mayo 11, 2014


Godzilla: Sinopsis, elenco, ficha, critica: Godzilla 2014

LEE en EL BAZAR DEL ESPECTÁCULO el artículo ORIGINAL CINE

https://elbazardelespectaculocine.blogspot.com

"Godzilla". Del nuevo y visionario director Gareth Edwards ("Monsters"), llega una poderosa historia de valor humano y reconciliación con las grandes fuerzas de la naturaleza, cuando el increíble Godzilla resurge para restaurar el equilibrio cuando la humanidad se encuentra indefensa.

Gareth Edwards dirige "Godzilla," protagonizada por Aaron Taylor-Johnson ("Kick-Ass"), el nominado al Oscar® Ken Watanabe ("The Last Samurai," "Inception"), Elizabeth Olsen ("Martha Marcy May Marlene"), la ganadora del Oscar® Juliette Binoche ("The English Patient," "Cosmopolis"), y Sally Hawkins ("Blue Jasmine"), con el nominado al Oscar® David Strathairn ("Good Night, and Good Luck.," "The Bourne Legacy") y Bryan Cranston ("Argo," la serie de TV "Breaking Bad").

Edwards dirige la película con un guión de Max Borenstein. La historia es de David Callaham, basada en el personaje de "Godzilla" una propiedad y creación de TOHO CO., LTD. Thomas Tull y Jon Jashni producen con Mary Parent y Brian Rogers. Patricia Whitcher y Alex Garcia son productores ejecutivos, junto a Yoshimitsu Banno y Kenji Okuhira.

El equipo creativo detrás de cámaras incluye al director de fotografía nominado al Oscar® Seamus McGarvey ("Anna Karenina," "Atonement"); el diseñador de producción Owen Paterson ("The Matrix" trilogy); el editor Bob Ducsay ("Looper"); la diseñadora de vestuario nominada al Oscar® Sharen Davis ("Dreamgirls," "Ray," "Django Unchained"); y el supervisor de efectos visuales ganador del Oscar® Jim Rygiel (de la trilogía de "Lord of the Rings"). La banda sonora está compuesta por el compositor nominado al Oscar® Alexandre Desplat ("Argo," "The King's Speech").

Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures presentan una producción de Legendary Pictures, una película de Gareth Edwards, "Godzilla." Programada para estrenarse el 15 de mayo de 2014, la película será presentada en 3D, 2D y IMAX® en cines selectos y será distribuida en todo el mundo por Warner Bros. Pictures, una compañía de Warner Bros. Entertainment Company, excepto en Japón, donde será distribuida por Toho Co., Ltd.

Legendary Pictures es una división de Legendary Entertainment.

CRÍTICA

Godzilla dejará muy contentos a aquellos amantes de este "bichito", pero a los que buscan una trama un poco más intensa o intrigante van a quedarse con ganas de más.

Las secuencias de destrucción y de ataque están bien realizadas, pero tampoco son nada del otro mundo. La historia es muy chica y no tiene el suficiente atractivo como para que uno esté intrigado o tenso durante toda la proyección.

Los personajes no están desarrollados en una forma que creen algún tipo de empatía en el espectador ya que son demasiado fríos e insípidos. Aquí en realidad todo pasa más por entretenerse esperando que aparezcan los monstruitos y viendo las muy bien realizadas escenas de catástrofe.

Una película impactante desde lo visual, pochoclera, pero fácilmente olvidable.

Cintia Alviti



En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

EL LEGADO DE GODZILLA

"La arrogancia del hombre es pensar que tiene a la naturaleza bajo control, y no al revés". Dr. Serizawa

En 1954, la productora japonesa Toho Co., Ltd., lanzó la innovadora película de monstruos de Ishiro Honda "Godzilla", en un país que todavía se tambaleaba por la devastación de la Segunda Guerra Mundial. La película se convirtió en un gran éxito en Japón, y, 60 años después, sigue resonando en todo el mundo por proyectar los miedos y horrores de la era atómica en una fuerza imponente de la naturaleza: Godzilla.

"Godzilla es el punto de referencia de las películas de monstruos", dice Gareth Edwards, el director británico al frente de la nueva visión épica de la icónica creación de Toho. Edwards creció viendo películas japonesas de monstruos antes de descubrir la obra maestra de Honda de 1954, en DVD, y quedó fascinado por su austero subtexto alegórico y su continua relevancia contemporánea. "Si vas por el mundo con la silueta de un dinosaurio gigante que se cierne sobre una ciudad, todo el mundo sabe exactamente de quién se trata, ya sea que hayan visto una película de Godzilla o no. Pero lo que muchas personas no se dan cuenta es que la "Godzilla" japonesa original es en realidad una película muy seria. Creo que esa es la razón por la que fue tan bien acogida por la cultura nipona, porque no sólo es una gran película de monstruos, sino que también fue muy catártico que la gente viera cobrar vida a estas imágenes en la pantalla de manera tan visceral y real".

Se volvió a filmar parcialmente, suavizando un poco su peso metafórico y fue subtitulada en varios idiomas, la película se estrenó en el extranjero dos años más tarde y nació una leyenda. Desde hace seis décadas, el imponente "Rey de los Monstruos" atrajo el interés de la cultura pop, generando numerosas secuelas, un ejército de juguetes, y encarnaciones de todo tipo, desde historietas hasta videojuegos. Surgió un nuevo género de películas (kaiju eiga) y Godzilla se convirtió en uno de los héroes de películas más queridos y reconocibles del siglo 20 y, ahora, del siglo 21.

Bryan Cranston, una de las estrellas de la nueva película, tiene recuerdos vívidos de estar cautivado al ver al monstruo arrasar en su pantalla de TV de la infancia. "Godzilla con su aliento de fuego... destruía todo a su paso", recuerda Cranston. "En realidad, era un hombre con un traje pisando una ciudad de Tokio en miniatura, pero era maravilloso para un niño. Hay una parte de mí que siempre será ese niño, pero la sensibilidad del cómo hacer una película como esta ha madurado. El público evolucionó. No se trata sólo de que Godzilla rompa cosas, la gente va a seguir apoyándolo pero también quieren conectar con lo que está sucediendo y animar a que los personajes sobrevivan".

Como Cranston, Thomas Tull de Legendary Pictures creció viendo películas de monstruos, pero la joya de la corona de la legión de Toho siempre reinó en su mente. "Desde su rugido distintivo hasta el contorno de sus aletas dorsales, pasando por el fuego radiactivo que lanza, Godzilla es un ícono mundial absoluto", dice. "Con los años, Toho examinó el personaje de diferentes maneras y lo enfrentó con toda una colección de criaturas gigantes, pero mi favorito siempre será el original japonés, que era a la vez una película de monstruos aterradores y una profunda historia con moraleja".

Tull, quien produjo el "Godzilla" de Edwards junto con Jon Jashni, presidente de Legendary Pictures, la veterana productora Mary Parent y el cineasta británico Brian Rogers, albergaban desde hace mucho tiempo el deseo de llevar al leviatán titánico a la pantalla grande en un espectáculo con todo el corazón e interés humano del original. "Nuestra intención siempre fue la de hacerle justicia a los elementos esenciales que permitieron que este personaje continúe siendo relevante durante todo el tiempo que lo ha sido", explica Tull. "Nuestro plan era producir el Godzilla que nosotros, como aficionados, quisiéramos ver. Una película que no fuera emocionante sólo por el género, sino que queríamos llevarla de nuevo a sus raíces y crear una historia humana dentro del contexto del mundo de hoy. Estuve esperando esta película toda mi vida".

Inherente al desafío de reinventar un personaje tan icónico era el poner al mando a un director que pudiera ofrecer una perspectiva fresca y una estética cinematográfica sagaz sin dejar de ser fiel a la integridad y el legado de Godzilla. Encontraron todas esas cualidades en Gareth Edwards, un cineasta emergente que arrasó el mundo del cine independiente con su premiada "Monsters". Edwards no sólo escribió y dirigió la película, sino que la diseñó y grabó, y creó él solo todos los efectos visuales en su computadora.

"Desde nuestra primera conversación con Gareth, tuvimos la sensación de que era un apasionado fan de "Godzilla", señala Tull. Y después de ver "Monsters", que hizo con un presupuesto muy reducido, nos fuimos con la sensación de que si tenía más recursos y un lienzo más grande, podía hacer algo extraordinario".

Jon Jashni añade que el joven director genera el equilibrio perfecto entre la invención y la verdad humana. "El hecho de que puedas arrojar una tonelada de recursos digitales en la pantalla no significa que debes hacerlo, ya que eso no ayuda realmente al público a sumergirse en el mundo que estás tratando de crear", dice el productor. "En 'Monsters', Gareth tuvo que sugerir mucho más de lo que podía permitirse el lujo de mostrar. Propuso una perspectiva basada en los personajes, con conexión al mundo real, y luego le agregó capas de elementos de otro mundo a ese mundo. 'Monsters' era un microcosmos de lo que esperábamos crear con nuestra nueva película Godzilla: algo real y verdadero".

La productora Mary Parent también quedó impresionada con el éxito independiente de Edwards, y señaló que tanto su sensibilidad narrativa como su experiencia cinematográfica inspiraba confianza en todos de que Godzilla estaría en buenas manos. "Sabíamos que Gareth canalizaría toda su visión como artista y narrador de historias, junto con su dominio de la tecnología de efectos visuales, en la creación de una película que fuera digna para poner a este personaje en la pantalla de la manera que se merece y no se ha visto antes", dice Parent. "Pero también sabíamos que podía crear personajes con los que podríamos conectar y llevar al público la experiencia de 'Godzilla' a través de los ojos de las personas que lo viven".

Sabiendo que le daban las riendas de una leyenda, Edwards buscó inspiración (como Ishiro Honda antes que él), en el mundo que veía a su alrededor. "Sé que suena imposible, pero imaginen por un momento la llegada de una gran criatura con la que la humanidad no puede siquiera comunicarse, mucho menos controlar... ¿Cómo sería vivir eso?", postula. "¿Cómo reaccionaría el mundo? Todos hemos visto o experimentado desastres incomprensibles, naturales o de otro tipo, que si no hubiesen sucedido de verdad parecerían el escenario de una película. Así que el reto de hacer la mejor película de Godzilla era reflejar esa realidad, que es volver al núcleo de lo que realmente se trata Godzilla".

Dice Tull: "Una de las cosas que queríamos hacer con la película, que era un objetivo compartido por nuestros socios de Toho, era establecer parte de la historia en Japón y mantener la conexión de Godzilla con la energía nuclear, pero también hacerlo con respeto y sensibilidad, teniendo en cuenta acontecimientos actuales".

El productor Brian Rogers añade: "Los paralelos que existían en la película de 1954, que trata del equilibrio entre el hombre y la naturaleza, y todas las maneras posibles en que podría llevarnos al límite, siguen siendo tan relevantes hoy como lo eran entonces. Tal vez incluso más aún en los tiempos que corren".

Trabajando en Londres, Edwards se embarcó en maratonianas sesiones de Skype con el guionista de la película, Max Borenstein, de Los Ángeles, para dar forma a una historia que aludiría a los orígenes de Godzilla y desentrañaría los misteriosos acontecimientos que anuncian su aparición en el contexto del mundo de hoy.

Aunque el miembro del elenco Ken Watanabe creció en Japón, no vio la película de 1954 hasta hace poco, y aprecia el cuidado meticuloso con que Edwards la honra. "El 'Godzilla' original sopesa la provocativa pregunta que la sociedad japonesa enfrentaba en esos años, nueve después de las bombas, cuando las cicatrices emocionales y físicas estaban todavía muy presentes", reflexiona el actor. "Gareth tiene un profundo conocimiento de esa película, y respondí a su valentía de vivir de revivir de nuevo esas ideas".

Borenstein escribió el guión, sobre una historia de David Callaham, después de sumergirse en la investigación que incluyó ver las 28 películas de "Godzilla", producidas por Toho Co. Ltd., que abarcan las series Showa, Heisei y Millennium. "Nuestra ambición era tratar la historia como si fuese un verdadero incidente y aterrador que sucede hoy, con toda la gravedad de un desastre real, sin dejar de hacer una gran y espectacular película de monstruos que sea divertida de ver", detalla Borenstein. "La película original es una increíble historia de la insignificancia de la humanidad frente a la naturaleza, pero con la fuerza humana y la resistencia de levantarse y sobrevivir a un desastre de esa magnitud".

Antes de que un solo fotograma de "Godzilla" hubiera sido filmado, el director y los productores crearon un "teaser" de 90 segundos para expresar el estado de ánimo que querían dar a la película que se estrenó en la reunión anual Comic-Con Internacional ante casi 7.000 fans. La imagen granulada reveló una ciudad reducida a escombros, y la gran criatura materializándose a través del humo y el polvo, mientras emite su ensordecedor rugido. Sobre las imágenes, Edwards usó las inquietantes palabras de Robert Oppenheimer, el "padre" de las bombas atómicas que redujeron las ciudades japonesas de Hiroshima y Nagasaki a cenizas radiactivas, donde cita las escrituras hindúes que describen la incomprensible Caja de Pandora que habían abierto: "Me convertí en la Muerte, la destructora de mundos".

Godzilla siempre tuvo un misterio y una dualidad: un ser que es instinto puro, que no se mueve en concierto con la humanidad, y que se levanta sobre ella mientras se eleva implacablemente desde el mar. "Los monstruos siempre fueron metáforas de algo más", señala Edwards. "Representan los aspectos más oscuros de nuestra naturaleza y nuestro temor a lo que no podemos controlar. En cierto modo, Godzilla casi encarna una especie de 'ira de Dios', no en un sentido religioso, sino más bien la naturaleza que vuelve para castigarnos por lo que le hicimos al mundo. En nuestra película, definitivamente conectamos con esas ideas".

LA HISTORIA Y LOS PERSONAJES

"Godzilla" se desarrolla en varios continentes y se extiende durante varias décadas, siguiendo el impacto de una serie de acontecimientos misteriosos y catastróficos a través de los ojos de un puñado de personas atrapadas en su epicentro. "Nuestra película no cuenta la historia desde un punto de vista omnipotente", explica Tull. "En medio de esta crisis hay personas cuyas vidas se ves alteradas de manera irrevocable. No son superhéroes, sino que seres humanos normales atrapados en circunstancias extremas, lo que hizo que el casting fuera un componente vital en nuestra película".

Con esta actitud, Edwards quería poblar la película con actores que pudieran ofrecer un nivel de actuación que dieran vida a las historias extraordinarias de estos personajes. "En una película como esta, tienes una sola compra, y es que hay monstruos gigantes en el mundo", dice. "El resto tiene que ser lo más creíble posible, por eso me siento increíblemente afortunado con este reparto. Ellos fueron capaces de tomar lo que estaba en la página, llevarlo a la vida, y crear una realidad emocional que te ayuda a creer todo lo demás".

Para el elenco, la combinación de un ícono del cine y la visión de Edwards para su épico renacimiento hizo de "Godzilla" una perspectiva irresistible. "Cuando hablamos con Gareth de la película, me dijo que me olvidara de que era una gran película de monstruos", recuerda Aaron Taylor-Johnson. "Me encantó lo que Godzilla significaba para él, y que quería llevarlo a la pantalla en un gran espectáculo de desastre, pero contar la historia con un alto nivel artístico y emocional. Eso es lo que me dio ganas de hacer este proyecto, y Gareth hizo que la experiencia fuera muy especial".

El actor interpreta el papel central de Ford Brody, un oficial naval especializado en desarmar bombas que acaba de reunirse con su esposa y su hijo pequeño en San Francisco cuando lo llaman para ayudar a su padre con problemas en Japón.

"Ford es el héroe de nuestra película y vive mucha acción", comenta Edwards. "Y debido a que gran parte de la narración es visual, era muy importante que entendiéramos lo que está pensando y sintiendo, así que necesitábamos un actor capaz de comunicar mucho con una sola mirada. Había visto 'Nowhere Boy', en el que Aaron hizo de John Lennon, y fue una actuación muy conmovedora. Había mucha intensidad y emoción en sus ojos. Supe desde ese momento que lo habíamos encontrado".

La experiencia de Ford en desarmar bombas lo lleva a la primera línea de defensa de la humanidad unida contra la mayor amenaza que enfrentó jamás, pero está desgarrado entre el deber y la necesidad de encontrar y proteger a su joven familia. "Es un especialista que necesita el ejército, y se necesita a todos", explica Taylor-Johnson. "Al mismo tiempo, su misión es regresar con su familia, y su trabajo en el ejército se convierte en la única manera de acercarse a San Francisco. Pero es desgarrador porque no sabe si podrá llegar a casa".

Atrapada en la ciudad cuando Godzilla apunta a San Francisco está la esposa de Ford, Elle Brody, interpretada por Elizabeth Olsen. Elle es enfermera en un hospital atareado, y se ve obligada a tomar decisiones difíciles para hacer frente tanto a las víctimas humanas de la catástrofe como proteger a su hijo de cuatro años, Sam, interpretado por el debutante Carson Bolde. "La historia de Elle es heroica porque tiene un trabajo que hacer, pero también está desesperada por proteger a su propio hijo", contó Olsen, y agregó: "Su historia y el viaje de Ford para tratar de volver con ellos es parte de lo que me gusta de esta película: Cómo los valores familiares están en el centro, y cómo los momentos de crisis ponen de manifiesto el valor y el heroísmo que se encuentra dentro de cada uno".

Para Edwards, su talento para el material emocional hizo que fuera fascinante verla en el papel. "Elizabeth tiene un estilo documental en su actuación: Simplemente no se siente que actúe en absoluto. Con ella, era como hacer un drama serio que sucede que además tiene monstruos".

Olsen tuvo un primer contacto con el nivel de realismo que Edwards quería llevar a la película cuando vio por primera vez el sugestivo "teaser" que había hecho. "El enfoque de Gareth es lo que me enganchó, y también cómo refleja algunas de las imágenes de los desastres que hemos visto en todo el mundo", señala. "Lo que Elle vive en esta película se nutre de lo que viven las personas atrapadas en este tipo de eventos, y de lo que harían para salvar a sus seres queridos".

Este mismo impulso mueve a Ford a lo largo de su viaje, y Taylor-Johnson admite que incluso en medio de la tremenda acción de la película, las exigencias físicas del papel fueron superadas por los desafíos emocionales a los que se enfrenta su personaje. "A Ford lo hacen sudar la gota gorda en el transcurso de la película, tanto interna como externamente", dice. "Cuando lo conocemos, es un esposo, padre e hijo, y está tratando de hacer todas esas cosas correctamente bajo el peso de fuertes emociones. Tiene asuntos por resolver con su padre, y sus esfuerzos por tratar de reparar la relación lo sitúa lejos de casa cuando su familia más lo necesita".

Ford carga consigo el peso de un incidente de su niñez que desgarró a su familia hace 15 años, cuando vivía con sus padres en Japón. Pero los acontecimientos que condujeron a ese fatídico día de 1999 se originan más al sur, en las Filipinas, donde comienza la película.

Una mina remota en una selva de Filipinas se derrumba, revelando debajo de ella los restos fósiles, altamente radiactivos de algo muy grande y muy viejo. Un par de científicos de una organización gubernamental secreta, el doctor Ishiro Serizawa y la doctora Vivienne Graham, llegan al lugar para examinar la extraña reliquia.

Ken Watanabe interpreta a Serizawa, un científico japonés que ha dedicado su vida a la búsqueda de Godzilla y espera encontrar evidencia en la cueva de la existencia de la mítica criatura. "Su búsqueda va más allá de la curiosidad científica", describe Watanabe. "Él está preocupado por el tipo de terror que podría existir en el mundo, y tiene sus propias teorías acerca de lo que él llama el 'predador alfa' y el papel que juega en el planeta".

En la película, los orígenes de Godzilla se vinculan a una visión alternativa de la historia reciente, un oscuro legado que persigue a Serizawa, a quién dieron nombre y se inspira por un personaje clave de la película original japonesa. "El doctor Serizawa es el científico con el conocimiento más profundo de la criatura, y Ken aportó mucha complejidad y profundidad de sentimientos a este personaje", dice Edwards. "Solíamos bromear cuando estábamos filmando que nadie tenía más miradas que Ken. Es un actor muy fascinante de ver porque se pueden ver sus pensamientos internos sobre su rostro. Cuando estábamos rodando, siempre ponía otra mirada, respiraba o salía de la habitación y uno decía: 'No, no te detengas, no te detengas'. La toma continuaba porque no querías gritar 'Corten'".

Watanabe respondió al deseo de Edwards de aprovechar los hilos temáticos del original en el contexto del mundo contemporáneo. "Siento que Japón y, en realidad, el mundo entero, se enfrentan a retos similares en la actualidad a los que se enfrentaban en el momento en que se hizo la primera película", reflexiona Watanabe. "Godzilla no puede separarse del elemento nuclear y sirve como un recordatorio urgente de que tenemos que mirar hacia el futuro y pensar qué clase de mundo queremos tener. Así que, cuando leí el guión, me impresionó que la película de Gareth mantuviera la conexión de Godzilla con las consecuencias de tratar de emplear fuerzas que apenas entendemos".

Sally Hawkins, quien interpreta a un colega de Serizawa, la doctora Graham, añade que la pasión de Edwards por el proyecto iluminó cada decisión creativa en el set. "Tenía tantas otras cosas con las que lidiar, pero se preocupó por los actores y la historia, siempre enfatizando la necesidad de mantener el corazón y la verdad que hay en ella".

Por todas sus escenas realizadas con Watanabe, los dos formaron una conexión inmediata. "Graham y Serizawa están juntos en este viaje, porque es el trabajo de su vida para ambos", comparte Hawkins. "Cuando los conocemos, vemos que se comunican casi telepáticamente. Y creo que Ken es brillante. Tiene mucha presencia, y trabajar con él para expresar su relación fue un verdadero placer".

A medida que Graham y Serizawa se adentran en lo más profundo de la montaña, descubren que todo el sistema de cuevas encerró alguna vez el cadáver de una criatura gigante, pero que también contenía algo más. Y en el extremo de la cueva, se sorprenden al descubrir que la montaña fue explotada desde dentro, dando paso a una zanja pulverizada que atraviesa el bosque y que conduce directamente al océano.

En el norte, a través del Mar de China Oriental, una serie de temblores sacuden la central nuclear de Janjira cerca del distrito de Tokio, donde Ford, interpretado de joven por C.J. Adams, vive con sus padres Sandra y Joe Brody, interpretados por Juliette Binoche y Bryan Cranston. En 1999, ambos son científicos en la planta de energía, y la mañana después de que los temblores comienzan, su padre es el primero en levantar la voz de alarma. Cranston detalla: "Joe es ingeniero nuclear y muy bueno en su trabajo. Detecta patrones de sonidos anómalos en estos temblores que otros intentan descartar como meros terremotos, pero sus datos no lo respaldan. Él sabe que hay algo más aquí y quiere que la planta nuclear cierre, pero nadie lo escucha. Y cuando finalmente lo hacen, es demasiado tarde. Es un chivato en todo el buen sentido de la palabra, y esa fama de alborotador lo sigue hasta el presente".

Aunque Cranston es más conocido por dar vida al emocionante y trágico arco de Walter White en la serie de televisión "Breaking Bad", Edwards lo recordaba como el padre en la serie "Malcolm in the Middle" y lo concibió como Joe desde el principio. "Yo era un ávido fan de ese programa. Creo que a menudo es más difícil ser un buen actor de comedia que ser un buen actor dramático, y Bryan da en el clavo con las bromas todo el tiempo, pero también es capaz de transmitir mucha emoción en todo lo que hace. Así que mientras escribía este papel, Bryan fue siempre Joe en mi mente, y, afortunadamente, dijo que sí".

Por su parte, Cranston, a pesar de su afecto declarado por las películas de Godzilla, nunca se imaginó que participaría en una. "Pero, como me dijo Gareth, esta película es diferente", cuenta el actor. "Está llena de carácter, lo que hace más satisfactorios los elementos fantásticos de la historia porque, a medida que sigues a estas personas a través de la aventura, ves las buenas y malas decisiones, y relaciones que se separan y unen. Todos los elementos de cualquier buen drama están aquí, envueltos en una gran película épica de monstruos".

Juliette Binoche está de acuerdo y señala que "los monstruos tienen un enorme poder de catarsis. Estas historias nos ayudan a entender algo acerca de nosotros mismos y ver nuestras emociones a gran escala, y Gareth, como narrador, entiende eso instintivamente. Él es un gran talento, y estuve muy emocionada de trabajar con él en esta película".

El personaje de Binoche, Sandra Brody, es como su marido Joe, también una científica dedicada, pero en la mañana del accidente, los instintos maternos de Sandra anulan todas las demás consideraciones. "Cuando la situación en la planta alcanza la crisis, tiene que tomar una decisión", relata Binoche. "Estas situaciones a menudo pueden ser momentos de verdad total y en ese momento, sus acciones se impulsan por el amor que siente hacia hijo y su marido".

Quince años más tarde, cuando Ford viaja a Japón para el difícil reencuentro con su padre, se encuentra con que Joe sigue aún consumido con el accidente que destruyó la planta y destrozó a su familia. Comenta Cranston: "Joe se pasó la vida tratando de desentrañar el misterio de lo que sucedió ese día, pero la mayor víctima de su obsesión es la relación con su hijo".

Cuando llega su hijo para llevarlo a casa, Joe está al borde de probar que las poderosas fuerzas que destruyeron la central de Janjira en 1999 están sucediendo de nuevo, y que los informes de escapes de radiación son mentiras que el gobierno inventó para ocultar la verdad. Con una última súplica, persuade a Ford a aventurarse de nuevo a su casa en ruinas para recuperar la evidencia de que el desastre era cualquier cosa menos natural. Pero después de ser emboscados por fuerzas de seguridad, lo que descubren en el interior de la zona de cuarentena es mucho peor.

Dentro de la reliquia ahuecada de Janjira, se enfrentan con la enormidad del secreto del gobierno: Algo se estuvo alimentando en los reactores nucleares de la planta, y después de 15 años, finalmente despierta. Mary Parent comenta: "En nuestra película, presentamos una fuerza destructiva que es, en cierto modo, una consecuencia de la arrogancia de la humanidad frente a la naturaleza. Y cómo el choque con los planes de Godzilla es lo que nos lleva a un conflicto masivo que juega en contra de nuestro planeta".

En los terroríficos sucesos que siguen, Ford y Joe son arrastrados con el doctor Serizawa y la doctora Graham al buque de la Armada que servirá como centro de mando para la crisis que escala rápidamente. Al frente de la operación táctica multi-fuerza formada para defender el planeta de cara a un nuevo paradigma aterrador está el almirante Stenz, que sigue a Godzilla a través del Pacífico hacia los Estados Unidos.

El aclamado actor David Strathairn, quien interpreta el almirante William Stenz, comenta: "Nadie en la Tierra encontró nada de esta magnitud antes, así que Stenz no hace pie al postular formas de lidiar con él. No se puede acabar con monstruos con municiones normales, así que ¿a qué recurrir? ¿Un dispositivo nuclear? Es el último recurso de los militares, pero sube la apuesta de manera dramática, y como oficial a cargo de la fuerza de tarea conjunta, Stenz está estratégicamente en desacuerdo con Serizawa".

Strathairn disfrutó de explorar este conflicto filosófico con Watanabe. "Serizawa es un científico muy apasionado y profundamente comprometido que también tiene una profunda tristeza y miedo sobre nuestra arrogancia como especie frente a la naturaleza", observa Strathairn. "Stenz tiene que tomar algunas decisiones muy importantes, que entran en conflicto con Serizawa sobre cómo resolver la situación, y Ken aportó mucha gracia a estos momentos muy intensos entre ellos. Serizawa es el corazón de la compasión de esta historia".

Al igual que sus compañeros de reparto, Strathairn quedó impresionado con la agudeza de Edwards para capturar las dimensiones humanas de la historia de Godzilla. "Creo que esta película es básicamente acerca de cómo nosotros, unas criaturas frágiles, a menudo demasiado ecológicamente irresponsables, respondemos al símbolo de Godzilla, una construcción metafórica para muchas cosas que todavía estamos trabajando como especie humana. Gareth tenía una tarea monstruosa con esta película, por así decirlo, y estoy muy impresionado por la forma en que tomó esta franquicia, este dinosaurio, en sus manos sin dejar de respetar y honrar el aspecto humano".

Después de presenciar la entrada estremecedora de Godzilla en el Aeropuerto de Honolulu, Ford se une a una unidad militar que se dirige al continente, siguiendo una estela colosal de destrucción a través de pueblos y ciudades que fueron aniquilados por la fuerza de un poder y amenaza inimaginable. Aprovechando la única posibilidad de poner a resguardo a su familia, Ford se ofrece voluntariamente para lo que puede llegar a ser una misión suicida en el corazón de un asediado San Francisco, en un intento desesperado por salvar a la ciudad de la inminente aniquilación nuclear.

Con sus rascacielos destrozados como juguetes rotos, y sus refugios subterráneos llenos de refugiados aterrorizados, la frágil ciudad humana se ha convertido en un estadio tamaño monstruo, donde el Predador Alfa se acerca a su presa malévola, desatando todo el peso de su furia en una batalla épica por el dominio, con el futuro de la humanidad pendiente de un hilo.

"Elegimos cómo presentar a Godzilla al mundo en esta película", dice Edwards. "Fue una decisión difícil, pero tiene que ver con la cuestión de si Godzilla es bueno o malo. Creo que representa algo completamente diferente. Es como preguntar si un huracán es bueno o malo. Godzilla es una fuerza de la naturaleza, pero de su lado más violento e impredecible. Lo que enfrenta en nuestra película, representa nuestro abuso de la naturaleza, por lo que cuando Godzilla emerge, es para corregir las cosas".

DAR NUEVA VIDA A UNA LEYENDA DE 60 AÑOS

Para los realizadores que supervisan una operación tan compleja, no había tal vez nada más desafiante o estimulante que la creación del evento principal. "Toho nos dio su bendición de re-imaginar el personaje, pero era igualmente importante para nosotros, así como para Toho que Godzilla pareciera Godzilla", dice Tull. "Queríamos traerlo a la realidad contemporánea, sin alejarnos demasiado de la silueta clásica con la que muchos de nosotros crecimos, y Gareth y todo el equipo siguieron esa línea con pasión y la inspiración".

El esfuerzo para hacer que Godzilla viviese en la pantalla con el mayor detalle y realismo posible engendró una amplia coalición de mentes creativas, incorporando el talento del gran diseñador conceptual de criaturas Matt Allsopp, y los diseñadores de monstruos de Weta Workshop, Ltd., Andrew Baker, Christian Pearce y Greg Broadmore, así como ilustradores de guiones gráficos, artistas de animación y texturas de Motion Picture Company (MPC), y especialistas en sonido, movimiento y actuación, todo unificado a través de la visión de Edwards para el personaje.

"Todo el mundo contribuyó", recuerda el director. "Lo que tratábamos de encontrar era cómo se vería Godzilla si lo viésemos en el mundo real. En una de las conversaciones que teníamos muy a menudo, preguntábamos: 'Si esto fuera una persona, ¿quién sería? 'Y después de pensarlo un tiempo, se nos ocurrió la idea de que era como el último Samurai: un solitario y antiguo guerrero que prefiere no ser parte del mundo si puede, pero los acontecimientos lo obligan a reaparecer. Hicimos muchas ilustraciones y conceptos, y nos tomó más de un año encontrar el punto justo".

Con 106 metros de altura, la encarnación más grande en el cine, Godzilla se concibió desde el principio como una creación enteramente digital que mantendría la forma y la identidad clásica del personaje. Es un leviatán bípedo, anfibio y radiactivo, con aletas dorsales blindadas que amenazan hasta el final de su larga cola. Godzilla pertenece a la especie imaginada Godzillasaurus, que los paleontólogos han vinculado en broma con la familia del Tyrannosaurus Rex o el Ceratosaurus, sólo que mucho más grande.

Los esfuerzos de los cineastas por capturar la esencia de Godzilla los llevó finalmente de regreso a 1954, al icónico traje de látex diseñado y construido por Teizo Toshimitsu junto a Eizo Kaimai, Kanju Yagi y Yasue Yagi de Toho. Utilizado con gran efecto por el actor Haruo Nakajima, el traje inspirado se transformó a través de la lente de Ishiro Honda en un desastre nuclear hecho en carne y hueso, respirando una explosión atómica visible en una ciudad de Tokio diezmada. Aunque estos efectos fueron pioneros en su tiempo, los realizadores sabían que 60 años más tarde tenían las herramientas para hacer que Godzilla viviera verdaderamente.

"Fue muy emocionante inspirarse en esas viejas películas, pero el edicto de Gareth desde el principio fue que todo lo que estábamos creando debía lucir absolutamente real", confirma el supervisor de efectos visuales Jim Rygiel. "Uno quiere creer que existe esta bestia de 106 metros que destroza las calles de San Francisco".

Al principio de la producción, Rygiel proyectó para los realizadores las primeras pruebas completas de la criatura en movimiento. "Se escuchó un resuello en la sala", recuerda Tull. "Gareth y el equipo de efectos visuales hicieron un trabajo increíble al dar al personaje un nivel de detalle y movimiento natural que no era posible hace cinco años. Era como ver a Godzilla en carne y hueso por primera vez".

Pero debajo de la piel, lo que siempre distinguió a Godzilla es su personalidad y presencia única. "Tiene un efecto asombroso en las personas ya que aterroriza y atrae, lo que es parte de la razón por la que el personaje ha perdurado durante tanto tiempo", dice Mary Parent. "Godzilla es claramente malo, pero también tiene inocencia e integridad. En un nivel primario, nunca se sabe lo que va a hacer. Al mismo tiempo, tiene también elementos muy heroicos, y esa dicotomía es lo que lo hace tan interesante y convincente".

Al igual que con sus compañeros de reparto humanos, el alma de Godzilla está grabada en su rostro. Mientras que la nueva encarnación se ciñe estrechamente a las dimensiones de su corto y empinado cráneo, su hocico ancho y su boca de carnívoro, los realizadores estudiaron las caras de perros y osos para dotarla de una amplia gama de expresión en batalla, y también incorporaron la nobleza del águila.

Para dirigir al personaje en las sutilezas de la actuación, Edwards tuvo la poderosa asistencia del colaborador de Rygiel en "The Lord of the Rings", el pionero de actuación de captura Andy Serkis, que llevó su forma de arte única a personajes digitales como Gollum, Cesar y King Kong, y ayudó a dar forma al arco emocional del personaje del título.

"Al inicio del proceso, sentí que de alguna manera podríamos decidir y controlar el quién era Godzilla", reflexiona Edwards, "pero, a medida que avanzábamos, comenzamos a darnos cuenta de que Godzilla nos diría quién era, al igual que los actores tienen su propia visión de sus personajes. No podíamos dictar totalmente lo que iba a ser, se trataba más bien de probar diferentes ideas y permutaciones. Y, poco a poco, se nos reveló".

El elemento final en la alquimia de Godzilla no es su aspecto, sino su sonido. Akira Ifukube, quien compuso la inquietante banda sonora que acompañó la presentación de Godzilla en las pantallas de cine en 1954, tuvo una idea para crear el famoso rugido tomando un guante de cuero cubierto de resina y arrastrarlo a lo largo de las cuerdas flojas de un contrabajo, utilizando la velocidad de reproducción para personalizar cada expresión. El efecto final fue creado por el diseñador de efectos musicales Ichirmo Minawa.

"El rugido de Godzilla no es algo que se pueda fingir o escatimar", dice Tull. "Sólo hay un sonido, y es casi imposible de recrear, no importa lo que se intente".

Mucho antes de que comenzara la producción, los realizadores recurrieron a los diseñadores de sonido ganadores del Oscar® Erik Aadahl y Ethan Van der Ryn ("Transformers") para experimentar con diferentes técnicas con el objetivo final de recrear el escalofriante rugido desgarrador de Godzilla, así como un universo de sonidos que darían a la acción una sensación visceral, que hace temblar el cine. "Si imaginabas que Godzilla era real, entonces lo que oímos en la película de 1954 es sólo como suena en las caseteras de los años 50", describe Edwards. "Queríamos capturar ese sonido en vivo en toda su potencia, con toda la fidelidad de la que somos capaces hoy".

Los diseñadores de sonido emplearon una variedad de técnicas diferentes, incluso probaron un guante de cuero recubierto de brea de pino en un contrabajo para lograr lo que parece imposible. "Ese rugido es probablemente el efecto de sonido más famoso de la historia del cine, y queríamos rendirle un homenaje, mientras creábamos algo nuevo", dice Aadahl. "Acabamos grabando cientos de diferentes sonidos que tenían las mismas cualidades y timbres que el original, y finalmente nos topamos con la combinación que nos puso a todos la piel de gallina. En última instancia, queríamos que transmitiera toda la potencia y ferocidad de Godzilla, como fuerza de la naturaleza, para que las personas cerrasen los ojos, oyesen y supiesen al instante: '¡Ese es Godzilla!'

Dividiendo el sonido original en tres partes: Un chillido metálico, seguido de un gemido estremecedor y un bramido final, los diseñadores de sonido realizaron numerosos experimentos con una amplia variedad de sonidos hasta lograr una combinación con toda la textura y el drama estremecedor del rugido original de Godzilla. Dice Tull: "Lo que produjeron les causará escalofríos. Es el gran rugido imponente que Godzilla siempre se ha merecido".

La gran cantidad de efectos de sonido de otro mundo de la película se grabaron a una alta resolución de 192 kilo Hertz, más allá del rango del oído humano, que luego desaceleraron a un rango que es audible para los humanos. El paisaje sonoro de "Godzilla" también abarca los entornos realistas en los que se desarrolla la historia, y Aadahl y Van der Ryn viajaron a las locaciones para grabar en los túneles y en los portaaviones". Gareth es un visionario y un perfeccionista, y siempre nos empujó a experimentar e ir más lejos", comenta Van der Ryn. "Trabajar en 'Godzilla' fue una aventura muy especial que todos vivimos juntos, y una de las mejores experiencias de nuestra carrera".

Uno de sus objetivos era llevar el rugido de Godzilla al mundo real, por lo que los diseñadores de sonido crearon un sistema de sonido de 12 metros de altura del ancho de un boulevard en una calle de los estudios Warner Bros. en Burbank. Sonando el rugido a través de altavoces de 100.000 vatios alineados en una matriz, se grabaron las reverberaciones desde una serie de ángulos, tales como en el interior de los coches, detrás de escaparates, en los callejones. No sólo hizo temblar tuberías y tejados, sino que se podía escuchar hasta tres kilómetros de distancia.

En el reino animal, un rugido puede expresar una gama de emociones, pero es quizás utilizado más eficazmente como una afirmación de la posición dominante cuando el Predador Alfa está amenazado, "algo que sin duda sucede en la película", apunta Edwards. "En nuestra historia, no es Godzilla el que trata de destruir el mundo. No es consciente de nuestra presencia, somos como hormigas para él. Pero compartimos una casa, y nuestras acciones juegan un papel en la enorme amenaza para el planeta y para el propio Godzilla. Queríamos construir el archienemigo definitivo para Godzilla, y esperamos que en el proceso, hayamos creado algo completamente nuevo para el público".

LA CAPTURA DE UN MUNDO CAMBIADO

Con experiencia en el cine casero, Gareth Edwards se sumergió en la gigantesca producción con el mismo nivel de inspiración e ingenio que llevó a su película independiente "Monsters". Al reunir a artistas cuyo trabajo es de gran admiración el director encontró un equipo de colaboradores inspirados que compartieron y mejoraron su visión.

"Cuando se hace una película como esta, puedes escribir una lista de deseos de las mejores personas en el mundo con las que te gustaría trabajar, y fui muy afortunado en que me dieran todos los nombres de la parte superior de mi lista", dice. "Todos los jefes de departamento cambiaron el cine a su manera, y estaban todos comprometidos en crear una experiencia emocional, profunda, cinematográfica y épica en la tradición de las películas con las que crecimos. Esas películas son la razón por la que nos metimos en esto. Todo el mundo ha sido brillante y un gran apoyo. Esta es mi primera gran película, y no dejaba de preguntarme: '¿Esto es normal?' Simplemente fue fantástico".

Elizabeth Olsen señala que a pesar de supervisar un enorme elenco, siete unidades de filmación y un equipo de 500 hombres, Edwards nunca perdió la calma. "Fue capaz de hablar con los actores sobre la historia, y luego, debido a su formación, mandar en los aspectos técnicos de la producción, con su equipo. Creo que es una característica única en un director que, en su primera gran película, fuera capaz de equilibrarlo todo y no dejarse abrumar. Su liderazgo constante y su calma establecieron un tono que ayudó a que cada uno hiciera mejor su trabajo".

El deseo de tratar a "Godzilla" primero como una historia era lo que guiaba al director. "Era muy importante para todos nosotros que el público se preocupara por lo que sucede y por qué, así que no quería que fuera espectáculo tras espectáculo", explica. "En cambio, la idea era usar cierta moderación para crear tensión y suspenso, y acumularlos hasta el momento cuando por fin revelamos a Godzilla en toda su gloria por primera vez".

Este enfoque primó en cada aspecto creativo de la película y ayudó a forjar un lenguaje visual que generó verosimilitud incluso en los momentos más asombrosos que aparecen en pantalla. "No me gusta poner una cámara en donde una cámara no puede ir, así que no quería diseñar cualquier movimiento de cámara que sería imposible en la vida real", dice Edwards. "Rodamos algunas de las grandes escenas de monstruos con la clase de desplazos de cámara y efectos que verías en imágenes de un evento deportivo. Esos camarógrafos no son adivinos, por lo que el material nunca es perfecto. Ponen las cámaras dónde creen que van a capturar las mejores tomas y se preparan, y ese es el efecto que buscábamos".

El director de fotografía Seamus McGarvey había visto la primera película de Edwards cuando la exhibieron en el Festival de Cine de Edimburgo, y quedó impresionado por su ojo para la interacción humana aun en medio de circunstancias extremas. "Con 'Godzilla' lidias con un monstruo mítico, y lo visualmente interesante es la yuxtaposición de los pequeños momentos que experimentan las personas, y luego retirarse para presenciar la escala del gran monstruo que hay detrás de ellos", dice McGarvey. "Cuando ves a una persona enfrentarse a una criatura de 100 metros de altura, el choque de lo micro y de lo mega te quita la respiración".

Para orquestar la amplia integración de la acción en vivo y elementos generados por ordenador, toda la película se trazó utilizando previsualizaciones (previs), lo que ayudó a guiar al editor Bob Ducsay en el armado de secuencias, que a menudo involucraba fusionar la previs con las tomas completadas". Es una película muy complicada, pero fue genial verla tomar forma", comenta Ducsay. "Gareth filma muchísimo, lo que nos da la oportunidad de dar una gran cantidad de matices a las secuencias más complejas".

Las "previs" en constante evolución fueron también una herramienta vital para Edwards para comunicar su visión a todo el equipo de filmación. "Incluso viendo la previs había una tensión que te ponía al borde del asiento, y que no suele ocurrir cuando ves animaciones crudas", revela Tull. "Había una sensación de misterio y presentimiento, y nos emocionaba mucho a todos llegar a ver la película terminada".

Edwards también se lo mostró a los actores antes de las grandes secuencias para guiarles la imaginación y ayudarlos a decidir sus opciones al reaccionar ante su ausente y gigante coprotagonista. Y con las cámaras rodando, Edwards utilizó un altavoz para narrar la acción, como un locutor en un evento deportivo, a menudo enfatizado por una explosión amañada por el coordinador de efectos especiales Joel Whist, o el rugido que habían creado para crear el efecto completo.

"Me puse el micrófono contra el altavoz del iPod, por lo que todos los rugidos saldrían en el momento adecuado, y fue realmente muy eficaz", recuerda Edwards recuerda. "Realmente se nota la diferencia, creo yo, entre las tomas donde no había sonido en el set, y en aquellas en las que tuvimos el rugido de Godzilla a todo volumen, porque hay algo realmente primordial en ello, y creo que no puedes dejar de reaccionar".

Con enormes acrobacias en medio del caos, orquestadas por los coordinadores de dobles John Stoneham Jr. y Jake Mervine, y el coordinador de la segunda unidad de dobles Layton Morrison, el proceso fue emocionante para los actores. Aaron Taylor-Johnson observa: "Estar en el medio de todo eso, del caos que sucede a tu alrededor, y la cámara está allí en medio de la acción, por lo que tienes la misma sensación al verla que al experimentarla" describe. "Por la forma en que Gareth está filmando esta película, si estás dentro de un coche o en la parte superior de un edificio, es extraordinario ser testigo, incluso sin efectos especiales".

Se construyeron las secuencias alternativamente emocionales, llenas de acción e inolvidables de la película, utilizando las fuentes de luz disponibles, y un diseño de iluminación oscuro y atmosférico, y McGarvey creó otra capa de contrastes visuales mediante la colocación de lentes anamórficas Serie C de la década de los 70 sobre las cámaras digitales Arri Alexa® de última generación. "Estamos a la vanguardia de los efectos visuales y de la cinematografía digital con esta película, pero la idea era hacer que la técnica fuese invisible y no pesada y tuviese una calidad vívida que le permitirá al público sentir que lo que están viendo realmente está sucediendo", comparte McGarvey. "Estamos utilizando lentes antiguos en las cámaras modernas para replicar los destellos clásicos y los atributos que Gareth y yo amamos de las películas de la época. Empleamos conscientemente muchas cámaras de mano de una manera muy visceral, casi como si el camarógrafo fuera testigo de estas cosas en vivo. Al mismo tiempo, rodamos en anamórfico, y tenemos enormes momentos de monstruos en la película, así que da la sensación de CinemaScope que esperarías de una película de esta magnitud".

"Godzilla" se desarrolla en dos marcos temporales: En 1999 en Tokio y Las Filipinas, y en el presente. El diseñador de producción Owen Paterson saboreó la captura de motivos de diferentes lugares y épocas que recorren todo el espectro de la vida normal a la devastación total. "Hicimos un número enorme de ilustraciones para idear los ambientes, y en última instancia construimos y decoramos casi 100 sets, lo cual es mucho para una sola película, algunos de los cuales eran muy expansivos. La idea era hacer que fuese a la vez visualmente interesante y creíble en términos de tiempo y lugar".

La diseñadora de vestuario Sharen Davis igualmente utilizó las épocas de la película para crear trajes que no llamaran la atención sobre sí mismos, pero que surgen naturalmente de los personajes y sus vidas dentro de la historia. "Tenemos una importante presencia militar en esta película, lo que supuso abastecer o crear todo, desde la vestimenta de un oficial de los años 50 al personal de seguridad de Japón de finales de los 90, hasta el moderno Ejército y Marina de los Estados Unidos, y era importante hacer las cosas bien", confirma Davis. "Pero lo que fue fascinante fue trazar la evolución de estos personajes. Por ejemplo, Joe Brody pasa por un cambio espectacular en 15 años. Cada aspecto de la película fue diseñado para no sobresalir, sino para ser parte de la trama de la vida cotidiana, como la clase de ropa que se ve en los noticieros que llevan las personas comunes y corrientes que de repente se encuentran en medio de acontecimientos extraordinarios.

Para mantener la ilusión de lo inimaginable invadiendo la vida cotidiana, Paterson diseñó y construyó diversos ambientes de la película con un ojo para lo que era más natural y real. "Gareth introduce una forma muy interesante de contar una historia como esta", da fe. "Creo que a él le gustaría hacernos sentir como un documentalista de la naturaleza de pie en África viendo cómo se alimenta un rinoceronte, cuando de repente carga hacia ti... Excepto que con monstruos enormes. Es un excelente narrador, así que fue genial tratar de crear ambientes que pareciesen verdaderos y que al mismo tiempo incorporan la existencia de estos personajes digitales exóticos. Quería filmar lo máximo que fuera posible, lo que se tradujo en sets detallados con fondos y medios fondos que luego podían extenderse o fusionarse con efectos visuales para agregar escala y relevancia".

El director, que perfeccionó sus habilidades con los efectos visuales durante sus primeros años en la televisión británica, disfrutó de la colaboración con el pionero de los efectos visuales Jim Rygiel, que trajo a la vida a la Tierra Media en "The Lord of the Rings". También tuvo la oportunidad de trabajar en algunos de los efectos visuales adicionales con John Dykstra, cuya leyenda en la industria llega hasta "Star Wars".

"Gareth sabe cómo crear monstruos en 3D en su computadora, lo que hizo que mi trabajo fuera más fácil y muy divertido", dice Rygiel. "Con otros proyectos hubiera usado pantallas verdes por todas partes, pero Gareth quería rodar todo contra negro para relacionarse mejor con la cinematografía atmosférica de Seamus. La gente de efectos visuales odia el humo y el polvo, porque tenemos que quitarlo todo y volverlo a poner, pero cuando ves la toma final, sientes la profundidad y las capas, en lugar de ver todo con claridad en una escena muy iluminada".

Los efectos visuales que exigía la película se dividieron entre dos casas de efectos, Double Negative con sede en Londres que mejoró los ambientes, y la canadiense Motion Picture Company que se ocupó de la criatura. El reto consistía en la creación de una interacción creíble, sin costuras, entre los elementos digitales y el mundo real. Afirma Rygiel: "En nuestra película tenemos grandes batallas de monstruos, la destrucción de ciudades, un tsunami, intensas operaciones militares, y muchos elementos inusuales, y cada componente tenía que estar basado absolutamente en la realidad".

El elemento final era la banda sonora, que Edwards comenzó a conceptualizar antes de contratar a Alexandre Desplat para componerla. "Cuando trabajas en una película como esta, lo más inspirador para dibujar es la música", dice Edwards. "Lo primero que siempre hago es crear una lista de reproducción en mi teléfono con las bandas sonoras que me han encantado y que me parece tienen el tono adecuado y la calidad de esta película, su emoción inquietante, así como el horror siniestro y la oscuridad que iba a entrar en juego, y Alexandre definitivamente tiene un puntaje alto".

Después de haber visto "Monsters", Desplat apreciaba el enfoque de Edwards sobre las bases emocionales de los personajes en medio del espectáculo, una sensibilidad que en última instancia, llegó a su partitura para "Godzilla". "A pesar de que hay peligro, sólo compartes el peligro si te identificas con los personajes", dice el compositor. "Con 'Godzilla', lo que era importante para mí era hacer hincapié en la gran sensación de pérdida que rodea a Ford y a Joe desde el comienzo de la película, y sentir todavía el temblor de ese momento al seguir a estas almas rotas hasta el presente".

Con la gran fuerza de Godzilla propulsando la acción, Desplat también disfrutó de la oportunidad de generar un gran impacto sonoro con la música mientras grababa la banda sonora final con la Hollywood Studio Orchestra. "Nunca hice una película de monstruos antes, así que llegué a esta con más de 100 músicos, el doble de instrumentos de viento y trompas, que me permitieron abrir el marco de mi imaginación a otro territorio, y eso es muy emocionante", describe Desplat. "Gareth es muy sensible a la música y eso para mí fue fantástico. Cuando le ponía música en mi estudio, lo veía observar las imágenes y escuchar al mismo tiempo. Traté de mantener siempre la tensión alta, pero el truco era saber cuándo liberar la presión. Por ejemplo, una escena de la gente en las calles puede ser muy mundana. No pasa nada, pero en lugar de dejar que la tensión se escape, la mantienes viva. Esa estructura es algo que hicimos a medida con Gareth, mientras la película y la banda sonora tomaban forma, por lo que hay un gran sentido de continuidad entre lo que estamos viendo y oyendo".

El director se maravilla: "Alexandre es un poco un héroe para mí musicalmente, y la banda sonora que creó para esta película es simplemente impresionante. Estoy muy emocionado. No sólo no puedo creer que Alexandre compusiera la banda sonora de 'Godzilla', sino que hizo mi banda sonora. Es el regalo más increíble que haya recibido".

GODZILLA TOCA TIERRA

Al igual que el personaje del título, la historia narrada en la película comienza en Japón. "Ese es el lugar de nacimiento de Godzilla, así que pensamos que sería un lugar apropiado para comenzar nuestra historia, la que nos lleva por medio mundo, y en última instancia a San Francisco, donde se desarrolla la gran batalla", dice Tull.

La película se filmó en la isla hawaiana de Oahu, en Las Vegas, Nevada, y en Vancouver,B.C en Canadá y locaciones adicionales en San Diego, California y Tokio, Japón. Paterson y su departamento de arte, liderado por el director de arte supervisor Grant Van Der Slagt, junto con los directores de arte Dan Hermansen, Ross Dempster y Kristen Franson, y la decoradora de sets Elizabeth Wilcox, diseñaron y crearon complejos y detallados interiores y exteriores en estudios de sonido y platós en el Canadian Motion Picture Park (CMPP), en Burnaby, un suburbio de Vancouver.

Una de las primeras secuencias que se filmó fue en el Centro de Convenciones de Vancouver, donde la estructura cavernosa se transformó en los aeropuertos internacionales de Honolulu y Tokio.

Algunos lugares clave de Canadá se convirtieron en el epicentro de algunas de las escenas más dramáticas de devastación de la película. "Una criatura gigante nunca vendrá a destrozar nuestras ciudades, pero probablemente todos los seres humanos en este planeta han vivido eventos que crean ese tipo de destrucción o lo han visto por la televisión", señala Edwards.

Las calles del centro de Vancouver se transformaron en el asediado distrito financiero de San Francisco en una serie de secuencias sugerentes. Elizabeth Olsen estuvo presente en una de esas escenas, lo que la colocó entre una avalancha de refugiados que huyen despavoridos del choque monstruoso que destroza su ciudad. "Una de las experiencias más apasionantes para mí fue ser parte de estas escenas en que la gente trata de encontrar su camino hacia un lugar seguro", recuerda Olsen. "Yo era parte de este grupo masivo de personas que va en la misma dirección. Nunca había estado involucrada en una escena con tantos extras, pero hay algo acerca de ser una parte de un cuerpo de personas que te impacta en un nivel primario. Se sentía muy real en el contexto de lo que está pasando en la escena".

San Francisco también fue reconstruido en el set de rodaje del CMPP. En uno de los sets de rodaje, Paterson rediseñó el paisaje urbano existente para retratar una pequeña calle de Chinatown, y también construyó la entrada a un socavón gigante debajo de Chinatown, que es la meta de Ford cuando se lanza con un equipo HALO (Gran altitud, baja apertura) a la ciudad.

El caótico set del socavón, que Edwards llama "la guarida del Dragón", fue construido en el interior de un estudio, y se decoró a rebosar con coches chocados, trozos de edificios y otros escombros. Después de que se finalizaron las tomas de esta secuencia, el conjunto fue reutilizado para retratar la enorme caverna debajo de la mina colapsada de Filipinas, donde los científicos Graham y Serizawa tienen la primera intuición de que algo enorme y desconocido fue liberado en el mundo. "Descubrimos que esta cueva no es realmente una cueva, es una caja torácica gigante, con huesos que se elevan 8 metros en el aire", describe Paterson. "Es un buen lugar para comenzar la historia, en cierto sentido. El genio ya salió de la botella".

"Ese set era más que increíble, simplemente extraordinario", alaba Sally Hawkins. "A pesar de que estábamos trabajando con algunas pantallas verdes, una gran parte del tiempo no teníamos que imaginar nada. Estaba allí. Estábamos dentro de esta estructura gigantesca, y el detalle era fenomenal. Lo hizo muy fácil para el elenco el tener estos mundos increíbles en los que se podía entrar".

Edwards observa que filmar ambas secuencias dentro del mismo estudio refleja algo de la simetría tejida en el ADN de la película. "Lo que Graham y Serizawa observan dentro de la caja torácica gigante al comienzo de la película, y lo que Ford ve en la Guarida del Dragón cerca del final está vinculado en la historia", dice. "Así que, en cierto modo, se siente como volver al punto de partida".

Otro set exterior que construyó Paterson en el CMPP fue un tramo de 400 metros del puente Golden Gate de 8980 metros, donde Edwards, ayudado por el veterano director de la segunda unidad, E.J. Foerster, filmó algunos de los emocionantes clímax de la película, con el famoso horizonte de la ciudad que se avecina desde el fondo.

Para conseguir este efecto, Rygiel envió equipos a las cimas de algunos de los rascacielos de San Francisco para grabar panoramas de alta gama, desde ángulos múltiples que tomaron los 360 grados de la línea del horizonte, que, mediante la fotogrametría, fueron capaces de fundirse en una ciudad 3D. "Esta técnica te da una verdadera ciudad que es exacta hasta el último pedazo de mortero en un edificio de ladrillo", dice. "Por lo tanto, al usar eso, fuimos capaces de componer las tomas de acción en vivo con los monstruos animados que destruyen edificios digitales en un todo sin fisuras".

Otro sitio clave para la producción fue Finn Slough, un asentamiento finlandés de pescadores de un siglo de antigüedad a lo largo del río Fraser en Richmond, B.C. Ahora, casi abandonado, los pocos residentes de Finn Slough viven en chozas de madera en ruinas, tanto flotantes como construidas sobre pilotes, a lo largo de la orilla pantanosa del río. Edwards usó este sitio único, así como sectores de New Westminster decorados para parecer destruidos por la naturaleza, para retratar a la zona de cuarentena en Tokio en la que Ford se aventura con su padre para localizar su casa de la infancia.

Otros dos lugares importantes de Vancouver fueron elegidos para representar a la central nuclear de Janjira: La fábrica de papel abandonada y derruida para los exteriores, y las instalaciones de tratamiento de aguas residuales de la isla Annacis, al sur de Vancouver, para los interiores, mejorada por un estudio evocador de las cámaras nucleares.

Otros lugares de Vancouver incluyen las orillas del Lago Alouette en el Parque Provincial Golden Ears, donde Edwards ubicó un rescate con helicóptero en medio de un paisaje de destrucción, y los muelles de Steveston, Vancouver, que se convirtieron en el famoso muelle de los pescadores de San Francisco.

Una vez que concluyó la parte canadiense de la producción, partieron a la más poblada de las islas de Hawai, Oahu, para filmar en una gran variedad de lugares, desde la playa de Waikiki hasta una cantera que proporcionó la entrada de la mina derrumbada.

Para capturar las imágenes de la secuencia de los títulos, la producción viajó al lado este de Oahu (Windward) para recrear un atolón en el Pacífico donde se realizaron pruebas de la bomba de hidrógeno en la década de los 50 y, en las que, de hecho, se produjeron una trágica pérdida de vidas el mismo año en que se estrenó "Godzilla".

La compañía aterrizó en Pearl Harbor, una parte de la historia de la Segunda Guerra Mundial existente, que sirvió como base naval, y monumento sombrío para los que murieron en el evento que precipitó la entrada de Estados Unidos en la guerra. Aquí, Edwards realizó tres escenas a bordo del USS Missouri, con el histórico "monumento flotante" que reemplazó al enorme barco de guerra USS Saratoga que rastrea a Godzilla a través del Pacífico. Se mudaron a la base adyacente de la Fuerza Aérea Hickam, y Edwards filmó a Aaron Taylor-Johnson dentro de un avión real C-17 para representar los momentos anteriores a su salto HALO en San Francisco.

James D. Dever, el asesor técnico militar de la película, había participado en saltos HALO, y trabajó con el coordinador de especialistas para el salto, J.T. Holmes, para llevar el más alto grado de autenticidad a la dramática caída libre. "Los dobles entrenaron saltos HALO e hicieron un trabajo excepcional", dice Dever. "En esta película, verás a la Fuerza Aérea mover misiles ICBM, a la Armada manejar un portaaviones, y muchas partes móviles de helicópteros Huey, destructores y F-35 en vuelo. Mi trabajo consistía en asegurarme de que todo estaba representado con precisión".

Además de consultar temas militares, como la cadena de mando, la terminología, equipo, armas y entornos, Dever también se puso en contacto con el Departamento de Defensa para ayudar a asegurarle a la película una serie de recursos militares, así como un conjunto militares estadounidenses y canadienses para retratar la mayoría de las fuerzas se ven en la película". Resulta que un montón de gente en el Departamento de Defensa son también grandes fans de Godzilla", sonríe Edwards, "y creo que disfrutaron de participar en esta película".

Un Sargento Mayor retirado de la Infantería de Marina de Estados Unidos, Dever también trabajó con Aaron Taylor-Johnson para asegurarse que su porte fuera el de un marino. "Pasé tres días en el campo de entrenamiento con él, enseñándole cómo usar su arma, cómo poner sus cosas, cómo moverse y presentarse a sí mismo como oficial de la Marina", dice Dever. "Y Aaron era como una esponja para la información porque quería hacerlo bien, y lo hizo. Fue un placer trabajar con él".

La producción también tomó control de un tramo de la popular playa de Waikiki durante dos días para completar las secuencias ligadas a la llegada del tsunami que destruye uno de los símbolos más reconocibles de la playa, el hotel Hilton Rainbow Tower. La producción logró lo casi imposible al cerrar la franja de compras más popular de Waikiki, Lewers Street, durante quince horas para capturar imágenes de cientos de extras que huyen de la ola gigante.

"Nuestras intenciones con este entorno y todas las escenas de devastación en la película era la realidad absoluta", dice Paterson. "Gareth quería que los sets se sintieran tan reales que la gente al salir del cine, después de ver la película, no esperara ver los edificios aún en pie".

"Es mucho más emocionante, intensa y, en última instancia, creo, una experiencia cinematográfica más satisfactoria", añade Parent. "Godzilla merece tener su historia contada dentro de una película que es digna, y Gareth fue capaz de reunir un grupo de personas que son los mejores de su campo con las habilidades y el arte para hacerlo de una manera que nunca antes se había visto. Fue una buena combinación, y te da un asiento en primera fila para una aventura épica, con el Godzilla emblemático en el centro de ella".

Dice Rogers: "Estoy muy orgulloso de ser parte del talentoso equipo responsable de traer de regreso a Godzilla para su 60 aniversario, y de volver a presentarlo a todos los fieles seguidores de la franquicia, junto con todos los nuevos públicos que aún no conocen al 'Rey de los Monstruos'".

"Observar escenas rodadas en el set o ver los "dailies" no se compara con ver secuencias cortadas que comprueban que el cineasta ha alcanzado un tono, escala y calidad determinados", observa Jashni. "Recuerdo estar sentado en la sala de edición y ver cómo Gareth nos mostraba un muestrario de cuatro o cinco secuencias al principio, y darme cuenta de que lo había logrado, era hacer la película suya. Me sentí emocionado por él y por nosotros, ya que estaba claramente en camino para lograr lo que todos aspirábamos".

"Aquellos de nosotros que crecieron con Godzilla sienten mucho cariño y nostalgia por este personaje que no podemos esperar a ver pisando fuerte en las pantallas de cine de nuevo", dice Tull. "La primera película se estrenó hace 60 años. Es mucho tiempo para que una base de fans siga creciendo, y ahora hay una nueva generación entera que no tuvo su Godzilla. Por lo tanto, nuestra esperanza es que podamos dar a los fans existentes y a esta nueva generación la película que estuvieron esperando".

Con la culminación de su viaje épico para cumplir la promesa, Edwards compara la experiencia con el momento en que el personaje central de la película, Ford, finalmente fija los ojos en el legendario dinosaurio. "Antes de empezar, había una amenaza ominosa e intimidante que pesaba sobre mí", reflexiona. "Pero luego, hacia el final del proceso de hacer la película, empecé a darme cuenta de que Godzilla se había convertido en mi salvación. Tuve la ventaja de que una gran cantidad de personas increíblemente talentosas trabajaron muchas horas para entregar esto y hacer que se vea impecable, y lo hicieron. Estoy muy orgulloso de haber dirigido esta película. Si fuera a ser conocido por un género, con mucho gusto quedaría encasillado en el mundo de los monstruos, y no hay mejor monstruo en el mundo que Godzilla".

ACERCA DEL REPARTO

AARON TAYLOR-JOHNSON (Ford Brody) trabaja actualmente en la aventura de acción de Joss Whedon "Avengers: Age of Ultron", en la que se une al conjunto de superhéroes como Quicksilver. La película está programada para estrenarse en 2015.

Taylor-Johnson llegó a la fama en el papel de Sam Taylor-Wood en la película de 2009 "Nowhere Boy", que retrata al futuro Beatle John Lennon durante los turbulentos años de la adolescencia del músico. Su fascinante interpretación lo hizo acreedor a la nominación al London Critics' Circle Film Award como Artista Británico Joven del Año, una nominación al British Independent Film Award como Mejor Actor y el Premio Empire al Mejor Artista Revelación. Screen International también nombró al joven actor como una de sus "Estrellas del Mañana".

Taylor-Johnson siguió este triunfo al año siguiente, protagonizando la exitosa película de Matthew Vaughn "Kick-Ass", que lo hizo acreedor a otra nominación al Empire Award, esta vez al Mejor Actor. Basado en el cómic de Mark Millar, la película también está protagonizada por Nicolas Cage, Chloe Moretz y Christopher Mintz-Plasse. El director y el elenco volvieron a formar equipo para la secuela, "Kick-Ass 2", que se estrenó en cines el verano de 2013.

Su trabajo reciente en el cine también incluye papeles protagónicos en "Savages" de Oliver Stone, "Anna Karenina" de Joe Wright, con Keira Knightley y Jude Law, y "Albert Nobbs" de Rodrigo García junto a Glenn Close. Sus créditos anteriores incluyen "The Greatest" de Shana Feste, de "The Illusionist" de Neil Burger, "The Thief Lord" de Richard Claus, y de "Shanghai Knights" de David Dobkin, con Jackie Chan y Owen Wilson.

También apareció en varias series de la televisión británica, incluyendo "Feather Boy", "Family Business", "Nearly Famous" y "Talk to Me". También se lo vio en telefilmes como "Sherlock Holmes and the Baker Street Irregulars", "The Best Man" y "The Apocalypse".

Nacido en el Reino Unido, Taylor-Johnson comenzó a actuar profesionalmente a la edad de seis años y asistió a la prestigiosa Jackie Palmer Stage School. Su obra de teatro temprana incluye el papel del hijo de Macduff en la versión de "Macbeth" de Shakespeare del West End en 1999, protagonizada por Rufus Sewell, y la puesta en escena de "All My Sons" de Arthur Miller, en el National Theatre en 2000.

Desde que KEN WATANABE (Dr. Ishiro Serizawa) hizo su debut en el cine estadounidense en "The Last Samurai" de Ed Zwick, junto a Tom Cruise, por el que Watanabe recibió un premio Oscar®, un SAG®, un Critics' Choice y un Golden Globe, el actor ha colaborado con algunos de los cineastas más importantes de nuestro tiempo. En 2006, Watanabe retrató al valiente general japonés Tadamichi Kuribayashi en el galardonado drama de la Segunda Guerra Mundial "Letters from Iwo Jima" de Clint Eastwood. Watanabe trabajó por primera vez con el director Christopher Nolan en el éxito de taquilla de 2005 "Batman Begins" y posteriormente en "Inception". Para Rob Marshall, Watanabe protagonizó "Memoirs of a Geisha", la exuberante adaptación cinematográfica del best seller de Arthur Golden.

A finales de ese año, Watanabe comienza a trabajar en "Sea of ​​Trees" para el director Gus Van Sant. "Sea of ​​Trees" es la historia de un americano suicida (Matthew McConaughey), quien se hace amigo de un japonés (Watanabe) perdido en un bosque cerca del monte Fuji. A fin de año, Watanabe protagoniza junto a Liam Neeson, Andrew Garfield y Adam Driver la adaptación de la aclamada novela de Shusaku Endo "Silence". Ambientada en el siglo 17, "Silence" de Martin Scorsese sigue a dos sacerdotes jesuitas que se enfrentan a la violencia y la persecución cuando viajan a Japón para localizar a su mentor y para difundir el evangelio del cristianismo.

El año pasado, Watanabe protagonizó y recibió una nominación al Premio de la Academia Japonesa por "Yurusarezaru mono", la remake de Sang-il Lee en lengua japonesa de "Unforgiven" de Clint Eastwood.

En 2006, Watanabe protagonizó y fue productor ejecutivo de la película japonesa "Memories of Tomorrow", por la que ganó varios premios como Mejor Actor, entre ellos el Premio de la Academia Japonesa y el Hochi Film Award. En 2009, protagonizó "The Unbroken" de Shizumano Taiyô por la que obtuvo su segundo Premio de la Academia Japonesa, así como el Hochi Film Award al Mejor Actor. Sus créditos cinematográficos japoneses también incluyen la comedia internacional "Tampopo", dirigida por Juzo Itami, así como "Ikebukuro West Gate Park", "Space Travellers", "Oboreru Sakana (Drowning Fish)" y "Shin Jinginaki Tatakai/Bosatsu (Fight Without Loyalty/Murder)", una versión actualizada de la popular serie de películas Yakuza.

Watanabe comenzó su carrera como actor con la compañía de teatro 'En' con sede en Tokio. Su actuación protagónica en la producción de la compañía de "Shimoya Mannen-cho Monogatari", dirigida por Yukio Ninawara, llamó la atención de los críticos y el público japonés. En 1982, Watanabe hizo su debut en televisión con "Michinaru Hanran". Su formidable presencia en la pantalla en la serie dramática de samuráis "Dokuganryu Masamume" lo condujo a papeles adicionales en la serie histórica "Oda Nobunaga" y "Chushingura", y la película "Bakumatsu Junjou Den".

El año pasado, Watanabe volvió a los escenarios de Tokio y Osaka en la comedia "Dialogue with Horowitz" de Koki Mitani. Las producciones aclamadas por la crítica se agotaron y posteriormente se emitieron por televisión.

ELIZABETH OLSEN (Elle Brody) sigue a "Godzilla" con un papel protagónico en "Avengers: Age of Ultron" de Joss Whedon, en la que se une al equipo como Scarlett Witch. La aventura de acción se estrenará el 1 de mayo de 2015.

Este año, Olsen coprotagonizó junto a Jessica Lange y Oscar Isaac en el thriller "In Secret". La película está ambientada en los escalones más bajos de París de la década de 1860 y se centra en Teresa Raquin, una hermosa joven sexualmente reprimida, que es atrapada por su tía Madame Raquin en un matrimonio sin amor con su primo enfermizo, Camille. La película fue estrenada en los cines limitados el 21 de febrero de 2014. "In Secret" también se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 7 de septiembre de 2013.

En 2013, Olsen apareció en tres proyectos muy diversos de cine independiente. Coprotagonizó junto a Samuel L. Jackson y James Brolin en el thriller de Spike Lee "Old Boy", que se estrenó en cines el 27 de noviembre 2013. Olsen también actuó en dos películas que se estrenaron en el Festival de Cine de Sundance 2013: "Kill Your Darlings", un drama biográfico ambientado en los primeros días de las leyendas de la Generación Beat Allen Ginsberg (Daniel Radcliffe), Jack Kerouac (Jack Huston) y William Burroughs (Ben Foster), y "Very Good Girls", con Dakota Fanning.

Olsen también fue vista en dos películas que se estrenaron en el Festival de Cine de Sundance 2012: "Liberal Arts", escrita y dirigida por Josh Radnor, que también protagonizó junto a Olsen, Richard Jenkins y Allison Janney, y el thriller "Red Lights", con Robert De Niro, Cillian Murphy y Sigourney Weaver.

El éxito de Olsen llegó en el papel protagonista de la aclamada película independiente "Martha Marcy May Marlene", que fue seleccionada para Un Certain Regard del Festival de Cannes 2011. Su actuación como una joven que escapa de un culto abusivo le dio el premio Independent Spirit Award y nominaciones a los premios Critics' Choice como Mejor Actriz. También fue nombrada Mejor Actriz por varias organizaciones de críticos, además de ganar el Premio Revelación de los Críticos de Cine de Chicago y varios otros. También en 2011, protagonizó la película independiente "Silent House", un remake del thriller de terror psicológico uruguayo "La Casa Muda".

Graduada de la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York, Olsen también tiene entrenamiento formal en la Escuela de Actuación del Atlántico y de la Escuela de Teatro de Arte de Moscú. Mientras asistía a la Universidad de Nueva York, fue sustituta tanto en la obra off-Broadway "Dust" y en la obra de Broadway "Impresionism". El otoño pasado, Olsen inició la temporada 2013-2014 de la Classic Stage Company, interpretando a Julieta en su aclamada presentación off-Broadway de la obra de Shakespeare "Romeo y Julieta".

JULIETTE BINOCHE (Sandra Brody) es una actriz ganadora del Oscar® que ha sido reconocida internacionalmente por su trabajo en la pantalla. Tiene la distinción de ser la única persona en ganar el premio a la Mejor Actriz en los tres festivales de cine más importantes de Europa, incluyendo más recientemente la Palm d'Or en el Festival de Cine de Cannes de 2010 por "Certified Copy". Ella ya había ganado la Volpi Cup y el Premio Pasinetti por "Three Colors: Blue" en el Festival de Cine de Venecia 1993, y el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín en 1997 por "The English Patient" de Anthony Minghella.

Binoche ganó su Oscar® a la Mejor Actriz de Reparto, por su actuación en "The English Patient", por la que también ganó un premio BAFTA, un Premio del Cine Europeo y del Consejo Nacional de Críticos. Además, obtuvo nominaciones al Golden Globe y SAG® Award en la misma categoría, y una segunda nominación al SAG® Award como parte del reparto.

En 2001, recibió una segunda nominación al Oscar® a la Mejor Actriz, por su papel en "Chocolate" de Lasse Hallström, por la que también consiguió la nominación para los Golden Globes y el premio BAFTA, así como otras dos nominaciones al SAG® Award, uno a la Mejor Actriz y otro compartido con el elenco. Más tarde recibió otra nominación al Premio del Cine Europeo por su actuación en "Caché" de Michael Haneke y una nominación a los British Independent Film por "Breaking and Entering" de 2006, que la reunió con Minghella.

En su Francia natal, Binoche ganó el César a la Mejor Actriz por su actuación en "Three Colors: Blue", que es parte de la trilogía de Krzysztof Kieslowski, que también incluye "Red" y "White". Recibió más de siete nominaciones a los Premios César por sus papeles principales en "Rendez-vous" de André Téchiné, las películas dirigidas por Leos Carax "Mauvais sang" ("Bad Blood") y "Les Amants du Pont-Neuf" ("The Lovers on the Bridge"), "Damage" de Louis Malle, "Le hussard sur le toit" ("The Horseman on the Roof") de Jean -Paul Rappeneau, "La Veuve de Saint-Pierre" ("The Widow of Saint-Pierre") de Patrice Leconte, y "Décalage horaire" ("Jet Lag") de Danièle Thompson.

Entre sus créditos más recientes se encuentran las películas de habla francesa "Camille Claudel, 1915", "A Coeur Ouvert" ("An Open Heart") y "La vie d'une autre" ("Another Woman's Life"). La larga lista de créditos cinematográficos de Binoche también incluye "Cosmopolis" de David Cronenberg, "Summer Hours" y "Paris, je t'aime" de Olivier Assayas, "Dan in Real Life", "Mary" de Abel Ferrara, "Bee Season" con Richard Gere, "In My Country" de John Boorman, "Code Unknown" de Haneke, "The Children of the Century" de Diane Kurys, "Alice and Martin" de Téchiné, "Wuthering Heights" junto a Ralph Fiennes, "The Unbearable Lightness of Being" de Philip Kaufman, y "Hail Mary" de Jean-Luc Godard.

Se reencontró con Olivier Assayas en la próxima "Clouds of Sils Maria", y acaba de terminar el rodaje de "The 33", de la directora Patricia Riggen, que se basa en los acontecimientos que rodean el derrumbe de la mina de cobre en Copiapó, Chile.

Nacida en París, Binoche inició su carrera en el teatro después de estudiar en el Conservatoire National Superieur d'Art Dramatique de París. Ha regresado con frecuencia al teatro, donde sus créditos incluyen la producción de 1988 de "The Seagull" de Chekov, dirigida por Andrei Konchalovsky en el Théâtre de l'Odéon de París, "Naked", en el Teatro Almeida de Londres, la versión modernizada en 2012 de "Miss Julie" de August Strindberg en el Barbican de Londres, y la danza-drama de 2008 de Akram Khan "in-I", en el Royal National Theatre de Londres. Hizo su debut en Broadway con "Betrayal" de Harold Pinter, por la que obtuvo una nominación al premio Tony a la mejor actriz en 2001.

SALLY HAWKINS (Graham) recibió una nominación al Oscar® a principios de este año por su trabajo en la exitosa "Blue Jasmine" de Woody Allen. Su actuación como Ginger, la hermana de la protagonista, interpretada por Cate Blanchett, también le trajo nominaciones al Golden Globe, al Premio BAFTA, al Empire Award y a los Premios Independent Spirit.

Atrajo la atención internacional por su interpretación de la optimista Poppy en "Happy-Go-Lucky" de Mike Leigh, por la que ganó un Golden Globe a la Mejor Actriz en Comedia o Musical, un premio Evening Standard, y el Oso de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Berlín 2008. Además, fue nombrada Mejor Actriz por las Asociaciones de Críticos de Cine de Nueva York, Los Ángeles, Boston, San Francisco, y por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, entre otros, y ganó el Premio Revelación en el Festival de Cine de Hollywood de 2008. También recibió nominaciones a los premios British Independent Film, Empire Award y el Premio de Cine Europeo por su trabajo en la película.

Hawkins trabajó en 2002 en la película "All or Nothing" de Mike Leigh, y luego se reunió con el director en "Vera Drake". Sus créditos cinematográficos posteriores incluyen "Layer Cake" de Matthew Vaughan, "The Painted Veil" de, John Curran, "Cassandra's Dream" de Woody Allen, y "An Education" de Lone Scherfig. Recibió nominaciones consecutivas al British Independent Film, en 2010 y 2011, por sus papeles en "Made in Dagenham" de Nigel Cole y "Submarine" de Richard Ayoade. Sus créditos también incluyen "Jane Eyre" de Cary Fukunaga y "Great Expectations" de Mike Newell, y la película de vacaciones "All is Bright", con Paul Rudd y Paul Giamatti. Próximamente, protagoniza "Paddington" y "X Plus Y".

En la pantalla chica, su interpretación de Anne Elliott en la producción de ITV de "Persuasion" de Jane Austen le dio los premios a la mejor actriz del Festival de TV de Monte Carlo 2007 y de la Royal Television Society. Su trabajo en televisión incluye papeles protagonistas en "Tipping the Velvet", "The Young Visiters" de David Yates, "Byron", en la que interpretó a Mary Shelley, "Fingersmith", "20,000 Streets Under the Sky" de Simon Curtis, y "Shiny Shiny Bright New Hole In My Heart" de Marc Munden. También participó en dos temporadas de la serie de comedia de la BBC "Little Britain".

Nacida en Londres, Hawkins se formó en la Royal Academy of Dramatic Art y es una actriz consumada de teatro. En 2012, recibió críticas muy favorables por su actuación en la obra de dos personajes de Nick Payne, "Constellations", en el Royal Court en el West End londinense. Fue vista previamente en el Royal Court en "The Winterling", dirigida por Ian Rickson, y "Country Music", dirigida por Gordon Anderson. Sus créditos en West End también incluyen la producción de Howard Davis de "House of Bernarda Alba" en el National Theatre. También ha sido vista en producciones de obras como "The Way Of The World", "Misconceptions", "A Midsummer Night's Dream", "Much Ado About Nothing", "Perpalas", "The Cherry Orchard", "Romeo and Juliet", "The Dybbuk", "Accidental Death Of An Anarchist", "Svejk", "The Whore of Babylon", y "As You Like It".

DAVID STRATHAIRN (Almirante William Stenz) obtuvo una nominación al Oscar® por su actuación en el aclamado drama de la Academia de George Clooney "Good Night, and Good Luck". Su interpretación del legendario locutor de noticias Edward R. Murrow en la película también lo hizo acreedor al Volpi Cup en el Festival de Cine de Venecia 2005, así como un Golden Globe, el Screen Actors Guild (SAG®), el BAFTA, los premios Independent Spirit y nominaciones al Critics' Choice Award. Además, el elenco de "Good Night, and Good Luck" recibió una nominación al Premio SAG® por Mejor Reparto. Strathairn compartió dos nominaciones más a los premios SAG® en la misma categoría, por "L.A. Confidential" de Curtis Hanson y, más recientemente, por la épica película biográfica de 2012 de Steven Spielberg "Lincoln".

Ha disfrutado de una larga asociación con el director John Sayles, a quien conoció cuando eran estudiantes en el Williams College en Massachusetts. Su primera película fue "The Return of the Secaucus Seven", que marcó el debut como director de Sayles y debut en el cine de Strathairn. Strathairn más tarde ganó un Premio Independent Spirit al Mejor Actor de Reparto por su actuación en "City of Hope" de Sayles, y también obtuvo nominaciones a los premios Independent Spirit por su trabajo en "Passion Fish" y "Limbo". También colaboraron en "The Brother from Another Planet", "Matewan" y "Eight Men Out".

Strathairn tiene más de 70 películas en su haber, incluyendo una amplia gama de tanto los grandes estudios como del cine independiente. Ha protagonizado dos entregas de la franquicia de acción "Bourne", "The Bourne Ultimatum" de Paul Greengrass, "The Bourne Legacy" de Tony Gilroy. Su trabajo cinematográfico reciente incluye también "The Whistleblower", la adaptación cinematográfica de Julie Taymor de la obra de Shakespeare "The Tempest", "The Uninvited", "The Spiderwick Chronicles" de Mark Waters. También cuenta entre sus muchos y diversos créditos a "Fracture", con Anthony Hopkins y Ryan Gosling, "We are Marshall", "The Notorious Bettie Page", "Twisted" de Philip Kaufman, "Harrison's Flowers", "A map of the world", la versión cinematográfica de Michael Hoffman de la obra de Shakespeare "A Midsummer Night's Dream", "Simon Birch"; "Home for the Holidays" Jodie Foster en el que se unió a un elenco de estrellas, "Dolores Claiborne" de Taylor Hackford, "The River Wild" de Curtis Hanson, "The Firm" de Sydney Pollack, "Sneakers" de Phil Alden Robinson, y "A League of Their Own" de Penny Marshall.

En la pequeña pantalla, Strathairn ganó en 2010 un Premio Emmy y recibió una nominación al Golden Globe por su papel en la película biográfica de HBO "Temple Grandin". Ganó una segunda nominación al Emmy en 2012 por su trabajo en la película de HBO "Hemingway & Gelhorn" dirigida por Philip Kaufman. Su trabajo previo en televisión incluye un papel recurrente en "The Sopranos" y proyectos en formato largo como "Paradise", "Lathe of Heaven", "The Miracle Worker", "Freedom Song", "In the Gloaming" de Christopher Reeve, "The American Clock", "O Pioneers!", " Son of the Morning Star" y "Judgement". También actuó en la serie "The Days and Nights of Molly Dodd".

Strathairn también ha mantenido un alto perfil en el mundo del teatro, recientemente regresó a Broadway para protagonizar junto a Jessica Chastain en "The Heiress". Hizo su debut en Broadway en 1981 en "Einstein and the Polar Bear", y protagonizó las obras de teatro "The Three Sisters", "Dance of Death", y "Salome". También se lo ha visto en los escenarios de lugares como el Manhattan Theatre Club, el Festival de Shakespeare de Nueva York, SoHo Rep, Hartford Stage Company, Ensemble Studio Teatro y Seattle Repertory.

BRYAN CRANSTON (Joe Brody) ganó tres premios Emmy® consecutivos como Mejor Actor en una Serie Dramática por su trabajo en la "Breaking Bad" de AMC, que le dieron el honor de ser el segundo actor de la historia, y el primero en una serie de cable, que gana tres premios Emmy seguidos como Mejor Actor. Por su interpretación del antihéroe Walter White en la serie, Cranston también fue galardonado con dos Screen Actors Guild Awards® (SAG) y un Golden Globe, así como nominaciones para los Emmy, los Golden Globes y los premios SAG®. También compartió un premio SAG® en la categoría de Mejor Reparto de Serie Dramática y fue honrado por la Asociación de Críticos de Televisión.

Cranston actualmente está haciendo su debut en Broadway como el presidente Lyndon B. Johnson en "All the Way", del dramaturgo ganador del Pulitzer Robert Schenkkan. La obra representa la primera época de la presidencia de Lyndon B. Johnson y su relación con figuras políticas clave, como Martin Luther King, Jr., J. Edgar Hoover y el senador Richard Russell. Cranston recibió excelentes críticas por su actuación, que acaba de agotar una representación en el American Repertory Theatre en Cambridge, Massachusetts.

En la pantalla grande, Cranston ensayó recientemente el papel de agente de la CIA Jack O'Donnell en "Argo", la ganadora del Oscar® a Mejor Película de Ben Affleck por la cual compartió un Premio SAG® al Mejor Reparto de Película. Próximamente comenzará la producción "Trumbo" de Jay Roach, donde interpreta el papel principal de Dalton Trumbo, uno de los guionistas más exitosos de Hollywood cuya carrera llegó a su fin cuando lo pusieron en la lista negra en la década de los 40 por ser comunista.

El año pasado, se escuchó a Cranston como la voz de Vitality en "Madagascar 3: Europe de Most Wanted", y será la voz de un personaje de "Kung Fu Panda 3" de DreamWorks. Su larga lista de créditos cinematográficos incluye la nueva versión de "Total Recall" de Len Wiseman. "Rock of Ages" de Adam Shankman, "Drive", aclamada por la crítica, de Nicolas Winding Refn junto a Ryan Gosling y Carey Mulligan, así como "Contagion", "John Carter of Mars", "Larry Crowne", "The Lincoln Lawyer", "Little Miss Sunshine", "Seeing Other People", "Saving Private Ryan" y "That Thing You Do!"

Nacido en una familia de artistas y criado en el sur de California, Cranston hizo su debut como actor a la edad de ocho años en un comercial de United Way. No fue hasta que terminó la universidad que la actuación se convirtió en una carrera seria. Mientras hacía un viaje cross-country en moto con su hermano, descubrió el teatro comunitario y comenzó a explorar todos los aspectos del escenario. Pronto, lo eligieron para una compañía de verano.

Cranston volvió a Los Ángeles y rápidamente obtuvo un papel en la película para televisión "Love Without End", que lo llevó a ser miembro del elenco original de la "Loving" de ABC. Llegó a aparecer en numerosos papeles en televisión, incluyendo siete años como Hal en "Malcolm in the Middle" de FOX, por el que fue nominado a un Golden Globe y a tres premios Emmy, el papel recurrente de dentista Tim Whatley en "Seinfeld", como Buzz Aldrin en la aclamada miniserie de HBO "From the Earth to the Moon", y en el telefilm "I Know My First Name is Steven", entre otros.

Cranston también está disfrutando del éxito detrás de la cámara, como director, guionista y productor. Recibió tres nominaciones al premio Directors Guild of America (DGA), el primero por un episodio de "Modern Family", seguido de dos nominaciones este año, por episodios de "Modern Family" y "Breaking Bad". Como productor de "Breaking Bad" también ganó un Emmy y un Premio Producers Guild of America por Mejor Serie Dramática.

Anteriormente escribió, dirigió y protagonizó el drama romántico original "Last Chance" como un regalo de cumpleaños para su esposa, Robin Dearden, y también dirigió varios episodios de "Malcolm in the Middle" y el piloto de "Special Unit" de Comedy Central. En 2011, Cranston fue productor ejecutivo de una serie en línea exclusiva llamada "The Handlers" para Atom.com, en la que también interpretó el papel de Jack Powers, un político que hace campaña por un escaño en el Senado Estatal.

Cranston sigue persiguiendo su amor por el teatro siempre que le sea posible. Sus créditos en escena incluyen "The God of Hell", "Chapter Two", "The Taming of the Shrew", "A Doll's House", "Eastern Standard", "Wrestlers", "Barefoot in the Park" y "The Steven Weed Show", por la que ganó un premio Drama-Logue.

Además, Cranston produjo un DVD educativo llamado KidSmartz, que está diseñado para educar a las familias sobre cómo mantenerse a salvo de la sustracción de menores y depredadores en Internet. KidSmartz recauda dinero para el Centro Nacional para Niños Desaparecidos y Explotados.

ACERCA DE LOS REALIZADORES

GARETH EDWARDS (Director) hace su segundo largometraje después de la aclamada película independiente de 2010 "Monsters".

Edwards es oriundo de Nuneaton, una pequeña ciudad en el centro de Inglaterra, donde, desde los seis años, estaba decidido a convertirse en director de cine. Para su proyecto de graduación de la universidad, la suya fue una de las primeras películas de estudiantes en combinar la acción en vivo con efectos digitales. Comprendiendo la influencia de los gráficos de computadora en el proceso creativo de la cinematografía, Edwards comenzó una carrera de diez años como artista de efectos visuales trabajando desde su habitación en documentales de la BBC como "Hiroshima", por la que ganó un premio BAFTA.

Sus habilidades de efectos visuales lo llevaron a dirigir el drama épico "Heroes and Villains: Atila the Hun" para la BBC, creando personalmente los 250 efectos visuales para el proyecto. Luego entró en el concurso de cine de 48 horas Sci-Fi London, respondiendo al desafío de hacer un cortometraje sin equipo, con un solo actor, en sólo dos días. El resultado, "Factory Farmed", ganó el primer premio.

Inspirado por este enfoque de guerrilla de la cinematografía, Edwards pasó a hacer "Monsters", un thriller de ciencia ficción sobre un ataque alienígena en la Tierra y su efecto en un cínico periodista estadounidense, interpretado por Scott McNairy. Con sólo un equipo mínimo, se desempeñó como escritor, director, director de fotografía y completó todo el diseño de la criatura y grabó todos los efectos visuales.

Para "Monsters", Edwards obtuvo una nominación al Premio BAFTA por Mejor debut de un director o productor británico, ganó tres Premios del Cine Independiente Británico, incluyendo Mejor Director y Mejor Logro Técnico, por los efectos de la película, un premio Evening Standard Film al Mejor Logro Técnico/Artístico, por la fotografía de la película, el diseño de producción y los efectos visuales, el London Film Critics Circle como Cineasta Británico Revelación, y el Austin Film Critics Award a la Mejor Ópera Prima. La película en sí ganó el National Board of Review como Mejor Película Independiente y el Premio Saturn a la Mejor Película Internacional de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Horror.

El éxito de "Monsters" llamó la atención de Hollywood, lo que lo llevó a la oportunidad de dirigir el renacimiento épico de "Godzilla".

THOMAS TULL (Productor) es presidente y CEO de Legendary Pictures y ha logrado un gran éxito en la coproducción y cofinanciación de películas de eventos. Desde su inicio en 2004, Legendary Pictures, una división de la empresa líder de medios Legendary Entertainment con divisiones de cine, televisión, digitales y editoriales, se ha asociado con Warner Bros. Pictures en una amplia gama de películas de cine.

Los muchos éxitos lanzados conjuntamente incluyen el éxito mundial "Man of Steel" de Zack Snyder, y la superproducción de Christopher Nolan "The Dark Knight Trilogy", que se inició con "Batman Begins", seguido por los éxitos de taquilla de mil millones de dólares "The Dark Knight" y "The Dark Knight Rises", que recaudó más de mil millones de dólares en la taquilla mundial.

Esta asociación de gran éxito también produjo películas como "300" y "Watchmen" de Zack Snyder y "300: Rise of an Empire" que produjo Snyder, "The Town" de Ben Affleck, el galardonado drama de acción "Inception" de Nolan, el éxito mundial "Clash of the Titans" y su secuela "Wrath of the Titans", "The Hangover" y "The Hangover Part II" de Todd Phillips, que es la comedia de clasificación R más taquillera de todos los tiempos, y la recientemente lanzada "The Hangover Part III".

Legendary lanzó más recientemente el exitoso drama del director Brian Helgeland "42", la historia de la leyenda del béisbol Jackie Robinson, y "Pacific Rim" del director Guillermo del Toro. Legendary también es parte de la producción de "Godzilla", programado para mayo de 2014 y "Warcraft", basada en el galardonado universo Warcraft de Blizzard Entertainment.

Tull es miembro del Consejo de Administración del Hamilton College, su alma mater, y de la Universidad Carnegie Mellon. También es miembro de las juntas directivas del National Baseball Hall of Fame and Museum y el zoológico de San Diego, y es parte del grupo de propietarios de los Steelers de Pittsburgh, seis veces campeón del Super Bowl, en el que también tiene un puesto en la junta. Tull invierte empresas digitales, de medios de comunicación y de estilo de vida a través de su Tull Media Ventures, un fondo de inversión de capital privado.

JON JASHNI (Productor) supervisa el desarrollo y la producción de todos los proyectos de películas de Legendary Pictures y es presidente y director creativo de Legendary Entertainment, una empresa líder de medios de comunicación con divisiones de cine, televisión, divisiones digitales y editoriales. Actualmente está produciendo "Warcraft", basada en el galardonado universo Warcraft de Blizzard Entertainment. También el productor ejecutivo de la próxima "Seventh Son".

Jashni antes era un productor de "Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures Pacific Rim", y fue productor ejecutivo en películas legendarias como "300: Rise of an Empire", la película biográfica de Jackie Robinson "42", el éxito mundial "Clash of the Titans", y "The Town", dirigida y protagonizada por Ben Affleck.

Antes de Legendary, Jashni era Presidente de Hyde Park Entertainment, una empresa de producción y financiamiento con contratos con los estudios 20th Century Fox, Disney y MGM. Mientras estuvo allí, supervisó el desarrollo y producción de "Shopgirl", "Dreamer: Inspired by a True Story", "Walking Tall" y "Premonition".

Antes de unirse a Hyde Park, Jashni fue productor de la comedia romántica del director Andy Tennant "Sweet Home Alabama". La colaboración de Jashni con Tennant comenzó con el cuento de hadas "Ever After", donde Jashni supervisó el desarrollo y la producción como productor ejecutivo senior de 20th Century Fox.

Jashni también coprodujo dos películas nominadas a los Academy Awards®: el drama aclamado por la crítica "The Hurricane", que obtuvo una nominación para la estrella Denzel Washington como Mejor Actor, y una reinterpretación no musical de "Anna and the King", protagonizada por Jodie Foster y que obtuvo dos nominaciones al Oscar®.

Jashni es miembro del American Film Institute y del Producers Guild of America. Tiene una licenciatura de la University of Southern California y una maestría de la Anderson School of Management de la UCLA.

MARY PARENT (Productora) se reúne con Legendary Pictures y los productores Thomas Tull y Jon Jashni después de producir la aventura de ciencia ficción de Guillermo del Toro "Pacific Rim". También produjo recientemente la épica bíblica de Darren Aronofsky, "Noé" con su propia empresa, Disruption Entertainment, que tiene un acuerdo de primera opción en Paramount Pictures. Parent también produjo la próxima película "SpongeBob Squarepants", así como la actualmente en producción "Monster Trucks", dirigida por Chris Wedge ("Ice Age").

Parent fundó su primera compañía de producción, Stuber/Parent, con el también cineasta y colega Scott Stuber, en 2006, quien trabaja exclusivamente con Universal Pictures, donde la pareja actuó como vicepresidentes del estudio para las producciones mundiales desde 2003 a 2005.

Durante sus ocho años en Universal, en cinco de los cuales administró la producción antes de ascender a vicepresidentes, la pareja fue responsable de muchas de las películas aclamadas por la crítica y de éxito comercial del estudio.

Esos proyectos incluyen "King Kong" de Peter Jackson, "Jarhead" de Sam Mendes, "A Beautiful Mind" de Ron Howard, ganadora del Oscar® a la Mejor Película en 2001, "Seabiscuit" de Gary Ross, nominada al Oscar®, la película biográfica de Howard "Cinderella Man", "Munich" de Steven Spielberg, nominada al Oscar®, el éxito de taquilla "Meet the Parents" y "Meet the Fockers", "The Bourne Identity", "The Bourne Supremacy", la exitosa comedia de Judd Apatow "The 40-Year-Old Virgin", la franquicia de "The Mummy", la franquicia de "American Pie", la aclamada por la crítica "Friday Night Lights" de Peter Berg, y muchas otras. En menos de una década, Stuber y Parent supervisaron ​​más de 90 películas entre ellos, y más de veinte de ellas recaudaron más de 100 millones dólares a nivel nacional.

Trabajando con Stuber bajo su propio sello de producción, Parent produjo la comedia "You, Me and Dupree", protagonizada por Owen Wilson, Matt Dillon y Kate Hudson, el thriller del Oriente Medio del director Berg "The Kingdom", con Jamie Foxx, Jennifer Garner, Chris Cooper y Jason Bateman, otra comedia, "Role Models", con Paul Rudd y Sean William Scott, y la comedia romántica "Welcome home, Roscoe Jenkins", protagonizada por Martin Lawrence y James Earl Jones.

Parent aterrizó a continuación como presidente del Motion Picture Group del estudio y codirectora en MGM donde supervisó proyectos como la exitosa comedia "Zookeeper", de Kevin James, el relanzamiento de "Red Dawn", la película de acción de John Milius de 1984, la comedia "Hot Tub Time Machine", el thriller con guión de Joss Whedon "The Cabin in the Woods", y la trilogía "The Hobbit" de Peter Jackson, esta última en sociedad con New Line Cinema y Warner Bros. Pictures.

Antes de su temporada en Universal, Parent trabajó en New Line Cinema como vicepresidenta de producción, responsable de películas como "Pleasantville" de Gary Ross, "Trial and Error", proyectos en los que también hizo de productora ejecutiva. Nativa de Santa Bárbara, Parent se graduó de la USC como Licenciada en Negocios antes de comenzar su carrera como aprendiz de agente en ICM.

BRIAN ROGERS (Productor) tiene una vasta experiencia en la industria del cine y una lista de créditos que incluye películas, películas en 3D para cines especiales, películas IMAX y producciones televisivas. Esto lo ha llevado a todas partes del mundo, incluyendo la India, Nepal, China, Japón, Inglaterra, las islas de Hawai, las islas caribeñas de Puerto Rico, St. John, St. Thomas y St. Lucia. A esto se acoplan sus muchos años de trabajo pionero como productor en todos los aspectos y formatos de producción en 3D, incluyendo tanto la acción en vivo y la imagen generada por computadora que fueron grababan en 65mm, 35mm y captura digital.

Su variado catálogo de proyectos incluye trabajos para HBO, Universal Pictures, Paramount, MGM, Imax, NBC y Nickelodeon, con créditos que incluyen la película de acción de James Bond "License to Thrill", "Men In Black", "Pirates 3D", y la primera producción digital en 3D "Race for the Atlantis". Los créditos de IMAX de Rogers incluyen "Dr. Big Screen" para Sony Pictures y "Mystic India", grabada en la India y en el Himalaya nepalí, una producción que utiliza un total de 50.000 extras con vestuario de época. También fue productor y jefe de producción en muchos segmentos de "Terminator 2 3D", que fue la primera incursión del director James Cameron en 3D. Rogers ha sido un consultor de producción para las películas de Imax 3D "Cirque Du Soleil en 3D", "Mummies" y para proyectos de películas para televisión de Paramount y Granada USA. Otros créditos incluyen películas de cine 3D de conciertos, incluyendo "Luna Sea" para Sony PLC en Japón, así como la grabación de eventos deportivos, como "The X Games" en 3D.

Rogers tiene una larga historia de trabajo en los efectos visuales para empresas de efectos visuales que incluyen Digital Domain, IE Effects, R Greenberg/Imaginary Forces y Rhythm & Hues. Esto fue como productor, productor de efectos visuales, jefe de producción, junto a supervisión de conversión estéreo 3D en películas como "Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2", "Green Lantern" y "The Hole".

Fue conferencista especial invitado en 3D Next Conference y la 3D Summit Entertainment celebrada en Los Ángeles. También un miembro de la Academia Británica de Artistas de Cine y Televisión.

MAX BORENSTEIN (Guionista) está adaptando la novela sueca ciberpunk Mona para New Regency y escribiendo "Art of the Steal" para New Line Cinema, con Seth Gordon como director. Además, el guionista está desarrollando dos nuevos proyectos para sus socios de "Godzilla" en Legendary Pictures.

Borenstein escribió, editó y dirigió su primer largometraje, "Swordswallowers and Thin Men", en su último año en la Universidad de Yale. La comedia dramática, protagonizada por Zoe Kazan, ganó Mejor Película y Mejor Guión en el Festival de Cine Independiente de Nueva York y fue nombrada Mejor Película de 2003 por el diario Los Angeles Times.

Sus guiones "What is Life Worth?", basada en las memorias de Kenneth Feinberg del mismo nombre, y "Jimi", basada en la vida del guitarrista Jimi Hendrix, fueron ambos honrados en The Black List.

DAVID CALLAHAM (Relato) creció en Orinda, California, y se graduó de la Universidad de Michigan con una licenciatura en Inglés. Vendió "Horsemen", su primer guión, en 2003, y desde entonces ha trabajado en "Doom" en 2005 (historia y guión), "Tell-Tale" en 2009 (escritor, productor ejecutivo) y "The Expendables" en 2010 (historia y guión).

Callaham también ha escrito proyectos para Warner Bros. Pictures, Paramount, Fox, Screen Gems, Focus Features y, en la actualidad, Marvel Studios. Es un entusiasta de los monstruos de Lago Ness y Pie Grande, y otras pasiones incluyen "Star Wars", LEGO® y LEGO® Star Wars. Vive en Los Ángeles con su esposa y sus dos perros.

PATRICIA WHITCHER (Productora Ejecutiva) recientemente fue productora ejecutiva de "The Avengers". Dirigida por Joss Whedon, y con un panteón de superhéroes de Marvel, la película batió todos los récords de taquilla de apertura de fin de semana a partir de su estreno en mayo de 2012. Whitcher entró por primera vez en el universo Marvel como productora ejecutiva de la película épica de Kenneth Branagh "Thor", que también fue un éxito de taquilla, amada por los aficionados, así como por los críticos. Continuó su asociación con Marvel al reencontrarse con la selección estelar de súper héroes en la exitosa secuela, "The Avengers: Age of Ultron".

Como productora ejecutiva de "The Soloist", del director Joe Wright, Whitcher llevó a su reparto y equipo de las calles de los barrios bajos de Los Ángeles al escenario del Walt Disney Concert Hall. Basada en una historia real, "The Soloist", protagonizada por Robert Downey, Jr., como columnista delLos Angeles Times Steve Lopez, y Jaime Foxx como cellista prodigio sin hogar Nathaniel Ayers.

Whitcher también estuvo en el centro de Los Ángeles, entre otros lugares, como productora ejecutiva de "Dreamgirls", la adaptación de Bill Condon del exitoso musical de Broadway que obtuvo decenas de premios, incluyendo dos premios Oscar®. Whitcher también fue productora ejecutiva de "Memoirs of a Geisha", la adaptación cinematográfica del espléndido best-seller de Arthur Golden, para el director Rob Marshall. "Geisha" obtuvo seis nominaciones a los Academy Awards® y ganó premios Oscar® por su dirección de arte, fotografía y vestuario.

Sus créditos también incluyen la producción ejecutiva de "The Terminal", del director Steven Spielberg, y el gran éxito de P.J. Hogan "My Best Friend's Wedding". También produjo la película de culto "Unconditional Love", para Hogan. Otros créditos de producción también incluyen "Moonlight Mile", "Where the Heart Is", "How to Make an American Quilt", "High School High" y "A Dangerous Woman". Al principio de su carrera, fue jefa de producción en "True Lies", "The Meteor Man", "The Lawnmower Man", "Iron Maze" y "Darkman".

Whitcher residió toda la vida en Los Ángeles, se graduó en la Universidad Loyola Marymount, y es madre de dos hijos.

ALEX GARCIA (Productor ejecutivo) es vicepresidente ejecutivo de Legendary Entertainment, donde está supervisando varios proyectos de la empresa. Además de guiar "Godzilla" desde su creación, es productor ejecutivo de la próxima película de suspenso de Michael Mann, protagonizada por Chris Hemsworth, Wang Lee Hom, y Viola Davis. También está supervisando el desarrollo de "Mass Effect", adaptación de Legendary de la popular serie de juegos de BioWare / EA, y "Hot Wheels", que trae el clásico universo de la marca Mattel a la pantalla grande.

Desde su incorporación a Legendary en 2009, Garcia coprodujo la superproducción global "300: Rise of an Empire", y fue productor ejecutivo de "Jack the Giant Slayer", del director Bryan Singer.

Antes de trabajar con Legendary, Garcia administraba Bad Hat Harry Productions de Singer, donde trabajaba en estrecha colaboración con el director, incluyendo el aclamado thriller de la Segunda Guerra Mundial "Valkyrie", protagonizada por Tom Cruise. Además, se desempeñó como ejecutivo a cargo de producción en las tres primeras temporadas de la exitosa serie de televisión "House, M.D." de Fox y NBC Universal, y como coproductor ejecutivo de la exitosa miniserie de 2005 de Syfy Channel "The Triangle", supervisando la producción en la locación de Sudáfrica. También en Bad Hat Harry, Garcia fue productor ejecutivo de la película de terror de culto "Trick 'R Treat", dirigida por Michael Dougherty en 2007.

García se graduó de la Universidad de la USC School of Cinematic Arts.

YOSHIMITSU BANNO (Productor Ejecutivo) es un director de cine japonés veterano conocido por el clásico de culto "Godzilla vs. Hedorah" (1971, también conocido como "Godzilla vs. The Monster Smog"), que dirigió y coescribió la película número 11 para la larga franquicia de Toho Company, que comenzó en 1954 con el original del mismo nombre, dirigida por Ishirô Honda.

Banno se unió a Toho poco después de graduarse en la Universidad de Tokio en 1955, y estudió en Toho bajo directores como Hiromichi Horikawa, Mikio Naruse, Kengo Furusawa y Seiji Maruyama. Comenzó su carrera como asistente de dirección, primero trabajando con el legendario Akira Kurosawa en cuatro películas consecutivas: "Throne of Blood", "The Lower Depths" (1957), "The Hidden Fortress" (1958) y "The Bad Sleep Well" (1960).

Continuó como asistente de dirección en más de diez películas (muchos del cineasta Furusawa) antes de hacer su propio debut como director en 1970 con "Japanese Nature and Dream", que se exhibió en la Expo 70 de Osaka en el Pabellón Futuro Mitsubishi. Banno creó una verdadera experiencia audiovisual en la película, usó de espejos para simular los efectos de los terremotos y las erupciones volcánicas, que atrajo a multitudes récord.

El enorme éxito y la visión única de la ópera prima de Banno llevaron al productor de la serie "Godzilla" Tomoyuki Tanaka a alistar al cineasta para ayudar a revitalizar la serie. El resultado, "Godzilla vs. Hedorah", fue una película vanguardista apasionada que nace de la visita de Banno a una playa severamente contaminada cerca de la zona industrial de Yokkaichi. Banno llamó a su nuevo monstruo Hedorah, tomando el nombre de la palabra japonesa Hedoro, que significa "barro". Los críticos citan la película como una de las más singulares y únicas de la serie, una mezcla de sátira social, lucha contra monstruos, animación, imaginería psicodélica, pantallas divididas y secuencias musicales con muerte y violencia.

Después de "Godzilla vs. Hedorah", Banno realizó el documental "Starving Sahara" (1972), y ayudó a escribir el guión de la película que describe la severidad de la sequía en África. Luego regresó a la asistencia de dirección con "Prophecies of Nostradamus" (Nosutodoramusu no Daiyogen, 1974), adaptada de la novela de Tsutomu Goto.

Durante los próximos cuatro años, Banno realizó una serie de documentales para el programa de televisión "Wonderful World". En la década de los 80, produjo el telefilme de Toho "Tokyo Earthquake M8" antes de escribir y producir varias películas de animación como "The Story of Shigeo Nagashima", "The Wizard of Oz" y "Techno Police" (Tekuno porisu 21C).

Banno también trabajó en el desarrollo de Japax, un formato de rodaje y sistema de proyección de 70 mm similar a IMAX. Produjo la primera película Japax, "Breathe", para la Expo 1985 de Tsukuba. Una mayor evolución llevó a Opax (domo de proyección en formato 70mm), Cubic (70mm 3D) y Twin Cubic, que utiliza proyectores duales Japax.

Varias películas en varios formatos fueron presentados en festivales y exposiciones en todo Japón. Los proyectos producidos por Banno incluyen "Magma Adventure" (1988), "Hurry Up Children of Earth" (1988) y "Eagle Fly" (1989). También diseñó el parque de atracciones Space World, ubicado en la ciudad de Kitakyushu.

En 1989, Banno se convirtió en director ejecutivo de TOHO E·B Co. Ltd. y estableció Advanced Audiovisual Productions Inc., y se convirtió en su presidente en 2001.

KENJI OKUHIRA (Productor Ejecutivo) es un productor y reportero gráfico cuyas obras, en dos áreas diferentes, incluyen la película de suspenso "Pups" de Ash Baron-Cohen en 1999, en el que se desempeñó como productor asociado para festivales de cine, y contribuciones fotográficas para el libro de 2012: Floating Stone: 21 Thoughts of Kenji Miyazawa.

Esta última obra es una gran colección de escritos del poeta Miyazawa Kenji. Miyazawa está considerado como uno de los más grandes poetas y autores japoneses modernos, cuya obra influyó a Ishirô Honda, director de la "Godzilla" original de 1954, y a muchos otros artistas. Poemas selectos de Miyazawa fueron leídos por el actor Ken Watanabe, quien interpreta el papel del doctor Serizawa en "Godzilla", en un programa especial de televisión por la NHK y en una subasta benéfica de Christie en Nueva York como parte de las actividades de socorro tras el terremoto de Tohoku. Floating Stone: 21 Thoughts of Kenji Miyazawa contiene líneas breves seleccionadas de las obras más conocidas de Miyazawa yuxtapuestas con fotografías de Okuhira.

SEAMUS MCGARVEY (Director de Fotografía) obtuvo dos nominaciones a los Academy Awards® por la fotografía del drama de la Primera Guerra Mundial, "Atonement" de Joe Wright en 2007, y por su adaptación de 2012 del clásico de Tolstoi, "Anna Karenina".

Además de las nominaciones al Oscar®, McGarvey ganó el premio de la British Society of Cinematogaphers (BSC) por "Anna Karenina", así como una nominación por "Atonement", y también ganó nominaciones para el BAFTA y el ASC por ambos proyectos. "Atonement" también lo hizo acreedor a nominaciones para el Premio British Independent Film, la Chicago Film Critics Asociation y la Online Film Critics Society, y se llevó el máximo galardón de la Sociedad de Críticos de Cine de Phoenix.

McGarvey también ganó tres premios Evening Standard por "Atonement", "Anna Karenina" y de Stephen Daldry "The Hours", y un cuarteto de los Irish Film & Television Awards por "Atonement", "Anna Karenina", "Sahara" y "We Need to Talk About Kevin". En 2004, fue galardonado con la prestigiosa medalla Lumiere de la Royal Photographic Society , compartiendo compañía con pioneros como Jack Cardiff, Freddie Francis, Roger Deakins y Sir Ridley Scott, por su contribución al arte de la cinematografía.

McGarvey es oriundo de Armagh, en Irlanda del Norte, y comenzó su carrera como fotógrafo antes de asistir a la escuela de cine de la Universidad de Westminster en Londres. Después de graduarse en 1988, comenzó a rodar cortometrajes y documentales, incluyendo "Skin", que fue nominada para un premio de la Royal Television Society, y "Atlantic", dirigida por Sam Taylor-Wood. Este último proyecto, una película experimental proyectada de tres pantallas creada en 1997, le ganó a Taylor-Wood una nominación para el Premio Turner 1998, y daría lugar a una colaboración en curso entre McGarvey y el director.

Sus cuatro docenas de créditos como director de fotografía incluyen la épica de súper héroes de Joss Whedon "The Avengers", que posee el récord de taquilla de la industria para la apertura en un fin de semana tras su estreno en mayo de 2012. "We Have to Talk About Kevin" de Lynne Ramsay, "World Trade Center" de Oliver Stone, que lo hizo acreedor a una nominación a los IFTA, "Charlotte's Web" de Gary Winick, "Along Came Polly" de John Hamburg, "High Fidelity" de Stephen Frears, "Wit" de Mike Nichols, "Enigma" de Michael Apted, "Butterfly Kiss" de Michael Winterbottom, el primer crédito de largometraje de McGarvey, y dos proyectos que marcaron el debut como directores de dos actores: "The War Zone" de Tim Roth y "The Winter Guest" de Alan Rickman. También se desempeñó como director de fotografía en el episodio piloto de la serie de televisión de la BBC/HBO "The No. 1 Ladies Detective Agency" dirigida por Anthony Minghella.

Se reencontró con el director Wright en su drama de 2009 "The Soloist", y con la cineasta Sam Taylor-Wood (ahora Sam Taylor-Johnson) en su aclamado drama de 2008, "Nowhere Boy", en su corto de 2011 "James Bond Supports International Women's Day", y el segmento "Death Valley" del drama erótico de 2006 "Destricted". Después de su trabajo en "Godzilla", vuelve a hacer equipo con Taylor-Johnson en su adaptación para la gran pantalla y en su debut como directora en Hollywood del fenómeno de ventas "50 Shades of Grey".

Su trabajo documental incluye "Lost Angels: Skid Row is my Home", que siguió a su trabajo con Wright "The Soloist", y rodada en los mismos lugares, "Harry Dean Stanton: Partly Fiction", "Rolling Stones: Tip of the Tongue"; y "The Name of This Film Is Dogme95".

Complementando su trabajo en películas y telefilmes, McGarvey también ha fotografiado y dirigido más de 100 videos musicales para artistas como Coldplay, Paul McCartney, Dusty Springfield, The Rolling Stones, U2 y Robbie Williams.

OWEN PATERSON (Director de Arte) fue nominado dos veces en los BAFTA por su trabajo en el thriller de ciencia ficción de 1999 "The Matrix", y por sus diseños en la comedia extravagante de Stephan Elliott "The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert". Por esta última, también fue galardonado por el Australian Film Institute (AFI), la tercera de las tres nominaciones que recibió por el premio. Por su trabajo en "The Matrix", también obtuvo nominaciones para el AFI y el Art Directors Guild. Paterson trabajó en la trilogía completa de "Matrix".

Nativo de Australia Occidental, estudió en el Instituto de Cine y Televisión de Perth y dirigió un cortometraje en 1978 llamado "Silvana" antes de embarcarse en su carrera como diseñador. Se reencontró con el director Elliott en su siguiente proyecto, la comedia de 1995 "Welcome to Woop Woop", y también cuenta entre sus créditos de diseño "The Green Hornet" de Michel Gondry, el thriller de ciencia ficción "Red Planet", así como "Speed ​​Racer" de los Wachowski y su producción del thriller distópico "V for Vendetta", por la que ganó Mejor Dirección Artística de la Sociedad de Críticos de Cine de San Diego.

Paterson también diseñó varias producciones australianas que incluyen "Race the Sun", "Travelling North" y "The Place at the Coast", por la que fue nominado al AFI. Además, se desempeñó como director de arte en las películas australianas "The Return of Captain Invincible" y "Bliss", ganando su primera nominación al AFI por esta última película.

Sus créditos en televisión incluyen "Noriega: God's Favorite" de Roger Spottiswoode, el thriller de la NBC "The Beast" (basada en la novela de Peter Benchley), "Shout! The Story of Johnny O'Keefe" y "The Riddle of the Stinson" de Chris Noonan.

BOB DUCSAY (Editor/Coproductor) vuelve a formar equipo con Legendary Pictures después de su trabajo en la aventura de fantasía de Bryan Singer "Jack the Giant Slayer".

Ducsay es un colaborador de largo plazo con el realizador Stephen Sommers. Ducsay se ha desempeñado como editor y productor de Sommers en de "The Mummy Returns", "Van Helsing" y "GI Joe: The Rise of Cobra", además de producir "The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor".

Otros créditos de edición de Ducsay incluyen "The Adventures of Huck Finn", "The Jungle Book", "Deep Rising" y "The Mummy". Más recientemente editó el aclamado thriller de Rian Johnson "Looper". Ducsay también fue productor ejecutivo del cortometraje de 2004 ganador del Oscar® "Two Soldiers".

Es nativo de Miami y obtuvo una licenciatura en la Universidad de Pennsylvania y una maestría en Bellas Artes en la USC School of Cinematic Arts

SHAREN DAVIS (Diseñadora de Vestuario) fue dos veces nominada al Oscar® y recientemente diseñó el vestuario para un trío de diversos proyectos cuyos géneros abarcan tres épocas diferentes: "Django Unchained", el homenaje a los spaghetti Western situada en 1850 de Quentin Tarantino y ganadora del Oscar®, el thriller futurista de Rian Johnson "Looper", y la nominada al Oscar® a Mejor Película en 2011 de Tate Taylor "The Help", que explora la vida en la década de los 60 en el sur de Estados Unidos. Después de su trabajo en "Godzilla", se reencontró con Taylor en su biopic de James Brown "Get On Up".

Davis ganó nominaciones al Oscar® por su trabajo en la premiada película biográfica de Taylor Hackford "Ray", y en el musical de 2008 para la pantalla grande "Dreamgirls" de Bill Condon. También obtuvo nominaciones al Premio del Costume Designers Guild por "The Help", "Ray" y "Dreamgirls"" y una de la Broadcast Film Critics Association por "The Help".

En una carrera que abarca tres décadas, Davis ha colaborado en cinco ocasiones con el actor Denzel Washington ("Devil in A Blue Dress" de Carl Franklin, "Out of Time" de los hermanos Hughes, "The Book of Eli", y los esfuerzos como director de Washington en "Antwone Fisher" y "The Great Debaters"), dos veces con Will Smith ("Seven Pounds" y "The Pursuit of Happiness"), y en dos proyectos con Eddie Murphy ("Doctor Doolittle" y "Nutty Professor II: The Klumps").

Sus créditos cinematográficos también incluyen el drama aclamado por la crítica "Akeelah and the Bee", "Beauty Shop", "High Crimes" de Franklin, "Rush Hour" y "Money Talks" de Brett Ratner, "Middle Men" y "The Take" de George Gallo y el thriller de 1992 "Equinox" de Alan Rudolph que marcó su primer crédito como diseñadora.

Además de su trabajo en el cine y la televisión, Davis también diseñó los vestuarios para el legendario grupo musical The Traveling Wilburys, habiendo conocido al cantante y compositor George Harrison en la película de 1989, "Checking Out", en la cual se desempeñó como supervisora de vestuario para su empresa productora Dark Horse.

JIM RYGIEL (Supervisor de Efectos Visuales) ganó tres veces el Academy Award® por sus innovadores efectos visuales en la trilogía de Peter Jackson "The Lord of the Rings". Por su trabajo en "The Fellowship of the Ring", "The Two Towers" y "The Return of the King", Rygiel también compartió tres Premios BAFTA y dos de la Sociedad de Efectos Visuales (VES) por la segunda y tercera películas, con una tercera nominación por "The Return of the King". En 2002, después del lanzamiento de "The Fellowship of the Ring", Rygiel recibió el primer Premio al Artista del Año de Efectos Digitales del American Film Institute.

Considerado uno de los pioneros de la industria en el campo de la animación por computadora, Rygiel comenzó su carrera en la infancia de los efectos visuales digitales. Después de obtener su licenciatura en la Universidad de Wisconsin-Milwaukee en su estado natal, el nacido en Kenosha se mudó a Los Ángeles y recibió una maestría en Bellas Artes y un doctorado honorario de la Universidad de Arte y Diseño de Otis, donde actualmente es miembro de la Junta Directiva. Además, es miembro del Consejo de Asesores en la Academy of Art University en San Francisico, donde también recibió un doctorado honoris causa.

Aterrizó primero en Pacific Electric Pictures (una de las primeras empresas en emplear animación por computadora para publicidad y cine) antes de pasar a Digital Productions, donde su trabajo lo hizo acreedor a un premio CLIO por la campaña publicitaria del Walkman SONY y donde trabajó en dos películas de ciencia ficción de 1984, la secuela de Peter Hyams "2010", basada en el libro de Arthur Clarke, y "The Last Starfighter" de Nick Castle, uno de los primeros proyectos en utilizar la animación digital en lugar de modelos. Más tarde recibió un segundo CLIO por su trabajo en el comercial del automóvil Geo Prism.

Se incorporó en 1989 a Boss Film Studios, y trabajó con el legendario Richard Edlund. Allí Rygiel dirigió un departamento de animación por computadora que creció a más de 75 animadores y un personal de apoyo de 100 personas en menos de catorce meses y produjo los efectos de proyectos como "Starship Trooper" de Paul Verhoeven, que fue nominada para el Oscar® por Efectos Visuales, "Species" de Roger Donaldson, "Outbreak" y "Air Force One" de Wolfgang Petersen, "The Last Action Hero" de John McTiernan, "Cliffhanger", la película de acción de Renny Harlin, "Batman Returns" de Tim Burton, nominada al Oscar® por Efectos Visuales, "Alien 3" de David Fincher, nominada a otro Oscar® por Efectos Visuales, y "Ghost" de Jerry Zucker.

Más recientemente se desempeñó como supervisor de efectos visuales en "The Amazing Spider-Man", y cuenta entre sus créditos películas como "Eagle Eye", el relanzamiento en 2008 de "The Day the Earth Stood Still", "Night at the Museum", "102 Dalmatians", "The Parent Trap", "Ana and the King" y "Star Trek: Insurrection".

ALEXANDRE DESPLAT (Compositor) fue seis veces nominado al Oscar®, y ha creado la música para una amplia gama de películas. Recibió su más reciente nominación al Oscar® este año por la banda sonora de la aclamada por la crítica "Philomena" de Stephen Frears, que también recibió una nominación al Oscar® a Mejor Película.

Desplat fue nominado previamente por componer la música para la ganadora del Oscar® a Mejor Película "Argo" de Ben Affleck, por la que también obtuvo nominaciones a los BAFTA y Golden Globe. También ganó otro Oscar® a Mejor Película por "The King's Speech", y fue nominado de nuevo para los premios BAFTA y Golden Globe.

Adicionalmente, obtuvo nominaciones al Oscar® y el BAFTA por su música para la película de animación "Fantastic Mr. Fox", nominaciones al Oscar®, al Golden Globe y el BAFTA por "The Curious Case of Benjamin Button" de David Fincher, y nominaciones al Oscar® y el BAFTA por "The Queen" de Stephen Frears.

Desplat también ganó un Golden Globe por "The Painted Veil" de John Curran, y recibió nominaciones al Golden Globe por su música para "Syriana" de Stephen Gaghan y "Girl with a Pearl Earring" de Peter Webber.

En su país natal, Francia, Desplat ganó el Premio Cesar por las bandas sonoras de "The Beat That My Heart Skipped", "The Ghost Rider" de Roman Polanski, y, más recientemente, por "Rust and Bone". Desplat obtuvo cinco nominaciones a los Premios Cesar, incluyendo una por la película francesa nominada al Oscar® en 2009 "A Prophet", y este año por "Venus in Fur" de Roman Polanski.

Desplat también creó la música para las nominadas al Oscar® como Mejor Película, "Zero Dark Thirty", "Extremely Loud & Incredibly Close" y "The Tree of Life".

Sus otros trabajos recientes incluyen las películas "The Grand Budapest Hotel", "Reality", la película de animación "Rise of the Guardians", y "Monument's Men" de George Clooney.

Entre sus otros créditos están "The Ides of March" de George Clooney, "Carnage" de Polanski, las dos películas finales de la serie de Harry Potter, "Harry Potter and the Deathly Hallows - Part 1 and 2", "Moonrise Kingdom" de Wes Anderson, "A Better Life" de Chris Weitz, "The Twilight Saga New Moon", "The Golden Compass", "Tamara Drewe", "Julie & Julia" de Nora Ephron y "Lust, Caution", de Ang Lee.

El músico parisino comenzó a tocar el piano a los cinco años. Más tarde añadió la flauta y la trompeta a su repertorio musical, estudiando música en Francia y en los Estados Unidos con mentores tales como Claude Ballif, Iannis Xenakis y Jack Hayes. Sus influencias incluyen también al brasileño Carlinhos Brown y al músico congolés Ray Lema.

NO SE PERMITE BAJO NINGÚN CONCEPTO

REPRODUCIR NINGÚN TEXTO DE EL BAZAR DEL ESPECTÁCULO CINE

NI SIQUIERA MENCIONANDO LA FUENTE.

SI ESTE ARTÍCULO NO LO LEES en EL BAZAR DEL ESPECTÁCULO CINE

https://elbazardelespectaculocine.blogspot.com

ESTÁ COPIADO SIN PERMISO ESCRITO Y SE PROCEDERA A INCIAR LAS ACCIONES LEGALES CORRESPONDIENTES



Publicar un comentario

Sería útil que aportaras tu opinión sobre la película para tener más puntos de vista. Gracias!

 
TOP