma Watson, Paul Rudd y Ezra Miller. Recibió críticas favorables por su interpretación de 'Charlie', un tímido chico de 15 años que debe lidiar con el amor, la amistad, la pérdida y un corazón roto, papel por el que fue nominado a un Broadcast Film Critics Award. Producida por John Malkovich y su equipo en Mr. Mudd, la película se estrenó de manera limitada y obtuvo gran éxito, tanto de crítica como comercial. Proyectada en los cines durante más de 20 semanas, "Perks" recaudó en las taquillas $80k en su primer fin de semana y siguió adelante para obtener nominaciones y reconocimientos tanto en los People's Choice Awards como en The Independent Spirit Awards. Lerman y sus coestrellas Watson y Miller también fueron nominados a un total de cuatro MTV Movie Awards por sus interpretaciones en la película.

Lerman comenzó su carrera cinematográfica en el papel del hijo más pequeño en el drama de guerra "The Patriot", de Roland Emmerich, junto a Mel Gibson. Ese mismo año interpretó la versión más joven del personaje adulto de Gibson en la comedia romántica "What Women Want", de Nancy Meyers. Sus créditos cinematográficos adicionales incluyen "Percy Jackson: Sea of Monsters"; "Stuck In Love"; "The Three Musketeers"; "Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief", de Chris Columbus; "The Butterfly Effect; "Hoot"; "The Number 23", de Joel Schumacher; "Riding in Cars with Boys", de Penny Marshall; la nueva versión de "3:10 to Yuma", de James Mangold aclamada por la crítica; "Meet Bill"; "My One and Only", de Richard Loncraine; así como "Gamer", de Mark Neveldine y Brian Taylor.

En la televisión Lerman trabajó en la serie dramática de WB: "Jack and Bobby", en el rol de 'Bobby McCallister', en un programa que sigue la vida de dos hermanos mientras estudian la escuela secundaria y posteriormente maduran hasta que uno se convierte en Presidente de Estados Unidos. Antes Lerman trabajó en la película televisiva, "A Painted House", por la cual obtuvo el primero de tres Young Artist Awards.

Logan Lerman creció en Los Ángeles, California y comenzó su carrera profesional como actor cuando tenía cinco años.

DOUGLAS BOOTH (Sem) nació en Londres en 1992. Desarrolló una pasión por la interpretación a corta edad, cuando tocaba la trompeta y participaba en actos escolares y obras de teatro de la juventud local. A los 13 años se convirtió en miembro del National Youth Theatre y el Junior Guildhall (Guildhall School of Music and Drama), antes de ser incluido en el elenco de la película "From Time to Time", de Julian Fellowes. Después Booth protagonizó "The Pillars of the Earth", producida por Ridley Scott.

Booth obtuvo críticas favorables en todo el mundo por su papel de Boy George en la biografía cinematográfica "Worried About the Boy", de la BBC; desde entonces continuó su trabajo y protagonizó "Christopher and His Kind", al lado de Matt Smith e Imogen Poots. Booth interpretó el personaje de Pip en la adaptación de "Great Expectations", de la BBC, que salió al aire en la Navidad de 2011 y fue coprotagonizada por Gillian Anderson, Ray Winstone y David Suchet. El verano pasado interpretó el papel protagónico en la película "LOL", junto a Demi Moore y Miley Cyrus.

Booth protagonizó "Romeo and Juliet", de Carlo Carlei, una adaptación de la famosa obra de William Shakespeare por el escritor Julian Fellowes, ganador de un Premio de la Academia®. Booth interpreta a Romeo junto a Hailee Steinfeld en el papel de Julieta.

Terminó de filmar la cinta de acción/ciencia ficción, "Jupiter Ascending", producida y dirigida por los hermanos Wachowski. Trabajó al lado de Mila Kunis y Channing Tatum, Sean Bean y Eddie Redmayne.

Douglas terminó también "Posh", dirigida por Lone Scherfig ("An Education", "One Day"). Basada en la obra de Laura Wade de 2010, la película sigue a dos estudiantes de primer año en Oxford que se unen a "The Riot Club", versión ficticia de The Bullingdon Club, una exclusiva sociedad en la Universidad de Oxford a la que pertenecieron figuras británicas tan prominentes como el Primer Ministro David Cameron, el Alcalde de Londres Boris Johnson y el Canciller George Osborne. La obra entera sucede en el curso de una tarde cuando los diez miembros del club celebran su cena al terminar el periodo. Cuando el presidente del club considera dejar su puesto, los otros chicos compiten por el puesto y esto deriva en consecuencias trágicas. El ensamble coral incluye a Sam Clafin, Max Irons y Freddie Fox. El estreno de "Posh" está programado para septiembre.

En noviembre de 2013 Douglas hizo su debut teatral profesional como parte del elenco para el Evento de 24 horas de Obras en el Old Vic. Trabajó con Catherine Tate, Nathan Stewart y Tom Ellis, entre otros, para crear e interpretar una cadena de obras en un solo día en el Young Vic Theatre.


ACERCA DE LOS REALIZADORES CINEMATOGRÁFICOS

Nominado a un Premio de la Academia®, DARREN ARONOFSKY (Director), nació y creció en Brooklyn, Nueva York. Su película "Black Swan" aportó a Natalie Portman el Premio de la Academia® como Mejor Actriz y recibió otras cuatro nominaciones, incluyendo la de Mejor Película. La cinta recibió diversos reconocimientos adicionales y apareció en más de 200 listas de Top Ten, además de numerosas nominaciones al 2011 Independent Spirit Award, donde obtuvo el premio como Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz y Mejor Dirección de Fotografía. La cinta también fue un fenomenal éxito taquillero y recaudó US$328M alrededor del mundo.

Antes de "Black Swan", Aronofsky dirigió "The Wrestler". La cinta se estrenó en el Festival de Cine de Venecia, donde ganó el preciado León de Oro y se convirtió en la tercera película estadounidense en la historia que ganó este codiciado premio. Un día después fue adquirida por Fox Searchlight, luego de su estreno de gala en el Festival de Cine de Toronto. "The Wrestler" ganó el premio como Mejor Película en los Independent Spirit Awards y recibió nominaciones a un Premio de la Academia® tanto para Mickey Rourke como para Marisa Tomei. Rourke recibió un Golden Globe por su icónico papel y Bruce Springsteen otro por su pista original "The Wrestler".

Aronofsky también escribió y dirigió "The Fountain", un romance de ciencia ficción protagonizado por Hugh Jackman y Rachel Weisz. En MTV Kurt Loder llamó a la cinta "un clásico; asombrosa y visualmente electrizante", además Glenn Kenny, de Premiere, afirmó que "The Fountain", "restaura muy bien tu fe en la idea de que una película te puede sacar de lo mundano y llevarte a un lugar de asombro".

Aronofsky estrenó "Requiem for a Dream" en el Festival de Cine de Cannes en 2000. La película fue nombrada en más de 150 listas Top Ten, incluyendo la del New York Times, Rolling Stone, Entertainment Weekly y American Film Institute. Los reconocimientos continuaron con cinco nominaciones al Independent Spirit Award, incluyendo la de Mejor Director, mientras Ellen Burstyn ganó el premio como Mejor Actriz. Burstyn también recibió nominaciones al Golden Globe y al Premio de la Academia® por su inolvidable papel.

La primera película de Aronofsky, "π", obtuvo el Premio al Director en el Festival de Cine de Sundance en 1998 y un Independent Spirit Award como Mejor Primer Guión.

Entre otros honores, el American Film Institute otorgó a Aronofsky la notoria Franklin J. Schaffner Alumni Medal, el Festival de Cine de Estocolmo le entregó el Golden Horse Visionary Award, además de que ganó tres Independent Spirit Awards.

SCOTT FRANKLIN (Productor) nació y creció en Nueva York, donde se estableció como respetado veterano de la comunidad de realizadores cinematográficos de la Ciudad de Nueva York. Fue nominado a un Oscar® por su trabajo en "Black Swan" y recibió dos veces el Independent Spirit Award como Mejor Película.

Franklin produjo el aclamado éxito taquillero "Black Swan", de Darren Aronofsky, protagonizado por Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey y Winona Ryder. Después de su estreno en el Festival de Cine de Venecia en 2010, la película siguió adelante y obtuvo nominaciones al Golden Globe y al Oscar® como Mejor Película, además de que Natalie Portman ganó el Oscar® a la Mejor Actriz y el Golden Globe como Mejor Actriz por su papel.

Previamente Franklin produjo la célebre película "The Wrestler", de Aronofsky, con Mickey Rourke, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood. Ganadora del León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 2008, "The Wrestler" obtuvo múltiples reconocimientos en el Evento de 2009 Independent Spirit Awards, entre ellos el de Mejor Película. Por su lado Rourke y Tomei fueron nominados al Premio de la Academia® por sus interpretaciones; además Rourke ganó un Golden Globe junto con Bruce Springsteen como Mejor Canción ("The Wrestler").

Franklin trabajó como productor ejecutivo en "W.E", dirigido por Madonna, que se estrenó en el Festival de Cine de Venecia en 2011; también produjo "2 Days in New York", dirigida por Julie Deply y protagonizada por Delpy y Chris Rock."Hounddog", de Franklin, protagonizada por Dakota Fanning, Robin Wright-Penn y David Morse, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2007, donde fue finalista para el Premio del Gran Jurado.

Anteriormente Franklin fue coproductor en "Requiem for a Dream", de Aronofsky, que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 1999 y fue nombrada en más de 150 listas Top Ten en 2000. Recibió reconocimientos internacionales, cinco nominaciones al Independent Spirit Award; además Ellen Burstyn fue nominada al Golden Globe y al Premio de la Academia® como Mejor Actriz.

Franklin trabajó como productor asociado en el debut cinematográfico de Aronofsky con "π", que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 1998 y ganó el Premio al Mejor Director del Festival. La cinta, aclamada por la crítica, ganó diversos reconocimientos internacionales, incluyendo el Independent Spirit Award como Mejor Guión y el Open Palm Gotham Award.

MARY PARENT (Productora) es fundadora y Directora Ejecutiva de Disruption Entertainment, basada en Paramount, desde abril de 2011.

Después de crear Disruption Entertainment hace menos de dos años, Parent generó una variada claqueta comercial de películas que incluyen: la aventura de ciencia ficción "Pacific Rim", dirigida por Guillermo del Toro, que se estrenó en el verano de 2013; la novela best seller "Defending Jacob", escrita y dirigida por Steve Kloves ("Wonder Boys", la serie de películas de "Harry Potter", "The Amazing Spider-Man"); una nueva versión en 3D de la cinta clásica del monstruo "Godzilla", dirigida por Gareth Edwards, programada para su estreno el 14 de mayo de 2014; así como la secuela "SpongeBob SquarePants".

En marzo de 2008 Parent fue nombrada Directora Ejecutiva y Presidente del Grupo de Películas en MGM y United Artists, donde supervisó la producción, distribución y comercialización. Llamada para reformar la operación de desarrollo y producción de cintas de MGM previamente adormilada, Parent contrató a un equipo de alto nivel de nuevos ejecutivos y rápidamente conjuntó la primera claqueta real de MGM en años, incluyendo una nueva película de James Bond, "The Hobbit"; una nueva versión de "Robocop"; "The Cabin in the Woods"; "Hot Tub Time Machine"; "Zookeeper" y "Red Dawn". Apenas seis meses después de su llegada la crisis financiera los golpeó y paralizó a MGM, evitando que avanzara hacia la producción y distribución de películas.

Antes de tomar las riendas en MGM, Parent cofundó Stuber/Parent, que produjo sus primeras cinco películas en sólo dos años y recaudó más de US$550 millones en taquillas. Antes de Stuber/Parent, como Vicepresidente de Producción Mundial de Universal Pictures, Parent supervisó la planeación, desarrollo y producción de la claqueta anual de películas de Universal y fue parte integral de muchos éxitos taquilleros globales, incluyendo "King Kong", "The 40-Year-Old Virgin", "Meet The Parents", "Meet the Fockers", "Bourne Identity", "Bourne Supremacy", "Fast and Furious", "Along Came Polly", "Seabiscuit", "American Wedding", "The Hulk", "8 Mile", "Red Dragon", "Jurassic Park III", "Bridget Jones's Diary", "Hannibal", "Dr. Seuss' How the Grinch Stole Christmas" y "Gladiator", película ganadora de un Premio de la Academia®, una coproducción con DreamWorks.

Antes de ser nombrada Vicepresidente de Producción Mundial de Universal Pictures en 2003, Parent trabajó como Presidente de Producción a partir del 2000. Ella se unió a Universal Pictures en 1997 como Vicepresidente Senior de Producción. Llegó a Universal proveniente de New Line Cinema, donde trabajó desde 1994, y su puesto más reciente fue Vicepresidente de Producción. Antes fue Ejecutiva Creativa y Directora de Desarrollo en New Line, donde fue responsable y productora ejecutiva de las películas "Pleasantville" y "Set It Off". Comenzó su carrera como aprendiz de agente en ICM.

ARI HANDEL (Coescritor/Productor Ejecutivo) recibió un Doctorado en Ciencia Neural de la Universidad de Nueva York en 2000. Su investigación derivó en tres ediciones en la Revista de Neurociencia y culminó con su tesis doctoral: "The Role of the Substantia Nigra pars Reticulata in the Generation of Saccadic Eye Movements in Awake-Behaving Primates".

Un día Handel y su compañero de Harvard Darren Aronofsky caminaban por el East Village hablando de ciencia ficción y sin darse cuenta concibieron la idea para "The Fountain". Desde entonces él trabaja en el cine.

Handel fue Presidente en Protozoa Pictures desde 2003. Coescribió la historia para "The Fountain" y fue productor asociado en dicha película. También fue Coproductor en "The Wrestler" y productor ejecutivo en "Black Swan".

Handel es coautor de la novela gráfica "The Fountain" y la novela gráfica "Noé". Además de su trabajo en el cine, Handel es Copresidente en el Consejo de "The Moth, the Peabody and Macarthur", la galardonada organización sin fines de lucro que se dedica al arte y al oficio de la narración de historias. Su historia de Moth en 2004, "Don't Fall In Love With Your Monkey" es una favorita del público.

Ari nació en Zúrich, Suiza, creció en West Newton, Massachusetts; vive en Brooklyn, Nueva York, con su esposa y sus dos hijos.

Nominado un premio a la Academia®, MATTHEW LIBATIQUE, ASC (Director de Fotografía) forjó una carrera única en las dos décadas pasadas. Comenzó con el objetivo de convertirse en director de fotografía de videos musicales pues le atraía el potencial de la manipulación de imágenes electrónicas, pero pronto empezó a crear imágenes audaces e innovadoras para formatos más largos.

"Noé" marca la sexta colaboración de Libatique con Darren Aronofsky, para quien trabajó en su estupendo debut como director en "π", una conmovedora obra filmada en blanco y negro en 16 mm. Libatique impulsó la fluidez de la película hasta sus límites y más allá para representar una mente inestable y deteriorada obsesionada con los números. "π" obtuvo el Premio a la Dirección en el Festival de Cine de Sundance y Libatique fue nominado al Independent Spirit Award por su labor; la carrera cinematográfica de Libatique despegó con fuerza.

Quince años después Libatique fue nominado a un SCA Award y a un Premio de la Academia® por "Black Swan", dirigida por Aronofsky. "Black Swan" también fue filmada en Súper 16, lo cual es raro para un nominado al Oscar® en la categoría de dirección de fotografía. Por su trabajo en "Black Swan", Libatique recibió nominaciones a los BAFTA, la American Society of Cinematographers, la Broadcast Film Critics Association, así como la Independent Spirit Awards, por nombrar algunas.

La colaboración de Libatique con Aronofsky también incluye "Requiem for a Dream", por la cual Libatique ganó el Independent Spirit Award como Mejor Dirección de Fotografía, además de recibir nominaciones por parte de la Boston Society of Film Critics y la Online Film Critics Society. Libatique fue director de fotografía en "The Fountain" de Aronofsky, mientras comenzaban sus carreras juntos en el cortometraje "Protozoa".

Libatique colabora continuamente con diversos directores, incluyendo a Spike Lee, para quien filmó "Miracle at St. Anna", "She Hate Me" e "Inside Man"; a Joel Schumacher con "Tigerland" y "Phone Booth"; además de Jon Favreau, en "Iron Man", "Iron Man 2" y "Cowboys and Aliens".

Sus otros créditos de cine incluyen "Gothika" de Mathieu Kassovitz; "Abandon" de Stephen Gaghan; "Everything is Illuminated" de Liev Schreiber; "My Own Love Song" de Olivier Dahan y "Ruby Sparks" de los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris.

Libatique estudió en el famoso American Film Institute, donde obtuvo su Maestría en Dirección de Fotografía.

En 1995 Libatique comenzó su carrera como director de fotografía en la industria de videos musicales. Su trabajo apareció en MTV para artistas tales como The Cure, Usher, Death in Vegas, Erykah Badu, Incubus, Tupac, Moby, Snoop Dogg, Jay-Z y The Fray. En 2002 Libatique obtuvo el Music Video Production Association Award a la Mejor Dirección de Fotografía por "Mad Season", de Matchbox 20. Su labor en el ámbito comercial y de videos musicales le dio la capacidad de combinar fuerzas con talentosos directores como Stacy Wall, Floria Sigismondi, Dante Ariola, Brian Beletic, Phil Harder, Terry Richardson, Mark Pellington, Traktor, Kinka Usher, Style War y Noam Murro.

MARK FRIEDBERG (Diseñador de Producción) nació en Manhattan e inicialmente estudió Bellas Artes; luego unió su pasión por el cine y la pintura perfeccionando su labor como diseñador de producción en una serie de influyentes películas de bajo presupuesto que se realizaron durante el movimiento de cine independiente a principios de los años 90.

El trabajo de Friedberg en proyectos pequeños pero notables como "In the Soup", de Alexandre Rockwell y "The Ballad of Little Joe", de Maggie Greenwald, pronto llamó la atención y derivó en la colaboración de Friedberg con varios realizadores cinematográficos que abarcan desde los pesos pesados de la industria como Mel Brooks ("The Producers", 2005), o Garry Marshall ("Runaway Bride", "New Year's Eve"), hasta cineastas individuales independientes como Mira Nair ("The Perez Family", "Kama Sutra: A Tale of Love"); Ang Lee ("The Ice Storm", "Ride with the Devil"); Todd Haynes ("Far From Heaven"); Jim Jarmusch ("Coffee and Cigarettes", "Broken Flowers"); Wes Anderson ("The Life Aquatic with Steve Zissou", "The Darjeeling Limited"); Julie Taymor ("Across the Universe") y Charlie Kaufman ("Synedoche, New York").

Otras películas diseñadas por Friedberg incluyen la recreación de Julie Taymor de la obra "The Tempest", de Shakespeare, filmada en locaciones en Hawái y en un estudio de Brooklyn; "The Beaver" de Jodie Foster, coprotagonizada por Foster y Mel Gibson; así como la comedia romántica "Morning Glory", con Harrison Ford, Diane Keaton y Rachel McAdams, dirigida por Roger Michell.

Friedberg ganó el Emmy Award como Dirección Artística destacada por su trabajo en la miniserie de HBO aclamada por la crítica: "Mildred Pierce", protagonizada por Kate Winslet y dirigida por Todd Haynes.

Ubicado en Los Ángeles, MICHAEL WILKINSON (Diseñador de Vestuario) obtuvo una licenciatura en Diseño por el National Institute of the Dramatic Arts en su ciudad natal de Sídney, Australia. Es miembro de la Academia de Artes y la Sociedad Cinematográfica (AMPAS), y del Costume Designers Guild (CDG). La revista Variety incluyó a Wilkinson en su lista de realizadores cinematográficos "Below the Line Impact", personas que tienen un impacto significativo en su campo de pericia.

El diseño de vestuario de Wilkinson incluye su trabajo en "Man of Steel" y "300" de Zack Snyder; la película final de la saga "Twilight: Breaking Dawn: Part II", así como la cinta de acción futurista "Tron Legacy", de Joe Kosinski. Fue nominado a un Costume Designers Guild Award y un Saturn Award por ambos proyectos. Wilkinson ganó el Saturn Award por su vestuario en la película de suspenso y acción "Watchmen", de Snyder; también fue nominado al CDG Award por sus diseños contemporáneos presentados en el drama coral internacional "Babel".

Sus otros créditos cinematográficos incluyen el diseño de vestuario para la cinta de acción fantástica "Sucker Punch", el drama de la Guerra Civil "Jonah Hex", la película post-apocalíptica "Terminator Salvation", así como los éxitos de culto "Garden State", "American Splendor" y "Party Monster".

Al comienzo de su carrera Wilkinson fue asistente de diseño en las espectaculares películas "Moulin Rouge" y "Romeo + Juliet", de Baz Luhrmann, así como en "The Matrix: Reloaded", de los hermanos Wachowski.

Su trabajo teatral incluye galardonados diseños de vestuario para la Sydney Theater Company, Opera Australia, The Australian Dance Theater y Radio City Hall. Michael realiza también diseños para comerciales y Eventos Especiales; creó cientos de trajes para las Ceremonias de Inauguración y Clausura de los Juegos Olímpicos de Sídney 2000.

ANDREW WEISBLUM, ACE (Editor) colaboró previamente con Darren Aronofsky en "Black Swan", por el cual fue nominado a un Premio de la Academia®. Su trabajo en la película también fue reconocido, entre otros honores, con nominaciones al BAFTA y al Eddie Award, además de recibir el premio como mejor edición de cine por la Boston Society of Film Critics. Antes trabajó con Aronofsky como editor en "The Wrestler" y como editor de efectos visuales en "The Fountain".

Weisblum editó la película "Moonrise Kingdom" aclamada por la crítica, para Wes Anderson. Antes trabajó con Anderson como editor supervisor en "Fantastic Mr. Fox", por la cual fue nominado a un American Cinema Editors (ACE)/Eddie Award, además de ser editor en "The Darjeeling Limited".

Los créditos de Weisblum como editor de cine también incluyen "The East", de Zal Batmanglij; "Young Adult", de Jason Reitman; "Broken English", de Zoe Cassavetes; "Coney Island Baby", de Amy Hobby; "Undermind", de Nevil Dwek; así como el episodio piloto de la serie televisiva "Smash", dirigida por Michael Mayer.

Como editor asistente durante más de una década, trabajó en la sección editorial en películas como "A Dirty Shame" y "Cecil B. DeMented" de John Waters; "Femme Fatale" y "Snake Eyes" de Brian De Palma; "Grace of My Heart" de Allison Anders; "School of Rock" de Richard Linklater; así como "Chicago" de Rob Marshall, que ganó varios Premios de la Academia®, en la cual Weisblum fue también editor de efectos visuales.

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